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«C'è stato un tempo in cui i pittori non volevano più essere spiriti individuali, ma andavano alla scoperta delle città in cui vivevano, creando un rapporto intenso tra le loro opere e gli abitanti di quelle città». Con queste parole il poeta francese Alain Jouffroy racconta la genesi del gruppo degli affichistes, termine intraducibile, che comprende un drappello di artisti italiani e francesi che, tra gli anni ’50 e ’70 si dedica all’esplorazione di tecniche creative alternative, come collage e décollage, recuperando cartelloni e scritte pubblicitarie affissi in strada per trasformarli in opere d'arte. Che li si consideri precursori della Street Art o della Pop Art, alla fine degli anni ’50 gli affichistes sperimentano un nuovo concetto di pittura, presentato alla mostra Nouveau Réalisme: una passione di famiglia grazie ad alcuni interessanti lavori di Mimmo Rotella, Raymond Hains e Jacques Villeglé.

Ad accomunare Christo Javacheff e Gérard Deschamps è la loro attitudine a esplorare il concetto di spazio e ambiente attraverso l’arte. Entrambi hanno utilizzato materiali non convenzionali e tecniche innovative per trasformare gli spazi pubblici e privati, rendendo il loro lavoro interattivo e coinvolgente. Christo è noto per le sue installazioni monumentali che avvolgono edifici e paesaggi, creando nuove percezioni dello spazio. Gérard Deschamps ha utilizzato oggetti quotidiani e materiali di consumo per commentare la società contemporanea. Entrambi hanno sfidato le convenzioni artistiche, invitando il pubblico a riflettere sul rapporto tra arte e realtà. Andiamo a scoprire perché impiegano il tessuto quale mezzo espressivo…

Comprimere ed espandere, concetti e azioni diametralmente opposti, che trovano, tuttavia, modo di coesistere nel lavoro di un artista molto particolare: César Baldaccini. L’arte di César è fondata sul reale, in contrasto con quell’astrattismo post-bellico che, ormai, non si accorda più con le esigenze di tanti artisti, i quali rivolgono sempre più spesso la propria attenzione verso l’utilizzo di oggetti d’uso quotidiano, talvolta, addirittura, recuperati direttamente dalle discariche. César, quindi, si unisce al gruppo dei Nouveau Réalistes e porta avanti un’idea estetica a sua volta anticonvenzionale, lavorando in un’officina anziché in un atelier e facendo di presse e saldatrici i suoi pennelli.

“I nouveaux réalistes considerano il mondo come un quadro, la grande opera fondamentale della quale si appropriano di frammenti dotati di significato universale”. Così scrive Pierre Restany nel manifesto del Nouveau Réalisme.
Arman, al secolo Armand Pierre Fernandez, è tra gli artisti di punta e iniziatori del movimento, le sue opere oscillano tra il mondo della pittura e quello della scultura, talvolta fondendoli per dare vita a composizioni che mettono al centro la scomposizione e la ricodificazione della materia, per guardarci dentro, decifrarne l’alfabeto e, quindi, comprendere il linguaggio innovativo dei nuovi realisti.

“I nuovi realisti hanno preso coscienza della loro singolarità collettiva. Nuovo Realismo significa nuovi approcci percettivi del reale».
È il 27 ottobre 1960, un giovedì pomeriggio, quando nella casa parigina di Yves Klein, al numero 14 di rue Campagne-Première, si riunisce un gruppo di amici artisti, composto da Jean Tinguely, Raymond Hains, Arman, Jacques Villeglé, François Dufrêne, Daniel Spoerri e Martial Raysse, oltre naturalmente a Klein e al critico d’arte Pierre Restany.
Questa data è importante in quanto costituisce il riconoscimento ufficiale del Nouveau Réalisme a movimento artistico collettivo, proprio grazie alla stesura della Dichiarazione costitutiva del Nouveau Réalisme da parte di Restany.
Egli intende così formalizzare in maniera definitiva l’esistenza di un operare variegato da parte di molteplici artisti, accomunati però da un identico sentire, una nuova indagine della realtà portata avanti da individui certamente diversi ma che percorrono un cammino artistico comune.

Oggi partiremo per un viaggio attraverso i luoghi che, più di tutti, hanno influenzato le scelte artistiche di Emil Nolde, ma anche quelle che riguardano la sua vita e le sue preferenze più strettamente lavorative. Il legame di Nolde con il paesaggio della sua infanzia lo contraddistingue particolarmente tra i suoi colleghi contemporanei, rivelando un aspetto profondamente intimo della sua personalità, che si riflette nelle opere paesaggistiche fin dai primissimi anni del secolo scorso. Prima della guerra, prima degli orrori del nazismo, Nolde ci racconta le sue terre e i suoi panorami, attraverso gli occhi di chi, almeno con il cuore, quei luoghi non li ha mai abbandonati.

Essere un artista significa vivere alla costante ricerca di scoperta, conoscenza, sperimentazione, emozioni, trovare una chiave di lettura della realtà nuova e dimostrarsi in grado di guardare dove altri si limitano a vedere. Le Miniature di Herbert Beck nascono proprio da questo, dalla sua capacità di scoprire e creare arte laddove molti altri vedrebbero solo…macchie di colore.

“Gli anni passavano. Talvolta lavoravo rintanato in una stanzetta nascosta. Non potevo smettere di
dipingere. Ero stato privato del diritto di procurarmi i materiali ed erano quasi solo le mie piccole,
speciali idee che ho potuto dipingere e catturare su minuscoli fogli, i miei “quadri non dipinti”, che
sarebbero diventati grandi, veri quadri quando loro e io ne avessimo avuto il permesso”.
Così Emil Nolde racconta la genesi dei suoi “Ungemalte Bilder” nel dattiloscritto del terzo volume delle
sue memorie: più di 1300 opere su carta, piccoli acquerelli coloratissimi e parte fondamentale della
storia artistica di Nolde, nonché fulcro di una sorta di leggenda grazie alla quale lui e i suoi piccoli lavori
sono stati per lungo tempo considerati quali simbolo della resistenza artistica alla politica repressiva di
Hitler. La realtà, però, come sempre sarebbe un’altra e decisamente più complessa.

Herbert Beck ha solo tredici anni quando il Partito nazionalsocialista sale al potere nel 1933. La prima esperienza di Beck con la realtà bellica avviene nel 1940, quando viene arruolato tra le fila dell’esercito tedesco; grazie però alle conoscenze del padre e al suo talento, riesce ad entrare in un corpo musicale come clarinettista. Pur non combattendo in prima linea, Beck è però testimone diretto di quanto lo circonda in quel periodo, dell’orrore e dei crimini della guerra da parte di entrambe le fazioni in conflitto. L’esperienza della guerra e del dopoguerra segnano profondamente l’uomo e l’artista e Beck, come molti altri, trasforma il trauma e il dolore in opere d’arte potenti, sincere, a volte devastanti che rientrano nel ciclo da lui intitolato “La crudeltà dell’uomo”.

Tante volte abbiamo parlato del ruolo capillare ricoperto dal colore, ormai protagonista e attore principale delle opere realizzate dagli artisti dell’Espressionismo tedesco, tra i quali, naturalmente, ritroviamo Emil Nolde e Herbert Beck. Questo tema è stato al centro di un interessante intervento da parte di Simona Zampa, insegnante del Corso di Teoria del Colore all'Istituto Internazionale di Architettura di Lugano, che ha guidato i visitatori della Fondazione Braglia attraverso la lettura dei colori di Emil Nolde ed Herbert Beck partendo dalla teoria del colore sviluppata dall'artista tedesco Josef Albers durante gli anni di insegnamento al Bauhaus, al Black Mountain College del North Carolina e alla Yale University.