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Max Pechstein è uno dei volti più riconoscibili dell’Espressionismo tedesco perché, pur condividendo con i compagni la ricerca di un’arte emotiva, immediata e antiaccademica, sviluppa un linguaggio più lirico e armonioso rispetto alla tensione quasi aggressiva di molti suoi compagni del gruppo Die Brücke, rivelandosi una delle personalità più complesse e umane nell’ambito dell’Espressionismo tedesco.

Heinrich Campendonk nasce nel 1889 a Krefeld in Germania, e si forma in un ambiente artistico ancora profondamente legato alla tradizione; fin da giovane, tuttavia, egli mostra un talento particolare per il disegno ed una spiccata curiosità che lo spinge ad indagare la realtà attraverso uno sguardo diverso, per riuscire a rappresentarla reinventandola in maniera nuova e fantasiosa. Un tratto distintivo che permane sempre nelle opere di Campendonk è indiscutibilmente l’atmosfera fantastica, onirica, che emanano, una tendenza ereditata dal suo periodo formativo sulle orme del suo maestro, l’olandese Johan Thorn-Prikker, che, nei primi anni del ‘900 permette a Campendonk di avvicinarsi alla corrente del simbolismo mistico e alle arti applicate. Queste influenze faranno presa sul pittore, che da questo momento lavorerà sempre nella direzione e nella ricerca di una dimensione onirica, filtrando le sue rappresentazioni attraverso la lente del sogno e della fiaba.

C’è un luogo, ai piedi delle Alpi bavaresi, dove il tempo sembra scorrere più lentamente e i colori diventano stati d’animo: questo luogo è Murnau am Staffelsee. In questo angolo incantato, Wassily Kandinsky e Gabriele Münter, uniti nell’arte e nella vita, iniziano a vedere il mondo non più soltanto come qualcosa da rappresentare, ma come qualcosa da sentire, da vivere profondamente.
A Murnau accade qualcosa di quasi magico: l’azzurro del cielo si riflette nel lago Staffelsee, sulle facciate delle case, sulle montagne e persino nelle stradine del paese. Non è un caso se proprio qui Kandinsky abbia trovato una delle sue rivelazioni più profonde, dando vita a uno dei più importanti movimenti dell’arte moderna. Murnau diventa così un laboratorio creativo a cielo aperto, dove la natura accoglie e ispira e dove gli artisti si concedono il prezioso lusso di rallentare, ascoltando il ritmo lento di un tempo che sembra fermarsi.


Dreams Become Real di Kevin MacLeod è un brano concesso in uso tramite licenza Creative Commons Attribution 4.0. https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Fonte: http://incompetech.com/music/royalty-free/index.html?isrc=USUAN1500027Artista: http://incompetech.com/

Le bagnanti sono un tema centrale nell’arte tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento. In questo periodo, il soggetto viene interpretato in modi diversi a seconda del movimento artistico e dell’approccio dei singoli artisti. Renoir e Cézanne, ad esempio, utilizzano la figura delle bagnanti per esaltare la bellezza classica e il senso dell’equilibrio formale. Tuttavia, le bagnanti non sono protagoniste dell’opera, ma piuttosto strumenti compositivi. Con l’avvento del Novecento, questi ruoli si trasformano radicalmente, soprattutto con l’Espressionismo tedesco.
Andiamo a scoprire come.

Nel 1914, a pochi mesi dallo scoppio della Prima Guerra Mondiale e in compagnia degli amici August Macke e Louis Moilliet, Paul Klee, che all’epoca ha 35 anni, parte per un viaggio in Tunisia, alla ricerca di una luce nuova, colori diversi, e un contatto reale con paesaggi e culture sconosciuti.
Un viaggio breve, quello di Klee, che dura solo un paio di settimane, ma di fondamentale importanza, giunto in un momento di profonda riflessione, da parte del pittore, in merito alla direzione da dare alla propria pittura. La Tunisia, dunque, non regala a Klee solamente dei nuovi soggetti, ma un intero nuovo modo di guardare all’arte.

La vita di Marianne Werefkin, nel bene e nel male, sembra quasi la trama di un romanzo: nata aristocratica a Tula, in Russia, nel 1860, visionaria sebbene tormentata pittrice, profondamente e fino alla fine devota all’arte. Per quanto rilevante dal punto di vista professionale e personale, oggi non ci soffermeremo sulle considerazioni in merito al rapporto di Werefkin con gli artisti del Blaue Reiter né a quello con Alexej Jawlensky, quanto piuttosto sulla dimensione più intima e introspettiva dell’artista, un aspetto di lei estremamente affascinante, commovente e, talvolta, drammatico.

Nella prima fase della sua produzione artistica, Münter si ispira di certo a Kandinsky per quanto riguarda le teorie in merito allo “spirituale nei colori”, ma anche per la tecnica di applicazione del colore: inizialmente Münter percepisce quasi di non riuscire a stare “al passo” con la propria immaginazione, che corre più veloce di quanto possa fare un pennello. Così chiede aiuto al suo mentore, che le insegna ad utilizzare la spatola, che finalmente le permette una stesura del colore più rapida e veloce. A differenza di Kandinsky, che sempre più si spingerà verso l’astrazione pura, Münter, con le sue opere, rimane sempre legata al visibile e al reale: case, strade, montagne e persone, raffigurate con forme semplificate e colori intensi, che vanno a creare una “figurazione espressiva”, capace di trasmettere emozione attraverso il colore e immagini riconoscibili.

Franz Marc è noto per il suo ruolo fondamentale nella creazione di uno dei maggiori movimenti artistici del Novecento, Der Blaue Reiter (Il Cavaliere Azzurro), fondato a Monaco di Baviera insieme a Kandinsky nel 1911. Il gruppo non viene riunito sotto un rigido manifesto, bensì grazie alla comune convinzione che l’arte debba, innanzi tutto, esprimere l’essenza delle cose e del mondo, prima ancora della loro apparenza esteriore.
Famoso per i suoi quadri di animali, Marc dedica però anche una cura speciale alla sua corrispondenza epistolare, una serie di lettere e cartoline che costituisce un vero e proprio corpus artistico a sé stante, che merita un racconto tutto suo.

_Datato al 1902-1903 l’olio intitolato Landschaft bei Kochel, ed esposto alla Fondazione Gabriele e Anna Braglia nell’ambito della mostra dedicata ai Maestri dell’Espressionismo, è un esempio emblematico della pittura di Kandinsky di questo periodo. Il dipinto raffigura un paesaggio quasi incontaminato, completamente immerso e dominato dai diversi toni del verde, dove l’unico, piccolo accenno ad una presenza umana è conferito da una casetta rossa che si staglia in lontananza tra le distese erbose. Ma a colpire in maniera speciale è lo stile della pennellata, rappresentativo di un Kandinsky ai suoi esordi: il colore è stato applicato in modo spesso e pastoso in modo da rendere i tratti profondi, quasi scavati, così da tracciare delle linee ben visibili sulla tela, una tecnica usata anche dagli impressionisti per conferire spontaneità, profondità e forza al dipinto. 

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Babylon - Disco Ultralounge di Kevin MacLeod è un brano concesso in uso tramite licenza Creative Commons Attribution 4.0. https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/   Fonte: http://incompetech.com/music/royalty-free/index.html?isrc=USUAN1100314   Artista: http://incompetech.com/

Otto Mueller è un artista decisamente “umano”: della persona egli esplora ogni aspetto in maniera profondamente emotiva,
riflettendo sull’introspezione e la solitudine ma anche sull’intimo rapporto con la natura e riportando questi temi universali
nella pittura. Le sue opere offrono una visione originale dell'Espressionismo, dai contorni forse meno drammatici e severi di
altri artisti, ma altrettanto intensa e coinvolgente.