録音の肉声 - アートとテクノロジーのポッドキャスト

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東京での展覧会直前、ユク・ホイの『ポストヨーロッパ』を読んで思考をまとめる回。ハイデガーの「総かり立て体制」と「惑星化」、京都学派と戦争思想、そしてユク・ホイが提唱する「思考の個体化」について。2項対立を中和するのではなく、新しい概念を発明するとはどういうことか。自分の立場から思考を形にすることの意味を考えました。

今回、初めての試みとしてメモ記事を出しました！話聴いてるだけだとかなりわかりづらいので、よければこちらも合わせてどうぞ！

【メモ】 #44 「ポストヨーロッパ」と「思考の個体化」https://note.com/rfv_podcast/n/n1c78ec05d981

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付け焼き刃知識だけど考えていることを言語化したい／ハイデガー、テクノロジーが発達した時期の思想家／「総かり立て体制」、世の中の全てが利用される資源になった／地球は惑星化し故郷を喪失した／形而上学が終わり、「西ヨーロッパ的思考に基づく世界文明の始まり」／古代ギリシャのテクネー（技芸）に戻ろうとしたハイデガー／西田幾多郎と京都学派、ハイデガーと相互影響／西谷啓二がハイデガーのもとに留学、1930年代／西谷がドイツで白米食ってめちゃうまかったエピ／「近代の超克」を掲げ日本の戦争思想に影響／ユク・ホイは香港出身、ハイデガーを批判／『中国における技術への問い』、「技術多様性」と「宇宙技芸」で惑星化を乗り越える／『再帰性と偶然性』では「技術多様性」を深掘り／『ポストヨーロッパ』では「思考の個体化」を論じる／故郷喪失を肯定し、「ひとつの惑星的な見地から立ち入る」／「思考は個人を通じて個体化する」／2項対立を中和するんじゃなく「新しい概念を発明」する／2項対立に斜め上のアプローチする作品が面白い／格差を中和するだけじゃない、なにか新しいアプローチが必要／「録音」と「肉声」の両立不可能性から新たな概念を生もうとしている！

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マルティン・ハイデガー
ユク・ホイ（哲学者）
『ポストヨーロッパ』（岩波書店、2025年）
『中国における技術への問い』（ゲンロン、2022年）
『再帰性と偶然性』（青土社、2022年）
西田幾多郎
京都学派
西谷啓治
ベルナール・スティグレール
ジャン=フランソワ・リオタール

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さの（編集者）
おか（アーティスト）

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アートとテクノロジーに関して話を聞きたいこと、2人に話してほしいこと、こんなゲストに話を聞いてほしい、などありましたら、下記よりお気軽にメッセージください！
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#44 Beyond the Loss of Homeland: Inventing New Concepts?

Just before the Tokyo exhibition, we reflect on Yuk Hui's "Post-Europe." We discuss Heidegger's "enframing" and "planetarization," the Kyoto School and wartime ideology, and Yuk Hui's concept of "individuation of thought." What does it mean to invent new concepts rather than neutralizing binary oppositions? We explored the meaning of shaping thought from one's own position.

■🔑 (EN)
Want to articulate thoughts despite superficial knowledge / Heidegger, philosopher during the age of technological development / "Enframing," everything becomes resources to be exploited / Earth became planetarized, loss of homeland / Metaphysics ended, "beginning of world civilization based on Western European thought" / Heidegger tried to return to ancient Greek techne (craft) / Nishida Kitaro and the Kyoto School, mutual influence with Heidegger / Nishitani Keiji studied under Heidegger, 1930s / Nishitani's episode of white rice tasting amazing in Germany / "Overcoming modernity" influenced Japan's wartime ideology / Yuk Hui from Hong Kong, criticizes Heidegger / "The Question Concerning Technology in China," overcomes planetarization through "technological diversity" and "cosmotechnics" / "Recursivity and Contingency" deepens "technological diversity" / "Post-Europe" discusses "individuation of thought" / Affirming the loss of homeland, "entering from one planetary perspective" / "Thought individuates through the individual" / Not neutralizing binary oppositions but "inventing new concepts" / Works with oblique approaches to binary oppositions are interesting / Need something new beyond just neutralizing disparities / Trying to generate new concepts from the incompatibility between "recording" and "live voice"!

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Sano (Editor)
Oka (Artist)

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サウンドアーティスト・DJ・プロデューサーのサトウツバサさんゲスト回、テーマは「表現とコミュニティ」。札幌・琴似で開催したアート展「ART INTERFACE KOTONI 2026」の企画・運営を通じて感じた音楽家と美術家の感覚の違い、札幌の現代アート環境の課題、同世代アーティストとの横の繋がり、海外との交流についてお話しました。

■🔑
札幌大谷大学で作曲専攻、大黒淳一先生にサウンドアートを学ぶ／ART INTERFACE KOTONI 2026をアートディレクターとして主催／琴似のまちづくり助成金を引き継いで企画が立ち上がった／助成金が途中で切り替え／18アーティストが参加、3会場を並行して設営／音楽家と美術家の感覚の違いに苦労／「センターはどこ？」／駅直結の劇場、元車両基地の「ことにパトス」／照明環境が難しい元スーパーのテナント／同世代の美術やってる人たちと繋がる機会になった／札幌に現代美術館がない、美大がない課題を共有／自分たちが展示する機会を増やして札幌の現代アートを面白くしたい／ジャンル関係なく横の繋がりを広げていきたい／札幌は島が離れてガラパゴス的、外のものを取り入れたい／韓国からSalamandaを呼んだり、海外アーティストとの交流を実践／高校生が卒業後も創作を続ける環境を作りたい／自分の作品をもっとアウトプットしていきたい／韓国とインドネシアに行きたい、ガムランを生で聴きたい

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サトウツバサ
札幌大谷大学
大黒淳一（サウンドアーティスト・教授）
ART INTERFACE KOTONI 2026 ー 街が人とアートをつなぐ - 生活支援型文化施設コンカリーニョ
生活支援型文化施設コンカリーニョ（会場）
ターミナルプラザことにパトス（会場）
【貸館】北の美大展｜展覧会・イベント｜本郷新記念札幌彫刻美術館
「北の美大展(仮)」をめぐる動向、地方と美術へのまなざし（山本雄基）｜みなみしま
北海道文化財団（助成）
Salamanda（韓国のアンビエントデュオ）

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さの（編集者）
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#43 What can be seen from the Galapagos (Guest: Tsubasa Sato)

Part with sound artist, DJ, and producer Tsubasa Sato. Our theme is "expression and community." We talk about the differences between musicians and visual artists through organizing the art exhibition "ART INTERFACE KOTONI 2026" in Sapporo's Kotoni district, challenges in Sapporo's contemporary art scene, connections with artists of the same generation, and exchanges with international artists.

■🔑 (EN)
Majoring in composition at Sapporo Otani University, studying sound art under Junichi Oguro / organized ART INTERFACE KOTONI 2026 as art director / project started by inheriting Kotoni's community development grant / grant switched midway / 18 artists participated, setting up 3 venues in parallel / struggled with differences in sensibilities between musicians and visual artists / "Where's the center?" / "Kotoni Pathos," a theater directly connected to the station, formerly a train depot / former supermarket tenant with difficult lighting conditions / became an opportunity to connect with visual artists of the same generation / shared challenges of no contemporary art museum and no art university in Sapporo / want to increase exhibition opportunities and make Sapporo's contemporary art more interesting / want to expand horizontal connections regardless of genre / Sapporo is Galapagos-like due to island isolation, want to incorporate outside influences / practicing exchanges with international artists, including inviting Salamanda from Korea / want to create an environment where high school students continue creating after graduation / want to output more of my own work / want to go to Korea and Indonesia, want to hear gamelan live

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Sano (Editor)
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テクニカルディレクターの山田大揮さんゲスト回後編、テーマは「地域と表現」。Sapporo Culture Knot Weekの企画運営を通じて見えてきたこと、助成金構造の課題、持続可能なあり方、そして札幌で活動を続ける理由についてお話しました。

■🔑
Sapporo Culture Knot Week、中間支援事業として10企画を採択／展覧会・演劇・哲学対話・24時間焚き火など多様なイベントがコア期間に集中／ジャンル間の繋がりがなく、繋ぐといろいろ発生する／公共施設インハウスの経験から共通課題が見えていた／札幌の文化芸術は予算が小さく特定のところに集中／技術相談で10万円が1万円に、再分配が必要／権力集中を解消するネットワーキング／演劇でアーティスト紹介、対話型鑑賞ノウハウ共有を実現／権威性への自覚：公募内容次第でそういう事業が発生する／反省点：稼働量見積もりが甘く持続可能なやり方を考えるべきだった／助成金構造上、人件費を盛ると企画書が魅力的に見えない／ポジティブ：問題意識への共感、双方向コミュニケーションの喜び／ハラスメント対策イベントも企画、公金事業でやるべき／技術を用いて状況を成立させる仕事／偏在の解消と関心を持つ人を増やすのが「良くなる」／対症療法でなく構造を変えることが必要／札幌でやるべき、この課題設定ができる人が他にいない／バドミントンのフォーメーション、空いてるポジションに入る感覚／法人化で属人性を減らしチームで働きたい／公共と民間の違い、予算が先か発注が先か／持続可能なあり方、両方の立場の橋渡し・中間支援を目指す

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あやめ文化技術研究所（山田大揮）
Sapporo Culture Knot Week
さっぽろ天神山アートスタジオ
札幌文化芸術交流センター SCARTS
札幌市文化芸術創造活動支援事業

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#42 If I Don't Go, No One Will Hold That Position (Guest: Hiroki Yamada, Part 2)

Part 2 with technical director Hiroki Yamada. Our theme is "Region and Expression." We discuss insights gained through organizing Sapporo Culture Knot Week, challenges in grant structures, sustainable approaches, and why he continues to work in Sapporo.

■🔑 (EN)
Sapporo Culture Knot Week, 10 projects selected as intermediary support initiative / diverse events concentrated in core period including exhibitions, theater, philosophical dialogue, 24-hour bonfire / no connections between genres, but connecting them generates various outcomes / common issues visible from in-house experience at public facilities / Sapporo's cultural arts scene has small budgets concentrated in specific places / technical consultation reduces costs from 100,000 to 10,000 yen, redistribution needed / networking to dissolve power concentration / achieved artist introductions for theater, shared dialogue-based appreciation know-how / awareness of authority: the call for proposals shapes what projects emerge / reflection: workload estimates were too optimistic, should have considered sustainable approaches / grant structure makes proposals less attractive when personnel costs are included / positive: joy of shared problem awareness and two-way communication / also organized harassment prevention events, should be done with public funding / work that uses technology to make situations possible / "improvement" means reducing disparity and increasing people's awareness / need to change structures, not just treat symptoms / should work in Sapporo, no one else can set these issues / badminton formation, the sense of filling an open position / want to reduce personal dependency through incorporation and work as a team / difference between public and private: budget first or orders first / aiming for sustainable approaches and bridging both positions as intermediary support

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テクニカルディレクターの山田大揮さんゲスト回、テーマは「テクニカルディレクション」。展覧会や舞台公演を実現するための技術的な側面を担うテクニカルディレクション。テクニカルという職能の認識の広がり、アーティストとの協働、信頼関係と責任の重要性についてお話しました。

■🔑
株式会社あやめ文化技術研究所、2025年5月設立／美術系大学で1年生からアシスタント、作品の外側に目がいく／休学して設計事務所、施工管理で職人から学ぶ／音響・照明・映像の現場経験／札幌天神山アートスタジオでテクニカルコーディネーター、アーティストの制作・展覧会をサポート／札幌文化芸術交流センター（SCARTS）でテクニカルディレクター／2025年に独立、仕事は道外が8割、札幌の仕事はほとんどない／テクニカルという職能の認識が広がっていない／アーティストから声をかけられることが圧倒的に多い／自分色のフィルターを通さず、作家の意図を実装／信頼関係と責任が重要、作家とのグルーヴが生まれる瞬間／音響・照明・映像をトータルで見れる人が必要／予算を最初から取っているところと取っていないところで2極化／アーティストの制作費からテクニカルを雇うパターンも多い／札幌では小規模チームとの共同があんまりない、道外から連れてくる／テクニカルが裁量権を持って介入する状態になれていない／まずは相談から

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#41 Creating Groove Through Trust and Responsibility (Guest: Hiroki Yamada, Part 1)

Part 1 with technical director Hiroki Yamada. Our theme is "technical direction." We talk about the technical aspects that make exhibitions and stage performances possible, the growing recognition of technical direction as a profession, collaboration with artists, and the importance of trust and responsibility.

■🔑 (EN)
Ayame Lab for Cultural Technologies & Techniques Ltd., established May 2025 / assistant from first year at art university, eyes drawn to the outside of works / taking leave to work at design office, learning from craftspeople through construction management / field experience in sound, lighting, and video / technical coordinator at Sapporo Tenjinyama Art Studio, supporting artists' production and exhibitions / technical director at Sapporo Cultural Arts Community Center (SCARTS) / independent in 2025, 80% of work outside Hokkaido, almost no work in Sapporo / technical direction as a profession not widely recognized / overwhelmingly more requests from artists than institutions / implementing artists' intentions without filtering through personal style / trust and responsibility are crucial, moments when groove emerges with artists / need for people who can see sound, lighting, and video holistically / polarization between places that budget for technical from the start and those that don't / many cases where technical is hired from artists' production fees / little collaboration with small teams in Sapporo, bringing people from outside / technical not yet able to intervene with decision-making authority / starting with consultation

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アートプロデューサーの廣田ふみさんゲスト回・後編、テーマは「テクノロジーアートと人材育成」。3年間のプロジェクト「DAT（芸術と技術の対話）」についてお話を伺いました。人材が育っていないという課題への取り組み、15名の選抜メンバーによるゼミ形式での調査研究と展覧会制作、そして2027年に向けた予定についてもお伺いしました。

■🔑
DAT（芸術と技術の対話）プロジェクト／文化芸術活動基盤強化基金の補助で3年間／キュレーター・プロデューサーも育成対象／藤幡正樹先生がエグゼクティブディレクター／講座シリーズ、調査研究、ブートキャンプ、展覧会、国際シンポジウム／先輩が後任になり、人材が育っていない／専門機関の人材育成が弱い／美術館にメディアアート部門ができない／東京にラボがないのと同じように左脇に抱えていた／中間支援組織となる財団もつくる／業界団体がないと委託できない／レクチャーシリーズからスタート／自分のキャリアよりもシーンが残ってほしい／テクノロジーアートは世界的に若い世代が活躍しているのに、日本は逆／7回の講座、概念構築に必要な要素を各テーマに／ZOOMとアーカイブで全国、海外からも参加／申し込み200名、知的関心が強い層がいる／理解者や批評してくれる人を増やす／15名を選抜、ゼミ形式で調査研究／ニューヨークまで視察、ニューヨークで展覧会をつくる／カリキュラムにみんなが参加する／知識や能力を身に付けるためのカリキュラムをつくる／2027年2月に国内展覧会、夏以降にニューヨーク展覧会／教科書的なものを3年間でつくり上げる

■🔗
文化芸術活動基盤強化基金 | 独立行政法人 日本芸術文化振興会
藝術と技術の対話（DAT）
講義 - 藝術と技術の対話
藤幡正樹 - Wikipedia
相転移 - Wikipedia
テクネー - Wikipedia
風土 - Wikipedia

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Part 2 with art producer Fumi Hirota. Our theme is "technology art and talent development." We discuss the three-year "DAT (Dialogue of Art and Technology)" project. We also talk about the challenge of talent not being developed, research and exhibition production by 15 selected members in a seminar-style format, and plans for 2027.

■🔑 (EN)
DAT (Dialogue of Art and Technology) project / three years funded by the Cultural and Arts Activities Base Strengthening Fund / curators and producers also targeted for development / Masaki Fujihata as executive director / lecture series, research, boot camps, exhibitions, international symposium / predecessors always becoming successors, talent not being developed / weak talent development at specialized institutions / media art departments cannot be established in museums / holding it close like the lack of a lab in Tokyo / also creating foundations as intermediary support organizations / cannot commission without industry organizations / starting with lecture series / hoping the scene survives more than one's own career / technology art globally sees active younger generations, but Japan is the opposite / seven lectures, with concept-building elements in each theme / participation from across Japan and abroad via ZOOM and archive / 200 applicants, a layer with strong intellectual interest / increasing understanding viewers and critics / selecting 15 members, seminar-style research / visiting New York, creating exhibitions in New York / everyone participating in the curriculum / creating a curriculum to acquire knowledge and abilities / domestic exhibition in February 2027, New York exhibition after summer / creating a textbook-like resource over three years

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アートプロデューサーの廣田ふみさんがゲスト、テーマは「テクノロジーアートとプロデュース」。IAMASからYCAM、文化庁、国際交流基金、東京都歴史文化財団を経て独立するまでのキャリア、テクノロジーアートという言葉の使い方、メディアアートを「見方」として捉える姿勢、委託の限界と行政と民間の違いなどについて話しました。

■🔑
映像専攻→映像業界に踏み込めない→実験映像に興味／IAMAS入学早々挫折→制作・マネージメント側へ／木幡和枝さんに相談→白州の舞踏フェスティバル制作（3ヶ月）／YCAMでPR・キュレーション（2年）／文化庁時代、メディアアートは端っこで予算も少ない／メディア芸術祭、アート部門の応募者数が爆走／国際交流基金アジアセンター、メディア文化のスケールで考える／ネットレーベル、東南アジアの音楽交流／Google翻訳でコミュニケーション、第3言語でやり取り／東京都歴史文化財団、多文化共生→コロナでデジタル化／東京にラボがない、企画書を10年持ち続ける／波が来るまで出さない／佐々木秀彦さん、文化的コモンズ／2022年CCBT開設、2025年3月退職・4月から会社経営／メディアアートは賞味期限切れ／テクノロジーアートという言葉／メディアアートは見方、ジャンルではない／委託の限界、2億円の予算でも1億円が人件費で消える／後払いの問題、税金のことを考えない公務員／必要以上にやる貧乏根性／無駄な手続きをやりたくない

■🔗
IAMAS（情報科学芸術大学院大学）
木幡和枝 - Wikipedia
山梨県立美術館｜プレスリリース・広報用ダウンロードシステム｜ARTPR
YCAM（山口情報芸術センター）
文化庁 メディア芸術祭
crt mgn - 文化庁メディア芸術祭 - JAPAN MEDIA ARTS FESTIVAL
Sound of Honda / Ayrton Senna 1989 - 文化庁メディア芸術祭 - JAPAN MEDIA ARTS FESTIVAL
国際交流基金 アジアセンター
MeCA | Media Culture in Asia: A Transnational Platform | 双方向の知的・文化交流 | 国際交流基金 - 次世代共創パートナーシップ－文化のWA2.0－
公益財団法人東京都歴史文化財団
Tokyo Smart Culture Project – Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture
CCBT（CIVIC CREATIVE BASE TOKYO）
佐々木秀彦『文化的コモンズ 文化施設がつくる公共圏』
イッカク｜IKKAC
藝術と技術の対話

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Part 1 with art producer Fumi Hirota. Our theme is "technology art and produce." We talk about her career from IAMAS through YCAM, the Agency for Cultural Affairs, the Japan Foundation, and the Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture to going independent, how to use the term "technology art," seeing media art as a "way of seeing" rather than a genre, and the limits of outsourcing and differences between public and private sectors.

■🔑 (EN)
Film studies → couldn't break into the film industry → interest in experimental film / failing right after entering IAMAS → moving to production and management / consulting with Kazue Obata → three months producing a dance festival in Hakushu / PR and curation at YCAM (two years) / at the Agency for Cultural Affairs, media art was marginal with a small budget / Media Arts Festival, art division applications exploded / Japan Foundation Asia Center, thinking at the scale of media culture / net labels, music exchange in Southeast Asia / communicating via Google Translate, using a third language / Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, multicultural coexistence → digitalization during COVID / no lab in Tokyo, holding onto a proposal for ten years / don't present it until the wave comes / Hidehiko Sasaki, cultural commons / CCBT opened in 2022, resigned March 2025 and moved to company management in April / media art has passed its expiration date / the term "technology art" / media art as a way of seeing, not a genre / limits of outsourcing: even with a 200‑million‑yen budget, 100 million disappears into personnel costs / the problem of payment after the fact, civil servants who don't think about taxes / a poverty‑stricken mindset of doing more than necessary / not wanting to do wasteful procedures

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映像作家の橋本麦さんゲスト回・後編、テーマは「クライアントワークとイップス」。独立後の心境の変化、クライアントワークにへの根本的な興味の薄さ、あまり多作じゃなくても良いのではという姿勢、細分化して孤立するArt&Tech界隈への所感などについて話しました。

■🔑
独立しても制作環境は大差なし／「できるだけ労働しない」5年間から再び労働へ／ブルシット・ジョブを避ける／クライアントワークは向いてない／ツールから作ることの不誠実さ／「作り方を作る」の無限後退で映像が作れなくなる = イップス／ツールの汎用性という幻想と、転用の美への興味／アカデミアやオープンソースコミュニティへの寄り道／多作主義のナンセンスさ／映像技法へのささいな発明を積み重ねる／イップスと共に／「ジブン、飽き性なんで」のシャバさ／場づくり・プラットフォーマーしぐさへの不信とレント資本主義／細分化してタコツボ化したArt&Tech界隈／領域横断的なメディアの記憶／デジタル映画祭をまたつくりたい／ナードさ・伝わらなさを称揚する／アートとして評価されなくてもいい

■🔗
Baku Hashimoto Official Website: https://baku89.com/
SHIFT (Online Magazine): https://www.shift.jp.org/
Shift | Dotmov Festival 2004: https://www.shift.jp.org/mov/ja.html
ICC | 季刊 InterCommunication: https://www.ntticc.or.jp/ja/about/publication/inter-communication/
CBCNET: https://www.cbc-net.com/
NEORT++ 『流れのパターン / Patterns of Flow』 ⌇ Baku Hashimoto: https://baku89.com/NEORT++%20%E3%80%8E%E6%B5%81%E3%82%8C%E3%81%AE%E3%83%8F%E3%82%9A%E3%82%BF%E3%83%BC%E3%83%B3%20%EF%BC%8F%20Patterns%20of%20Flow%E3%80%8F
頭山 Mt. Head (YouTube): https://www.youtube.com/watch?v=9NMLiFcC91s
水尻自子『普通の生活』予告編 / Trailer: Ordinary Life (dir. Yoriko Mizushiri) (YouTube): https://www.youtube.com/watch?v=vohpCZh-Qcw

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Part 2 with filmmaker Baku Hashimoto. Our theme is “client work and ipps.” We talk about changes after going independent, a fundamental lack of interest in client work, the idea that not being prolific might be fine, and observations on an Art&Tech scene that has fragmented into isolated bubbles.

■🔑 (EN)
Independence without a big change in the making environment / returning to “working” after five years of trying to work as little as possible / avoiding bullshit jobs / feeling unsuited to client work / the dishonesty of building tools from scratch / ipps triggered by infinite regress: “making how to make” → tools → UI → language / the delusion of generalizability and interest in the beauty of repurposing / detours into academia and open‑source communities / the nonsense of prolificism / accumulating small inventions in moving‑image technique / coexisting with ipps / the shallowness of “I’m easily bored” / distrust of platform‑building and rent‑seeking structures / an Art&Tech scene fragmented into isolated bubbles / memories of cross‑disciplinary media / wanting to create digital film festivals again / celebrating nerdiness and untranslatability / not needing to be evaluated as art

■🗣️
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今回は映像作家の橋本麦さんがゲスト、「テクノロジーと映像表現」がテーマ。高校放送部でのドキュメンタリー制作、ミュージックビデオを中心にオールジャンルで映像をつくってきた背景、インタラクティブ作品よりも「残る映像」を選ぶ理由、工芸的な興味に根ざした制作観、オープンソースに学ぶ「コモンズへの貢献」という視点について話しました。

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「テクノロジーと映像表現」がテーマ／映像作家・橋本さんの紹介／文化人類学者による肩書き／自己紹介テキストを他者に書いてもらうセルフボースティング／高校放送部でのドキュメンタリー制作：電車通学の最短ルート研究／デジタルタトゥーとして残る高校時代の作品と経年劣化の観察／NHKのアートディレクターにボロクソ言われた原体験／ミュージックビデオを中心にオールジャンルで映像制作／モーショングラフィックスから実写・コマ撮り・CGまで／メディアアート寄りのスタイルと電子工作・プログラミング／インタラクティブ作品よりも映像として残すことへのこだわり／メディアアートのアーカイブ問題と「作品そのものとして残す」発想／工芸的な興味に根ざした制作観／北海道弁「混ざる」をめぐるローカリティ／メディアの「残り方」への関心／インスタレーションと映像、作品観／タイムベースメディアとしての音楽へのリスペクト／MTV文化とトンチ系ミュージックビデオへの影響／MV作家のフィルムへのコンプレックス／デザイナー向けインターフェース研究とHCI・共同研究への接続／論文執筆を通じて知った「ワーク」と集合知としての研究／アカデミアの新規性とニッチな貢献への尊敬／ハッカー文化とオープンソース／エリック・レイモンド『伽藍とバザール』と貢献文化とスマート文化の対比／手法や素材を公開し「パクってもらう」ことへの快感と意地

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橋本麦 ウェブサイト
group_inou - EYE ⌇ Baku Hashimoto
imai - Fly ft. 79, 中村佳穂 ⌇ Baku Hashimoto
Making of imai - Fly ft. 79, 中村佳穂 ⌇ Baku Hashimoto
ミシェル・ゴンドリー作品 Cibo Matto - Sugar Water (Official Music Video)
カメラワークの発明①：Kylie Minogue - Come Into My World (Official Video)
カメラワークの発明②：Powers of Ten™ (1977)
The Cathedral and the Bazaar: Japanese
Open Source Initiative
ハッカー文化 - Wikipedia
オープンソース - Wikipedia
北海道方言 - Wikipedia

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さの（編集者）
おか（アーティスト）

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#37 More Craft Than Art or Design (Guest: Baku Hashimoto)

In this episode, filmmaker Baku Hashimoto joins us to talk about “technology and moving image”: his high‑school broadcasting club documentaries, a career of making all kinds of music videos, why he prefers works that remain as video over fully interactive installations, how his approach is rooted in a craft‑like way of making, and what he has learned from open‑source culture about contributing to the commons.

■🔑 (EN)
Theme of “technology and moving image” / introducing filmmaker Baku Hashimoto and a title coined by a cultural anthropologist / self‑ghosting by asking others to write your bio / high‑school broadcasting club documentary on optimizing a long train commute / early works left online as “digital tattoos” and watching them age / formative critique from the art director behind the NHK logo / making a wide range of work with music videos at the center / moving across motion graphics, live‑action, stop‑motion, and CG / media‑art‑like style rooted in electronics and programming / preferring works that remain as video rather than pure interactivity / media‑art archiving issues and the idea of “keeping the work itself” as video / a craft‑oriented, hands‑on attitude to making / local language and identity around Hokkaido dialect (“mazaru,” “namara”) / interest in how media like books and video “remain” over time / oscillating between installation and video when thinking about what a work is / respect for time‑based media, especially music, as a pure form / influence of MTV‑era quirky, trick‑based music videos / filmmakers’ complex about film versus video image quality / designer‑focused interfaces and HCI collaborations that lead to joint research / learning about “work” as collective research through writing papers / respect for small, niche contributions and academic novelty / hacker culture and open source / Eric S. Raymond’s “The Cathedral and the Bazaar” and contribution vs. “smartness” cultures / pleasure (and sly pride) in publishing methods and materials so others can copy them

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Sano (Editor)
Oka (Artist)

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English Below!

ネオンサインを再現するアクセサリーブランド「新霓」を手掛ける佐藤健吾さん後編。今回は「制作と商売」がテーマ。デザフェス出展で得た手応え、コアファンとの出会い、赤字を出さない価格設計、フィードバックフォームやカスタマーサポートの工夫、一人で「つくる」と「売る」を回す、制作と商売の統合の感覚について話しました。

■🔑
ネオン風アクセサリー制作からアパレル輸入販売へ展開／「自分が欲しいミニチュア」からスタート／インスタ投稿→デザフェス出展で手応え／香港に年十数回通うコアファンとの出会い／趣味＋副業として赤字を出さない価格設定／売上は機材投資に全振り（レーザーカッター購入など）／制作手段の拡張でクオリティと表現が向上／原価高騰と値上げのジレンマ／持続可能な価格設計／フィードバックフォームや海外からのメッセージ／「可愛い」と感じる人の総量に驚きと励まし／期待値と実物のギャップを埋めるカスタマーサポート／制作工程を他者に渡せるかどうかの判断軸／熟練を要する手法は止める決断／再生産可能な手順書づくりにこだわる／制作と商売を分けず、一人の中でループさせる感覚／分業前提の法人モデルからスモールビジネスへ／商売は「英検3級」レベルで誰でも学べる／一方で制作はむずかしい／作品販売と量産グッズを両立する作家たちへの共感／つくることと売ることを回すことで続けられる制作／サービス的な「制作のプロセス」を売る可能性／サービスやプロジェクトとしての商売／つくる・売るを同時に回す新しいクリエイションの形

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新霓/香港霓虹灯招牌(@ngaihungdang_jp) • Instagram写真と動画
新霓 SanNgai
DESIGN FESTA（デザインフェスタ）公式サイト
ネオンサイン - Wikipedia
メイカームーブメント - Wikipedia
FabCafe Tokyo（デジタルファブリケーションカフェ）

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#36 Making and Selling in One Loop (Guest: Kengo Sato, Part 2)

In Part 2, neon‑sign technology developer and “Shingi” founder Kengo Sato shifts from making to “selling.” Building on the previous episode about digital fabrication and production, we talk about pricing that avoids going into the red, reinvesting sales into equipment, learning from events like Design Festa and core fans who love Hong Kong neon, building feedback and customer support channels, writing reproducible manuals, and what it means to run a small one‑person business that loops “making” and “selling” together.

■🔑 (EN)
From making + digital fabrication to “selling” in practice / expanding from neon‑style accessories into imported apparel / starting from “miniatures I personally want” / posting on Instagram → showing at Design Festa and gaining traction / meeting core fans who travel to Hong Kong many times a year / pricing as a hobby + side business that avoids losses / reinvesting sales into equipment (e.g., buying a laser cutter) / expanding production methods to raise quality and expression / juggling rising material costs and price increases / designing sustainable pricing / feedback forms and messages from overseas / encouraged by how many people genuinely find the work “cute” / closing the gap between expectations and the actual product via customer support / deciding which production steps can be handed off to others / stopping at the prototype stage for methods that require heavy skill / commitment to reproducible manuals and workflows / not separating making and business, but looping them within one person / shift from division‑of‑labor corporate models to small personal businesses / sense that basic business skills are learnable (like passing a basic English exam) / while making feels more difficult and singular / resonating with creators who balance unique works and mass‑produced goods / continuing practice by cycling “making” and “selling” / possibility of selling the “process of making” as a service / business not only as selling objects, but also services and projects / new forms of creation that spin making and selling together

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Sano (Editor)
Oka (Artist)

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English Below!

ネオンサインを再現するアクセサリーブランド「新霓」を手掛ける佐藤健吾さんがゲスト。香港の消えゆくネオンサインへの思いから始まったキーホルダー制作、デジタルファブリケーション（UVプリンター／レーザーカッター）による二層アクリル構造の開発、模倣リスクと文化継承を見据えた特許取得、制作と販売を分業する体制づくりなど、新しい技術によってつくれるようになったもの、その試行錯誤のプロセスについて伺いました。

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ゲスト：2018開発開始→アクセサリーブランド「新霓」／2021特許出願→特許取得／札幌↔東京の二拠点／香港ネオンサインの衰退（景観規制・職人減少→LED化）／土産不在の違和感→自作へ転じる／デジタルファブリケーション（UVプリンター／レーザーカッター／3Dプリンター）／メイカームーブメント2010年代の波／二層アクリル＋エッチング＋UVプリントで発光感を再現／前面ネオン管＋背面ペイントの構造をミニチュア化／浮遊するエッジ・視差の表現／デザフェス出展→模倣リスクを察知／保護と文化継承のための特許取得／量産は小規模チームに委譲（切断・印刷・接着・梱包）／「自分でなくても作れる」仕組み設計／金属加工・簡易鋳造への関心（コスト障壁）／デジタルファブの限界と可能性／買ってもらうフィードバック重視／派手さ＜装用性で調整・リデザイン／展示＝見せる／販売＝届けるの両立／非美大出身でも数万円で開発→販売へ／個人的なこだわりをプロトタイプに昇華／複数ブランド化・コラボ展開を志向

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新霓/香港霓虹灯招牌(@ngaihungdang_jp) • Instagram写真と動画
新霓 SanNgai
DESIGN FESTA（デザインフェスタ）公式サイト
Mobile M+: NEONSIGNS.HK（香港ネオンサインのアーカイブプロジェクト）
ネオンサイン - Wikipedia
メイカームーブメント - Wikipedia
FabLab Japan Network
FabCafe Tokyo（デジタルファブリケーションカフェ）

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Kengo Sato, creator of the neon‑inspired accessory brand “Shingi,” joins us to explore the possibilities opened up by digital fabrication. Starting from his response to Hong Kong’s fading neon signs and keychain making, we trace his development of a two‑layer acrylic structure with UV printing and laser cutting, securing a patent for protection and cultural continuity, and building a small‑team production system that separates making from delivering—holding together what technology now makes possible and the process of getting work into people’s hands.

■🔑 (EN)
Guest: started development in 2018 → accessory brand “Shingi” / patent filed in 2021 → granted / living between Sapporo and Tokyo / decline of Hong Kong neon signs (regulation, aging craftsmen → LEDs) / frustration at lack of souvenirs → making his own / digital fabrication (UV printer / laser cutter / 3D printer) / 2010s maker movement wave / two‑layer acrylic + etching + UV print to evoke neon glow / miniaturizing front neon tube + back‑painted panel structure / floating edges and parallax effects / showing at Design Festa → sensing copy risks / patent for protection and cultural preservation / small team handles mass production (cutting / printing / bonding / packing) / designing systems “others can make” / interest in metalwork and small‑scale casting (cost barrier) / limits and possibilities of digital fabrication / prioritizing feedback from buyers / adjusting designs for wearability over flashiness / balancing exhibition (showing) and commerce (delivering) / non‑art‑school background yet developing and selling with only tens of thousands of yen / personal obsessions turned into prototypes / aiming for multiple brands and collaborations

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