¿Cuánto pesan los apellidos que pesan? En el caso de

Pablo Drexler, en cuanto decidió que también quería ser músico, como su padre

Jorge y su tío Daniel, entiendo que más que peso lo que habrá (sic) “pesado” es

una reflexión: si su apellido iba a ser visible, lo que se iba a esperar de

él iba a ir en la dirección estilística que ha definido a su familia.

claro que el nombre de pila va por delante del apellido en el inicio de un

proyecto con aristas muy diferentes a las de su padre,

aunque haya puntos en común.

Partiendo de que estamos hablando también de música de

autor, los materiales y la sensibilidad que pablopablo proyecta en su

homónimo álbum debut suena casi a una especie de crooner de una fragilidad

nuevopopera más cerca de compañeros generacionales ya refrendados por el

público, como Sen Senra o Rusowsky, con el piano como instrumento central desde

el que parte la sonoridad, las armonías y melodías de su repertorio, con más

puntos comunes con Bon Iver o Nils Frahm que con su padre.

poco más de 25 minutos y nueve canciones por las que transita el cancionero debut

del artista madrileño. Tanto cuando se planta frente al piano en

una especie de simulacro que conecta a Ólafur Arnalds y a Drake (“Agua y arena”

o “Azul zafiro”, al borde del quiebre), cuando tiembla para cantar sobre

excesos en una oda de indietrónica clásica (“París”), cuando deconstruye una especie

de rumba mecánica (“Números rojos” y “Perfume”, quizá influenciados incluso por

la deriva de C. Tangana, a quien acompaña en directo en la gira de “El

Madrileño”) y hasta cuando recupera el espíritu de sus vivencias londinenses (“Mandela

Place” y “The Mask”), estamos ante un artista que no va a la caza: ya ha

cazado un estilo propio, muy lejos de patrones preestablecidos.

Alan Queipo.

No lo voy a negar: tras un tiempo muy atrapado en la expansión

e influencia de Duki, llevaba ya algo más de un año desconectado. No es que no

me interesase ni dejase de gustarme, pero la exigente mecánica que obliga a las

nuevas generaciones a publicar música sin parar ha hecho distanciarme de parte

de estos artistas, además de que tengo la sensación de que a la gran mayoría

le está costando avanzar, mejorar, presentar sus mejores canciones. Por suerte

y para mi sorpresa, no es un problema por el que esté pasando Duki.

El año pasado, el argentino presentó “24”, un segundo

ejercicio en formato mixtape algo decepcionante y prescindible, que no solo no

mejoraba lo facturado en “Súper Sangre Joven” y en, sobre todo, los singles previos

que lo lanzaron al estrellato, sino que cuestionaba la influencia de Duki en un

momento en el que había voces que comenzaban a cuestionar cuánto tiempo

mantendría el liderazgo el artista urbano argentino más importante del último

lustro.

Duki responde con “Desde el fin del mundo”, un

ejercicio especialmente ambicioso, de casi veinte canciones y casi una hora de

duración, en el que reflexiona sobre su propia bajada a los infiernos tras años

de excesos, y en los que busca rehabilitarse a sí mismo y rehabilitar su propio

registro, rodeándose de compañeros generacionales que en muchos casos son

también amigos, como Ysy A, Bizarrap, CA7RIEL, KHEA, Lara91k, Neo Pistea, Lucho

SSJ o Pablo Chill-E, entre otros y otras; pero, sobre todo, atreviéndose a

deconstruir su propia idea de trap.

Más allá de firmar bangerazos en los que mantiene

la estética arquetípica de trap (“Cascada”, “Pintao” o “Rápido”) o de canciones

que opositan a convertirse en himnos colectivos (“Fifty Fifty”), lo más

interesante del tercer álbum del Duko es cuando se atreve con bases que

basculan en una suerte de indietrónica de corte anime (“Chico estrella” o “Luna”),

con el rock pesado (“Muriéndome” o “Muero de fiesta este finde”), coquetea con

las guitarras bachateras (“Volando bajito”), con el r&b más sensual (“Sol”),

con el britpop (“Ticket”) o con la balada urban (“Malbec”). El rey lo sigue

siendo, no hay duda.

Alan Queipo.

Llevan años encontrándose en escenarios o en los platós

de televisión donde Lito Vitale lleva décadas siendo una especie de receptor de

invitados musicales que se hermanan con su piano; pero, hasta ahora, EL

guitarrista y EL pianista, ambos en mayúsculas, no se habían encontrado en un

estudio de grabación para producir juntos un álbum.

ya desde el título: la guitarra de Salinas y el piano de Vitale, dos leyendas

absolutas de la música instrumental argentina y de los vasos comunicantes que

existen entre la música incidental, la folclórica, la cultura rock y la

vanguardia, se hermanan en un ejercicio casi esencial,

donde bucean por un cancionero popular de especial acento argentino (y,

concretamente, tanguero), pero con algunas excursiones a otros estilos.

De ahí que tangos como “Malena” o “Nunca tuvo novio” se

mezclen con canciones de corte tradicional como “La Pomeña” o “Alfonsina y el

Mar”; a la vez que se acercan al jazz de dormitorio (con “Estate”) o al pop

comercial con “Mi persona favorita” (canción de Alejandro Sanz y Camila

Cabello), en la única canción con voz, precisamente de Juan Salinas, hijo de

Luis.

En cualquier caso, lo más interesante del álbum, más allá

de cómo es la selección del repertorio o de ciertos caprichos o permisos

públicos, es esa innata capacidad de ensamblarse de dos artistas a los que

no se les ve el ego en ninguno de los 50 minutos que dura el álbum: hay algo

que habita en esa conexión, de tocar sin mirarse o mirándose demasiado, algo

que va naciendo en el encuentro de dos iconos incombustibles de la música

popular y el instrumentismo argentino.

Alan Queipo.

“Para seguir, hay que parar y resolver”, es

lo primero que se le escucha decir a Sebastián Teysera, a capella, sin

instrumentación detrás, casi como una especie de predicador autorreflexivo y analítico

de la deriva de la vida en general y, quizás y solo quizás, también de la

deriva de La Vela Puerca. Casi resuelve unos segundos después, cuando dice: “El

tiempo nunca va a perdonar: no sabe distinguir si lo que hacés aquí vale la

pena”.

vale la pena. Y aunque es evidente que da la sensación de

que el momento en el que sus canciones más populares ya están escritas y

adheridas al córtex de dos generaciones (la de sus primeros cuatro discos, sobre

todo); lo cierto es que el combo montevideano ha seguido fiel a su estilo, pero

les habían dejado de dar bien, ahora vuelven a sumar clásicos que pueden llegar

a ser indispensables en sus directos.

Es su octavo álbum de estudio, este “Discopático” que

acaba de ver la luz, y que reivindica el concepto de disco, a la vez que, de

alguna manera, también lo hace de una manera de hacer, pensar, consumir y

vomitar música. Hay a quienes se les ha dado bien adaptarse a los nuevos

tiempos, pero no es el caso de La Vela. No es casualidad que dejen versos como “por

favor, solo quiero chocar contra un libro enorme, pero tengo que hacerme viral,

aunque me deformen” en canciones como “Tesoro”.

y eléctrico, que deja algunos nuevos clásicos (“Contra el viento”, “Plan de

fuga”, “Tesoro”) de ese rock rioplatense que tan bien han sabido imprimir en

sus primeros álbumes; también bajadas de tempo (como en “En tu

suelo”, que es la “Zafar” o la “Mi semilla” de este disco); y hasta licencias que

los acercan al rap-rock (cuentan con el rapero Arquero en “La Pastilla”) o la

reivindicación de un nuevo rock alterlatino de acento dylaniano (en su colaboración

con Aterciopelados en “Tormenta”). Parecían cansados y rendidos, pero

alguien ha vuelto a encender a La Vela Puerca, y aún les queda mucho por

alumbrar.

Alan Queipo.

“Este álbum nace para cuestionar la idea del mestizaje como un encuentro feliz de personas, culturas y sonidos, porque ese supuesto baile colorido es lo que se está usando para hacer negocio con el folclor desde las grandes disqueras y se está desconociendo una historia de dolor y pérdidas. Como artistas de región, lo que nos queda es mostrar con honestidad las transferencias espirituales que han marcado nuestras músicas”.

Era necesario empezar con las declaraciones de Ana Veydó, la cantora que capitanea desde hace más de dos décadas a Cimarrón, uno de los grupos más importantes del llano colombiano y de la región de la Orinoquía: un proyecto que siempre ha mantenido en su identidad musical el folclor llanero que han mamado desde que tienen uso de razón, pero que también han servido como altavoz para revolucionar las bases del folclore.

Sin embargo, es evidente que el boom de la reivindicación del folclore lleva, en algunos casos, a analizar conceptos como el de “apropiación cultural” o, como mínimo, sospechar de algunos movimientos que vienen apoyados por una industria que utiliza algunos géneros casi como masilla descartable: cuando deja de pegar, ya no les interesa.

No es el caso de Cimarrón que, tres años después del celebradísimo “Orinoco” que los llevó a estar nominados tanto en los Grammy Latinos como en los Grammy anglo, regresan con un álbum que es un absoluto manifiesto de las bases de las músicas tradicionales de su zona, así también como esa transmisión cultural que existe entre las músicas afrodescendientes, los cantes de ida y vuelta entre España y América Latina y la raíz indígena.

“La Recia”, cuyo nombre tiene que ver con esa imposición social que se le atribuye a las mujeres llaneras para demostrar su fortaleza, dialoga directamente con esta caza de discurso propio que Veydó y sus compañeros imponen en este nuevo cancionero. Con temas que recuperan romances antiguos pasados por el filtro de la música amazónica (“Velorio”), géneros llaneros como el numerao (“Agüita Fresca”) o el cunavichero (“Recia como el Orinoco”) o clásicos universales (“El Gavilán”); también se permiten licencias instrumentales que los acerca incluso al jazz-swing de Django Reinhardt (“Cimarroneando” o la “Parranda Quitapesares con Zapateo”) o a poner por delante el sonido folclórico del arpa (“Cuco en el Arpa”). Indispensable para escuchar con honestidad la música que representa el llano colombiano.
Alan Queipo.

levantada de la cama, con las legañas y la voz que le falta un café. Una

especie de reggaetón lo-fi, para perrear en pantuflas,

pero que a la vez nos traslade a un universo vaporoso, ácido, nocturno. Al

menos es la interpretación absolutamente subjetiva y nada vinculante que hago

del sexto álbum de Chiquita Magic.

un trabajo que se antoja revolucionario y que adivina las derivas que las

músicas latinas de baile (no solo reggaetón: también cumbia, funk, músicas

negras) están cogiendo en los últimos años. Al menos, en el caso

del sexto trabajo de la artista colombiana residente en Canadá, hay un

minimalismo y una economía de medios que se lleva a un límite que, si bien en

algunos momentos puede sonar monocorde, la propia artista se encarga de sacudir

para encontrar otros espacios que habitar.

que parece venir, a la vez, del vaporwave, el dream pop y la música coral. Con

esos elementos, y trabajando especialmente el bucle,

Chiquita Magic consigue crear desde armonías vocales que resuenan como una

orquesta desde la pecera (“A tu lado (up)” y “A tu lado (down)”) a la vez que

propone una deconstrucción del reggaetón de baja fidelidad (“Ganas de bailar”),

se acerca al registro synth-dark de Molly Nilsson desde una diáspora latin-house

(“Monday Mexico”) o al de una Juana Molina que imita a Robert De Niro en “Taxi

Driver” (“Let Me Hab-it”), propone un jazz cósmico y electrónico, casi

neo-spinetteano (“Burgundy”) o se inventa un perreo urban-funk amorfo y sexy a

la vez (“Keep Me Fresh”). Una fantasía, oye.

Alan Queipo.

detrás de un álter ego, y hay quien lo pone por delante, no solo orgulloso de

la estirpe a la que pertenece, sino para que, también, sirva como clave de la

idiosincrasia artística que porta. Es el caso de José Agarrado Moneo, más conocido

como Moneo, así como es conocida una de las familias y sagas cantaoras

más importantes de Jerez de la Frontera, con nombres como los del fallecido

Juan Moneo ‘El Torta’, entre otros.

Ahora, Moneo porta esta suerte de apellido-marca para

demostrar la transversalidad y liquidez del flamenco que lleva años viviendo en

su cabeza. Y es que, tras años colaborando con artistas como Dellafuente, Lola Indigo,

Maka, Space Surimi, Foyone o Las Ninyas del Corro, entre muchos otros nombres

conocidos del circuito urbano estatal; el jerezano ha decidido poner la voz

y la cara a un proyecto que condense todas sus inquietudes musicales y ayude a

proyectar su particular mirada del nuevo flamenco.

Triana hasta Tool o Pendulum, de Camarón y Alameda a Woodkid o Tool. Una mirada

heterogénea y repleta de matices en el que el rock andaluz (en el proyecto

Taifa Yallah que tuvo con Dellafuente él fue uno de los principales

compositores, y se nota en temas como “Mares”) y los tics urbanos se

mezclan con canciones que pueden recordar a artistas de vocación pop como

Antonio Orozco (como se escucha en “Marzo” o “Alcohol y Hostelería”), así como

la búsqueda de texturas del flamenco de Mairena (“Exilio”), acercamientos a un

flamenco progresivo que renueva los postulados de Elbicho (“Diáspora”) o tics

donde la electrónica oriental (como en “Enero”) o el rap (“Memento Mori” es la

más evidente) ayudan a construir este crisol de estilos.

Aunque tenga que resolver cuestiones como el equilibrio

de esas inquietudes sonoras y tratar de encontrar un sonido más cohesionado y

que vadee menos entre las tradiciones, lo cierto es que como ejercicio de

multi-estilo, este debut de Moneo solo es la primera piedra de un artista

inclasificable y que va a la búsqueda de su propio sonido.

Alan Queipo.

¿Cuándo va a parar esto? Nunca antes Argentina estuvo

tan presente en el mapa global de la música contemporánea como en estos últimos

años en la que sus artistas urbanos se han colocado en un lugar de privilegio,

serpenteando entre los booms del trap y el reggaetón, pero articulando un

discurso de nuevo pop que han ayudado a modelar de tal manera que se han colado

en los charts de todo el mundo.

Puede que solo falte algún nombre que se anime a

plantarle cara a Bad Bunny, J Balvin y similares, pero lo cierto es que la

factoría no se ha detenido en ningún momento. Y a los Duki, Bizarrap, Nicki

Nicole, Trueno, María Becerra, Paulo Londra, KHEA, Ysy A, L-Gante, TINI, Lali,

Tiago PZK, Nathy Peluso, Lit Killah o Rusherking, por mencionar solo una

pequeña muestra, hay que añadir otro de los nombres omnipresentes y en

constante ascenso de los últimos meses: el de Emilia Mernes.

Si bien se dio a conocer algo más de cinco años, cuando entre

2016 y 2018 formó parte de la exitosa banda uruguaya Rombai; lo cierto es que Emilia

comenzó a labrar su propia identidad sonora y estética desde 2019, cuando no

solo puso de moda entre la juventud los brillos en los ojos (algo que parece

menor pero que ayudó a convertirla en un icono pop), sino que sus

colaboraciones con artistas como Darell, Ana Mena, Sebastián Yatra, Boza o MYA

encendieron la mecha de una artista que con su flamante debut en largo está

llamada a convertirse en uno de los nombres fundamentales de la nueva

radiofórmula latinoamericana.

La culpa la tienen las canciones infalibles, hits

omnipresentes como los ya presentados “cuatro veinte”, “como si no importara” o

“rápido lento”; pero también otras jotas que nos descubre en este “Tú crees en

mí?”, como el urban mecánico “intoxicao”, donde hace alianza con Nicki Nicole y

recuerda el sonido de la Britney Spears de finales de los años ’90; la oda de

empoderamiento feminista y latino “latin girl” que recuerda a la “Lambada”; o un

himno de reivindicación del lugar que se ha ganado en el circuito como “cielo

en la mente”, donde suelta cosas como: “Pa’ los que dijeron que yo no brillaría

y ahora no me apagan ni de noche ni de día: si me sostienen la mirada, se

encandilan”. Poco más que añadir.

Alan Queipo.

Hay un afán en la nueva generación de pop alternativo en

español por abrazar el formato canción. Lo vemos en artistas como Ed Maverick, Conociendo

Rusia, El Zar, Cuco, Omar Apollo, Caloncho pero también en bandas como Bandalos

Chinos, con un discurso más de colectivo y no tanto de solista. No pierden la

elegancia del groove que ha marcado todos y cada uno de sus registros, pero

sobre todo no pierden la dirección de quien manda y ordena hacia dónde tiene

que virar cada uno de sus discos: la canción.

No es raro que trabajen con un artista como Adán

Jodorowsky en sus álbumes, casi un séptimo miembro invisible que se va

manifestando según las inquietudes que el sexteto argentino tenga en cada uno

de sus discos. Y si en sus exitosos “BACH” y “Paranoia Pop” se creaban una

suerte de armazón donde exploraban las cavilaciones del pop-canción tanto desde

la mirada de un indie evolucionado (en “BACH”) y de una parodia cuasi-funk (en “Paranoia

Pop”), en “El Big Blue” vuelven a la cáscara de la canción, con un

minimalismo y una manera de abrigar los temas especialmente cálido y sin

artificios de ningún tipo.

los Zoé de “Programaton” o el Emmanuel Horvilleur de “Mordisco” y el culto a la

canción melódica de los años ’60 y ’70, de artistas como Leo Dan, Sandro o

Leonardo Favio. Se percibe cuando se desatan libremente en medios

tiempos casi disco-funk como “Mi fiesta” o en odas casi beat como “Cállame”, “La

última vez” o “Una propuesta”, que suenan como himnos perfectos para una fiesta

de 15 (popular celebración de la adolescencia femenina en Argentina).

Por poner un ‘pero’, hay cierta monotonía de registro, de

cadencia, de ritmo, incluso de melodía, que hermana demasiado algunas canciones.

¿Es eso un hándicap? Si se escucha el disco del tirón, da la sensación de

que han creado un clima, en donde el concepto de “big blue”, entre cálido y

nuboso, representa muy bien ese hábitat. Y quien dice “clima” también podría

decir un sonido propio: que todos los problemas sean ese.

Alan Queipo.

Hay cierta tendencia a intentar atornillar el “flamenco

clásico”, cuando no “flamenco puro” o “flamenco original”, como si de unas

bases mínimas se tratase, en los cantes de Antonio Mairena, Manolo Caracol,

Antonio Chacón o Manuel Vallejo, por mentar sólo a algunos. Qué pérdida de

tiempo más grande asentar unas bases que no existen para absolutamente ningún

género musical de ningún país del mundo: el flamenco, como con todas las

músicas, ha sido siempre un género supeditado al movimiento, al ida y vuelta, a

los encuentros y desencuentros, a los reinicios y debates.

A ese juego es al que ha decidido jugar el cantaor gitano

Tomás de Perrate que, llevando toda su vida sobre los escenarios y

viniendo de una familia artística donde encontramos a nombres tan diversos en el

género como Gaspar de Utrera, El Lebrijano, Pedro Peña o Dorantes; se ha

pasado los últimos cuatro años haciendo un trabajo de arqueología flamenca

junto a Raül Fernández “Refree”, que se encarga de ayudarlo a modelar un

repertorio en el que ya no es que recupera cantes clásicos: es que va incluso más

allá.

Recuperando cantes del siglo XVII, de un proto-flamenco

imaginario en el que caben desde la chacona de Juan Aranés, la jácara “No hay

que decir el primor” o la folía de Henry le Bailly; e incluso rindiendo tributo

al concepto de “fandango callejero” que acuñaron hace casi 35 años Los Gaiteros

de San Jacinto, mítica agrupación folclórica colombiana, en los “Tres golpes”,

un cante de ida y vuelta que atravesó todos los océanos posibles; buceando por

las tradiciones sefardíes o las seguidillas mitológicas; e incluso utilizando

la fonética primitiva en la transparente y casi doom-metal “Los fonemas”; Perrate

y Refree no es que inventan algo: es que viajan al pasado para allanar el

futuro.

Algo que ha hecho también el músico Abraham Cupeiro con

instrumentos de la prehistórica folclórica gallega, y que Tomás de Perrate

hace con un álbum fundamental, que eleva tanto la vanguardia como el culto a la

tradición: desdeña ambas visiones porque decide horizontalizar un género que,

en las últimas décadas, la crítica se ha empeñado en arrinconar y señalar como

herejes a artistas como Camarón de la Isla, Enrique Morente, Diego El Cigala,

Niño de Elche, Rosalía o Rocío Márquez. ¿Ahora qué vais a hacer?

Alan Queipo.