Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

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Mor-discos episodes:

October 19, 2020 Eslabón Armado - Vibras de noche (DEL Records, 2020)
La gracia de unos premios como los Grammy
Latinos, descaradamente comerciales (son los galardones de la industria
oficial) y por lo general anacrónicos, radica en el salseo que se mueve
alrededor, las polémicas y las reivindicaciones antes, durante
y después de una gala que siguen mogollón de espectadores en todo el mundo. Este
año el beef más sonado viene desde México, donde varias voces han criticado
que el excelente momento que vive su música regional no se vea traducido en una
presencia mayor en las categorías importantes.

Ya
hemos hablado en los Mor-Discos de figuras como Natanael Cano,
referente de una nueva corriente bautizada como “corridos
tumbados” que mezcla la música norteña y las rancheras con la
estética, los ritmos y el lenguaje del trap. Junto a él, hay nombres como Junior
H, Los Dos Carnales y Carin León que están más interesados en recuperar el
sonido tradicional del regional mexicano que en mezclarlo con las nuevas
tendencias que escuchan la juventud. Eslabón Armado es una de las figuras
más importantes de este nuevo circuito al que se empieza a conocer como “sad
sierreño” y los editores de las playlist de Spotify describen como
“guitarras agüitadas para cantarle al amor y al desamor”.

Este trío formado en 2017 por tres amigos de la
infancia le canta, en efecto, a las chicas de sus sueños, y mezcla en sus
videoclips la simbología rural de las rancherías (caballos, sombreros tejanos,
espuelas) con algún guiño moderno (chándales, joyas, cochazos). Hacen música
sencilla con sus voces junto al sonido acústico de los requintos (una especie
de guitarra más pequeña) y los bajoloches (un tipo de bajo característico de
este universo). Su fichaje por DEL Records, el sello más importante del
género, les sitúa en una posición privilegiada para llegar a una audiencia
generalista.

José Fajardo
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56min
October 16, 2020 Los Gaiteros de Pueblo Santo - Historias cantadas (Yawaro Records, 2020)
“Pueblo
Santo es el lugar de donde vienen todos los gaiteros. Aunque hayan nacido en
otros lugares y en otros tiempos. Son el vivo recuerdo del gaitero original”. Con estas palabras se presenta el
esperadísimo debut de esta formación con más de una década de recorrido y
radicada en Barranquilla, en la costa Atlántica de Colombia. Un trabajo
nominado a los Grammy Latinos de este año y que rinde homenaje no sólo a
la tradición gaitera sino a una forma original de contar historias impregnada
de realismo mágico y el colorido imaginario local.

La música
de gaitas es el símbolo del Caribe colombiano, debe su nombre a la gaita
(también llamada caña de millo), un instrumento de viento similar a las flautas
elaborado con la madera del corazón del cardón (un tipo de cactus), cera de
abeja, carbón y pluma de pato cuyo sonido simboliza el canto de los pájaros.
La gran cita de la escena es el Festival Nacional de Gaitas Francisco Llirene,
que se celebra cada año en Ovejas (Sucre).

Ambientada
en una suerte de Macondo,
‘Historias cantadas’ es la obra que aúna todas las grandezas de este género
inmortal: las canciones avanzan como si fueran relatos populares, cada una
introducida por la maravillosa voz del locutor Andrés Salcedo. Hay gaitas,
cumbias, merengues y porros al son de las canciones dirigidas por el
gaitero y compositor Marlon Peroza, quien guía este poderoso torrente de sonido
apoyado en las magnéticas voces y las tremendas percusiones.

Escuchar
a Los Gaiteros de Pueblo Santo es trasladarse a las profundidades de Colombia,
esa tierra fascinante y tan llena de matices que es imposible describir con
palabras. Estos
sonidos son el mejor embajador de una nación con una riquísima herencia
cultural que sigue marcando el presente de las nuevas generaciones.

José Fajardo
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56min
October 16, 2020 Bandalos Chinos – Paranoia Pop (Autoeditado, 2020)
Hacía muchos años que la música argentina no vivía un
momento tan interesante como el de los últimos dos o tres años. Referentes en
la música urbana; poseedores de algunas de las divas pop de referencia en el
circuito mainstream; viviendo una revolución federal en la que cada vez surgen
más proyectos fuera del ‘buenosairescentrismo’; y, aún por encima, exportadores
de proyectos de un ecosistema alternativo con una vocación de
internacionalización que no se recuerda desde hace mucho tiempo.

En esta última parcela, posiblemente en el pódium, está Bandalos
Chinos. Un grupo independiente, heredero de la querencia del pop argentino de los
años ’80 (el de Virus, GIT, Miguel Mateos – Zas…) y con una categoría arrolladora
para firmar canciones redondas y, a la vez, fronterizas en su espacio de
acción: atemporales, hedonistas pero profundas, capaces de certificar que el
debate entre ‘lo indie’ y ‘lo mainstream’ es ridículo a estas alturas.

Tras un debut de hace ocho años y dos EPs intermedios
marcados por un sonido de corte más indie anglosajón, fue hace dos años, en “BACH”,
producido por Adán Jodorowsky, con el que consiguieron trascender: dos
nominaciones a los Latin Grammy, un Premio Gardel a Mejor álbum de pop y una
legión de fans no solo en su país, sino también en países como México, donde su
expansión es incontestable.

Pandemia mediante, en “Paranoia Pop” repiten con
Jodorowsky como productor pero, si acaso, consiguen horizontalizar una
propuesta cuya pretensión central parece ser en ocupar los diferentes frentes
de la canción pop. Parece que nada cambia, pero hay muchas cosas que se mueven
de sitio, que se recolocan, que suman elementos para conseguir ser una
banda de pop en la acepción más transversal. E incluso cuando cantan “cuando
haya pasado la locura estaré aquí”, parecen leer a la perfección el momento en
el que vivimos y lo necesarias que son sus (nuevas) canciones.

No hay búsquedas kamikazes, pero sí acercamientos al easy
listening (“A la cabeza”) o al rock and roll
vintage de baile de fin de curso norteamericano (“Chu-chu” y “El Ídolo”);
hay marcos de referencia compartidos entre el future funk de Prince y
la “Peluca telefónica” de Charly García, Pedro Aznar y Luis Alberto Spinetta (“Paranoia
Pop”, con LOUTA de aliado), hacia una mirada a una elegancia pop cercana al
registro de, a la vez, Parcels y Los Abuelos de la Nada (“Sin señal” y “Mi
manera de ser”), medios tiempos romanticones (“La Herida”) y hasta permisos a
un sonido más crudo, acústico y de fogón (“AYNMG” y “Los Puntos”). No hay
por qué perseguirse: que las paranoias solamente sean pop.

Alan Queipo
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56min
October 08, 2020 Omar Rodríguez-López - The Clouds Hill Tapes I, II & III (Clouds Hill, 2020)
A sus 45 años el puertorriqueño Omar
Rodríguez-López pareciera haber completado muchas vidas en la música.
Su trabajo como productor y guitarrista en la banda de rock psicodélico The
Mars Volta, su participación en At The Drive-In, su incontenible creatividad en
solitario (en 2016 publicó ¡12 discos! con el sello californiano Ipecac
Recordings) y su continua búsqueda de nuevos retos le han convertido en un
personaje difícil de rastrear.

Su último movimiento no es menos desconcertante (y
fascinante): tres discos que funcionan como uno solo, 20 canciones grabadas
en 2018 en el estudio Cloud Hills de Hamburgo (Alemania) con una banda
improvisada que completan la portentosa cantante Virginia García-Alves (una de
las últimas joyas salidas de la Berklee College of Music), Audrey Paris
Johnson a la batería, el hermano de Omar (Marcel) en los sintetizadores y el
pianista Leo Genovese, con quien había coincidido en la grabación del disco de
la chilena Mon Laferte ‘Norma’ (2018).

El resultado es algo al alcance de muy pocos: grabado
en apenas unos días, con un Omar Rodríguez-López en búsqueda de nuevos
horizontes tras una extenuante gira con At The Drive-In, estas piezas trasladan
al que escucha a universos poblados por atmósferas oscuras, donde la
ambientación del free jazz se mezcla con aires lisérgicos, avanzando por capas
de rock fronterizo hasta llegar a piezas de pop redondas.

José Fajardo
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56min
October 08, 2020 Gabriel Garzón-Montano - Agüita (Jagjaguwar / Stones Throw, 2020)
Gabriel Garzón-Montano podría
haber guardado estas diez canciones y poco a poco ir suministrándolas en
formato single. Posiblemente hubiera sido una jugada comercial mejor que
lanzarlas todas juntas como álbum. No hay aparente conexión entre ellas,
funcionan a la perfección por separado. Sin embargo su decisión de
empaquetarlas todas juntas, como si fuera un catálogo con todas las cosas que
sabe hacer, dice mucho de quién está detrás: nacido y criado en Brooklyn
(Nueva York), hijo de una francesa con formación clásica en música (quien
colaboró con Philip Glass) y de un colombiano amante de la salsa y la cumbia.

En casi cualquier otro artista sonaría forzado el
cóctel sonoro de este disco, que salta del r&b introspectivo y elegante
a lo Drake de ‘Someone’ al trap comercial de ‘Agüita’ (en el videoclip, grabado
en las ciudades colombianas de Medellín y Pereira, recuerda al madrileño C.
Tangana, con su misma chulería y actitud magnética), del reggaetón de ‘Muñeca’
a la experimentación con electrónica y voces de ‘Bloom’ y ‘Tombs’.

“En Atlanta se escucha Totó, en Bogotá ponen Migos”,
dice en ‘Agüita’, capturando en una sola frase la esencia de su singularidad
como artista: habitante de diversos mundos, capaz de integrar en su música el
folclore del Caribe colombiano de Totó
La Momposina y el rap gangsta con gancho comercial desde Atlanta de Migos.
En una industria cada vez más abierta hacia las periferias, donde los
géneros se mezclan sin prejuicios y la música latina se ha integrado con
normalidad en los canales comerciales de Estados Unidos, Gabriel Garzón-Montano
va un pasito por delante de sus competidores.

José Fajardo
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56min
October 08, 2020 Amorante – Bat edo hiru (Forbidden Colours, 2020)
Los caminos de la canción de autor son inescrutables.
Tanto que, aunque pueda parecer difícil de imaginarlo, existen puntos ciegos
entre Mikel Laboa y Bon Iver, entre Imanol y Thom Yorke, entre Benito Lertxundi
y James Vincent McMorrow. Esos puntos ciegos son ahora alumbrados por Amorante,
el singular proyecto capitaneado por el elgoibartarra Iban Urizar: un
multiinstrumentista que traza puentes entre la trompeta y el autotune, entre la
canción popular vasca y la indietrónica, entre la amalgama de loops y el free
jazz.

Compartiendo generación con otros renovadores de la
música vasca como pueden ser Anari, Izaro, Aitor Etxebarria o Reykjavik606, la
propuesta de Amorante (significa “amante” en euskera) suena líquida, se
mueve fronteriza entre géneros y tradiciones, suena antigua para los modernos y
moderna para los fundamentalistas de la tradición.

Las figuras que se proyectan en “Bat edo hiru”, el debut
que publica tras varios años dejándose ver como músico acompañando a otros
artistas, nos presenta a una figura sensible, minimalista, que se desplaza
con sinuosidad campo a través de siete canciones que basculan entre la
orfebrería de una canción folk que bebe indudablemente de artistas occidentales
de la generación de Bon Iver, Sufjan Stevens, Volcano Choir o José González;
pero también hace guiños a aquella canción de resistencia vasca de los años ’60
y ’70.

Sencillas pero impactantes suenan piezas de una
delicadeza extrema, y de una construcción híbrida entre el jazz, el folk y la
indietrónica como “Hezugabeak” o “Frank”, a la vez que se permite licencias
instrumentales que lo acercan más al free jazz como “John Cazale” (un homenaje
al icónico actor neoyorquino de los años ’70) o a una performance de zamba doom
con falsete autotuneado (como en “Ama hil zaigu”) o incluso proyectar el
imaginario de la canción vasca de Mikel Laboa o Imanol en canciones como “Juliana”.

Alan Queipo
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56min
October 08, 2020 Paz Court – La Fuerza (Autoeditado, 2020)
La distancia siempre te da perspectiva. A la chilena Paz
Court se la dio el estar viviendo en México desde hace poco más de un año. Y
es que tras un par de álbumes que se acercaban a un registro pop de autor con
tics que la acercaban a un registro más luminoso y tropical, con tics más
propios del swing o las bandas de vientos y a un marco de referencias más cerca
de propuestas como Monsieur Periné o Mon Laferte; en su tercer álbum
encuentra otro yo mucho más personal y con una profundidad que, precisamente
desde la distancia, la ha conectado más que nunca con sus raíces.

Tras el iniciático “Cómeme” de hace cinco años y el “Veranito
de San Juan” que hizo junto a la Orquesta Florida (una orquesta de más de diez
músicos en escena y en el estudio), “La Fuerza” es un viaje a las
profundidades de una canción de corte más folclórico, pero dialogando tanto con
texturas electrónicas como incluso más propias del pop-rock alternativo o de la
música tropical.

Paz Court dibuja una suerte de nuevo ecosistema musical
chileno desde la distancia. Y lo hace tanto resignificando una
pieza como “Ausencia” de Violeta Parra junto al hijo de esta, Ángel Parra, en
una canción repleta de morriña y anhelos; pero también lo hace cuando imagina una
canción folclórica tan posmoderna (en “Canto de Ordeño”, “La Fuerza” y “La
Noche Oscura” utiliza programaciones y bases de trap en una estructura de
profundidad tradicional) como cerca del pop (“Pajarillo Negro” o “Un día planté
una rosa”).

Incluso se permite licencias que la acercan a una
sonoridad más propia del rock alternativo (“De qué sirve”), de la canción pop
de sus inicios (“Somos”) o de la cumbia indie (“Lamento”), a la vez que traza
un mapa de colaboraciones (El David Aguilar, Natisú, Fernando Milagros,
Ampersan) que imagina una coalición generacional de cancionistas y
productores inclasificables, cada vez más difíciles de encasillar: algo
absolutamente esencial para entender las derivas que artistas como Court
proyectan en un repertorio que cada vez encuentra más márgenes de libertad, sin
anclajes de ningún tipo.

Alan Queipo
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56min
October 05, 2020 Sílvia Pérez Cruz - Farsa (género imposible) (Universal Music, 2020)
Ajena a las modas, Sílvia Pérez Cruz es
poseedora de una de esas personalidades tan abrumadoras que, sin pretenderlo,
marcan tendencia. Lo hizo ya en 2014 cuando junto a Raül
Fernández Miró ‘Refree’ anticipó con ‘Granada’ esa recuperación de las
tradiciones españolas que estaba por venir. Desde
entonces su carrera ha avanzado por libre, con decisiones
estrictamente artísticas y muy personales. ‘Farsa’ es un buen ejemplo de esa
radicalidad a la hora de crear, de la convicción y ética de una figura que no
trabaja pensando en el presente sino en el conjunto de su obra futura.

El concepto del álbum es mantener un diálogo con
todas esas disciplinas que han inspirado la obra de la catalana: teatro, cine,
danza, pintura, fotografía y poesía. Son canciones escritas por ella misma
o adaptaciones de los originales de otros poetas como Javier Ruibal, Miguel
Hernández, Ana María Moix o Sylvia Plath. En el making-of del álbum, que se
puede ver en YouTube, cuenta lo complicado que fue conseguir los derechos
de los textos de la intelectual estadounidense, hasta el punto de hacer
peligrar el proyecto.

Por suerte el disco salió adelante y ahora ven la luz
estas canciones en las que canta a la fuerza arrebatadora de la inspiración, en
las que su voz se envuelve del poder evocador de la pintura, su deseo se
convierte en baile y, a la manera de una cineasta o un literato, cuenta
historias con un poderoso trasfondo: el de la maternidad, la propia y la ajena.
Hay un homenaje a su madre (y al resto de madres, incluso a las que no lo
son) pero también a su hija: estos temas están grabados en el comedor de su
casa, para que pudiera pasar más tiempo con ella.

Escuchando estas piezas en la tranquilidad del salón
de casa uno siente el incontenible deseo de que la normalidad regrese al sector
de la música en directo para que Sílvia Pérez Cruz pueda llevar a cabo sus
planes con ‘Farsa’. Su idea es explorar tres formatos distintos: una
interpretación cruda y desgarrada en acústico, sólo con su voz; ir acompañada
de una banda (en el disco participan varios instrumentistas de alto nivel), y
un experimento junto a un director de escena, una bailarina y un pintor a
tiempo real. Ojalá todo esto suceda más pronto de lo que ahora pensamos.

José Fajardo
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October 05, 2020 Nathy Peluso – Calambre (Sony Music, 2020)
Había varias cosas que, hasta hace no mucho tiempo, le
preocupaban a Nathy Peluso. La búsqueda de un personaje singular
la encontró en un curioso homenaje-réplica de una artista semidesconocida como
Hurricane G. La asimilación de su registro artístico la encontró en “La
Sandunguera” demostrando quizá excesivamente lo buena cantante que es, y lo
lejos que estaba del resto de “artistas urbanos”. Su puesta en escena en
directo nos presentaba a una artista técnicamente perfecta, con una energía
arrolladora pero, a todas luces, excesiva en sus manifestaciones, como una
Belén Esteban del r&b.

Afortunadamente, con su nuevo disco, la argentina ya
no tiene de qué preocuparse. “Calambre” llega más tarde de lo esperado pero, a
diferencia del grueso de materiales de artistas en torno a músicas como el
r&b o el urban, sorprende todo el rato. En los tres adelantos que
presentó a lo largo de los últimos meses se podía intuir que el sonido del
neosoul americano de los años ’90 (ese que va desde Missy Elliott y Destiny’s
Child a Mariah Carey o Aaliyah) sería la base de una producción que,
definitivamente, la distancia del grueso de frontwomans de habla hispana.

Pero lo que no podíamos intuir es la capacidad que ha
tenido Peluso no solo de no depender de sonidos tendenciosos como el reggaetón,
sino también de captar el espíritu de las primeras grandes producciones de
Timbaland, Pharrell Williams, Bloodshy & Avant o Puff Daddy; y, a la vez, permitirse
licencias que la acercan a una salsa para la Generación Z (“PURO VENENO”),
al tango&b (“AGARRATE”: un epílogo abrasador), al dancehall (“DELITO” es su
mirada a Rihanna) o al neosoul a lo Mariah Carey (“BUENOS AIRES”).

El álbum de Nathy Peluso sienta un precedente muy
necesario en la escena. No solo consigue quitarse definitivamente algunos
sambenitos que se autoimpuso en “La Sandunguera”; sino que proyecta la
posibilidad de que una artista joven y empoderada pueda llegar a cambiar las
tornas del sonido de la música comercial en español sin replicar modelos ni ser
“la nueva” nadie, y ser un poquito todo para conseguir, por fin, ser solo Nathy
Peluso.

Alan Queipo
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October 02, 2020 La Dame Blanche - Ella (Selvamonos Productions / Ramos Rodríguez - Damblé, 2020)
En 1966 Nina Simone contó la historia de cuatro
mujeres que habían llevado vidas totalmente distintas por su color de piel y
origen social en ‘Four Women’. Más de medio siglo después La Dame Blanche
retrata a 10 mujeres desde distintas ópticas, una por cada canción: salen a
relucir temas como la raza, la igualdad, la autoestima, la libertad, el
orgullo latino y, al fin, la amplitud de miras de una artista total.

La cubana residente en París Yaite
Ramos Rodríguez consigue con ‘Ella’ pulir todas las cualidades que había
ido mostrando en obras tan inspiradoras como su anterior ‘Bajo el mismo cielo’
(2018): el choque entre las riquísimas tradiciones musicales de su país y una
mirada hacia lo contemporáneo, el poderío de su voz mezclada con su habilidad
como percusionista y flautista y su tremendo carisma.

Cada corte es un universo propio, no sólo en el apartado
lírico (donde intercala español, inglés y francés), sino a nivel sonoro: del
reggaetón experimental pasa a las cumbias, de los ritmos violentos del trap al
remanso del reggae y así van sonando dancehall, hip hop y otros muchos sonidos
contagiosos. Es un disco que captura el signo de su tiempo, desde la lucha
feminista hasta el movimiento Black Lives Matter con un poderoso trasfondo
latinoamericanista.

José Fajardo
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