Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

· Music

Download on the App Store

Download on the App Store

Get it on Google Play

FAQs about Mor-discos:

How many episodes does Mor-discos have?

The podcast currently has 566 episodes available.

Mor-discos episodes:

October 02, 2020 Feid – BAHÍA DUCATI (Universal Music Latino, 2020)
Mucho se habla de las cifras astronómicas, la
omnipresencia y el carácter prolífico (productivamente hablando) de Bad Bunny;
pero más bien poco se habla de Feid, alter ego de Salomón Villada Hoyos. Por
mucho que el alcance de artistas como Benito sea importantísimo y
revolucionario para el sector, lo cierto es que hay una generación compartida
con nuevos artistas que vienen destinados a disputarles el trono a Bad
Bunny, J Balvin, Nicky Jam o Daddy Yankee.

El artista colombiano tiene casi 15 millones de oyentes
mensuales fijos en Spotify, canciones que están bordeando los 200 millones de
reproducciones solo en esa plataforma, colaboraciones con los artistas más
grandes de la música urbana latina de corte pop y, tras dos álbumes publicados
estos últimos años, este año, igual que el conejo malo, él también publicó dos
discos.

Tras presentar en las primeras semanas de la pandemia “FERXXO
(VOL. 1: M.O.R.)”, hace tan solo unos días el de Medellín presentó “BAHÍA DUCATI”,
un ejercicio más breve que el anterior (diez canciones frente a las dieciséis
del que publicó en abril) pero, si acaso, con mucha más pegada. Diez hits
como diez soles, en las que desfilan junto a él artistas de la talla de Zion
& Lennox, Sech, De La Ghetto, Ñejo, J Balvin, Maluma, Nicky Jam o Justin
Quiles, entre otros.

El álbum nos presenta a un Feid mucho más cerca de la
canción de radiofórmula (especialmente en “FOTOGRAFÍAS” o en “FERXXO
X ÑEJO”), pero también a un artista lo suficientemente inquieto como para
permitirse licencias que lo acercan a una suerte de reggae de pegada urban
(“JAMAICA” o el remix de “XX” junto a Dalmata), texturas en las que exige a su
falsete para coquetear con el neosoul (“BREAK UP”), el 808 (“otra vez”) o el
r&b contemporáneo (“que putas”) o reggaetones urgentes con olor a medio
tiempo (“NEA”).

Quizá va llegando la hora de empezar a hablar tanto de
artistas como Jhay Cortez, Rauw Alejandro, Dalex o el propio Feid que de los
mismos de siempre. Va tocando.

Alan Queipo
...more
56min
September 28, 2020 Benjamín Walker, Yorka, Natisú & Hakanna - MAL (Autoeditado, 2020)
Mucho se ha hablado de las rupturas y afianzamientos
sentimentales tras el confinamiento obligado que impuso la pandemia global.
Parejas que han certificado su ruptura o su alianza definitiva; compañeros de
piso que han descubierto que no se soportan y otros que han encontrado aliados
emocionales absolutos en tiempos en donde todo está mal. Pero, ¿y los
músicos que conviven?

Es el caso de Benjamín Walker, Yorka y Natisú: artistas
chilenos que conviven en la misma casa, y que decidieron junto a Hakanna
canalizar el confinamiento desde un punto de vista creativo común. Un álbum
absolutamente hijo del confinamiento, que no solo materializa la
montaña rusa emocional que han vivido en este encierro, poniendo en letra y
melodía una ansiedad compartida con prácticamente cualquier habitante no solo
de esa casa, sino del globo terráqueo; pero que, además, sirve para
encontrar los puntos comunes artístico-musicales de cuatro de los nombres
fundamentales del nuevo pop trasandino, más allá de los puntos comunes o
fricciones que tengan a la hora de repartirse los quehaceres domésticos del
hogar que comparten.

“Ya no me quiero acostar para amanecer de nuevo en el
juego de evitar el miedo” cantan casi un mantra que representa el
sentir de todo el planeta estos últimos seis meses. Prácticamente todas las
canciones de “MAL” respiran encierro y confinamiento. Desde cuando cantan
“no recuerdo cuánto tiempo ha pasado para volverte a ver” o “no puedo
salir, algo anda cochino ahí: bajo la escalera, silencio en la acera; nadie
pasa por aquí: me transformo lentamente en un mueblo de mi casa” o “y
aunque pareciera que esto no va a terminar, volverán los abrazos, los engaños,
se juntarán los cuerpos bajo el sol”; o incluso cuando graban de manera
absolutamente casera un interludio en el que parecen compartir canciones en el
salón, el álbum se convierte en una suerte de manual conceptual sobre el
contexto actual.

Pero lo mejor de “MAL”, más allá del gancho conceptual
absolutamente contemporáneo, es la manera en la que la convivencia de cuatro
artistas que conviven bajo el mismo techo acaba traduciéndose en un álbum que
se debate entre el pop de autor de vocación universal de Walker, la capacidad
innata para crear melodías y armonías redondas de Yorka y la visión de
producción contemporánea de Natisú y HAKANNA. Un repertorio llamado a
convertirse en un puntal no solo para recordar esta época aciaga, sino también
los caminos de ida y vuelta de la confluencia artística entre artistas y
productores.
...more
56min
September 28, 2020 Duki - 24 (SSJ Records / Dale Play, 2020)
Es
evidente que Duki tenía otros planes para 2020. Tras consolidarse con su debut ‘Súper
sangre joven’ (2019) como el icono de la pujante nueva
escena del trap en Argentina, este año debía ser el de su explosión
internacional. Este EP publicado en medio de la pandemia el 24 de junio, el
mismo día que cumplió los 24 años, es su forma de darle la vuelta a las malas
noticias. Si no se puede viajar para tocar, uno siempre puede encerrarse en
casa para grabar música.

Es el
signo de los tiempos de una nueva generación que se adelantó a los tics de la
cuarentena: habituados a trabajar encerrados en sus trap house, no se han visto
obligados a parar su producción durante estos últimos meses. Evidentemente es
un trabajo menor en la prometedora carrera de Duki, apenas ocho temas (que
suman 24 minutos) donde regresa a un sonido más crudo mientras perfila su
auto retrato en torno a la fama, las fiestas, la juventud, el lujo y la
ambición.

Su flow
es irreprochable pero quizá el único tema memorable del conjunto sea (cómo no)
el que se titula ‘24’
donde firma las paces con el trapero español Kidd
Keo (posiblemente uno de los artistas del género en español con más
impacto global ahora mismo) tras protagonizar ambos una serie de beefs en el
pasado. A los botoncitos está el estadounidense Juicy J, productor de Three
6 Mafia, grupo de culto en la escena del trap.
...more
56min
September 25, 2020 Lucrecia Dalt - No era sólida (RVNG Intl., 2020)
Esta
semana hice un experimento:
escuchar (en alto, con el volumen del teléfono móvil a tope) el nuevo disco de
Lucrecia Dalt en distintos ambientes, en mi casa, paseando por la calle o por
un parque y sentado en una terraza. Las reacciones de la gente a mi
alrededor fueron de lo más dispares: muchas miradas de odio, en plan “no seas
maleducado y apaga ese RUIDO”, pero también indiferencia e incluso hubo
quien se acercó con evidente fascinación, cual abeja que flirtea con su panal
de miel.

En mis
propias carnes he digerido este ‘No era sólida’ con una amalgama de
sensaciones, dependiendo de mi estado de ánimo y del contexto de las escuchas: un día que estaba muy cansado
sentí cómo me agujereaba la cabeza, un auténtico taladro hurgando en mi
cráneo; otro día que tenía mucho trabajo por delante lo escuché por la
mañana y me pegó un chute de energía creativa, y en la mayoría de los casos,
cuando conseguía abstraerme, me llevaba a un estado de inspiración raro,
dejándome llevar por sus capas de sonidos.

Escuchar
a la colombiana Lucrecia Dalt es una experiencia parecida a la de acercarse al
cine de vanguardia o la pintura abstracta: habrá quien lo desprecie porque “eso no es arte”,
habrá a quien directamente le aburra o no le interese, y habrá siempre quien
quede atrapado por una obra que sale de los intestinos en su parte más
física (los ritmos que invitan al trance, las voces marcianas) y de las ondas
cerebrales del subconsciente en el espíritu mismo de la obra.

La
pretensión de la
artista colombiana (ahora residente en Berlín tras vivir un tiempo
en Barcelona, con formación como ingeniera civil) es contar la historia de
su alter ego extraterrestre: Lia, un ser que, según avanza el disco, va
siendo consciente de su estructura corpórea (de ahí los títulos de las
canciones: disuelta, seca, ser boca, espesa, revuelta) y termina con un
manifiesto de casi 10 minutos (‘No era sólida’) realmente evocador con resonancias
al cine de Andréi Tarkovski o las novelas de Philip K. Dick.

Una
obra que invita a viajar por los agujeros más inhóspitos del universo en esta
época de confinamientos físicos y mentales. Un paso más en el camino por la vanguardia del arte
contemporáneo que recorre desde hace años Lucrecia Dalt, una
figura radical cuya obra no busca agradar a una audiencia masiva
sino despertar reacciones. Su trabajo es todavía más arisco (y fascinante, para
quien logre engancharse) que el de otros transgresores de la nueva escena
electrónica como Holly Herndon, Oneohtrix Point Never y Laurel Halo. Su mirada
es la de quien se asomó al abismo y logró ver más allá.

José Fajardo
...more
56min
September 25, 2020 Vera - Terso (Autoeditado, 2020)
“La pronunciación del amor está intacta”, canta
Vera, como una sentencia que sirve para manifestar la solidez de las cosas
realmente importantes; pero casi también como una suerte de médium de un
idioma que en la música argentina solo pueden descifrar quienes lo llevan por
dentro: los Spinetta.

Vera es la menor de las hijas de Luis Alberto Spinetta,
uno de los mayores iconos de la historia del rock argentino; y
aunque en la última década su acercamiento a las artes fue más delante de las
cámaras (es actriz: participó en películas como “Voley” o “Las viudas de los
jueves” y en series como “En terapia” o “La celebración”, entre otras) o
delante del folio en blanco (el año pasado publicó el poemario “Eclosión”) que
delante de un micrófono, en “Terso” traduce un lenguaje íntimo, contemporáneo y
orgánico a la vez, en el que se identifica el lenguaje cósmico-poético que su
padre le legó en la sangre, pero en el que, sobre todo, se adivina un nuevo
lenguaje musical: fuera de estructuras obvias, en el que el maridaje de las
programaciones electrónicas y el aterrizaje orgánico van absolutamente de la
mano.

Rodeaba cierta mística por dónde irían los tiros del
debut de Vera. En los últimos dos años, había colaborado junto a Juan Mango (su
pareja y, además, líder de los también spinetteanos Usted Señálemelo) y
con los indietrónicos Programa; pero poco se sabía del registro sonoro propio
de la argentina.

En “Terso”, que ha trabajado en alianza con los
productores Pablo Bursztyn y Guido Moretti, se bascula entre una suerte de pop
mecánico, de cierta raíz indietrónica, con ecos que van desde el “Amnesiac”
de Radiohead o el “Siempre es hoy” de Gustavo Cerati a matices que se mueven en
un arco que va desde Brian Eno a Efterklang, de Björk a Hanne Hukkelberg, de
The Postal Service a Juana Molina. Tanto cuando le dedica una canción a su
segundo hijo (“Blu”) como cuando encuentra melodías redondas en canciones
levitantes (“Incesante” e “Infautación” son dos buenos ejemplos) como cuando
decide desenchufar las máquinas y cantar al piano (“Terso”), Vera parece
haber dado con algo diferente al sonido del ecosistema del pop alternativo en
español.

Un álbum que suena a poema sonoro, a acuarela
infinita, a relato en el que el espíritu de su padre se encuentra en un
laberinto de cables y programaciones: un fundido en mil colores que manifiesta
en Vera una nueva receptora de la calidez poética y los dialectos infinitos que
habla ese pop que aprende a volar.

Alan Queipo
...more
56min
September 18, 2020 Yomil y El Dany ‘Los Champions’ (Jungl Yomil y El Dany, 2020)
El Dany murió el pasado 18 de julio a los 31 años de
un infarto. Esos
días salieron a la calle desde todos los barrios de La Habana para
llorar su recuerdo jóvenes para quien este cantante había sido, más que su
ídolo, un espejo donde mirarse en la reconfortante fama del que al nacer no
tenía nada. Junto a Yomil formó durante los últimos cinco años un dúo que se
convirtió en el emblema del reggaetón moderno en Cuba con un sonido pegajoso
que ellos bautizaron como “traptón”.

Marginado por la cultura oficial del régimen (que
todavía hoy considera a los artistas urbanos “subversivos”) pero admirado por las
nuevas generaciones (cualquier chaval menor de 30 años en la isla ha escuchado
sus canciones, ya sea a través del Paquete Semanal o en las redes sociales), El
Dany (junto a Yomil) logró conectar a la población cubana con el exilio de Miami.
Allá ofrecieron una actuación exclusiva en 2017 con todos los tics de las
grandes estrellas de la industria.

Este disco tiene un sabor extraño: concebido como un
all stars de la escena contemporánea del reggaetón en Cuba (influida por los
sonidos comerciales de fuera pero con su propia idiosincrasia gracias a la
recuperación de los ritmos autóctonos y una forma de cantar diferente, muy
apegada al lenguaje de los barrios) tras la muerte de El Dany se ha convertido en
un poderoso homenaje póstumo.

Faltan algunos nombres imprescindibles (los iconos
Gente de Zona o el muy popular Chocolate MC) pero el disco sirve como un viaje
de iniciación (para el oyente foráneo) por la diversidad y talento que guían al
género en Cuba: desde la escuela old school que se acerca a los clásicos de
Puerto Rico hasta la versión más rapper, los románticos con pretensión
comercial y las
nuevas voces del ragga morffa.

Jose Fajardo
...more
56min
September 18, 2020 Delfina Cheb – Doce milongas de amor y un tango desesperado (Casa Limón, 2020)
“Vengo de tierra argentina; de mar, pueblo y arena: unos
me llaman Delfina y otros ‘La Milonguera’”, canta Delfina Cheb en la canción que
da título a su apodo y que, de alguna manera, también define su registro.

Aunque decir que la argentina solo es milonguera es
quedarse corto: su debut no solo es una carta de presentación que reivindica la
profundidad de la milonga y el carácter líquido que este género rioplatense
tiene cuando se lo acerca al flamenco, al jazz o a la música de autor; sino que
sirve para resaltar la identidad de una cantora tan cerca de la sensibilidad
folclórica como de la formación académica, tan limpia y pura como repleta
de honestidad.

Delfina Cheb es el nuevo descubrimiento de un Javier
Limón que se ha convertido en uno de los grandes cazatalentos de esa música de
raíz que se sienta en los pupitres del Berklee College of Music. En
los últimos años, nombres como los de Nella, Tonina o Tali Rubinstein, estudiantes
del colegio, se convirtieron en algunas de las artistas señaladas por el
productor, y destinadas a encontrar en su registro lo que años atrás hicieron
artistas de la talla de Diego El Cigala, Concha Buika, Andrés Calamaro, Niño
Josele o Potito, entre otros: todos ellos, artistas muy diferentes antes y
después de trabajar con Javier Limón.

En el caso de la debutante Delfina Cheb, en su alianza
con Limón resuena ese eco característico de las producciones del madrileño: esa
manera casi artesanal de tratar la música de raíz, con un poso tradicional
que él desarrolla no tanto desde el salvajismo, sino más desde una limpieza que
aterriza repertorios que parecen de cristal: en el límite de la delicadeza,
con la fortaleza de las cosas que parecen a punto de romperse pero que resuenan
irrompibles. A su vez, consigue cruzar la milonga con el flamenco (en “La Milonguera”
junto a Kiki Morente), a la habanera (“Milonga Grande”), a la canción más aérea
e indietrónica (“Milonga del moro judío”, junto a Nella) o al candombe fusión (“Milonga
del Río de la Plata”), entre otras zonas mixtas donde habita este repertorio.

De este modo, Cheb hace un paseíllo por un repertorio que
alterna piezas de clásicos como Astor Piazzolla, Alfredo Zitarrosa, Aníbal
Troilo y Homero Manzi, Dulce Chacón o Jorge Drexler; con otras composiciones
propias, tanto de la propia Delfina como de su productor. En todas ellas existe
una proyección de todas las milongas que habitan en la milonga: un repertorio
de una profundidad y una sensibilidad apabullante, sentida, universal.

Alan Queipo
...more
56min
September 18, 2020 ATR - Mundi (Autoeditado, 2020)
Todavía habrá quien quiera cuestionar las inevitables
conexiones que existen entre los distintos géneros musicales. Aún recuerdo
quien ponía en cuestión las relaciones entre el rock (y la cultura rock en
general) y la música electrónica, desde su expansión en los años ’80 y ’90.
Afortunadamente, proyectos como ATR demuestran la absoluta sinergia que existe
entre el rock y la electrónica más pistera.

El trío brasileño, cuyas siglas han acabado por comerse
el nombre original (Aeromoças e Tenistas Russas) con el que comenzaron hace
casi una década a proyectar una absoluta comunión entre una electrónica que
bascula entre la synthwave europea de Kavinsky, M83 o Chromatics, el acid house
de Madchester, el after-disco de Daft Punk y aquella mágica generación
electroclashera a la estela del sello Ed Banger y grupos como Simian Mobile Disco
o Justice; y, a la vez, todo el bagaje heredado de una cultura rock que va
desde el kraut más mecánico al glam-rock más esteticista o el rock progresivo más
recto.

Tras tres EPs y dos álbumes largos, la banda brasileña
presenta su repertorio más lúcido, brillante y coral: nueve canciones con
colaboraciones de artistas de distintos puntos del globo terráqueo, que los
ayudan a alimentar un universo que, sin perder de vista esos dos puntales que
confluyen en una suerte de rocktrónica empapada de groove,
abre caminos que los llevan a explorar nuevos territorios sonoros.

Tanto cuando lo hacen cerca de texturas hip-hop (“Like a
Bamboo”, junto a Billy Pilgrim), como de una electrónica africanista y jazzera
(“No Diskriminasyon”, junto al haitiano Vox Sambou), del dub más lisérgico (“Batom”,
junto a la bahiense Luedji Luna), del electroclash casi latin-punk (“Qué Tá
Mirando?”, junto a la dominicana Carolina Camacho), del after-house más pistero
(“In My Stereo” o la casi reggaetonera “Corazón”, junto a la argentina Michu; o
la instrumental “Mundi”) o el del groove del disco-funk más daftpunkero, ATR
demuestran tener capacidad para relanzar una electrónica panorámica, horizontal
y dispuesta a unir bajo su seno tradiciones, voces y ritmos con un único
objetivo: que todo el globo terráqueo menee el cucu.

Alan Queipo
...more
56min
September 18, 2020 Rosa Pistola - Tributo a La Mulata (Primavera Labels, 2020)
Figura radical dentro de la explosión
global del reggaetón, Rosa Pistola llegó al género a través del punk, el witch
house y el ruido. Esta colombiana afincada en México lleva
años reivindicando una
escena subterránea habitada por voces agresivas que agitan conciencias,
un reggaetón feminista, anárquico y anti sistema. Ella juega en la liga del
malianteo, la faceta más oscura y callejera dentro de este sonido híper
explotado comercialmente en los últimos años.

Su aproximación a la obra de La Mulata es una de
las cumbres de un circuito al que todavía le queda mucho recorrido desde abajo.

La Mulata es una reggaetonera del Bronx de
origen dominicano inspirada en la obra de la puertorriqueña Ivy Queen,
referente absoluto desde mediados de los 90 con su voz de mujer poderosa que
reivindica su lugar no sólo en la pista de baile sino en la cabina del DJ y
como protagonista desde el escenario. Su voz melódica, con su grito de
guerra “es la mulata, la que arrebata”, funciona a la perfección con los ritmos
caóticos y terroristas (y aun así, bailables) de Rosa Pistola.

El mejor ejemplo de esta acertada unión es ‘Soy
una dama’ (con ecos al himno de Ivy Queen ‘Quiero bailar’), auténtico hit
oculto de este verano que no pudimos celebrar por la pandemia, una
canción que exige respeto para las mujeres con calculadas dosis de hedonismo y
rabia, desde un punto de vista cotidiano y sencillo: el de una mujer que
acude sola a la discoteca para pasárselo bien, que puede bailar con quien le dé
la gana y ser tratada con educación sin necesidad de tener que aguantar a
babosos.

Este trabajo, más allá de una necesaria reivindicación
de La Mulata, no es más que la punta del iceberg de un ecosistema que está
literalmente ardiendo por debajo de la superficie que se ve a simple vista
(ese reggaetón blanco y comercial que sale de las factorías de Medellín y Miami)
y que
tiene en otros nombres de mujeres como la DJ Clara!, el colectivo Chica Gang y
la reina del neoperreo Tomasa del Real mucho futuro por delante.

José Fajardo
...more
56min
September 14, 2020 Dorian Wood - ARDOR (Autoeditado, 2020)
Hay una gran diferencia entre algo que se quema y algo
que arde. Lo que se quema, generalmente, se proyecta fuera, se manifiesta como
un acto descontrolado pero visible. Lo que arde, va por dentro: ni se huele
ni se apaga con agua. Puede ser un dolor, puede ser una manera de
recomponerse. En cualquier caso, es una manera de manifestarse, elegante y
sinuosamente, pero trasciende nuestro control.

En esa atmósfera, entre la necesidad de manifestar los
mil dolores pequeños que hemos vivido en este 2020 y la sinuosidad de quien
quiere mantener cierto control sobre algo descontrolado, bascula el sonido, el
repertorio y el alma de “ARDOR”, uno de los dos álbumes que Dorian Wood ha
imaginado durante el confinamiento, y el primero que conocemos: un repertorio
minimalista, tan cerca de la mirada cantautoril como de la performance
cinética, tan profundamente neoclásico como post-tradicionalista.

Los ardores que el norteamericano de origen costarricense
proyecta en este repertorio mantienen una sonoridad bastante homogénea: la
guitarra eléctrica embadurnada en eco de su aliado a las cuerdas Michael Corwin
y un Wood aferrado al micrófono, al que podemos imaginar con los ojos cerrados,
casi como una invocación que nos puede recordar en momentos a Jeff Buckley,
en momentos a Antony Hegarty, en momentos a Patti Smith, y en otros al
imaginario proyectado de algunos de los versionados en las canciones.

Desde Prince a Juan Gabriel, de Violeta Parra a una
Chavela Vargas a la que a había rendido homenaje en uno de
sus últimos espectáculos pre-pandemia, “XAVELA LUX AETERNA”; y que conviven con
composiciones propias de Dorian Wood. Todas ellas nos llevan a un clima de
cierta paz, pero absolutamente envueltas de la severidad en las que fueron concebidas
y registradas en su residencia en el espacio Human Resources de Los Ángeles: en
un contexto de confinamiento, miradas interiores y estallidos sociales tras las
revueltas del Black Lives Matter. Un álbum que es una manifestación
pacífica, una sentada sonora y una bandera encendida por dentro.

Alan Queipo
...more
56min

FAQs about Mor-discos:

How many episodes does Mor-discos have?

The podcast currently has 566 episodes available.