Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

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Mor-discos episodes:

August 17, 2020 Branko Presents - Enchufada Na Zona Vol. 2 (Enchufada, 2020)
Si quisiera, hace tiempo que Branko podría ser el
nuevo Diplo, el gurú de las tendencias, siempre atento al próximo sonido de
moda. Pero la realidad es que Branko no quiere parecerse a nadie. Tras marcar
una época (y adelantarse a estos nuevos tiempos de fusión global y recuperación
de las tradiciones) con el combo luso-angoleño Buraka Som Sistema, desde hace
años viene adelantándose al futuro desde su programa de radio en la NTS
londinense ‘Enchufada Na Zona’.

Desde su base en el underground de Lisboa en 2017 sacó
el primer recopilatorio con la música que fue descubriendo, sonidos contagiosos
y siempre sorprendentes desde Portugal, Brasil, Ghana, Sudáfrica, Ghana y el
Reino Unido, entre otros rincones. Este segundo volumen, grabado desde estudios
caseros durante la pandemia por artistas afines de todo el mundo, dibuja cómo
serán los clubes de baile que están por venir.

Desde el dúo de electro cumbias peruano Dengue Dengue
Dengue hasta el joven productor lisboeta Vanyfox, especializado en kuduro,
afro-house, tarraxo y kizomba, pasando por PEDRO y Dino d’Santiago (dos de los
grandes talentos de la efervescente nueva escena de la capital portuguesa), el
combo Lua Preta, con sangre de Polonia y Angola, o los visionarios ritmos de
Gaffaci desde Ghana. El álbum es un canto a la conexión y a la diversidad
frente al aislamiento impuesto en las sociedades contemporáneas.

José Fajardo
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56min
August 17, 2020 Los Cogelones - Hijos del Sol (Piccolo Records, 2020)
La historia de Los Cogelones es la de Nezahualcóyotl
(conocida como Ciudad Neza), una de los metrópolis con menos recursos e índices
más altos de inseguridad en México, situada a las faldas de la capital. Estos
cuatro hermanos, originarios de la colonia de El Sol (de ahí el título de este
disco), comenzaron a hacer música hace más de una década con la única
pretensión de tocar versiones de clásicos del rock y beber cerveza inspirados
en ídolos locales como el recientemente fallecido Charlie Monttana.

Hasta que un buen día decidieron dar un giro a su
proyecto: motivados por la herencia de sus antepasados indígenas, consagraron
su arte como una forma de conectar con esa espiritualidad milenaria. En sus
directos practican rituales y danzas, mezclan guitarras eléctricas y la furia
del punk con instrumentos tradicionales como el huéhuetl, una especie de tambor
con forma de tubo que empleaban los mayas.

“Nosotros no somos mexicas (no nacimos en una
comunidad indígena), pero crecimos en un pueblo donde se vive igual: hay
carencias, hay sed, hay hambre”, explican. Aunque este es su debut en formato
disco, hace tiempo que sus canciones son los himnos de la juventud rebelde
mexicana. Temas como ‘Hijos de puta’ desprenden la rabia de los invisibles. En
directo, donde colaboran con la artista Dalia Xiuhcoat, ofrecen una experiencia
alucinante.

José Fajardo
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56min
August 10, 2020 Tei Shi - Die 4 Ur Love (Diktator Records, 2020)
Tei Shi ocupa un lugar extraño en la diáspora de
mujeres colombianas que se dedican a la música. Su ascendencia canadiense pesa
más que sus orígenes latinos, de los que apenas hay referencias en sus
canciones: en toda su discografía desde que empezó a publicar en 2013 no hay
más de un puñado de temas en los que use el español, pese a que su anterior
álbum se llamaba ‘La Linda’ (2019).

Sus años en Nueva York y su actual residencia en Los
Ángeles han ido moldeando su sonido, que bebe de influencias modernas del
r&b (ha trabajado con Blood Orange, junto a quien tenía previsto hacer una
gira este año) y del pop clásico con aspiraciones mainstream y orientación
hacia la pista de baile. Ella cita a iconos del siglo pasado como Madonna y
Gwen Stefani pero en su obra hay una pretensión de capturar el ritmo del
presente.

Lo consigue, al menos desde un punto de vista
conceptual, con este EP que escribió en enero y ha grabado estos últimos meses
en su casa encerrada por la cuarentena, usando herramientas como Zoom para comunicarse
con algunos colaboradores. Las cinco canciones hablan de desesperación y rabia,
las que Valerie Teicher (su verdadero nombre) sentía a principios de este año
tras una mala experiencia con su anterior sello.

La autora ha confesado que su idea inicial era llamar
al EP ‘Apocalipsis’ pero lo cambió cuando estalló la crisis sanitaria global.
Como respuesta a esas letras cargadas de frustración se abre paso un sonido
luminoso que invita a olvidar las penas en la discoteca. Llorar bailando parece
ser el concepto de este trabajo que no alcanza su cima creativa pero sirve para
reivindicar a una de las artistas más prometedoras del nuevo pop, poseedora de
una voz virtuosa, ritmos sofisticados y un encomiable espíritu DIY.

José Fajardo
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56min
August 10, 2020 LADAMA – Oye Mujer (Six Degrees Records, 2020)
Más cerca de la idea de colectivo que de banda al uso,
LADAMA es un curioso experimento polifónico y babélico: una venezolana (Mafer
Bandola), una brasileña (Lara Klaus), una colombiana (Daniela Serna) y una estadounidense
de origen latino (Sara Lucas).

Todas ellas consiguen articular un sonido que nos lleva
parcialmente a cada una de las tradiciones musicales de sus países de origen,
pero filtradas por un conocimiento instrumental casi de conservatorio y de formación
clásica, cierto; pero en LADAMA hay un trasfondo muy presente que llama al
empoderamiento femenino y feminista y a conquistar los espacios comunes que
existe entre las músicas cultas y el despendole del folclore latino.

Los aliados de LADAMA (por un lado, el neoyorquino Pat
Swoboda, miembro del trío de piano neoclásico Bearthoven; por otro lado, el
brasileño Kassin, productor de Caetano Veloso, Bebel Gilberto o Jorge Ben,
entre otros) ponen de manifiesto esa singular doble-cara que posee el cuarteto.
Y es que, si bien se cae en cierta frialdad técnica, propia de músicos
especialmente bien formados y perfeccionistas, es ahí donde LADAMA adquiere
mayor personalidad: sin caer en el despendole habitual de conjuntos de músicas
latinas.

De ahí que en “Oye Mujer”, una suerte de álbum con aire
de manifiesto feminista y empoderador, se animen a acercarse al sonido del rock
progresivo (“Mar Rojo”), a la vez que coquetean con la reggaetrónica (“Misterio”)
o la bossa nova en inglés (“Solar Wind”). Sin embargo, es en las canciones en
donde se identifica claramente esa mezcla de razas, la de la música tradicional
latinoamericana allanada por artistas de formación clásica (en “Underground”, “Nobreza”,
“Cada uno” o “Inmigrante”, por ejemplo); o cuando se insinúan a géneros como la
canción melódica (“Haverá de ser”, “María” o “Tierra Tiembla”).
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56min
July 24, 2020 Pantrö Puto y Los Sueños Raros - Pantrö Puto y Los Sueños Raros (El Castillo Discos, 2020)
Sucede a veces que uno debe alejarse de su entorno
para poder expresarse con autenticidad. Es lo que le ha sucedido a Manuel
Sánchez Viamonte, guitarrista de la banda de rock psicodélico argentina Él Mató
A Un Policía Motorizado, quien acaba de lanzar su proyecto en solitario. En
Pantrö Puto y Los Sueños Raros explora una faceta nueva, la del crooner, más
cercano al sonido de Bonnie ‘Prince’ Billy que al de su propio grupo.

En realidad podría decirse que estas canciones son una
versión lenta de la música de Él Mató, pues persiste el gusto por las melodías
y ciertas incursiones en lo lisérgico. Pero no hay duda de que el guitarrista
(que debuta como cantante y letrista) tiene la mirada puesta en el folk de los
Apalaches, en la canción de autor de culto vía Leonard Cohen, en las historias
introspectivas cantadas con voz grave y arreglos delicados.

Si al grupo liderado por Santiago Motorizado siempre
se les ha comparado con los indies españoles Los Planetas, Pantrö Puto menciona
a Timber Timbre como una influencia importante, pero también resuenan aquí ecos
de Bill Callahan. El single ‘Ow ow’ es una buena muestra de hasta dónde puede
llegar este proyecto (y también, de sus limitaciones): tiene buen ojo para las
melodías pausadas y los estribillos pegadizos, pero quizá se eche de menos algo
que sorprenda, un giro de guion que no llega.

José Fajardo
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56min
July 24, 2020 Las Áñez - Reflexión (Autoeditado, 2020)
Juanita y Valentina son Los Áñez, dos hermanas gemelas
de Bogotá que encabezan una
escena invisible en medio de la explosión de la música colombiana en
los últimos años. Ajeno a la tendencia dominante del reggaetón y los sonidos
urbanos y a otros ritmos con proyección internacional como la electro cumbia,
este dúo hunde sus raíces en la tradición de la canción de autor pero supera
cualquier etiqueta por su ansia experimental.

No hay palabras para definir todos los recursos
vocales de Las Áñez, quienes usan sus voces como un instrumento más. En directo
van armadas con pedales de loop con los que crean ecos sonoros junto a pequeños
instrumentos (teclados, percusiones). Este disco es un buen ejemplo de su
habilidad para acercarse (y llevarse a su terreno) a distintos géneros: ahí
está su poderosa versión de la canción protesta en ‘En la lucha’.

Lo que convierte su propuesta en algo tan especial es
que no sólo brilla su apartado sonoro sino que sus letras están cargadas de
detalles ocultos, de guiños poéticos y juegos de palabras enrevesados, como
demuestran en sus colaboraciones con el argentino Kevin Johansen o El Tuyero
Ilustrado, un grupo venezolano de joropo (el género tradicional de los llanos,
que ellos tocan con un cuatro y maracas).

José Fajardo
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56min
July 24, 2020 Tall Juan - Atlántico (Out of The Closet, 2020)
Existe una escena en Nueva York que a través de la
diáspora latina está reinventando el movimiento artístico que encumbró a Velvet
Underground (entre otras bandas míticas) y Tall Juan es una pieza clave de ese
circuito. Amigo del uruguayo Juan Wauters y del estadounidense Mac Demarco
(quien le ayudó a producir su anterior disco), este argentino es una de las
personalidades más libres de la música contemporánea.

En ‘Olden goldies’ (2017) rindió homenaje a su pasión
por el punk-pop primigenio en la onda de Ramones (las canciones cortas e
incisivas como un martillazo, las melodías pegadizas, esa forma de cantar que
se estira como un chicle de fresa ácida), el año pasado rindió homenaje a sus
orígenes dedicando un par de temas a la cumbia villera que suena en los barrios
populares de Argentina y ahora entrega unas canciones que conectan Estados
Unidos con América Latina y África a través del Atlántico.

La ambición del proyecto, lejos de arrastrarle al
naufragio, encumbra a un artista imprevisible, siempre pensando en la
reinvención, que se mueve en los mismos códigos que su colega Juan Wauters o
Helado Negro (esas canciones íntimas y aparentemente tan sencillas que
funcionan como postales de la migración), pero también recuerda a personajes
del psych garage anglosajón como Ariel Pink y Ty Segall. Una genial rareza.

José Fajardo
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56min
July 24, 2020 Jup do Bairro – CORPO SEM JUÍZO (Autoeditado, 2020)
Hay álbumes y canciones llamadas a ocupar la agenda
social. No son mejores ni peores, pero lo que sí que son es necesarios. En ese
catálogo de álbumes-manifiesto nos encontramos con “CORPO SEM JUÍZO”, el flamante
debut de la artista y activista trans brasileña Jup do Bairro, una
suerte de mujer del neo-renacimiento: educadora, estilista, performer, dj,
productora de eventos, corista, presentadora de televisión y, por supuesto, uno
de los altavoces más necesarios a la hora de romper con binarismos y pautar
narrativas que trasciendan los cuerpos.

Precisamente esto último es lo que articula el discurso
de su álbum debut. Y es que Jup do Bairro, como ella misma afirma, utiliza
su cuerpo, “el de una travesti gorda, negra y periférica”, que se coloca en el
centro de una batalla social acerca de los estándares de cómo tienen que ser
los cuerpos, las estéticas y los géneros en un país como el suyo, Brasil,
en el que las minorías, y concretamente el colectivo LGTBIQ+, ha tenido que
volver a alzar la voz para romper con el discurso de odio y caciquismo de Jair
Bolsonaro.

No es que haya explícitamente un mensaje político en “CORPO
SEM JUÍZO”, pero Jup do Bairro nos presenta una suerte de tesis-manifiesto
sonoro en el que todo gira en torno a la liberación de los cuerpos. Lo hace
junto con otras figuras del activismo LGTBIQ+, como referentes del trans-pop
brasileño como Deize Tigrona o su compañerx Linn da Quebrada (con quien presenta
un programa de televisión, pero a quien también acompaña habitualmente en
directo como corista), con iconos del queer rap como Rico Dalasam; con
referentes de la cultura brasileña con mayor conciencia social, como la escritora
Conceição Evaristo; e incluso utilizando un audio de Theusa Pasarelli, una
joven estudiante de Río de Janeiro que se dedicaba a “problematizar cuerpos
extraños”, y que fue asesinada en 2018.

Lo que la artista paulista consigue en este debut es
crear una narrativa repleta de conciencia y liberación, articulada a través de
estas voces que la secundan, de su propia experiencia desde un cuerpo
constantemente juzgado, y en un momento sociopolítico especialmente delicado y
problemático. Y lo hace con un sonido que nos remite a referentes que van
desde M.I.A. y Santigold a Peaches o Tune-Yards. Especialmente
recomendables su acercamiento al sonido rock de Elza Soares en “PELO AMOR DE
DEIZE”, su manifiesto after-rap “LUTA POR MIM” y su resignificación del “ALL
YOU NEED IS LOVE” en esa suerte de favela-funk hipersexual, ultrabailonga y
manifiestamente necesaria.

Alan Queipo
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56min
July 24, 2020 Lola Membrillo – Parda (Autoeditado, 2020)
Hace seis meses, el mundo en el que vivíamos era muy
diferente al actual. En aquel, Dolores Aguirre, más conocida por ser una de las
mitades de las argentinas Perotá Chingó, viajó en pleno verano argento a Agua
de Oro, una localidad turística que forma parte del municipio del departamento
de Colón, en la provincia de Córdoba, en las faldas orientales de la Sierra
Chica. Allí no solo se encontró con su amigo, músico y productor Ezequiel Borra
en un espacio diáfano en el que cohabitan instrumentos, colchones, un
ordenador, una silla y un par de micrófonos.

Allí es donde Dolores Aguirre decidió que lo de Lola
Membrillo no sería solo un buen nombre de usuario para sus redes sociales o un
apelativo que utilizar para algunas colaboraciones puntuales en paralelo a su
trabajo en Perotá Chingó; sino que allí, sentada en la silla de Borra, con
un micrófono apuntándole a la boca y otro a su guitarra criolla, iniciaría un
parto en crudo, sin epidurales.

Ese parto se llama ahora “Parda”, un debut mínimo de seis
canciones y quince minutos, que curiosamente no sabe a poco. Lola Membrillo
consigue traspasar la coraza de las superproducciones contemporáneas (incluido “Muta”,
el ambicioso y bellísimo último disco de Perotá Chingó, publicado hace menos de
un año), en favor de volver a las bases: discos que parecen conciertos domésticos,
susurros al oído, que nos trasladan a referencias como aquel concierto de
Vinícius de Moraes, Maria Creuza y Toquinho en La Fusa marplatense
cincuenta años atrás.

Ese universo, pero en soledad, es el que se proyecta en estas
seis canciones. Se bascula a través de la bossa nova de corte folk (“Alturas
confusas”), se acerca al neosoul que suena a madera, a medio camino entre
Lianne La Havas y Corinne Bailey Rae (“Pasajeros” o “Sur marino”), juega con
las energías de la guitarra instrumental más incidental (“Sampa”), proyecta canciones
de una frontalidad repleta de sensualidad y verdad (“Tu casa”) y hasta se lanza
al experimento lo-fi y antifolk a lo Moldy Peaches (“Dónde estás Tai”). Buenas
noticias para los amantes de las canciones que son abrigos: Lola Membrillo ya
está aquí.

Alan Queipo
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56min
July 24, 2020 dani – veinte (El Volcán, 2020)
Si nos lo dicen hace diez o quince años, nos hubiésemos
partido la cara delante de quien nos lo dijese: artistas que han formado parte
de talent shows musicales, llamadas a ser succionadas por la maquinaria del
show business musical para luego, cuando comenzasen a flaquear sus cifras,
quedar para siempre relegadas a la categoría de ‘triunfitos’ o similares; han
conseguido conquistar otros territorios, como el del respeto y la inclusión en
el ecosistema de la música alternativa.

Casos ha habido muchos; quizá los más sonados, los de las
ex Operación Triunfo: Amaia Romero (que se quitó a Refree de encima y decidió
hacer su disco junto al líder de la banda indie argentina Él mató a un policía
motorizado y presentarlo en festivales de corte indie) y Natalia Lacunza (que
ha colaborado con Sen Senra, mori, Guitarricadelafuente o mori, y acaba de
fichar por Sonido Muchacho). A esta nómina hay que sumar a Daniela Costas, que
formó parte de Factor X hace un par de años.

Fue curioso cuando, a finales del 2019, la viguesa (que
viene de familia de músicos: es hija de Silvino y Rosa de Aerolíneas Federales;
y sobrina de Miguel Costas, ex vocalista de Siniestro Total) comenzó a
presentar sus primeros temas bajo la escudería de El Volcán, uno de los sellos
más prestigiosos y transversales artísticamente de la música alternativa
estatal. Automáticamente, dani (en minúsculas, así tal cual: con
mecanografía propia de la Generación Z a la que pertenece) comenzó a encontrar rotación
en emisoras como Radio 3 y el circuito indie la acogió bajo sus brazos.

La gallega ha conseguido algo especialmente complicado y
transversal en el circuito: estar cerca generacional y estéticamente de una
nueva generación de artistas de corte bedroom pop como
Mori, Rusowky, Marc Seguí, Rebe, Daniel Daniel, Marcelo Criminal o Sebastián
Cortés, entre otrxs; pero, a la vez, también proyectar una herencia que
recuerda a Christina Rosenvinge, Kikí d’Akí, La Bien Querida o Single.

Tras varios singles de presentación, todo culmina en “veinte”,
un ejercicio de soft pop de aire lánguido con ecos que nos llevan desde
Christina Rosenvinge (“Mira” o “Dónde estás”) a una Jeanette post-millennial (“Fui
yo”), una Bien Querida cerca de Natasha Bedingfield (“Hoguera existencial”),
una reggaetonera indietrónica que presenta su singular candidata a canción del
verano (“Si te vas”), una baladista naif (“Cómo solía creer”) o una diva digital
tan cerca de la canción melódica como de la lolita neo-indie (“Lágrimas” u “Ojalá”).

Alan Queipo
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