Schicksalhafter Aufenthalt auf Norderney

Clara Schumanns Klaviertrio op. 17 entsteht im Sommer 1846. Zwei Jahre zuvor ist die Familie von Leipzig nach Dresden gezogen, wo Robert Schumann nach einem körperlichen und geistigen Zusammenbruch langsam wieder zu Kräften kommt. Mit der größer werdenden Familie wachsen auch die Geldprobleme.

Bei einem Aufenthalt auf Norderney schreibt sich die Pianistin selbstbewusst als „Kammermusikvirtuosin seiner Majestät des Königs von Österreich“ ins Gästebuch des Hotels. Wer weiß, vielleicht ergibt sich ja so eine Gelegenheit, hier aufzutreten und Geld zu verdienen. Doch sie erleidet eine Fehlgeburt im vierten Schwangerschaftsmonat.

Im rauen Seeklima und der Einsamkeit der Insel gelingt ihr dennoch – mit vermutlich übermenschlicher Kraftanstrengung und Disziplin – ein musikalisches Wunder: ein Klaviertrio.

„So ernst und tüchtig“

Wie immer bemüht sich Clara Schumann, bei ihrer Arbeit ihren eifersüchtigen Ehemann nicht zu stören. Obwohl das Trio bei seiner Uraufführung auf geteiltes Echo stößt, wird es schon von ihren Zeitgenossen als bedeutendes Werk erkannt.

Der Stargeiger Joseph Joachim tut sich zunächst schwer damit, zu glauben, „eine Frau könne so etwas komponieren, so ernst und tüchtig“. Er gesteht Clara Schumann erst später, dass er ihr Werk lange Zeit unterschätzt hat.

Heute wird das Klaviertrio op. 17 als ein Höhepunkt der kammermusikalischen Literatur des 19. Jahrhunderts betrachtet und gehört zum Standardrepertoire vieler bedeutender Ensembles.

Familiäre Jam-Sessions zu Beginn des 19. Jahrhunderts

Die Familie Schubert sitzt gemütlich beisammen, jeder mit einem Instrument ausgestattet: Geige, Bratsche oder Cello. Und mittendrin beugt sich Franz Schubert Junior über sein Notenblatt. Gespielt wird nicht im Konzertsaal, sondern bei Schuberts in der guten Stube, Säulengasse 3 in Wien.

Heute befindet sich dort eine Autowerkstatt: die „Schubertgarage“. Wo heutzutage geschraubt, lackiert und ausgebeult wird, wurde zu Beginn des 19. Jahrhunderts kräftig in die Saiten gegriffen. „Hausmusik“ lautet das Stichwort – das heißt, Musik, die im Familien- oder Freundeskreis gespielt wird. Solche familiären „Jam Sessions“ waren im 19. Jahrhundert ein beliebter bürgerlicher Zeitvertreib.

Auch bei Familie Schubert gehörte Hausmusik ganz selbstverständlich dazu. Schöner Nebeneffekt: Auf diese Weise lernte Franz Schubert viele Kammermusikwerke kennen, die ihm für seine eigenen Kompositionen als Vorbild dienten.

Streichquintette mit neuer Rezeptur und Besetzung

Unter Franz Schuberts heimischen Notenstapel befanden sich auch Mozarts Streichquintette. Er kannte sie also, vor allem die erste Bratschenstimme; die lag nämlich auf seinem Notenpult.

Als er sich aber einige Jahre später an seinem eigenen Streichquintett in C-Dur zu schaffen macht, schert er sich nicht um Mozarts Herangehensweise. Zumindest, was die Besetzung anbelangt: Aus vier mach fünf. Das heißt bei Franz Schubert: Man nehme ein Streichquartett und statte es mit einem zweiten Cello aus.

Schaut man sich aber Schuberts Vorbilder in Sachen Streichquartett an, dann fällt auf: Diese Rezeptur ist gar nicht so üblich, denn Mozart und seine Mitstreiter erweitern das Streichquartett nicht um ein zweites Cello, sondern um eine zweite Bratsche. Diese Standardbesetzung war Schubert schon aus Kindheits- und Jugendtagen bekannt, denn im familiären Hausmusik-Ensemble lagen eben solche Kompositionen auf dem Notenpult.

Ein zweites Cello sorgt für Tiefgang und neue Duettmöglichkeiten

Bei seinem eigenen Streichquintett entscheidet sich Franz Schubert aber für eine andere Besetzungsvariante: Ein zweites Cello sollte also her und damit sorgte Schubert für ordentlich Tiefgang und unglaublich schöne Cello-Duette.

Entstanden ist das Streichquintett in C-Dur 1828. Zu diesem Zeitpunkt war Franz Schubert 31 Jahre alt, aber seine Tage waren schon gezählt: Er litt an Syphilis und verstarb noch im selben Jahr. Bis das Streichquintett in C-Dur allerdings veröffentlicht wurde, dauerte es noch eine Weile. Erst 20 Jahre nach Schuberts Tod erschien das Werk im Druck und auf der Konzertbühne.

Spaniens erstes Profi-Quartett: Cuarteto Casals

Als sich das Ensemble 1997 gründete, war es das erste spanische Profi-Quartett. Heute gehört das Cuarteto Casals zu den „Big Five“ der internationalen Quartettszene und tritt offiziell als Kulturbotschafter seiner katalanischen Heimat auf. Der Name der Formation ist eine Hommage an den spanischen Cellisten Pablo Casals.

Kolumbianischer Cellist mit Weltkarriere: Santiago Cañón-Valencia

Santiago Cañón-Valencia, 1995 in Bogota geboren, gilt als einer der vielversprechendsten Cellisten seiner Generation. Er studierte in Kolumbien, Neuseeland, in den USA und an der Kronberg Academy for Young Soloists. Sein Cellospiel führte ihn um die ganze Welt mit Orchestern wie den Brüsseler und den Sankt Petersburger Philharmonikern, dem Radio-Sinfonieorchester Frankfurt und dem Münchener Kammerorchester.

Marie-Juliette Olga Boulanger wird am 18. August 1893 in Paris geboren. Ihr Rufname wird „Lili“. Lilis Vater Ernest ist Dirigent, Komponist, Sänger und Professor am Konservatorium. Ihre Mutter Raïssa ist ebenfalls Sängerin und auch ihre 6 Jahre ältere Schwester Nadia hat sich ganz der Musik verschrieben.

Weil Lili sich von einer Lungenentzündung in ihrer Kindheit nie wieder ganz erholt, wird ihr regelmäßiger Schulbesuch unmöglich. Sie stellt sich selbst einen autodidaktischen Lehrplan zusammen.

1913 wird Lili Boulanger mit 19 Jahren die erste Frau, die den wohl renommiertesten aller Kompositionspreise gewinnt, den Prix de Rome. Der selbstgewisse, männlich geprägte Musikjournalismus erleidet eine empfindliche Schlappe.

Ein Kritiker schreibt sinngemäß, man gehe als Mann von nun an besser gar nicht mehr zu Wettbewerben, denn teilnehmende Frauen machten jede Konkurrenz zur unmännlichen Farce. Die Presse fragt misogyn, ob „echte Männer“ wirklich mit „Porzellanpüppchen“ kämpfen sollten, und gibt gleich die rhetorische Antwort: Wettkampf mit Frauen sei lächerlich.

Ein anderer Schreiber bemerkt allerdings schon damals das Offensichtliche: Er erklärt hellsichtig, dass die Frauenfeindlichkeit der Jury so offen zu Tage trete, dass letztlich das Werk der jungen Boulanger plausiblerweise nur genial sein könne, haushoch überlegen, denn sonst hätte man ihren verdienten Sieg jedenfalls verhindert.

Mit dem Preis kommt der Ruhm für Lili Boulanger. Dann beginnt der Erste Weltkrieg, sie wird den Frieden nicht mehr erleben. Sie hat sich schon mit Anfang 20 mit Masern angesteckt, die Spätfolgen der Lungenentzündung zeitigen weitere Zusammenbrüche eines ohnehin geschwächten Systems, sie stirbt mit Mitte 20, im März 1918.

Noch auf dem Totenbett schreibt sie das weltentrückte, schwebend zerbrechliche „Pie Jesu“ für Gesang, Streichquartett, Orgel und Harfe. Es wird ihr eigenes Requiem.

Christina Landshamer und Olivier Latry mit dem SWR-Radio-Sinfonieorchester Stuttgart

Christina Landshamer ist Professorin für Gesang an der Musikhochschule Trossingen. Mit ihrer Vielseitigkeit in unterschiedlichstem Repertoire ist sie eine weltweit gefragte Konzert-, Opern- und Liedsängerin.

Olivier Latry gehört zu den stilprägendsten Organisten der Welt. Er wurde 1985, damals 23 Jahre alt, zum Titularorganisten von Notre-Dame in Paris ernannt und ist Organist Emeritus des Orchestre National de Montréal.

Das SWR Symphonieorchester hat sein künstlerisches Zuhause in der Liederhalle Stuttgart und im Konzerthaus Freiburg. Im September 2016 aus der Zusammenführung des Radio-Sinfonieorchesters Stuttgart des SWR und des SWR Sinfonieorchesters Baden-Baden und Freiburg hervorgegangen, zählen Interpretationsansätze aus der historisch informierten Aufführungspraxis, das klassisch-romantische Kernrepertoire sowie Musik der Gegenwart gleichermaßen zu seinem künstlerischen Profil.

2013 entstand die Aufnahme von Lili Boulangers „Pie Jesu“ unter dem damaligen Chefdirigenten Stéphane Denève in der Stiftskirche Stuttgart.

Auf den musikalischen Gipfeln der Antarktis

Nach Aaron Copland sind nicht nur ein Softwareprojekt und ein Asteroid benannt, auch ein Berg trägt seinen Namen: Der rund 500 Meter hohe Copland Peak auf der antarktischen Alexanderinsel. Der Berg befindet sich übrigens in bester Gesellschaft: Er liegt ganz in der Nähe des Mussorgsky Peak und der Brahms-Bucht und auch der Mount Liszt, der Mount Grieg und der Mount Tschaikowsky sind nicht allzu weit entfernt.

Damit reiht sich Copland in die Riege der großen Namen der Musikgeschichte ein. Dabei wird er in Europa nur am Rande wahrgenommen. Anders sieht das in den USA aus, denn dort gehört Copland zu den Schlüsselfiguren der Musik des 20. Jahrhunderts. In den 1920er- und 1930er-Jahren machte er sich als Enfant terrible einen Namen und sorgte in den bürgerlichen Konzertsälen für empörtes Kopfschütteln.

„Zu schwierig für Benny Goodman“

Coplands experimentelle Sturm-und-Drang-Phase dauerte nicht sonderlich lange. Mit der Zeit wurde sein Stil zahmer, leichter verständlich und tonaler. So entwickelte er eine Tonsprache, die heute das Prädikat „typisch amerikanisch“ trägt. Dabei integrierte er in seine Kompositionen immer wieder Elemente aus der Volksmusik und aus dem Jazz. So auch in seinem Klarinettenkonzert.

1947 gab der Jazzklarinettist Benny Goodman dieses Werk bei Copland in Auftrag. Außerdem sicherte sich Goodman für zwei Jahre das alleinige Aufführungsrecht. Und was Copland schließlich lieferte, hatte es ordentlich in sich! Nicht ohne Grund findet sich im Manuskript, genauer gesagt oberhalb des Schlussteils, folgende Notiz: „Zu schwierig für Benny Goodman“.

Diese Bemerkung liest sich fast schon wie eine Auszeichnung. Immerhin schreckte kein anderer als Benny Goodman, der „King of Swing“, vor den Noten zurück. Auf Goodmans Wunsch vereinfachte Copland ein paar Passagen und in dieser redigierten Version wurde das Stück schließlich im November 1950 uraufgeführt.

Abstecher in den Jazz

Das Klarinettenkonzert besteht aus zwei Sätzen. Das fällt beim Hören allerdings kaum auf, denn die beiden Teile werden durch eine Solo-Kadenz miteinander verbunden, in der das Rampenlicht ganz allein der Klarinette gehört.

Passend zum Auftraggeber, spickt Copland sein Klarinettenkonzert mit Jazz-Elementen. Der Besetzung sieht man das aber nicht wirklich an. Mit dabei sind Klarinette, Streicher, Harfe und Klavier. Das ist alles andere als eine Big Band-Besetzung. Doch wenn Copland das fehlende Schlagzeug durch ‚slapping basses‘ ersetzt, bei denen die Kontrabass-Saiten auf dem Griffbrett aufschlagen, dann klingt das doch stark nach einem Abend im schummrigen Jazz-Keller.

Dimitri Ashkenazy

1969 wurde Dimitri Ashkenazy in New York geboren. 1978 siedelte er mit seinen Eltern von seinem Heimatland Island in die Schweiz um, wo er seither lebt. Seine ersten musikalischen Gehversuche unternahm Ashkenazy noch am Klavier. Mit zehn Jahren zog es ihn dann aber zu seinem Instrument, der Klarinette. Seit 1991 ist er auf den großen internationalen Konzertbühnen zuhause, wie etwa der Hollywood Bowl von Los Angeles, im Sydney Opera House, in der Royal Festival Hall in London oder bei den Salzburger Festspielen.

Staatsorchester Rheinische Philharmonie

Das Staatsorchester Rheinische Philharmonie mit Sitz in Koblenz ist eines der drei Sinfonieorchester des Landes Rheinland-Pfalz. Gegründet wurde es 1945, doch die Wurzeln lassen sich bis zur Koblenzer Hofkapelle und damit bis ins 17. Jahrhundert zurückverfolgen.

Wegen der Herkunft Julianas wurde das Fest zunächst ab 1247 in Lüttich in der Basilika St. Martin gefeiert. 1264 erhob der amtierende Papst Urban IV. durch die Bulle Transiturus de hoc mundo die Feierlichkeiten zur Pflicht der Gesamtkirche.

Ein sogenanntes Blutwunder in Prag hatte kurz vorher rote blutähnliche Flecken auf einer gebrochenen Hostie erscheinen lassen und schien damit die leibliche Anwesenheit Christi in der Kommunion energisch zu bestätigen.

Thomas von Aquin wurde beauftragt, Texte zur Messgestaltung zu verfassen, darunter auch die sogenannte Sequenz, einen Gesang, der aufs Halleluja folgt.

1864, zum 600. Jubiläum des ersten offiziellen Fronleichnamsfestes, hat Felix Mendelssohn-Bartholdy die Verse atemberaubend schön vertont. Die Uraufführung in St. Martin in Lüttich muss aber entsetzlich gewesen sein: das Orchester furchtbar, die Kirche überakustisch, Solisten und Chor gar grauenhaft.

Mendelssohn selbst hatte nicht dirigiert, sondern saß im Publikum. Er bemerkte später: Selbst wenn er die Aufführung geleitet hätte, wäre hier nichts zu retten gewesen. Irgendwann soll aber schließlich ein Sonnenstrahl von außen so malerisch während der Musik durch ein Kirchenfenster gefallen sein, dass der Weihrauch angefangen habe, zu leuchten … und da soll selbst der todunglückliche Mendelssohn gelächelt haben.

Domkantorei St. Martin: über 100 Singende in Mainz

Die Domkantorei St. Martin am Hohen Dom zu Mainz wurde 1987 vom damaligen Domkapellmeister Professor Mathias Breitschaft gegründet. In ihren Reihen singen über 100 Sängerinnen und Sänger, die zum Teil als Jugendliche schon im Mainzer Domchor oder im Mädchenchor am Dom und St. Quintin ausgebildet wurden.

Die Domkantorei singt im Wechsel mit dem Knabenchor und dem Mädchenchor regelmäßig am Mainzer Dom in der Liturgie der Gottesdienste.

Auf und davon

1768 ließ Graf von Thun und Hohenstein Steckbriefe verteilen. Ihm waren ein paar Musiker abhanden gekommen, sie hatten unerlaubt den Dienst bei ihm quittiert. Unter den Ausreißern befand sich auch Johann Wenzel Stich, einer der besten Hornisten seiner Zeit.

Jetzt war er aber erst einmal auf der Flucht und wurde von Graf von Thun per Steckbrief gesucht. Darin wurde jeder aufgefordert, die Flüchtigen aufzugreifen oder, wenn man ihrer nicht habhaft werden könne, wenigstens ihrem Anführer die vorderen Zähne einzuschlagen.

Es verwundert nicht, dass Stich nach dieser Ansage erst einmal einen großen Bogen um die Gebiete der Habsburger Monarchie machte. Immerhin behielt er seine Schneidezähne. Allerdings musste sich das Wiener Publikum noch ein wenig gedulden, bis es den Hornisten hören durften.

Neuanfang unter neuem Namen

Nach seiner Flucht gab sich Johann Wenzel Stich erst einmal einen Künstlernamen: Er trat nun als Giovanni Punto auf. Das klingt nicht nur gut, es war auch eine ausgezeichnete Tarnung – man denke nur an den Grafen von Thun. Außerdem lag Punto damit ganz und gar im Trend: Unter Künstlern war es zu dieser Zeit gängige Praxis, sich einen italienischen Namen zu geben oder den Namen ins Italienische zu übersetzen.

Aus Johann Wenzel Stich wurde Giovanni Punto. Als solcher trat er an verschiedenen Höfen in Europa auf und wurde zu einer Berühmtheit. Sogar Mozart, der bei der Beurteilung von Musikern nicht gerade zimperlich war, gab zu: „Punto bläst magnifique“.

Endlich in Wien

Am 18. April 1800 war es dann endlich so weit: Nachdem die Habsburger Monarchie lange Zeit vermintes Gebiet für Punto war, gab er sein Konzertdebüt in Wien. Mit ihm auf der Bühne saß Ludwig van Beethoven, der ihn am Klavier begleitete.

Außerdem komponierte Beethoven zu dieser Gelegenheit extra ein neues Stück: die Sonate für Horn und Klavier in F-Dur op. 17, ein maßgeschneidertes Werk für den Hornvirtuosen.

Die Uraufführung war ein voller Erfolg. Es gab tosenden Applaus und das Stück wurde gleich noch einmal gespielt. Dabei hatte sich Beethoven erst zwei Tage vor dem Konzert überhaupt ans Komponieren gemacht. Doch der Erfolg gab ihm recht: Heute gehört die Sonate zum Standartrepertoire für Waldhorn!

Stefan Dohr

„Das Horn klingt besser als meine Bratsche!“ – Das dachte sich Stefan Dohr, als er staunend ein Konzert des berühmten Hornisten Hermann Baumann verfolgte. Und so legte er die Viola erst einmal zur Seite, um Horn zu lernen. Eine gute Entscheidung: Seit 1993 ist Stefan Dohr Solohornist bei den Berliner Philharmonikern. Neben der Orchestertätigkeit ist Dohr aber auch in der Kammermusik zuhause.

Lauma Skride

Lauma Skride ist eine der gefragtesten Pianistinnen, insbesondere wenn es um das deutsche klassische und romantische Repertoire geht. In ihrem Kalender stehen zahlreiche Kammermusikkonzerte und Gastspiele bei namhaften internationalen Orchestern. Zusammen mit ihrer Schwester Baiba Skride sowie Harriet Krijgh und Lise Berthaud ist sie Mitbegründerin des Skride Quartet.

Margarita Cozzolani wurde im November 1602 in eine ausgesprochen reiche Familie Mailands geboren. Noch während ihrer Kindheit verstarb ihr Vater. Sie verzichtete jedoch, damals für junge Frauen üblich, zugunsten ihrer Brüder auf jegliche Erbansprüche. Stattdessen handelte ihr Onkel für sie und ihre Schwester die nötige Mitgift zum Eintritt ins Kloster St. Radegonda aus.

Das Kloster war weit in ganz Norditalien bekannt für die prachtvolle Musik innerhalb seiner Mauern. Die Benediktinerinnen galten damals als die besten Sängerinnen Italiens und traten vor höchsten Gästen des Mailänder Senats auf. Chiara Margarita wurde dabei als Äbtissin die weibliche Hauptfigur eines innerkirchlichen Streits um Konkurrenz, Eifersucht und männliches Dominanzstreben.

Dem Mailänder Erzbischof war die musikalische Pracht des Frauenklosters ein Dorn im Auge. Der konservative Hardliner wollte die mehrstimmige Musik aus dem Gottesdienst verbannen. Äbtissin Chiara Margarita musste sich sogar mehrfach vor Gericht verteidigen, weil sie die bischöflichen Verbote in ihrem Konvent übertreten hatte. Ihre Kompositionen sind in drei Sammlungen überliefert, die zwischen 1642 und 1650 gedruckt wurden.

Das SWR2 Musikstück der Woche ist Cozzolanis Vertonung des Psalms, der mit den Worten des betenden Königs David anhebt: „Der Herr sprach zu meinem Herrn: Setze dich zu meiner Rechten, bis ich hinlegen werde deine Feinde als Schemel deiner Füße.“

Vokalensemble The Present: Alte trifft Neue Musik

Das Konzept des solistischen Vokalensembles The Present aus Berlin ist es, Alte und Neue Musik miteinander zu verschränken, um sowohl die eine als auch die andere neu hörbar zu machen und unerwartete Verbindungen zum Klingen zu bringen. Das Ensemble gründete sich anlässlich der Schwetzinger SWR Festspiele 2017 für eine Uraufführung.

Begleitet wurden die Sopranistinnen Hanna Herfurtner und Olivia Stahn, die Altistinnen Bernadette Beckermann und Amélie Saadia, die Tenöre Benjamin Glaubitz und Tim Karweick und die Bässe Florian Götz und Felix Schwandtke am 17. Mai 2022 in Schwetzingen von der Gambistin Juliane Laake, dem Lautenisten Lee Santana und der Organistin und Cembalistin Mira Lange.

1940 komponiert Sergej Rachmaninow seine „Sinfonischen Tänze“, seine letzte vollendete Komposition. Dieses Werk wird auch gerne als tönende Bilanz seines Lebens beschrieben. Das liegt zum einen an den Titeln, mit denen die Sätze ursprünglich überschrieben waren: „Mittag“, „Abenddämmerung“ und „Nacht“.

Die Tageszeiten lassen sich ohne weiteres als Lebensphasen verstehen, aber auch in der Partitur geht die biografische Spurensuche weiter. Rachmaninow spickt das Werk mit verschiedenen musikalischen Zitaten: Am Ende des ersten Satzes greift er beispielsweise auf einen kurzen Abschnitt seiner ersten Sinfonie zurück.

Ein traumatisches Erlebnis aus dem Jahr 1897

Deren Uraufführung fand 1897 statt und sie war ein Fiasko: Der Dirigent, Alexander Glasunow, war betrunken und auch das Premierenorchester lief nicht gerade zur Höchstform auf.

Was für die Presse ein gefundenes Fressen war, war für Rachmaninow ein äußerst traumatisches Ereignis. Er selbst bezeichnete die Uraufführung der ersten Sinfonie als „schrecklichste Stunde“ seines Lebens. Und in seinem Testament verfügte er, dass die Komposition auch nach seinem Tod unter Verschluss bleiben sollte.

So verwundert es nicht, dass Rachmaninow auch 40 Jahre nach der Uraufführung noch immer an dieser Niederlage zu knabbern hatte.

In Rachmaninows „Sinfonischen Tänzen“ gibt es aber noch mehr zu entdecken. Ein, zumindest für klassische Orchesterliteratur, seltener Gast ist darin zu hören: Das Altsaxofon. 1840 wurde es von Adolphe Sax erfunden.

Als Rachmaninow einhundert Jahre später seine „Sinfonischen Tänze“ schrieb, war es folglich keine wirkliche Neuerung mehr. Doch im Sinfonieorchester trifft man das Saxofon bis heute nicht allzu oft an. Ein Jammer, denn Rachmaninow zeigt, wie es sich gekonnt in Szene setzen lässt.

Die Konzertsäle und Sendestudios in Saarbrücken und Kaiserslautern sind die zentralen Orchesterstandorte der Deutschen Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern (DRP). Seit 2017 steht Pietari Inkinen am Dirigentenpult des Orchesters.

Daneben ist Inkinen auch Chefdirigent des Japan Philharmonic Orchestra in Tokio sowie Musikdirektor des KBS Symphony Orchestra in Seoul.

Vier mal sind die Schumanns in Düsseldorf allein in den Jahren von 1851 bis 1854 umgezogen. In der ersten Wohnung, am Rande der Altstadt, störte sie der schreckliche Straßenlärm, in der zweiten Wohnung flogen die Schumanns raus, weil das Haus verkauft wurde. In der dritten Wohnung in der Herzogstraße klagte man über entsetzliche Nachbarn und von der vierten Wohnung aus in der Bilker Straße spazierte Robert am Rosenmontag 1854 los, um sich in den Rhein zu stürzen.

Kurz zuvor hatte Clara Schumann aber endlich ein eigenes Arbeitszimmer bekommen, in dem sie üben und komponieren konnte.

Die Romanzen für Violine und Klavier hat Clara Schumann in eben jenem privaten Hinterzimmer des Hauses in der Bilker Straße in Düsseldorf komponiert, das ihr endlich wieder zu arbeiten erlaubte. Räumlich von Roberts Arbeitsbereich getrennt, wollte sie ihren Mann auf keinen Fall stören. Er sollte möglichst wenig von ihrer Erwerbstätigkeit bemerken. Robert war ehrgeizig, aber Clara war Spitzenverdienerin.

Klavierspielend gehörte sie immerhin zu den virtuosesten Persönlichkeiten des 19. Jahrhunderts. Sie hatte schon als Kind in ganz Europa konzertiert. Und man darf davon ausgehen, dass Robert, der ältere Ehemann und definitiv weniger konzerterfahrene Klaviervirtuose, eifersüchtig war. Es kann nicht immer einfach gewesen sein im Hause Schumann.

Berühmt wurden die Stücke auch am Hannoveraner Hof. Der König war von Clara Schumanns Romanzen "entzückt" und erklärte, indem er sie gleich zu neuen Kompositionen animierte, er könne es "kaum erwarten", wieder in den Genuss eines solchen "wunderbaren, himmlischen Genusses" zu kommen.

„Eine irrsinnige Kraft des Ausdrucks“

„Alina Ibragimova und Cédric Tiberghien: Eine irrsinnige Kraft des Ausdrucks“, urteilte 2020 Musikkritiker Udo Badelt im Berliner Tagesspiegel. „Aufeinander hören, das müssen alle Musiker. Doch wie sie miteinander konzertieren, geht weiter über das Übliche hinaus.“

2021 traten Ibragimova und Tiberghien für SWR2 bei den Ettlinger Schlosskonzerten gemeinsam auf. Dabei spielten sie auch das SWR2 Musikstück der Woche ein.

Inmitten von Fjorden, Bergen und Schreibblockaden

Wir schreiben das Jahr 1877. Der Komponist Edvard Grieg packt seine Koffer. Er hat vorerst genug von dem geschäftigen Treiben der Stadt. Grieg verlässt also Christiania, das heutige Oslo, und geht nach Hardanger – eine Region mit malerischen Fjorden, an deren Ufern sich die Berge in die Höhe strecken, dazu gesellen sich dramatische Wasserfälle und Gletscher. Kurzum: Es ist die ideale Umgebung für einen ausgewachsenen Kreativitätsschub!

Grieg hat auch schon einen Plan: Er möchte die Volksmusik seiner Heimat mit der Form des Streichquartetts verknüpfen. Das Ideengerüst steht also bereits, nur mit der Ausführung tut sich Grieg zu Beginn ein wenig schwer. Zur Schaffenskrise kommt dann auch noch eine Ehekrise. Es könnte durchaus besser laufen für den Komponisten.

Mehr als nur ein paar Tropfen Herzblut

Schließlich bringt Edvard Grieg seine Idee dann aber doch noch zu Papier. 1878 wird sein Streichquartett in g-Moll in Köln uraufgeführt. Und der Komponist ist recht zufrieden mit dem Ergebnis. Etwas später schreibt er: „Mir gefällt das Gefühl, dass in diesem Werk Herzblut steckt, wovon die Zukunft hoffentlich mehr als nur Tropfen sehen wird.“

Geprägt wird das Streichquartett vor allem von einem Motiv, das gleich zu Beginn erklingt. Im Verlauf des Streichquartetts taucht dieses Thema immer wieder auf. Es bildet gewissermaßen das Motto, das die einzelnen Sätze miteinander verbindet. Dabei zitiert sich Grieg selbst, denn das Thema stammt aus seinem 1876 komponierten Spielmannslied („Spillemænd“) nach einem Gedicht von Henrik Ibsen. Darin geht es um eine verlorene Liebe und die Macht der Kunst. So viel zum Thema Herzblut.

Apollon Musagète Quartett

Das polnische Streichquartett, das als Namenspatron den griechischen Gott und Führer der Musen Apoll wählte, gründete sich 2006 in Wien. Der erste Preis und eine Reihe von Sonderpreisen beim ARD-Musikwettbewerb 2008 machten das Apollon Musagète Quartett schnell international bekannt. Es folgten 2010 die Nominierung als ECHO Rising Star, 2012 als BBC New Generation Artist und 2014 die Auszeichnung mit dem Borletti-Buitoni Trust Award. Konzerte führten das Quartett seither um die ganze Welt.