RFI Convida

Eles acabaram de chegar de Clermont-Ferrand, mais especificamente do maior festival de curtas-metragens do mundo, onde levaram o prêmio de Menção Especial do Júri Internacional. Victor Quintanilha e Helena Dias, respectivamente diretor e roteirista, e produtora e roteirista do curta-metragem "Jacaré" falaram à RFI sobre a história do filme, além de suas inspirações e desafios.

Jacaré conta a história de Pedro, um adolescente que mora perto de uma estrada e, durante as férias de verão, trabalha vendendo bebidas para os motoristas presos no trânsito a caminho da praia. "Apesar de estar sempre nesse contexto, ironicamente, ele nunca conheceu o mar. Até que, um dia, decide subir escondido na caçamba de um carro para finalmente ver o oceano. O filme fala sobre esse encontro, mas também tem uma abordagem poética e abstrata", conta o diretor Victor Quintanilha.

Quintanilha conta que se inspirou em imagens de um lugar que frequenta desde criança, próximo à casa de um parente. "Sempre tive um contato muito próximo com essa região e minhas ideias acabam surgindo do cotidiano ao meu redor. O roteiro nasceu em um momento de ócio, quando eu estava preso no trânsito tentando voltar para casa. Comecei a observar os jovens que trabalhavam ali e pensei: 'Por que não criar uma história sobre isso?' Assim surgiu Jacaré", relata.

Essa não é a primeira vez que um curta de Quintanilha ganha menção especial do Júri. Portugal Pequeno, filmado em Niterói, cidade vizinha ao Rio de Janeiro, produzido em 2020 e exibido em Clermont-Ferrand no ano seguinte, também levou o prêmio. "Em 2021, quando aconteceu pela primeira vez, eu não pude estar lá presencialmente por conta da pandemia. Agora, foi muito especial poder vivenciar essa experiência ao vivo", conta.

"Jacaré é meu primeiro curta dessa dimensão como produtora, e participar do maior festival de curtas-metragens do mundo abriu muitas portas", diz Helena Dias, roteirista e produtora pela Sapucaia Filmes. "O evento não é apenas uma vitrine para as obras, mas também um ponto de encontro com cineastas de várias nacionalidades. No nosso programa, havia representantes da Irlanda, Irã, Coreia do Sul. Essa troca cultural é riquíssima! Além disso, há oportunidades de networking com distribuidores, festivais e laboratórios de desenvolvimento. Para um produtor, é um ambiente incrível. No momento, Jacaré está sendo avaliado por outros festivais. Depois de Clermont-Ferrand, recebemos convites e estamos analisando onde será exibido em seguida", afirma.

"Temos uma estratégia de distribuição estruturada junto à nossa distribuidora, Cajuína. O plano é focar nos festivais internacionais nos primeiros seis meses do ano, especialmente na Europa, América do Norte e Ásia. No segundo semestre, voltamos nossa atenção ao Brasil e América Latina. Ainda não temos uma data exata, pois dependemos dos festivais, mas será no segundo semestre, com certeza", antecipa Dias.

"Produzir um curta tem todas as etapas e desafios de um longa-metragem. A diferença é a duração. A narrativa precisa ser mais concentrada, e cada detalhe importa. Além disso, temos desafios financeiros e de acesso a profissionais, pois muitos preferem trabalhar apenas em longas", lembra Victor Quintanilha. 

"Existe também uma diferença na recepção do mercado", diz Quintanilha. "O curta nem sempre recebe o mesmo destaque que um longa. Mas eventos como Clermont-Ferrand mostram que existe, sim, um mercado valioso para curtas-metragens. Tivemos sessões com 1.400 espectadores! Isso demonstra que, quando existe uma cultura de formação de público, o curta pode ser rentável e relevante. Essa experiência abriu muito meus olhos para as possibilidades futuras", conclui o diretor.

“Festim da alma” é a primeira exposição individual de Antonio Obá em Paris. Todos os quadros e desenhos que compõem a mostra, inaugurada nesta quinta-feira (6), são inéditos. Em entrevista à RFI, o artista brasileiro define a narrativa do conjunto das obras “como uma pequena celebração” sobre os ciclos da vida.

Antonio Obá, nasceu em 1983 em Ceilândia, e atualmente mora e trabalha em Brasília. Sua obra tem reconhecimento internacional, já foi exposta em muitas cidades do mundo e vários de seus quadros integram a coleção de arte contemporânea do bilionário francês Pinault, uma das mais prestigiosas do planeta. Em Paris, seu trabalho já havia sido exposto em mostras coletivas ou feiras de arte.

“Festim da alma”, apresentada na galeria Mendes Wood DM, é a primeira individual na capital francesa. “Essa exposição é muito feliz. São trabalhos inéditos que pontuam um momento muito especial, de pesquisa. E o fato de ser em Paris é para mim uma honra e é muito rico”, diz.

Os 21 quadros a óleo e alguns desenhos que compõem a exposição foram feitos em 2024. A mostra propõe uma narrativa sobre os ciclos da vida.

Segundo o artista, “a proposta é uma pequena celebração. O conjunto das obras que estão expostas demarcam uma certa ideia de um ciclo que inicia e termina. As imagens, os símbolos usados propõem muito a pontuação de um rito que tem a ver com a nossa existência”.

Ele ressalta as imagens de crianças, como no quadro “Alegoria para uma nascida”, ou a tela “Memento Mori: Baile de debutantes”. Para ele, a palavra debutante por si só “designa algo que morre para iniciar num outro estágio. E aí, a gente pode jogar essa construção narrativa para tudo na vida que começa, termina, reinicia. Tudo pontuado por rituais, um festim, uma pequena celebração da alma”, completa.

O trabalho poético de Antonio Obá dialoga com a tradição iconográfica ocidental, resgata a ancestralidade africana e questiona a discriminação racial no Brasil. “Certamente, tem esse caráter de problematizar isso tudo. Por que num dado momento passa a ser tão surpreendente você entrar numa galeria, numa exposição onde a maioria das figuras, ao invés de serem caucasianas, são negras? Qual a surpresa disso eu tendo essa pele?”, questiona, lembrando que seu trabalho é “quase autorreferente”.

No entanto, ele salienta que sua obra não se “resume a isso”. Antonio Obá afirma que tem “tido um certo cuidado de não transformar a obra num conteúdo moralizante. Ela não está aqui para dar lição de moral”.

“Festim da Alma” fica em cartaz até 27 de março na galeria Mendes Wood DM, na Praça de Vosges, no 4° distrito de Paris.

Clique na imagem principal para ouvir a entrevista completa de Antonio Obá.

Cinco filmes paulistas na programação do Mercado do Filme do Festival de Curta-metragem de Clermont Ferrand serão exibidos em uma sessão especial para o público nessa quinta-feira, 6 de fevereiro, no centro da França. O evento francês é o maior do mundo para produções neste formato e reúne, todos os anos, um público fiel e interessado na criação brasileira.

A seleção dos curtas apresentados no centro da França foi definida por Anne Fryzsman, programadora internacional do Festival de Curtas de São Paulo – Kinoforum. Ao lado do coordenador Marcio Miranda Perez, Anne dá continuidade ao trabalho iniciado há décadas pela diretora da mostra paulistana, Zita Carvalhosa, que abriu as portas do mercado global de produtores e distribuidores aos cineastas brasileiros.

"A seleção foi feita em cima de filmes paulistanos de 2024 – alguns  estavam em fase de finalização –, e de 2025, porque estávamos à procura de filmes recentes. Queríamos mostrar a vivacidade e a diversidade do curta-metragem brasileiro", disse Anne em entrevista à RFI. 

Duas produções vieram da Rede Afirmativa, da Spcine. Quase Trap!, um filme de iniciação, dirigido por Filipe Barbosa, conta a história de um menino da periferia de São Paulo absorto pela questão da virilidade na adolescência. Anastácia, de Lilih Curi, aborda a violência doméstica. Já 2 Brasis, de Carol Aó e Helder Fruteira, é um filme de ação e uma distopia, com uma produção bem trabalhada, enquanto Carlinha e André, de Ricky Mastro, retrata a história de amor de uma senhora transgênero que está esperando a volta do marido para casa, depois dele ter revelado a ela que estava com Aids. Por fim, Migué, de Rodrigo Ribeyro, vencedor do prêmio Revelação no festival de curtas de São Paulo no ano anterior, conta a história de uma garota paulistana trabalhadora que resolveu tirar um dia de folga. 

"A gente queria mostrar filmes que conversariam internacionalmente e também mostrar um certo panorama de gênero, com diretores mais velhos e outros mais novos", explica Anne Fryzsman. 

Além dos curtas do programa elaborado pelo Kinoforum, com o apoio da Spcine, do Instituto Guimarães Rosa e da Embaixada do Brasil em Paris, três curtas brasileiros concorrem a prêmios na competição internacional do festival: Amarela, de André Hayato Saito; Jacaré, de Victor Quintanilha; e Eu Sou um Pastor Alemão, de Angelo Defanti, na categoria animação.

Todos os anos, o festival de curtas francês transforma a vida dos moradores de Clermont Ferrand, ao acolher a nata internacional de diretores, jovens cineastas, produtores e distribuidores. Desde cedo, a Casa da Cultura, um imponente edifício no centro da cidade, oferece uma programação extensa de filmes em grandes auditórios, que lotam rapidamente com um público fiel e impregnado pela cultura do curta-metragem. 

Mais de dez salas espalhadas pela cidade acolhem as seleções in e off do festival, ao mesmo tempo em que jornalistas do mundo todo acompanham as apresentações e ficam no vaivém entre a Casa da Cultura e o Mercado do Filme, realizado em um edifício adjacente.

Os filmes brasileiros costumam gerar expectativa positiva, uma vez que vários deles marcaram o público e profissionais do setor. 

"Eles lembram que os maiores sucessos de público foram brasileiros. Ilha das Flores [curta de Jorge Furtado, 1989] ganhou o prêmio do público em 1991 e sempre está numa retrospectiva. Quando um produtor recebe uma carta branca, ele vai querer mostrar Ilha das Flores", conta Anne Fryzsman. 

O curta de Jorge Furtado faz uma crítica ácida do capitalismo, ao narrar a trajetória de um tomate, desde o seu plantio até o seu descarte na Ilha das Flores, local que abrigava um lixão de Porto Alegre, onde cerca de 500 toneladas de lixo por dia eram despejadas na época e vasculhadas por pessoas famintas.

"Mais recentemente, tivemos um outro filme brasileiro que ganhou o prêmio do público, que era Meu Amigo Nietzsche [Fáuston da Silva, 2012]. No final do filme, na sala onde ele foi exibido, que é a maior do festival, com 1.400 lugares, estavam todos em pé cantando. Foi uma coisa inacreditável", recorda Anne.

Desta vez, Zita Carvalhosa, iniciadora dessa história de admiração dos franceses pela criação brasileira em Clermont Ferrand, não veio à França. Ela acompanha à distância o trabalho de promoção que faz há anos para divulgar o curta-metragem brasileiro no exterior. Essa dedicação tem resultados concretos com os prêmios conquistados pelo cinema nacional e o acolhimento caloroso do público.

O imponente Palácio Garnier da Ópera de Paris foi inaugurado em janeiro de 1875. O aniversário de 150 anos será celebrado durante todo o ano de 2025 com exposições, conferências, residências de artistas e, integrando a programação da temporada cruzada França-Brasil, concertos com a participação de artistas brasileiros. Vários projetos também serão realizados no Brasil, informa em entrevista à RFI Maria Isabel dos Santos-Nivault, que integra o fundo de dotação da Ópera de Paris. “Tudo isso é um namoro”, diz a advogada brasileira.

O monumental Palácio Garnier recebe por ano um milhão de visitantes. O prédio, projetado pelo arquiteto francês Charles Garnier, foi inaugurado em 5 de janeiro de 1875. Seu estilo eclético e fachada com esculturas homenageando a harmonia, a música, o canto lírico e a dança, influenciaram a construção de teatros em todo o mundo, como os teatros municipais do Rio de Janeiro e São Paulo. Sua história se confunde com história da Ópera Nacional de Paris, que em 1989 ganhou mais uma sala, a moderna Ópera Bastilha.

A prestigiosa instituição cultural francesa, que reúne a Escola de Dança, o Corpo de Baile, o Coral e a Orquestra, além de uma Academia de aperfeiçoamento musical, é um importante espaço da cena internacional contemporânea. A Ópera de Paris perpetua a tradição, apresentando balés e óperas do repertório clássico, mas também abre espaço para criações artísticas de vanguarda.

“A Ópera é muito vanguardista. Ela progrediu muito, evoluiu com os anos. O trabalho deles é extraordinário”, garante a advogada brasileira Maria Isabel dos Santos-Nivault, espectadora assídua e integrante do fundo de dotação da Ópera de Paris, Arop, associação que reúne os mecenas da instituição.

Um belo exemplo desse repertório variado foi o espetáculo de Gala realizado no último dia 25 de janeiro, que iniciou as festividades pelos 150 anos do Palácio Garnier. “O Gala foi uma homenagem ao trabalho da Ópera e a todos os integrantes da Ópera há 150 anos. Foi um espetáculo maravilhoso (que) retomou todos os grandes momentos da ópera, grandes obras produzidas e um balé original”, conta Maria Isabel.

Além da programação anual de óperas, balés e concertos, a instituição prevê para marcar os 150 anos uma grande exposição, que será inaugurada em 14 de outubro, palestras sobre o “Palácio Garnier, objeto de todos os fantasmas” em novembro, e uma residência de 12 artistas durante todo o ano.

Os 150 anos da Ópera Garnier coincidem com a temporada cruzada França-Brasil em 2025 e a instituição “está sendo superativa” nesse evento, informa Maria Isabel dos Santos-Nivault.

Cantores líricos brasileiros, que já passaram pela Academia da Ópera de Paris, foram selecionados e vão participar de um concerto de melodias brasileiras e francesas, programado para o início de abril na capital francesa. “Em seguida, eles vão se apresentar na Embaixada do Brasil em Paris, e depois vamos levá-los para o Brasil - Rio, São Paulo e talvez Curitiba”, antecipa.

Na verdade, vários projetos estão previstos para este ano no Brasil, como um concerto em homenagem ao compositor francês “Georges Bizet”, morto há 150 anos, um concerto conjunto das orquestras ADO (da Academia da Ópera) e do projeto Guri, na Sala São Paulo, e masterclass de dança e música para artistas brasileiros. No entanto, a ideia de abrir uma filial da Escola de Dança da Ópera no Brasil não deve sair do papel ainda este ano, mas as prospecções, iniciadas no ano passado com a viagem de uma equipe da instituição francesa ao país, continuam.

“Tudo isso é um namoro. É para a ópera conhecer melhor as instituições artísticas brasileiras”, compara.

Maria Isabel dos Santos-Nivault também integra um grupo de mecenas brasileiras da Ópera de Paris, cujo o “único objetivo é ajudar quem tem talento”. Há alguns anos, o grupo começou a fazer doações específicas para custear bolsas de estudos de jovens brasileiros que passam no concurso para a Escola de Dança ou Academia.

Cinco bolsistas já foram beneficiados, entre eles a bailarina Luciana Sagioro contratada no ano passado. Uma sexta bolsista, uma soprano que acabou de passar no concurso, chega em setembro. “Seis brasileiros, como muito orgulho, porque é dificílimo passar nesses concursos”, salienta.

“Tarsila do Amaral: Pintar o Brasil Moderno”, a primeira retrospectiva da artista brasileira em Paris, terminou nesse domingo (2) depois de quatro meses em cartaz no Museu do Luxemburgo. A exposição foi “um sucesso” de púbico, festeja a curadora Cecilia Braschi e ajudou a valorizar a obra da artista na França.

A exposição parisiense reuniu cerca de 150 obras de Tarsila do Amaral, sendo 49 quadros, dando um panorama da carreira e produção da artista modernista, dos anos 1920 a 1960. A retrospectiva, aberta ao público em 9 de outubro no Museu do Luxemburgo de Paris, recebeu mais de 123 mil visitantes, com uma média de 1.038 pessoas por dia. “Um sucesso”, resume a curadora Cecilia Braschi.

O público era composto majoritariamente por franceses ou residentes na França, mas 19% eram estrangeiros, sendo muitos brasileiros. A curadora informa que o número de visitantes foi crescendo aos poucos e, no último final de semana, mais de 2.000 pessoas por dia visitaram a retrospectiva.

“O público que não conhecia a artista descobriu (sua obra) com muito interesse, e muitos brasileiros me disseram ter descoberto coisas novas”, afirma. Segundo comunicado final do Museu do Luxemburgo, 64% dos visitantes “nunca tinham ouvido falar em Tarsila do Amaral” e 8% conheciam a artista “somente de nome”. O nível de satisfação foi de 95%.

Dar mais visibilidade e valorizar a obra de Tarsila do Amaral na França, país onde ela iniciou sua carreira internacional há quase 100 anos, era justamente um dos objetivos dessa mostra. A mais famosa pintora brasileira é reconhecida em vários países, mas na França “ainda não tinha este prestígio, era conhecida apenas pelos especialistas”, lembra Braschi. Ela acredita que, depois da exposição parisiense, a modernista passa a ser uma “figura presente na cena artística e conhecida do público local”, contribuindo para o aumento de seu prestígio internacional. “Tomara que isso acabe também mudando a percepção da arte brasileira na França”, torce.

A exposição de Tarsila do Amaral no Museu do Luxemburgo também foi sucesso de crítica. O evento recebeu muitos elogios na mídia francesa. Apenas o jornal Le Monde destoou, ao escrever que “a mostra exaustiva levanta questões contraditórias que provocam até mal-estar”.

Cecilia Braschi, antecipando críticas e polêmicas principalmente por causa da presença na retrospectiva do quadro “A Negra”, realizou, em parceria com a USP e o Centro Alemão de História da Arte, duas jornadas de debates sobre raça, identidade e gênero.

A curadora diz que ficou decepcionada com a análise negativa da obra de Tarsila feita pelo jornalista do Le Monde, mas contextualiza indicando que hoje “tem um problema com a recepção da obra ‘A Negra’ e a exposição tentou justamente encarar esses problemas, discutir e tentar achar respostas”.

Ao mesmo tempo que a obra de Tarsila do Amaral era exposta em Paris, a exposição “Brasil! Brasil! O nascimento do modernismo" estava em cartaz em Berna, na Suíça, antes de ser levada para Londres. Para Cecilia Braschi, essa grande visibilidade de obras-primas brasileiras na Europa poderia indicar que o modernismo do país “está na moda”, mas ela prefere pensar em “um novo interesse em uma cena artística que é ainda muito pouco conhecida na Europa e merece ser descoberta”.

O sucesso de público, tanto na França quanto na Suíça e em Londres, mostra que essas exposições eram necessárias. De Paris, a retrospectiva “Tarsila do Amaral: Pintar o Brasil Moderno” segue para o Museu Guggenheim de Bilbao, na Espanha, onde ficará exposta de 21 de fevereiro a 1° de junho. Cecília Braschi espera que essa “temporada brasileira na Europa” tenha continuidade com a temporada cruzada França-Brasil que acontece agora em 2025.

O Festival de Angoulême, o mais importante evento de Histórias em Quadrinhos do mundo, acontece até o próximo domingo (2) na cidade do sudoeste da França. E nesta 52ª edição tem brasileiro na disputa: Luckas Iohanathan, ilustrador e quadrinista natural de Mossoró, no Rio Grande do Norte, está na competição oficial com “Como Pedra” e pode levar o prêmio de melhor BD do ano, o principal do evento.

O ano de 2024 foi especial para o jovem quadrinista. “Como Pedra” (Comix Zone) venceu o prêmio Jabuti de 2024 na categoria melhor BD do ano. Logo em seguida, o álbum traduzido e publicado em agosto do ano passado na França pela editora iLatina, com o título “Comme une Pierre”, foi selecionado para o Festival de Angoulême.

O reconhecimento do talento de Luckas Iohanathan, hoje com 30 anos, foi muito rápido. Em 2018, ele criou o primeiro quadrinho, “O Mostro Debaixo da Minha Cama”, lançado gratuitamente na internet em 2020 e que recebeu prêmios, antes de ser publicado em 2023.

“Não esperava ganhar o Jabuti e muito menos ser indicado a Angoulême. É um sentimento meio estranho, porque é como se não fosse real ainda”, contou Luckas Iohanathan à RFI antes de embarcar para a França. Ele chega a Angoulême nesta quinta-feira (30) para participar do festival que sonhava em conhecer.

“Eu sempre tive vontade de conhecer Angoulême como leitor, como público, e ir pela primeira vez como artista, e ainda mais participando da premiação, já está mais do que suficiente”, disse, completando que prefere não esperar uma eventual premiação.

“Como Pedra” está na competição oficial que distribui ao todo seis prêmios. Se levar o “Fauve d’Or” de melhor BD do ano, Luckas Iohanathan será o segundo brasileiro a receber a recompensa depois de Marcelo Quintanilha, premiado por “Escuta, Formosa Márcia” em 2022. “Da mesma forma que eu entrei nesse mundo vendo quadrinistas brasileiros sendo reconhecidos, espero que eu também sirva para alguém que quer entrar nos quadrinhos ver que é possível”, torce.

“Como Pedra” narra a vida de uma família nordestina, que tem uma filha com deficiência. A BD de Luckas Iohanathan aborda questões históricas do nordeste brasileiro: a seca, a miséria, as desigualdades, a injustiça, denunciando a ausência de políticas públicas e o fanatismo religioso. O livro dialoga com toda uma tradição da literatura e do cinema brasileiros, como "Vidas Secas", "O Pagador de Promessa", "Morte e Vida Severina", "Os Sertões".

O ilustrador conta que seu objetivo inicial não era fazer uma narrativa de denúncia ou militante. Inspirado pelo livro "O Mito de Sísifo", do francês Albert Camus, ele quis fazer um conto filosófico. “Esse livro nasceu de uma dúvida. Eu me perguntando se esse tipo de vida vale a pena, se vale a pena todo esforço, se vale a pena continuar”.

No processo de criação, a narrativa evoluiu, influenciada por questões como o aquecimento global, a falta de remédio, a falta de leite e muitos outros elementos da história de vida pessoal do autor no interior do Rio Grande do Norte. A resiliência materna é um tema central da obra.

A técnica do desenho de Luckas, que confessa “nunca ter gostado de pintar”, também remete a essa aridez do Nordeste. Ele usa apenas três cores para retratar o sertão brasileiro: o preto, o branco e o amarelo. “Eu queria que a cor tivesse um sentido na história, fosse uma emoção, gritasse também”, explica.

Para o quadrinista, o “amarelo representa muito esse calor que está grudado na pele dos personagens o tempo todo”, detalha, lembrando que as paisagens do interior nordestino são dominadas por essa cor. “É como se você visse apenas o Sol, tomando conta do chão”.

Lucas acredita que essa história brasileira pode ressoar para leitores de outras culturas, como a francesa. “Eu queria que no quadrinho as coisas externas fizessem com que os personagens estivessem naquelas situações. Que aquilo não era culpa deles. Coisas como o aquecimento global, qualquer região do mundo está sofrendo com isso, né? Então, eu acho que isso conseguiu dialogar com mais espaços e não só com o nordeste brasileiro”, pontua.

O Festival de BD de Angoulême termina no domingo (2) quando os vencedores desta 52ª edição serão revelados.

Cristina Barroso vive e trabalha entre São Paulo e Stutgartt, na Alemanha. Com uma carreira internacional consolidada, a artista plástica realiza, pela primeira vez, uma exposição individual na França. A Maison de l'Amérique latine recebe a mostra "O Rio Interior", de 30 de janeiro a 29 de março. 

Maria Paula Carvalho, da RFI em Paris 

Com interesse sobre a questão territorial, as obras produzidas do ano 2000 até hoje ilustram a história da artista sobre duas culturas, dois países, num projeto que passa pela geografia e a cartografia. Cristina Barroso é famosa por suas pinturas cartográficas, em que recortes e colagens dão novos contornos ao mundo tal como ela o vê. “Eu fiz esse trabalho pensando especificamente no Brasil visto pelos europeus. São momentos simbólicos de fluidez da vida, do tempo. São esses elementos que me interessam”, explica em entrevista à RFI Brasil.  

Cristina Barroso explora materiais diversos, texturas opacas e brilhantes, uma grande quantidade de imagens de onde emergem representações de rios e povos da floresta. Há belas imagens de digitais, de rostos que se fundem com troncos de árvores, em obras que retratam relações de harmonia com a natureza. “Eu saí do Brasil muito cedo e essa maneira de olhar o mundo por cima, de ficar viajando, me levou a usar mapas”, afirma. “Mas não mapas no sentido em que você os vê e se orienta, mas um mapa mais ou menos emocional, das diferentes culturas”, completa.  

A artista conta que deixou o Brasil aos 17 anos. E quanto mais o tempo passa, mais ela se aproxima do tema das raízes. “Eu sou de São Paulo, mas eu acho que vendo o Brasil de fora, eu me concentrei mais em certos símbolos como o rio, que é uma imagem metafórica para a vida”, observa.  

O trabalho de Cristina faz referências e citações diretas ao Movimento Antropofágico, corrente artística derivada do modernismo brasileiro a partir de 1920. “O Movimento Antropofágico fala exatamente da minha posição de devorar as outras culturas e juntar tudo para um modo de expressão original”, analisa.  

A série “Tristes Trópicos” é uma referência direta ao antropólogo francês Claude Lévi-Strauss que, conforme lembra a artista, “falou que todos nós somos canibais de maneira geral pela cultura”. 

Na série "Tristes Trópicos", mapas do território brasileiro são colocados em um conjunto de pastas de plástico que, por sua vez, são classificadas por divisórias translúcidas coloridas, sobre as quais a artista interveio com uma profusão de motivos indígenas e outros desenhos que narram a história colonial do país. “Eu fui para o Amazonas só três ou quatro vezes. Eu sempre morei em cidade grande. Então, eu gosto de misturar coisas da metrópole e dos povos que vivem na natureza”, diz. “Eu arquivei essas imagens dentro de plásticos e usei também elementos da sociedade de consumo, junto com elementos da natureza”, completa.  

Em outra série de obras, intitulada "Nativos", organizada de maneira diferente, Cristina recompõe as identidades visuais com superposições de imagens. Uma gravura antiga com o rosto de um indígena aparece estampada com uma bolsinha infantil de feltro decorada com um elefante.  

O contraste entre os nativos da floresta amazônica e a sociedade urbana destaca o consumo excessivo e o desperdício da sociedade atual em contraste com a interconexão dos nativos para com a natureza e o cosmos. Imagens que, ela espera, possam incitar a imaginação e provocar reflexão sobre a realidade atual. “Em alguns trabalhos, lógico que eu penso sobre isso, mas eu não sou ativista, sabe? Não sou especialista em geografia, nada disso. São elementos que eu uso com a liberdade artística, só para expressar exatamente esse momento que estamos vivendo. Eu espero que as pessoas possam refletir mais sobre a existência humana”, diz a artista.  

Recentemente, cientistas brasileiros desenvolveram o conceito de “rios voadores” e mostraram a estreita relação de troca entre os rios e a floresta. Os estudos revelaram que a transpiração das árvores joga na atmosfera uma quantidade de vapor superior ao volume de águas que corre pela bacia do rio Amazonas. Esse fenômeno é o principal responsável pelo ciclo pluvial de grande parte do continente sul-americano, e tem impacto no clima mundial. A presença dos rios na cartografia revela a dinâmica da ocupação das águas sobre todo o território amazônico.  

Em suas telas, Cristina mostra os grandes rios e seus afluentes como vasos sanguíneos, elementos ativos onde a vida se nutre e se torna possível. “Isso sempre fica no nosso inconsciente. Eu fiz uma tela toda vermelha, com um filamento de um rio passando por esse campo vermelho. Foi exatamente na época que estava ocorrendo muitos Incêndios na floresta”, conta. “Então, não foi de propósito. Foi uma coisa que aconteceu assim. É um fluxo de consciência, de repente eu vi que estava vermelho”, continua  

A artista, que já viveu na Itália e nos Estados Unidos, fala sobre a experiência de realizar a sua primeira exposição individual em Paris. “Para mim é muito importante. Eu amo essa cidade e agora posso mudar um pouco o eixo Alemanha Brasil para Alemanha, França e outros países”, diz a artista que já tem projetos em Hong Kong.  

A exposição “O Rio Interior” fica em cartaz na Maison de l’Amérique Latine, no número 127 do Boulevard Saint Germain, em Paris.  

Para ver a entrevista na íntegra, clique na foto principal. 

O músico brasileiro João Selva, carioca radicado na França desde 2010, acaba de lançar neste início de 2025 seu quarto CD “Onda”, pelo selo francês Underdog Records. O novo trabalho do “trovador de Ipanema” ou “um dos melhores embaixadores da música brasileira”, como define a imprensa francesa, continua a surfar em vários estilos musicais do “Atlântico negro”.

Como sugerem o título “Onda” e a capa do CD, que reproduz o desenho do calçadão de Copacabana, o Brasil inspirou a maioria das dez músicas do disco, cheias de swing e com muito ritmo. “Onda” é vibrante e ensolarado como boa parte da obra de João Selva.

As composições são fruto do “reencantamento” do músico com o país natal que ele pode voltar a visitar depois do lockdown imposto pela pandemia de Covid. As músicas e letras, em parceria com Bruno Patchworks Hovart, foram feitas durante uma viagem no início de 2024, no período de pré-carnaval, pelo litoral do Nordeste brasileiro.

“Para mim, foi estranho ficar tanto tempo sem ir ao Brasil e o fato de voltar e me reencantar, olhar assim com olhos de criança de novo para o nosso país, as suas belezas, seus contrastes, foi realmente um momento que eu pude apreciar a alegria do povo brasileiro, essa coisa descontraída, esse humor que a gente tem e essa maneira também de viver o afeto de uma maneira diferente”, lembra.

Uma única faixa, “Banho de Mar” foi escrita na França, na ilha du Levant, no Mediterrâneo, e duas são “baladas”, mais calmas, sendo uma delas, “Rainbow Love”, um duo com a cantora francesa Gabi Hartmann. João Selva revela que escreve “muita música calma, mas não as compartilha muito".

Nos shows, “eu gosto muito de botar o povo para dançar. Acho que é um pouco a minha herança da cultura tradicional. Eu venho da capoeira, do samba, do forró, e tem essa coisa da música ser uma maneira da gente extravasar, botar para fora, e a dança permite isso. Por isso, eu sempre boto um pouco de lado essas músicas mais calminhas que eu faço”, conta.

“Onda” é o quarto CD solo do músico brasileiro, depois de “Natureza” em 2017, “Navegar” em 2021, e Passarinho em 2023. Todos contaram com a parceria e produção de Bruno Patchworks. “Eu tenho essa sorte de poder ter esse alter ego. Na música pop é uma coisa que está sempre voltando. A gente pode pensar em Paul McCartney e John Lennon, e tantos outros que se completavam e se estimulam mutualmente para criar”, compara

O trabalho do brasileiro, que nasceu em Ipanema e é filho de um pastor de uma comunidade alternativa cristã, tem sucesso de público e de crítica. Na França, João Selva é chamado de "um dos melhores embaixadores da música brasileira” na França e de “trovador de Ipanema”. Ele se sente “muito honrado” de estar representando esse universo tão rico e diverso da música brasileira.

No entanto, o conceito que mais define o trabalho de João Selva é o de “Atlântico negro”, desenvolvido pelo sociólogo inglês Paul Gilroy. “A gente pensa o Atlântico só como uma coisa que está separando a gente, mas é ao contrário. Ele introduz a ideia de que o Atlântico aproxima, na verdade, a África do Brasil, do Caribe, da Península Ibérica. Ele propõe um outro olhar do que esse olhar histórico do comércio triangular, dessas tensões, um olhar positivo pensado como trocas culturais. A gente no Brasil sabe muito bem disso”, salienta.

No dia 25 de março, João Selva faz o show de lançamento de “Onda” na casa de espetáculos New Morning e convida a todos para esse “banho de mar” em Paris.

O dia 27 de janeiro marca os 80 anos de libertação do campo de concentração de Auschwitz, símbolo da exterminação dos judeus pelos nazistas. Desde 2005, a data, por decisão da ONU, é lembrada como o Dia Internacional em Memória às Vítimas do Holocausto. A historiadora e professora da USP, Maria Luiza Tucci Carneiro, uma das maiores especialistas de Holocausto no Brasil, diz que a rememoração este ano ganha maior relevância e ressalta que a memória do Holocausto “diz respeito também ao Brasil”.

O campo de concentração de Auschwitz, na Polônia, foi libertado em 27 de janeiro de 1945 pelas tropas soviéticas. Mais de um milhão de pessoas, a maioria esmagadora de judeus, foram exterminadas no local. A cerimônia este ano em Auschwitz reunirá as poucas dezenas de sobreviventes, todos com mais de 90 anos, que serão os únicos a pronunciar discursos.

A historiadora e professora Maria Luiza Tucci Carneiro é uma das maiores especialistas de Holocausto e antissemitismo no Brasil. Ela é coordenadora do Leer, Laboratório de Estudos sobre Etnicidade, Racismo e Discriminação junto ao Departamento de História da USP, onde desenvolve o projeto Arqshoah - vozes do Holocausto e antissemitismo no Brasil.

Para ela, o Dia Internacional em Memória às Vítimas do Holocausto ganha uma nova relevância devido ao ataque do Hamas de 7 de outubro contra Israel, do aumento recente do antissemitismo no mundo e das comparações entre a ofensiva de Israel em Gaza e o Holocausto.

Após o 7 de outubro, diz, houve "uma mudança de paradigma em relação ao conceito de genocídio, que é um conceito distinto dos crimes contra a humanidade e crimes de guerra”. O Holocausto “foi um genocídio singular (...) planejado e executado pela Alemanha nazista e países que colaboraram com um objetivo bem claro de exterminar judeus, ciganos, deficientes físicos, mentais e dissidentes políticos, entre os quais os Testemunhos de Jeová”, explica.

O antissemitismo não surgiu depois do 7 de outubro e nem na Segunda Guerra Mundial. “Nós temos que lembrar que o Holocausto resultou da persistência de uma mentalidade racista secular. Daí o conceito que eu tenho usado nos meus livros, é um racismo de raiz, é um antissemitismo de raiz”, define.

Tucci Carneiro salienta a importância do dia 27 de janeiro. “Não podemos permitir o apagamento dessa memória que não é só prestar homenagens aos mortos e aos sobreviventes. No conjunto, eu vejo como uma importante estratégia de prevenção de genocídios futuros e também alertando para o que acontece hoje em Gaza”. Relembrar é “uma forma de investir contra os negacionistas que insistem na tese de que Holocausto não aconteceu ou que a atual guerra em Gaza é um genocídio praticado por Israel”, enfatiza.

Centro e vinte judeus brasileiros foram entregues pela França à Alemanha nazista e o governo brasileiro manteve circulares secretas de 1933 a 1949 barrando a entrada de judeus europeus no país. Por isso, a historiadora ressalta que a memória do Holocausto “diz respeito também ao Brasil”. Ela considera “uma forma também de colaboracionismo com Alemanha nazista o governo brasileiro não ter acolhido refugiados em função das circulares secretas”.

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RFI: Depois do 7 de outubro, do aumento recente do antissemitismo e comparações entre a ofensiva de Israel em Gaza e o Holocausto, essa comemoração dos 80 anos de libertação do campo de concentração de Auschwitz ganha uma nova relevância?

Maria Luiza Tucci Carneiro: O 7 de outubro de 2023 realmente interferiu e deu uma nova relevância à data do 27 de janeiro, que é um dia importante de rememoração em memória das vítimas do Holocausto. Quando nós falamos de uma nova relevância, eu ressalto que essa nova relevância pode ser vislumbrada sobre alguns aspectos. Primeiro, porque o 7 de outubro acarretou uma proliferação do antissemitismo no mundo. Após esse ataque, nós também percebemos que houve uma mudança de paradigma com relação ao conceito de genocídio, veja bem, que é um conceito distinto dos crimes contra a humanidade e crimes de guerra. Temos que considerar também o que foi o Holocausto. É importante lembrar que ele foi um genocídio singular. Não único, lógico, porque nós tivemos, infelizmente, muitos outros que adentram o século 21. Nós temos que pensar que aquele evento a partir de 1933, ele foi um genocídio arquitetado, com objetivos declarados, acobertados até, podemos dizer, idealizado, planejado e executado pela Alemanha nazista, e países que colaboraram, com um objetivo bem claro de exterminar judeus, ciganos, deficientes físicos, mentais e dissidentes políticos, entre os quais os Testemunhos de Jeová.

E quais seriam os outros elementos?

MLTC: Um outro elemento que devemos considerar nos dias de hoje é que esse antissemitismo não surge ou surgiu a partir da data do 7 de outubro. Ele tem raízes seculares. O que nós percebemos é que houve de uma mutação no discurso, isso sim, e ao mesmo tempo o fortalecimento das acusações antissemitas. Em primeiro lugar, nós temos que lembrar que o Holocausto resultou da persistência de uma mentalidade racista secular. Os discursos que nós ouvimos hoje acusando Israel, acusando os judeus de uma forma generalizada, essas acusações foram gestadas há séculos. Daí o conceito que eu tenho usado nos meus livros, de um racismo de raiz, é um antissemitismo de raiz. Também temos que considerar, e até justificando por que não devemos usar o termo Holocausto para o que acontece em Gaza hoje, que o local de extermínio foi planejado. Foi planejado por uma nação culta que era no século 19 uma referência no campo das ciências, das artes, da filosofia, da tecnologia. Por que Auschwitz? Porque exatamente esse campo representou e representa até hoje uma versão acabada daquele laboratório que foi construído para matar em nível industrial, em série, planejado. É muito importante que sejam preservados, não só os testemunhos, mas também a preservação física dos campos de concentração e de extermínio. Nós não podemos permitir o apagamento dessa memória, daí a importância do 27 de janeiro.

Falando dos sobreviventes, como preservar a memória desses campos de concentração quando os sobreviventes são cada vez menos numerosos?

MLTC: Essa pergunta é muito importante porque hoje o que restou basicamente preservado com relação aos campos são resquícios. São marcas de um genocídio que deve ser considerado, lembrado, a partir tanto dos testemunhos dos campos de concentração, como também da documentação que vem sendo cada vez mais divulgada a partir da digitalização e disponibilização ao público. Nós temos que ter políticas de preservação de memória. Não apenas do ponto de vista educacional, mas também devemos articular projetos, colocar projetos em execução, relembrando porque muitos sobreviventes já não estão mais aqui. Relembrando também as rotas de fuga, as situações a que eles foram submetidos.

Essa memória não é só prestar homenagens aos mortos e aos sobreviventes, mas no conjunto eu vejo como uma importante estratégia de prevenção de genocídios futuros e também alertando para o que acontece hoje em Gaza. Isso nós temos feito aqui no projeto Vozes do Holocausto, divulgando testemunhos do passado que lembram que aconteceu na Alemanha nazista, mas também nos países ocupados, os colaboracionistas. É uma forma de investir contra os negacionistas que insistem na tese de que Holocausto não aconteceu ou que a atual guerra em Gaza é um genocídio praticado por Israel. Quer dizer, a gente percebe que com esses discursos deturpados, e muitas vezes mentirosos que circulam pelas redes sociais, que mesmo após 80 anos, quando ocorreu a abertura do Campo de Concentração de Auschwitz em 1945, a história e a memória do local continuam sendo uma ferida aberta.

E como era a posição do Brasil?

MLTC: Eu quero aqui ressaltar que o Holocausto ele não diz respeito apenas à memória da comunidade judaica como um todo ou apenas da história dos países europeus. Entre 33 e 45, diz respeito também ao Brasil. Recentemente, nós publicamos aqui pelo Leer um livro sobre a história de 120 brasileiros assassinados pelos nazistas, muitos dos quais foram enviados pelo governo colaboracionista da França para Auschwitz. É o livro Brasileiros no Holocausto e na Resistência ao Nazismo, publicado pela minha orientanda de mestrado Blima Lorber. Esse debate se faz necessário. Infelizmente, hoje não temos assim tantos sobreviventes, não só de campos de concentração, mas eu chamo muita atenção para as vozes daqueles que vieram fugindo também dos países ocupados, os refugiados.

O Brasil acolheu muitos desses refugiados, mas também sobreviventes dos campos de concentração. Como o país acolheu essa população? Lembrando que, ao mesmo tempo, o Brasil também recebeu nazistas fugindo da Alemanha sob ocupação dos aliados.

MLTC: Pelo trabalho que eu desenvolvi no meu livro “Cidadão do Mundo”, que aliás está publicado em francês pela L’Harmattan, eu cheguei a uma contabilidade com base nos documentos que eu consultei, mas acredito que existam muito mais no arquivo histórico do Itamaraty. Cheguei a contabilizar cerca de 14.000 vistos negados, indeferidos pelo governo brasileiro entre 1937 e 1949. Eu ressalto que no período pós-guerra, entre 1945 e 1949, muitos sobreviventes estavam em busca de um país que os acolhessem. No entanto, o governo brasileiro, não o Brasil, o governo brasileiro manteve as circulares antissemitas proibindo a entrada de judeus sobreviventes, que acabaram, muitos deles, entrando no Brasil com vistos na qualidade de católicos ou protestantes. Houve uma política muito bem sistematizada, secreta, que proibia a entrada, principalmente dos refugiados a partir de 1933. O Arqshoah detém hoje e disponibiliza importantes documentos que retratam essas histórias de vida, as dificuldades, as rotas de fuga. Quero ressaltar que eu considero uma forma também de colaboracionismo com Alemanha nazista o governo brasileiro não ter acolhido refugiados em função das circulares secretas. O fato de persistirem as circulares secretas de 1937 até 1949 comprova a persistência de uma política antissemita pelo governo brasileiro.

E como esses judeus e sobreviventes entraram?

MLTC: Entraram com a ajuda da comunidade judaica brasileira e outras importantes instituições judaicas e não judaicas, como a Cruz Vermelha Internacional. Somente após os anos 1950 é que eles começaram a ter uma liberdade de expressão, encontrar outros meios de sobrevivência para além da comunidade judaica.

Nós temos que levar em consideração esse apoio, não só da comunidade judaica, mas de instituições internacionais e autoridades, personalidades que ajudaram a salvar crianças principalmente. Eu lembro aqui o programa kindertransport, que é um trabalho que nós também estamos produzindo. Nós temos aqui 4 testemunhos de crianças que foram salvas no kindertransport e vieram para o Brasil. Então essas vozes são importantes.

Além dessas instituições, há também dois brasileiros que foram reconhecidos por Israel como “Justos entre as Nações”, quer dizer são pessoas que ajudaram a salvar judeus do Holocausto: a Aracy de Carvalho e o embaixador Souza Dantas. Os méritos deles são reconhecidos em Israel, mas eles também são reconhecidos e lembrados no Brasil?

MLTC: Sim. Eu me recordo muito bem quando eu comecei as pesquisas para o doutorado que deu origem ao livro “Cidadão do Mundo”. Um dos primeiros impactos foi exatamente os documentos que denunciavam o Souza Dantas como um embaixador que não estava seguindo as ordens, as regras impostas pelas circulares secretas. Tanto é que ele vai ser denunciado e vai ser processado pelo serviço administrativo do governo Vargas. E mesmo após a guerra, ele foi uma pessoa inicialmente ignorada, ficou no ostracismo durante muitos anos. Então, foi nos anos 1980 que Luiz Martins de Souza Dantas tornou-se uma figura conhecida, e depois reconhecida pelo Yad Vashem, assim como Araci de Carvalho. A Araci em Hamburgo e Luiz Martins de Souza Dantas em Paris. A história de Luiz Martins de Souza Dantas em Paris é fantástica. Ele emitiu vistos e salvou uma comunidade importantíssima de artistas, intelectuais, cientistas, escritores, que deixaram uma marca muito importante na cultura brasileira. Esse é o projeto atual que nós desenvolvemos no laboratório, que é a produção de uma enciclopédia chamada Travessias, onde nós reconstituímos as trajetórias dos artistas, cientistas, intelectuais. A maioria são pesquisas inéditas, e entre elas estão esses alvos por Luiz Martins de Souza Dantas e também Aracy de Carvalho, que não era diplomata, mas teve uma importância muito grande na ajuda a esses refugiados no Consulado-Geral do Brasil, em Hamburgo, ao lado de Guimarães Rosa, importante lembrar.

Mas existem outros nomes importantes que nós fomos descobrindo a partir dos testemunhos. Hoje, essas histórias têm um lugar importante na memória e o reconhecimento a partir de 30 de julho de 2024, quando o governo Lula sancionou uma lei instituindo o Dia Nacional de Lembrança do Holocausto em homenagem ao brasileiro Souza Dantas. Esse fato para mim é importantíssimo. No Brasil, vai ser rememorado em todos os dias 16 de abril, lembrando sempre a homenagem a Sousa Dantas. Eu vejo também como um reconhecimento muito oportuno do governo de que as circulares secretas foram marcas muito negativas para a história do Brasil, que nesse momento colaborou muito com a Alemanha nazista, ao impedir a entrada dessas pessoas que fugiam da violência genocida, não só da Alemanha, mas de vários países ocupados, entre os quais, eu ressalto, a França. É muito importante o reconhecimento da contribuição de Souza Dantas.

Quantos sobreviventes brasileiros ainda estão vivos?

MLTC: Nós temos cerca de 198 sobreviventes cadastrados no Brasil, sendo 163 no Estado de São Paulo. Destes, 18 participaram no evento de rememoração do Dia Internacional do Holocausto, organizado na Congregação Israelita Paulista em São Paulo nesse domingo (26). Eles eram muito crianças na época em que vieram para o Brasil. Então, são lembranças muitas vezes pelo ouvir contar através de seus pais, mas que demonstram segmentos muito significativos e emocionantes do trauma guardado por essas crianças. É uma cerimônia emocionante, muito marcante, e um ato de memória que realmente tem que ser repetido todos os anos, mas também ser levado para as escolas. Eu lembro aqui o papel importante de se estudar o Holocausto, que esse tema e esse dia do 27 de janeiro sejam também rememorados nas escolas brasileiras porque nós não temos aqui um programa instituído pelo governo e sim por articulações.

Ressalto o importante papel da educação no sentido, não só de preservar a memória, mas também de saber por que e como estudar o Holocausto sem confundir com genocídio. O conceito, a palavra Holocausto, em vários momentos foram deturpados. Eu espero que a data do 27 sirva para informar e também conscientizar a população, não só brasileira, da importância de se reconstituir esse passado para entender também um pouquinho melhor o que acontece hoje na Faixa de Gaza. Essa conscientização nos serve de alerta. Muitas vezes as informações acabam sendo deturpadas aproveitando-se da ignorância e desinformação, daí o papel importante da educação.

Músico brasileiro radicado em Paris lança álbum Matheus Donato Trio, que explora novas possibilidades do instrumento tradicional, mesclando elementos do choro com jazz. 

Em janeiro de 2025, o músico Matheus Donato apresenta seu novo projeto, que traz uma abordagem inovadora para o cavaquinho de seis cordas em formato trio jazz. Acompanhado pelo baixista Darcy Gomes e o baterista Marcelo Maurício Melo, o álbum apresenta oito composições inéditas, incluindo uma parceria com músicos de Brasília, além de uma releitura do clássico "Mas que nada" de Jorge Ben Jor.

O formato escolhido para o projeto foi inspirado nos trios de jazz, substituindo a guitarra pelo cavaquinho. "Eu encontrei uma alegria gigante ao fazer um repertório que eu curtisse, preenchendo espaços melódicos e harmônicos com recursos do cavaquinho. E esses parceiros incríveis que são o Darcy e o Maurício levaram o trabalho para um lugar totalmente diferente do que eu tinha imaginado”, afirma. “O trio é uma formação que me fascina e o cavaquinho é um instrumento que me fascina. Juntando esses dois fascínios nasceu o disco”, acrescenta.

O álbum “Matheus Donato Trio” também traz homenagens a dois grandes nomes da música: Django Reinhardt, violinista francês nascido na Bélgica da etnia "rom", e o brasileiro Dominguinhos. “O choro do Dominguinhos é um dos mais bonitos que já vi, com uma harmonia muito interessante e uma melodia super difícil de tocar. Misturando vários choros dele com ideias melódicas, fiz uma música em sua homenagem”, afirma.

A referência a Django Reinhardt está relacionada à experiência de sua chegada na França e a descoberta do violão manouche, muito usada pelo músico cigano, e que influenciou o jazz francês. 

As faixas em homenagem aos dois músicos que o inspiraram, contam com participações especiais do saxofonista francês Baptiste Herbin e do violinista venezuelano Alex Cárdenas, trazendo elementos adicionais ao projeto. 

Sobre seu papel como parte de uma nova geração de músicos brasileiros, Donato, brasiliense de 25 anos, reflete: "A música brasileira, a música em geral, está precisando de gente apaixonada, está precisando de gente sensível. E está precisando de gente que faz o trabalho musical pensando no trabalho musical, sem abrir mão das suas convicções artísticas. E continuar com a cabeça e os ouvidos sensíveis para todos os estímulos possíveis”, afirma.