RFI Convida

Um dos mais importantes festivais de documentários sobre o Brasil na Europa está completando 20 anos. O festival Brésils em Mouvements (Brasil em Movimentos), fundado por Érika Campelo, começa neste sábado (28) e apresenta até o próximo domingo (06/10) curtas, longas-metragens e debates sobre as questões sociais, políticas, culturais e as lutas da sociedade brasileira contemporânea.

A RFI viu nascer e acompanhou durante esses 20 anos cada edição do festival militante, que sempre escolheu o “seu campo”, afirma Érika Campelo, presidente da associação Autres Brésils, que organiza o “Brésil en Mouvements”.

“O mundo contemporâneo, nossa época, pede essa escolha de campo, não para polarizar o debate porque isso é uma das ferramentas que a extrema direita usa para não nos deixar dialogar”, aponta. O campo do Brasil em Movimentos é “um campo democrático, progressista, de como a gente faz sociedade e democracia juntos”, define.

A programação dessa edição do aniversário de 20 anos do festival espelha essa escolha. São quase 15 curtas e longas-metragens, muitos deles inéditos, de cineastas confirmados ou novos talentos.

Entre os destaques da programação, Érika Campelo ressalta dois eixos: a questão ambiental e indígena, representada pelos filmes “A Transformação de Canuto”, codirigido por Airel Kuaray e Ernesto de Carvalho, e “A Queda do Céu”, codirigido por Eryk Rocha e Gabriela Carneiro da Cunha; e os 40 anos do MST (Movimento dos Trabalhadores Sem Terra), com o filme “Aucun homme n’est né pour être piétiné” (Nenhum homem nasceu para ser pisoteado), codirigido por Narimane Baba Aïssa e Lucas Roxo.

Outras temáticas abordadas são os 60 anos do Golpe Militar no Brasil”, o direito ao aborto, violência policial e a polarização política atual.

O “Brasil em Movimentos” acontece tradicionalmente no cinema “Les 7 Parnassiens”, no bairro de Montparnasse, em Paris, mas este ano a grande novidade é a realização do evento em 2 cinemas diferentes. “Não tem pré-carnaval? Para essa edição de 20 anos, a gente decidiu fazer um pré-festival”, brinca, completando que nada melhor do que dois cinemas “para destacar a riqueza do documentário brasileiro”.

A edição 2024 começa neste sábado e domingo no cinema L’Écran, de Saint-Denis (periferia parisiense), com a exibição, entre outros, do excelente “Viajo porque preciso, volto porque te amo”. A exibição contará com a presença do codiretor Marcelo Gomes. No cinema “Les 7 Parnassiens”, os filmes serão apresentados de 3 a 6 de outubro.

“Dessa maneira, a gente comemora o aniversário. Se dar de presente dois cinemas é um privilégio e também uma maneira de ampliar o nosso público”, espera. O festival tem um público cativo em Paris. No ano passado, o evento reuniu 1.200 pessoas.

Brésil em Mouvements é um festival militante feito por militantes, na base do voluntariado e quase sem nenhum apoio institucional fixo. “É um festival participativo. Poderia ser um festival feito com menos sofrimento, mas a gente faz esse festival com muito amor, na garra e eu tenho que agradecer a toda equipe de voluntários e a todas as pessoas que passaram pelo festival. Graças a essas pessoas, o festival existe há 20 anos”,

“Brésil en Mouvements” foi pioneiro na França e Érika Campelo acredita que o evento continua sendo o único exclusivamente dedicado ao documentário brasileiro no país. Ela festeja que nesses 20 anos “o público francês, europeu, conhece melhor o Brasil, a nossa diversidade, a nossa Riqueza através do festival”.

Para comprovar essa mudança de olhar, a presidente da associação diz que as matérias feitas sobre o Brasil na imprensa francesa há 20 anos, são completamente diferentes das reportagens atuais. “Nós não fomos os únicos, mas a gente contribuiu bastante para essa mudança de olhar de como ver o Brasil ou ver o Brasil como também um laboratório de reflexão sobre questões sociais, sobre questões ambientais, o lugar e a importância dos povos indígenas, de toda a questão racial, das pessoas afrodescendentes, o debate sobre a escravidão e que lugar tem a escravidão ainda hoje na nossa sociedade brasileira, mas qual é esse lugar também aqui na sociedade francesa”, salienta. “A França e o Brasil evoluíram, o público evoluiu e aprendemos muita coisa mutuamente”, conclui.

Filmado durante os meses tumultuados que antecederam as eleições presidenciais brasileiras e a tomada do Congresso Nacional e do Supremo Tribunal Federal (STF), em 8 de janeiro de 2023, "No céu da pátria neste instante", de Sandra Kogut, examina esses acontecimentos através do olhar de diferentes personagens. A RFI Brasil conversou com a diretora no Festival de Cinema Latino-Americano de Biarritz, onde a produção brasileira concorre ao prêmio de melhor documentário. 

Maria Paula Carvalho, enviada especial da RFI a Biarritz

RFI: Como nasceu a ideia para este documentário? 

Sandra Kogut: No calor dos acontecimentos, ninguém tinha muita ideia do que ia acontecer, mas sabia que o que acontecesse ia ser muito importante para todos nós, brasileiros. E como as eleições e o sistema eleitoral estavam sendo muito atacados naquele momento, eu pensei em pegar pessoas que estavam envolvidas com as eleições de alguma maneira, mas não aquelas que a gente está acostumado a ver na frente das câmeras. Ou seja, não os candidatos ou pessoas públicas, mas as que trabalhavam ou que estavam em algum tipo de bastidor, que tivessem alguma conexão mais forte com o processo eleitoral.

Eu fui procurando pessoas muito diferentes pelo Brasil todo e também queria pessoas diferentes em termos do espectro político. Foi difícil, mas os personagens são bem variados, estão em lugares diferentes do Brasil e também têm opiniões diferentes.

RFI: Na descrição do filme para o público internacional em Biarritz, diz que ele combina dimensões pessoais e políticas, examinando num contexto em que a extrema direita estava no poder, em que a democracia estava ameaçada, como dois mundos paralelos lutam para se compreender. Você pode explicar melhor que mundos são esses?

Sandra Kogut: Esse filme não é uma análise. A gente vai avançando no filme com os acontecimentos. E eram realmente realidades paralelas. A gente tem dois personagens que eram bolsonaristas durante as eleições e os vídeos que eles consumiam, as notícias que eles consumiam eram inacreditáveis.

Logo eu fui entendendo que, na verdade, era um filme sobre o medo, sobre a enorme tensão que a gente estava vivendo, independente de que lado você estivesse. Eu não queria convencer eles de nada. E o filme é sobre essa impossibilidade de realmente fazer essa ponte se comunicar. 

RFI: Quase dois anos depois, o Brasil continua muito polarizado. Como você acha que o documentário vai ser recebido?

Sandra Kogut: Esse filme registra um momento específico, mas a sensação que eu tenho é que quanto mais o tempo passa, mais camadas ele ganha. O que o filme conta não desapareceu, continua aí. E essas pessoas estão aí. O que eu percebo é que você, de alguma maneira, revive o seu filmezinho também daquele momento.

Eu ainda percebo que ele conversa muito com outros países porque, infelizmente, isso que a gente viu acontecer no Brasil está acontecendo em muitos lugares. Então, quando eu mostro ele em algum outro país, o que eu vejo é que a pessoa se reconhece ali, se identifica, que é essa ascensão da extrema direita.

RFI: Você faz alguma relação com a invasão do Capitólio nos Estados Unidos? 

Sandra Kogut: As relações estão todas ali, mas quem faz essas relações é o público. E aí o público americano, espanhol, português, francês vai reconhecendo naquela história coisas do seu próprio país, porque é muito parecido. A extrema direita tem uma cartilha: você reconhece métodos e maneiras de fazer as coisas que estão se repetindo mundo afora. Não é uma invenção do Brasil. 

RFI: O Supremo Tribunal Federal determinou penas muito duras para algumas dessas pessoas que invadiram a Praça dos Três Poderes. O filme mostra o fim desse processo?Os julgamentos e o que aconteceu depois?

Sandra Kogut: O problema desse filme é que eu estaria fazendo ele até hoje se eu fosse mostrar o que aconteceu depois. Teve uma hora que eu tive que finalizar. Eu gosto muito quando você olha por um momento e você sabe o que vai vir depois, mas os personagens não sabem ainda, porque aí o filme se torna que nem uma cebola. Quanto mais as coisas vão acontecendo, mais camadas esse filme vai ganhar.

Ele se tornou realmente um filme sobre o golpe, entendeu? Sempre foi um filme que não ia ter um suspense, porque a gente já ia saber o resultado da eleição. Mas é muito interessante porque o filme volta no tempo e você percebe o quanto aquilo já estava anunciado. As notícias eram tão absurdas que o escândalo dessa semana apagava o da semana passada. Você não conseguia manter um fio da meada porque você era massacrado por notícias absurdas constantemente. Foi um pouco também o que me deu vontade de fazer o filme, de criar uma espécie de arquivo do presente.

RFI: Aqui em Biarritz, o diretor Walter Salles, que apresentou o filme "Ainda estou aqui" sobre o período da ditadura militar no Brasil, disse que a democracia é uma matéria muito frágil. Você concorda? E você teme pela estabilidade da democracia brasileira?

Sandra Kogut: Sim, eu acho que essa é uma das grandes lições desse momento, porque a gente achava que algumas coisas estavam estabelecidas, estavam ganhas, e que a gente ia dali para frente. E de repente, vimos como podemos andar para trás muito rápido e brutalmente. Então, é claro que a democracia é um trabalho de todos os dias de uma sociedade. Mas eu também acho que esse filme mostra a democracia sendo feita.

A gente aprende muito sobre o processo eleitoral. Tem uma personagem, por exemplo, a Rute, que é juíza eleitoral na Ilha de Marajó. Ela manda a urna para o meio da Amazônia. Você vê várias pessoas que trabalham nas eleições e entende como aquilo é quase um milagre do Brasil. O sistema eleitoral brasileiro é complexo e fascinante. A democracia parece uma coisa muito grande, abstrata. Eu quis mostrar o trabalho de formiguinha que é fazer a democracia acontecer numa eleição.

RFI: As urnas eletrônicas que são colocadas em discussão já elegeram a esquerda e a direita no Brasil e até hoje existe essa ideia de que elas podem provocar fraude. O que o documentário descobre sobre isso?

Sandra Kogut: Quando eu resolvi fazer esse filme, eu tive acesso a coisas que a gente não teria normalmente, porque o o Tribunal Superior Eleitoral (TSE), que estava sob ataque, percebeu que era importante mostrar. Eu tive acesso aos bastidores do trabalho de cartórios, juízes eleitorais, pessoas que estavam vivendo com muito medo, porque a campanha que o Bolsonaro fez de desinformação, de ataque às urnas, era tão monumental que, de repente, aquele sistema que era exemplar, nunca teve fraude comprovada, que é um sistema brasileiro e que todo mundo aceitava, ficou completamente sob ataque.

E isso também abriu as portas para a gente fazer o filme. A gente teve acesso a coisas que normalmente não teria. A argumentação se impõe por ela mesma, pois você vê como funciona. Eu, inclusive, aprendi muitas coisas que eu não sabia fazendo esse filme.

RFI: Por que o título "No céu da pátria neste instante", um verso do nosso hino nacional?

Sandra Kogut: Nesse momento, de extrema direita crescendo, de fascismo crescendo, os valores e os símbolos nacionais são a primeira coisa que a gente perde, pois eles passam a ser monopólio desse campo político. E o Hino Nacional era um deles. Então, eu achei que seria interessante pegar um desses símbolos da pátria e usar de outra maneira.

Essa frase descrevia muito bem uma sensação que eu tinha de que a gente está preso no eterno presente, como se a gente só conseguisse ver em instantes, como se fosse impossível dar um passo para trás e criar uma linha narrativa que fizesse sentido. Então, eu achei que era um bom título.

O sambista, cantor, compositor e multi-instrumentalista Marcelo Amaro realiza a turnê "A essência do samba" pela Europa que, além de shows, inclui workshops para mostrar aos europeus um pouco da herança africana no samba.

Essa é a primeira turnê europeia do músico, que viveu em Genebra há 10 anos. Os shows incluem músicas de seus quatro álbuns, além de clássicos do samba brasileiro. Marcelo explica que a herança africana já era latente nas letras de seus álbuns, desde 2014, quando começou a compor, e em 2016, quando gravou seu primeiro álbum, “Banquete”.  

“Eu acho que é a função do artista de agir politicamente”, diz. “Nossa função é essa, de trazer ao povo e às pessoas que também estão abertas a ouvir um pouco da história e também do que a gente acredita”, afirma.  

O último álbum do artista, “Sambáfrica”, de 2023, celebra a cultura do continente africano. O projeto musical nasceu em Genebra, onde observou que muitas pessoas de origem africana se chamavam “Samba”.  

“Além desse gênero do samba ter essa conexão direta com Angola, tem essa questão do nome também, nome próprio e sobrenome. Então eu comecei essa pesquisa a partir daí”, explica. O projeto, segundo ele, tinha o objetivo de se conectar com o continente africano de uma maneira geral “porque não sabemos exatamente nossa origem”.

Marcelo Amaro também desenvolve o projeto musical “Viva Percussão” que surge a partir do nome de seu segundo álbum, lançado no Rio de Janeiro, em 16 de outubro, Dia do percussionista brasileiro.

O projeto inclui um festival, mas também seminários que visam difundir os percussionistas do Brasil, homens e mulheres, assim como os instrumentos de percussão. “Acho que essa é uma forma de a gente contribuir também para essa cena artística do Brasil que é tão plural nos ritmos”, diz.

Marcelo tem shows programados em Londres, Antuérpia, Amsterdã e Genebra até final de setembro. Além disso, ele organiza a roda de samba “Canjerê do Amaro”. “Eu sempre penso nessa questão das palavras de origem banto ou iorubá. Acho que faz parte da minha história trazer o nome canjerê, que é festa, é uma quizomba”, diz.

Em Londres, a roda de samba acontece dia 21 de setembro e dia 29 em Amsterdã. “A ideia é difundir esse a roda de samba em si, que ainda é algo muito tímido”.  

O músico prepara um novo álbum que deve sair ainda este ano. Carregado de espiritualismo, “Axé Canjerê” tem sete faixas “para conectar com Exu, que é o número 7. Para a gente trazer essa energia que tem, mas com bastante respeito, separando a questão da religiosidade", diz o músico.

Mais informações sobre as datas dos shows no site https://www.marceloamaro.com.br/shows

O cineasta brasileiro Walter Salles é um dos destaques da programação do Festival de Cinema de Biarritz que reúne, até a próxima sexta-feira (27), dezenas de produções latino-americanas. A RFI conversou com o diretor na manhã deste domingo (22), após a estreia na França do filme “Ainda estou aqui”, exibido na cerimônia de abertura do evento, na noite de sábado (21). Nesta entrevista, ele fala sobre memória nacional, conta passagens da sua própria vida e destaca a importância do cinema para o avanço da sociedade.  

Maria Paula Carvalho, enviada especial da RFI a Biarritz

RFI: O público saiu da sala de projeção muito emocionado depois de assistir ao longa-metragem “Ainda estou aqui”. Como você avalia a recepção do seu novo filme na França?  

Walter Salles: Voltar para Biarritz é um pouquinho como voltar para casa, porque "Terra Estrangeira", o primeiro longa-metragem que eu dirigi, com a Daniela Thomas e já com a Fernanda Torres como atriz principal, estreou aqui. Então, tem um caráter bastante emotivo estar nesta cidade e poder agradecer ao público, onde tudo começou. Ontem, foi uma noite muito comovente e a reação de Biarritz foi calorosa. Eu acho que tudo isso acontece graças a esse personagem extraordinário que é a Eunice Paiva, sempre a nossa guia, e ao fato de o filme ser inspirado no livro luminoso do Marcelo Rubens Paiva sobre a história da família dele, o que nos permite mergulhar não só na história dos Paiva, mas também na história do Brasil.  

RFI: Como foi a pesquisa para esse filme que conta o desaparecimento e a morte do ex-deputado Rubens Paiva nos porões da ditadura militar? Aqui em Biarritz, você disse que conheceu a família Paiva, que convivia com eles no círculo dos ex-exilados no Rio de Janeiro, e que conheceu a música brasileira na casa deles, onde também aprendeu que política era um assunto que podia ser falado na frente das crianças, pois eles tinham essa liberdade...  

Walter Salles: Sim, eu tive a sorte de conhecer essa família quando eu tinha 13 anos. Eles tinham vindo de São Paulo e alugado uma casa no Rio. Eu voltava de cinco anos na França, onde tinha vivido de 1964 a 1969. Então, quando eu voltei para o Brasil, voltei para um país sob a ditadura militar, onde havia censura, um país onde eu me sentia bastante perdido. E através de uma amiga, acabei conhecendo os cinco filhos da família Paiva. Na casa deles, pulsava um outro país, que era quase o contracampo do país da ditadura e onde a discussão sobre política era livre e acalorada, onde tocava o tempo inteiro música brasileira. A gente tem que lembrar que Gilberto Gil e Caetano Veloso estavam exilados naquele momento. Então, poder ouvi-los já era algo bastante excepcional. Isso me abriu um mundo novo. Todas essas informações culturais foram se somando e eu fui formado, em grande parte, pelo cinema e, de alguma forma, pela convivência nessa casa.  

RFI: Foram sete anos de trabalho para esse filme. Como foi a reconstituição da casa em que eles moravam, que não existe mais na praia de Ipanema, no Rio de Janeiro?  

Walter Salles: Todo esse lado da zona sul da cidade, que parecia uma pequena aldeia nos anos 1970, se foi com a especulação imobiliária. Então, reencontrar uma casa parecida com aquela, que não tinha um estilo muito definido, eu diria que era vagamente mediterrâneo, não foi fácil. Mas a pesquisa nos ajudou primeiro a recolher fotos originais da casa. Depois, a gente tem a sorte de ter um bairro bastante preservado arquitetonicamente no Rio de Janeiro, que é a Urca, onde a gente achou uma casa muito semelhante. A Nalu, minha amiga e irmã do Marcelo, fez um desenho da planta baixa da casa original e o nosso diretor de arte, Carlos Conti, com quem eu trabalho desde "Diários de Motocicleta", reconstruiu aquela casa. E um dos elogios mais lindos que a gente recebeu dessa reconstrução foi do próprio Marcelo, quando ele veio visitar o set. Ele olhou para casa e quando chegou perto da cozinha, falou: “está me lembrando o cheiro da minha casa”. Então, eu consegui ter uma relação sensorial não somente com o espaço, mas com outras formas de memória daquele universo específico.  

RFI: No seu discurso na cerimônia de abertura, você disse que o cinema e a literatura são capazes de manter viva a memória não só de uma família, mas de um país. Qual a importância do lançamento desse filme agora, no momento em que a extrema direita cresce em muitos países do mundo, e é bastante presente no Brasil?    

Walter Salles: Um país sem memória é um país sem presente e sem futuro. Isso para mim sempre esteve claro enquanto documentarista. A gente começou a fazer este filme em 2017, ou seja, antes daquela virada que, eu confesso, não esperava, de 2018 para 2022. O presente começou a se tornar muito próximo daquele passado que a gente estava retratando no filme. Isso nos mostrou o quanto a democracia é uma matéria frágil e o quanto é importante oferecer reflexos múltiplos de um passado que pessoas viveram de formas totalmente diferentes. É um filme que fala dos anos 1970, mas pela trajetória de Eunice Paiva e da família Paiva e essa trajetória se estende por três, quatro décadas. Então, permite entender um pouco o que aconteceu com o Brasil.  

RFI: Na sala de projeção, alguns brasileiros comentaram que você foi sutil nas cenas de tortura, que a realidade deve ter sido muito pior. Isso foi um desejo seu? 

Walter Salles: Eu não acho que se trata de sutileza, mas é uma questão de ponto de vista. Nós, abraçamos o ponto de vista da Eunice, que foi levada para o DOI-CODI e lá ficou durante 13 dias. Ela foi submetida ao que talvez a gente possa descrever como uma tortura psicológica e, sobretudo, ela foi levada com a filha, Eliana, e não sabia se a filha tinha voltado ou não para casa. Então, você imagina uma mãe nessa posição? Sobretudo, porque ela não tinha informação alguma, não sabia porque estava lá. Essa é uma forma de violência muito aguda. Ela ouve a tortura acontecendo naquele espaço. Então, mesmo se a tortura não é apresentada de uma forma frontal, ela é um corpo presente. Em cinema, aquilo que você não mostra às vezes é mais impactante do que aquilo que você mostra. Eu já vi muita gente no final dessas sequências sair com medo, com angústia. É como se fosse um filme de terror e eu acho que isso remete, também, à forma de ocupação da casa, em que até a linguagem é afetada pela presença dos policiais, já que as pessoas não podiam mais se falar e o relato se tornava muito mais subjetivo, porque as pessoas se entreolhavam e tinham que entender o que estava acontecendo. Então, necessariamente você não vai ter as formas de tortura que você tem em outros relatos, normalmente ligados a quem estava na linha de frente do combate, ou seja, dentro dos movimentos revolucionários que faziam frente à ditadura militar. Esses você vê retratados em outros filmes que eu admiro e acho que são absolutamente necessários.  

RFI: Você se destacou no cenário internacional ao receber o Urso de Ouro em Berlim, em 1998, com o longa-metragem “Central do Brasil”, que chegou a ser indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, em 1999. Em 2004, o filme “Diários de motocicleta” recebeu o prêmio François Chalais, concedido pelo Ministério da Cultura francês e pelo Centro Nacional de Cinematografia da França, no Festival de Cannes. “Ainda estou aqui” já recebeu o prêmio de melhor roteiro no Festival de Veneza, no dia 7 de setembro. Qual é a sua expectativa para o futuro do filme?  

Walter Salles: Eu acho que é no contato com o público que o filme se completa. Isso muda a cada cidade. Eu tenho um pouco de dificuldade em saber até onde um filme vai. Eu jamais imaginaria que “Central do Brasil” fosse tão longe. Quando a gente estava filmando no sertão, a Fernanda Montenegro volta e meia virava para mim e dizia: “quem vai querer ver essa história de uma senhora rabugenta e de uma criança ranzinza?” E ela falava isso com muito humor e depois completava: “mas a gente está gostando de fazer assim”. Então, foi um filme feito com muita entrega. Foi uma criação coletiva. Eu acho que é o resultado de uma família de cinema que é formada pela Nanda, pela dona Fernanda, eu ouso dizer isso para Daniela Thomas, que foi a produtora nesse projeto. Eu acho que o Marcelo faz parte dessa família e vários outros artesãos que trabalharam no filme também se tornaram membros dessa família. E agora, a nossa família se alarga, porque a partir do momento em que você vê o filme, em que outros jornalistas veem o filme, escrevem sobre ele, interpretam a percepção do filme, ele vai ganhando camadas.  

RFI: Os brasileiros estão até hoje esperando esse Oscar, que podia ter vindo com “Central do Brasil”. A gente sabe que será divulgada nesta segunda-feira (23) a indicação do Brasil para o Oscar. Qual a sua expectativa?  

Walter Salles: Olha, eu diria que no caso do "Central", foi algo que a gente não previa. A gente não tinha a menor ideia de que o filme iria ter aquela trajetória. É uma competição acirrada para o Oscar e que não tem que estar na frente do processo todo. Eu acho que para esse filme, ainda mais do que para o "Central do Brasil", o que mais interessa é oferecer uma memória possível do Brasil, ou seja, contar essa história que o Marcelo compartilhou luminosamente no seu livro e que a gente abraçou para o cinema com a ajuda dele. Se ele não tivesse nos ajudado na adaptação, eu acho que para os talentosíssimos roteiristas Heitor Lorega e Murilo Hauser teria sido muito mais difícil. Então, essa reação do público brasileiro, a discussão do filme, eu acho que a razão de ser do filme está ali. A indicação ao Oscar? Tudo isso adiciona uma etapa, adiciona visibilidade, evidentemente. Nesse sentido, eu acho que é extremamente positivo. E a competição em si é como um jogo de dados. 

RFI: Já tem um outro projeto em vista?  

Walter Salles: Tem dois projetos que eu estou desenvolvendo há algum tempo. Para mim, esses desenvolvimentos são sempre de lenta decantação. Eu já cheguei a filmar roteiros que não estavam totalmente maduros e depois me arrependi. É tão difícil fazer cinema que é melhor você partir de algo que seja bem estruturado, sólido, com personagens. Com uma riqueza humana que tem que tocar primeiro a gente que está fazendo o filme para conseguir fazer com que aquilo se transmita, sabe? Então, tem dois projetos, mas sobretudo, tem uma série sobre o Sócrates, jogador de futebol, mas pensador também. E eu acho que ele foi um dos construtores da redemocratização do país. Ele é um personagem extraordinário e eu tendo conhecido o Raí e seus outros cinco irmãos e a família extraordinária que eles são, eu me senti muito interessado e tomado pela possibilidade de fazer uma série documental sobre o Sócrates. Isso já está filmado, está em montagem e deve estrear no início do ano que vem na Globoplay. Estou muito feliz de seguir com um projeto que, de alguma forma, conversa também com o filme.  

O livro “Brésils, éloge de la déraison” (Brasis, elogio da irracionalidade, em tradução livre) acaba de chegar às livrarias francesas pela editora Equateurs. A obra é assinada pela jornalista Véronique Mortaigne, grande conhecedora do Brasil e da música brasileira.

Véronique Mortaigne conheceu o Brasil muito jovem durante uma viagem pela América Latina, se encantou e ficou. Ela morou no país, mais precisamente em Olinda, entre 1975 e 1981. Depois, voltou para Paris, começou a carreira de jornalista e trabalhou até 2016 no prestigioso jornal Le Monde escrevendo principalmente sobre música, e em particular, sobre música brasileira.

Ela tem vários livros publicados sobre música, músicos e um livro de entrevista com o antropólogo Claude Levi-Strauss, autor de “Tristes Trópicos”.  “Brésil, éloge de la déraison” é sua primeira obra especificamente sobre o Brasil.

Na obra, a jornalista entrelaça lembranças pessoais de sua relação com o país, com a cultura e a história brasileira. Depois que voltou para a França, ela nunca mais deixou de ir ao Brasil pelo menos uma vez por ano para visitar os amigos, entrevistar grandes nomes da MPB, como João Gilberto ou Tom Jobim. O ritmo e as visitas só foram interrompidos durante três anos por causa da pandemia. Aí veio a saudade e com ela o desejo de escrever um livro.

“Eu falei: ‘eu tenho que relembrar o porquê do amor que eu tenho pelo Brasil”, conta. Ela completa que “o Brasil me deu muito e eu queria saber exatamente o que ele me deu, o que é ser brasileiro e o que o Brasil, que é uma ilha imensa, com muita diversidade, pode trazer para a Europa, para todo o mundo”.

Nessa autobiografia hibrida, Véronique Mortaigne vai de sua história pessoal à história coletiva. Ela escreve na primeira pessoa, contando sua descoberta do Brasil nos anos 1970, viagens e encontros que fez no país, mas passa com naturalidade para a terceira pessoa para contar a história brasileira. A narrativa, que tem sete partes compostas por vários capítulos que podem ser lidos individualmente, quase como crônicas, passeia pelo tempo e pelo espaço.

A autora diz que seu objetivo era também contar essa história brasileira que ela descobriu muito “através da música, e particularmente, por exemplo, (dos desfiles) das escolas de samba”. Um desses enredos foi uma verdadeira revelação. “Eu assisti um desfile da Portela que falava de como os judeus de Recife fundaram Manhattan. Eu fiquei admirada”, lembra. A história dos judeus de Pernambuco é narrada em detalhes em um dos capítulos do livro.

“Eu me sinto às vezes uma cidadã do século 16 de Olinda. De repente, sou a judia sefardita que chega ao Brasil para desenvolver a cana de açúcar com as coisas piores que se pode imaginar, como comprar e vender escravos. Quer dizer, tenho um sentimento profundo de que eu faço parte dessa história”, revela.

A tradução literal do título seria “Brasis, elogio da irracionalidade”, mas a frase também poderia ser traduzida como “elogio da insensatez” para lembrar o título de uma canção de Tom Jobim que Véronique Mortaigne conheceu, entrevistou e cita muito no livro.

No texto, onde a autora conversa com os gatos brasileiros e franceses, ela relembra que quando chegou ao Brasil era muito “cartesiana francesa”, isto é, só acreditava no que via e não “em coisas invisíveis”. Até que foi visitar uma rezadeira e "a minha maneira de encarar a vida, os acontecimentos, a história, tudo mudou radicalmente”.  

“Brésils, éloge de la déraison” é também um elogio à música brasileira. A narrativa é permeada de letras de músicas que marcaram a relação de Véronique Mortaigne com o país e a história da MPB. No final do livro, a autora indica até uma playlist.

“No Brasil, a música traduz tudo, acompanha cada dia, cada hora, né? Tem uma música para tudo”, descreve. Ela acredita que a música “é uma porta de entrada para entender o país, para entender como é que as pessoas pensam”.

A questão da origem, de “o que é ser brasileiro”, as raízes brasileiras, permeia a narrativa. Véronique Mortaigne cita um teste DNA feito pela filha, nascida em Pernambuco, e conclui que o “Brasil é um planisfério”. Ela pensa que mesmo neste momento de avanço de movimentos identitários no Brasil, a questão da identidade coletiva continua pertinente no país.

Ressaltando que a “definição da identidade passa pelo passado” e que o Brasil vive “muito no presente”, a autora escreve que o país “realmente tenta dar uma definição de si mesmo, sem conseguir”. Mas, segundo ela, isso proporciona ao mesmo tempo “uma liberdade” e “faz o charme” do Brasil.

Clique na imagem principal para assistir à entrevista completa.

O jornalista brasileiro Paulo Antônio Paranaguá é radicado na França desde 1977, tendo trabalhado em importantes veículos da mídia francesa como a RFI e o jornal Le Monde. Especialista em América Latina e cinema, Paranaguá possui uma vasta obra publicada sobre esses temas. "Trópico de Paris”, sua mais recente publicação, é sua primeira incursão na ficção.

“Trópico de Paris” está, por enquanto, disponível apenas em versão digital. Coeditado pelas revistas EntreTmas, baseada em Nova York, e Agulhas, baseada em Fortaleza, a obra, que integra a coleção “Livros Impossíveis”, pode ser baixada gratuitamente na internet.

Descrito pela editora como “ensaio autobiográfico” o livro apresenta um subtítulo intrigante: "O esquisitíssimo mistério do cadáver flutuante em busca de um encontro indesejado". Em entrevista à RFI, Paranaguá revela que a frase, que lembra literatura de cordel, deixa claro que se trata de uma obra de ficção.

A narrativa começa com um cadáver boiando em uma piscina em Paris e o narrador da história é justamente esse cadáver, que surpreendentemente fala e é, na verdade, o próprio autor. “Obviamente, uma situação impossível, que ao mesmo tempo torna possível qualquer coisa, né?”, diz o autor. Ele explica que essa ideia foi inspirada pelo filme "Sunset Boulevard", de Billy Wilder, que também começa “com um dos personagens boiando na piscina e falando. Só que o meu, fala pelos cotovelos”, antecipa.

O livro tem 40 capítulos que relembram a vida do jornalista e suas errâncias, entre o Brasil, Argentina, Cuba e França, entre surrealismo e revolução. Paulo Antônio Paranaguá nasceu no Rio de Janeiro. Jovem, começou a cursar sociologia, mas sonhava mesmo era com cinema. Aderiu ao movimento surrealista, às ideais revolucionárias e acabou exilado na França, fugindo das ditaduras militares no Brasil e Argentina.

“Trópico de Paris” tem tudo isso, mas tem também muita “coisa inventada”, experimentação literária, muito humor e autoironia. “Do começo ao fim, experimentei toda uma série de processos literários e de escrita que eu não podia usar quando era jornalista, porque não cabe no jornalismo misturar a realidade e a ficção", lembra. Nessa primeira incursão pela ficção, Paulo Paranaguá, que desconfia do gênero “egoficção”, explora diversos estilos.

“Aproveitando o fato de que o narrador é um cadáver e, portanto, a sua memória está em frangalhos, é possível passar de uma coisa à outra, sem que haja necessariamente continuidade. É possível misturar coisas justamente muito diferentes, evocações de personagens, algumas encarnadas por personagens femininos”, descreve. Entre essas figuras estão mulheres que o escritor conheceu ou admira, como a escultora brasileira Maria Martins, a viúva de Trotsky, Nathalia Sedova, e a esposa e viúva de André Breton, Elisa Breton.

A narrativa de “Trópico de Paris” é ágil, fragmentada, repleta de citações literárias ou cinematográficas, mas também permeada por muito saudosismo. “Quando a gente envelhece, (...) uma maneira de manter o espírito alerta é lembrar do passado e, ao mesmo tempo, uma maneira de transmitir coisas que a gente acha que valem a pena de serem contadas para outros”, diz o escritor que pensa, principalmente, “nos meus interlocutores mais jovens”.

No livro, o jornalista escreve que é “o decano da comunidade invertebrada brasileira (na França) sem representação coletiva”. À RFI, ele afirma que esse é mais um exemplo do tom característico de autoironia do livro. A frase reflete seu sentimento de pertencimento a uma geração que já não existe mais, em uma comunidade que mudou muito ao longo dos anos.

Paulo Paranaguá tem um ensaio prestes a ser lançado no Brasil, “História da América Latina em 100 Fotografias” (Editora Bazar do Tempo), além de outros textos ficcionais inéditos, inclusive em francês, mas que ainda não encontraram um editor. “Pelo visto, em matéria de ficção eu só consigo escrever livros impossíveis”, brinca em referência ao nome da coleção digital de "Trópico de Paris". Humor e ironia sempre!

Para assistir à entrevista completa, clique na imagem principal

A tradicional festa de l’Humanité, que reúne todos os anos no mês de setembro políticos e militantes de esquerda da França, mas também de outros países, aconteceu no último final de semana nos arredores de Paris. Como em edições anteriores, o Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra brasileiro (MST) marcou presença.

A festa de L’Humanité, organizada desde 1930 pelo jornal comunista francês que leva o mesmo nome, recebe mais de 400 mil visitantes em três dias. Milena Polini, do Setor de Internacionalismo do MST, veio especialmente do Brasil para participar do evento. “Nesse espaço da festa de l’Humanité, a gente vê o internacionalismo em prática com o movimento e também vê a diversidade de todos os outros países, todas as outras lutas”, indica a jovem militante em entrevista à RFI.

Milena Polini integrou uma mesa redonda sobre o momento atual do Movimento Sem Terra do Brasil, 40 anos depois de sua criação. Ela conta que o público presente estava interessado na história e no “funcionamento do MST”, mas também fez perguntas sobre “o meio ambiente, as queimadas no Brasil, e a relação (do movimento) com o governo”.

Sobre os 40 anos do MST, completados em janeiro de 2024, a militante ressaltou que “a nossa perspectiva é muito positiva por conta de ser o movimento camponês que teve uma maior duração. Então, 40 anos não é pouca coisa. Foram muitos desafios, muitas coisas que aprendemos. O movimento foi também se desenvolvendo e elaborando mais sobre a reforma agrária, sobre o que significa na prática a reforma agrária popular e como lidar com o movimento de massas no contexto brasileiro”.

Ela informa que VII Congresso Nacional, que iria comemorar o aniversário e deveria ter sido realizado no último mês de julho, foi adiado para 2025 devido às enchentes que assolaram o sul do Brasil.

O público francês mostrou preocupação com a situação atual de queimadas e seca histórica no Brasil. Essas “queimadas foram coordenadas, não foram queimadas naturais, podemos dizer assim. Elas foram intencionais, foram combinadas”, denuncia.

Ela pondera que essa crise ambiental “chocante” provocou outras tragédias como as inundações no Rio Grande Sul. Lembrando que o MST é o maior produtor de arroz orgânico do país, a militante salienta que “a gente perdeu toda a nossa lavoura de arroz” nas enchentes.

Milena Polini analisa que a crise ambiental “é ruim para o produtor que perde a sua produção, perde a sua fonte de renda, mas também para a população que não vai conseguir acessar os alimentos in natura e os alimentos de qualidade num preço acessível”.

Como o público francês, a RFI também quis saber se o governo tem feito o necessário e qual é a relação do MST com o presidente Lula.

“Podemos dizer que o projeto que venceu nas urnas não é o projeto que está conseguindo ser implementado no governo”, aponta. Segundo ela, a bancada ruralista dificulta a aplicação do projeto vencedor nas urnas em 2022 com a eleição do presidente Lula contra Bolsonaro, “que é um projeto de preservação do meio ambiente, de ampliação das políticas públicas e da diminuição da desigualdade social”.

“Temos críticas (ao governo), mas estamos trabalhando juntos. No entanto, pensamos que para realmente o projeto ser implementado, a gente precisa de organização social”, afirma.

Outro ponto polêmico e de divergência com o governo é a Venezuela. O MST, que tem “uma brigada de trabalho” há alguns anos no país vizinho, anunciou na semana passada um novo projeto de produção de alimentos na Venezuela. A recente reeleição de Nicolás Maduro, sem a devida divulgação das atas de votação, é vista com preocupação por muitos países, inclusive por Brasília, mas o MST continua apoiando e dando “suporte” o governo venezuelano.

“A nossa leitura é de que a Venezuela é um espaço, um território, de disputa do imperialismo, assim como é a Palestina, assim como é a Ucrânia, assim como tem outros territórios de disputa do imperialismo contra o sul global”, avalia.

“Para nós, é triste a posição do governo Lula. Para nós do MST seria muito mais proveitoso e importante se ele estivesse ao lado do Maduro. Mas o Lula é uma coisa, o PT é outra, e o MST é outra. Então, a gente nem sempre vai estar alinhado nas mesmas ideias”, pontua.

Para assistir à entrevista completa, clique na foto principal

Felipe Cattapan é escritor, maestro e professor universitário brasileiro, radicado na Suíça. Ele está lançando agora seu segundo livro “Um espaço além do Tempo, um tempo além do Espaço” pela editora Kotter, em Portugal e no Brasil.

Felipe Cattapan começou a carreira profissional como músico clássico, primeiro no Rio, onde estudou piano. Depois, se especializou em regência em Paris, onde antes de se estabelecer na Suíça onde, além de dar aulas, é regente em várias orquestras.

Ele começou a se dedicar à literatura em 2010, depois do nascimento do filho. O maestro usou o tempo dos passeios necessários para adormecer a criança para escrever seus primeiros textos. “Desse milagre, que é um filho, um outro milagre que é a escrita e você se redescobrir escrevendo”, relembra.

O primeiro livro “Densidades Cíclicas”, reunindo poesias e crônicas, foi publicado em português, em 2016, pela editora suíça Helvetia. O segundo “Um espaço além do Tempo, um tempo além do Espaço”, também em português, reúne dois textos de gêneros diferentes: uma peça de teatro, “X Minutos” e uma novela, “Emulação”.

A decisão inicial de reuni-los em um só volume foi puramente editorial, mas Felipe Cattapan acabou percebendo que as duas narrativas tinham algo em comum.

“Uma conexão entre os dois textos é uma palavra que nem aparece no livro, talvez. É um conceito do alemão Hartmut Rosa que se chama ‘ressonância’ e que ele define como ausência de estranhamento. É um vínculo forte, sincero (com o outro) que te transforma. Essa palavra une os dois textos porque ambas as obras tratam da ausência ou da presença, ou da busca por ressonância”, relaciona o escritor.

Mas ao se abordar toda a sua obra literária, os principais denominadores comuns são a “música”, a primeira profissão e modo de expressão artística de Cattapan, e a poesia.

“O que me interessa na prosa é a prosa quase poética. (...) A minha convicção é de que nós todos somos poetas. Então minha obra procura mostrar isso", diz..

As narrativas de Felipe Cattapan têm ritmo, movimentos, estrutura como fica bem explícito na peça “X Minutos”, escrita como uma sinfonia, mas tem também silêncios, essenciais em qualquer composição. Os textos do maestro-escritor são também filosóficos, autorreflexivos, remetendo à metaliteratura.

Felipe Cattapan nega que seja filósofo, mas que enquanto maestro e escritor é um artesão dos binômios som-silêncio e palavras-espaço em branco, respectivamente. Sobre a metaliteratura, ele diz que não opta por um caminho mais reflexivo sistematicamente. “Eu faço de uma forma espontânea. (Foi a) forma que encontrei para tentar levar o leitor para outra dimensão. Para ele não ficar somente numa dimensão factual do texto”, revela.

Os dois primeiros livros de Felipe Cattapan foram escritos e publicados em português, mas seu terceiro livro, um diálogo sobre regência com o músico húngaro Peter Eötvös, será em alemão. Ele garante que não conseguiria escrever ficção em outra língua que a materna, mas gosta da ideia de desenvolver outros gêneros em idiomas diferentes.

‘Como escritor, eu quero fazer um livro em cada estilo, em cada gênero diferente. O primeiro mesclava prosa com poemas. O segundo, une teatro com uma novela. O terceiro será de entrevistas que contém, de uma forma subjacente, um método de Regência. E o quarto, que eu estou agora fazendo, vai ser um livro que mescla ensaios com ficção”, antecipa.

Mas, por enquanto, Felipe Cattapan ainda faz a promoção de “Um espaço além do Tempo, um tempo além do Espaço”. Depois de dois lançamentos no Brasil, ele faz uma noite de autógrafos no próximo dia 15/09, na Fundação Brasileia, em Basileia, na Suíça.

“Mots-croisés – Palavras Cruzadas” e “Coragem de fugir, medo de ficar” são dois projetos de livros apresentados pela artista visual Barbara Bragato durante os Encontros Fotográficos de Arles, no sul da França. Ela conversou a respeito com a RFI.

Patrícia Moribe, enviada especial a Arles

“O livro ‘Palavras Cruzadas’ pensa a relação entre a distância das palavras e das distâncias geográficas no sentido de pensar que as palavras, às vezes as palavras que a gente escolhe são como os lugares, os países, as nações convencionadas e as casas que a gente escolhe também. E, ao mesmo tempo, esses lugares que parecem não poder mais voltar atrás”, explica Bárbara Bragato.

O livro faz parte de uma coleção Retina.Création, dirigida por François Soulages, em edições bilíngues e que tratam de imagens.  

“Será que a gente pode voltar atrás e escolher essa palavra ou o lugar que a gente escolheu? Será que a gente tem como voltar atrás também, escolher um outro lugar?”, se pergunta a autora. “O livro vai pensar a irreversibilidade das coisas, se é que isso existe, vai pensar a relação entre o português e o francês e as relações desses sinônimos que são insustentáveis. ”

No livro, Bragato brinca com o vai-vem às vezes impossível entre o português e o francês, como em expressões que não tem respectivo na outra língua, como “encontros e desencontros”. Ou ainda as palavras “au revoir” e “adeus”, que carecem de explicação suplementar.

“Eu tento brincar com essa relação de forma imagética, pensando essas imagens também fluidas, de trânsito, de passagens, de fronteiras. Mas também tento investigar essa relação de como as palavras também nos escapam e a gente também não vai dar conta de dominá-las. Quando a gente quer, elas nos escapam. Quando a gente vê, já está tudo escorrendo...”

Bárbara Bragato também apresentou “Coragem de fugir, medo de ficar”. “É um fotolivro que parte de um livro de artista que eu fiz em 2018, um livro artesanal que parte de colagens e de vários livros que eu levei ao longo de muitas viagens que eu fiz nesses 14 anos”, explica. “São mais de 100 imagens, então é quase um diário, um movimento contínuo. E eu tento pensar a relação de novo, textual, imagética, como que a imagem, a palavra se sustentam, como que elas se rompem também”, acrescenta.

A artista destaca a importância dessas “fricções”, do processo de pensar esteticamente a imagem, desde as que ela produz analogicamente ou através de outras que ela produz com capturas de tela, celular, cinema, arquivos. “Tudo vira a imagem que eu fotografo. Fotografei uma vez, fotografo de novo e de novo. De novo. Eu já não sei mais de onde ela vem, para onde ela vai. De que história é essa? É ficção? É documental? E essas confusões que são geradas desse mundo, muitas vezes da imagem que também é um mistério para mim".

Com 15 anos, Ian Cheibub, de Niteroi (RJ), já fotografava protestos. Aos 25, ele já teve fotos publicadas por agências e veículos nacionais e internacionais, como Le Monde e The New York Times. Ele esteve nos Encontros Fotográficos de Arles, na França, onde apresentou “Alumbre na Macaia”.

Patrícia Moribe, de Arles

“Alumbre significa iluminar, mas, ao mesmo tempo, se encantar, e macaia, é um lugar sagrado e uma floresta onde tem muitas ervas”, explica Ian Cheibub, quinta geração de um terreiro de umbanda em Niterói, onde sua avó é atualmente a mãe de santo. “É essa relação que encontrei entre as ervas e a fotografia, uma maneira de fotografalizar a macumba e macumbalizar a fotografia”.

“Durante muitos anos eu fotografei aquilo, mas em algum momento eu me dei conta que esse é um tema muito batido e, principalmente, muito fotografado de uma forma etnográfica, sabe? Então, isso me incomodava muito, principalmente sendo da religião; eu sou um ogã, que é um comunicador”, relata o artista. Para se distanciar do aspecto exótico, Ian se voltou para as memórias de infância, de quando tomou um banho de santo, de ervas sagradas, feito pela avó.

Para produzir imagens que só ele poderia fazer a partir de uma experiência própria, passou a fotografar o terreiro com filme e depois mergulhar as películas em um banho de ervas sagradas. Os resultados são imagens que se borram, que ganham outros fachos de cores. “Tem um lado que é estético que você de fato pode ver o efeito, mas, por outro lado, é uma forma poética que encontrei de banhar esses meus irmãos de santo que estão presentes em forma de luz, nos negativos.”

“Então tem essa relação da magia com a fotografia, porque a fotografia tem essa coisa do mágico de se revelar, assim como na macumba, que são essas cantorias e essas práticas religiosas, que não são puras, que são especificamente brasileiras e que são formas de inventar e subverter os mundos que a gente vive”, acrescenta.

"Em algum momento da minha carreira eu percebi que só documentar o mundo e mostrar o mundo não era o suficiente para mim", conta Ian Cheibub.

Ele resolveu então fazer uma mudança radical na maneira em que trabalha. Para ele, não bastava o olhar de fotojornalista, de “pegar um pedaço da realidade, do mundo e mostrar para o público”.  Ele passou a se interessar cada vez mais pelas diferentes formas de utilizar a fotografia, a revelação, os materiais e os suportes. Para explorar "quando a magia entra no real e onde o real entra na magia”, explica.