Von wegen Männerdomäne

In der klassischen Musik und in der Musiktheorie scheint die Frage nach „Was ist typisch weiblich?“ und „Was ist typisch männlich?“ hoch im Kurs zu stehen. Da ist die Rede von männlichen und weiblichen Themen, Tonarten und Gattungen.

Und damit wären wir auch schon beim Thema: Als typisch „männliche“ Gattungen galten lange Zeit die großen Formen wie Sonaten und Sinfonien. Das verwundert auch nicht, schließlich gab es deutlich mehr Männer, die sich in diesen musikalischen Gefilden herumtrieben – oder man sollte besser sagen: herumtreiben durften.

Emilie Mayer ließ sich davon nicht beirren. Sie hatte den Mut, als junge Frau im 19. Jahrhundert ein Leben als Künstlerin zu wagen. Und dieses Selbstbewusstsein spiegelt sich auch in ihrer Arbeit: Sie gab sich nicht damit zufrieden, Lieder und Salonmusik zu schreibe. Stattdessen komponierte sie Werke für große Besetzung.

Ein komponierender Freigeist

Geboren wird Emilie Mayer 1812 als Apothekerstochter in der mecklenburgischen Provinz. Ein größeres Erbe ermöglicht ihr, in den 1840er-Jahren nach Stettin zu gehen und ein privates Kompositionsstudium bei Carl Loewe, dem „König der Balladen“, aufzunehmen. Später setzt sie ihre Studien in Berlin fort. Auch unter ihren komponierenden Kolleginnen nimmt Emilie Mayer eine Sonderstellung ein, denn für sie stehen vor allem die großen Gattungen wie Sonaten und Sinfonien im Fokus.

Durch ihre Experimentierfreude entwickelt sie in ihren Kompositionen nach und nach einen eigenen Stil – so auch in ihrer siebten Sinfonie in f-Moll. Im vierten Satz dieser Sinfonie stellt Mayer den üblichen dramaturgischen Ablauf auf den Kopf. Sie bietet dem Publikum kein gewöhnliches Kehraus-Finale, in dem zu guter Letzt alle Konflikte aufgelöst sind. Stattdessen kippt der Satz am Ende nach f-Moll – ein dramatischer Dreh mit eindeutig romantischem Gestus.

„Crépuscule du soir mystique“ („Dämmerung des mystischen Abends“), so ist der Text von Paul Verlaine überschrieben, dessen Vertonung 1914 bei der Druckerei Roeder in Paris erscheint, für den Preis von 2 Francs. Musik von „Poldowski“ – das bleibt der einzige gedruckte Hinweis auf den Menschen, der Verlaines Verse in Töne gesetzt hat.

Poldowski, ist das polnisch? Und hat Poldowski auch einen Vornamen? Das sind möglicherweise Fragen, die die geneigte Käuferschaft sich stellt. Vielen ist es womöglich egal, denn Musik und Verse sind jedenfalls berückend schön aufeinander abgestimmt. Man kann die Noten kaufen und zuhause begleitet vom Blatt singen, wenn man ein Klavier besitzt.

Hinter dem mysteriösen Pseudonym verbirgt sich eine Frau: Régine Wieniawski. Seit ihrer Heirat mit dem englischen Baronet Sir Aubrey Dean Paul 1901 hat sie die britische Staatsbürgerschaft.

Musik studiert hat Wieniawski in Paris, unter anderem bei Vicent d'Indy, an der Schola cantorum. Manchmal nennt sie sich „Lady Dean Paul“, mitunter „Dame Irene Paul“, oder – wenn es darum ging, den frauenfeindlichen Musikmarkt erfolgreich auszutricksen – eben einfach Poldowski.

Régine Wieniawski, Lady Dean Paul oder einfach Poldowski:

Der Deckname enthält immerhin einen Hinweis auf ihre polnische Herkunft: Régine ist die Tochter des polnische Geigenvirtuosen und Komponisten Henryk Wieniawski, der nach seiner Ernennung zum Professor des Brüsseler Konservatoriums nach Belgien gezogen ist. Ihre Mutter ist Engländerin, Isabelle Bessie Wieniawski (geborene Hampton), die Nichte des irischen Pianisten und Komponisten George Alexander Osborne.

Als Régine zehn Monate alt ist, verstirbt ihr berühmter Vater während einer Konzertreise nach Moskau. Die Mutter übernimmt allein Erziehung und musikalische Ausbildung. Mit acht Jahren bereits wird das hochbegabte Kind der Operndiva Nellie Melba vorgestellt, mit 14 führt Régine eigene Kompositionen auf.

Ihre Biografie ist in vielen Details nach wie vor kompliziert nachzuvollziehen, sie hat womöglich schon als Kind Unterricht am Brüsseler Konservatorium. Allerdings taucht ihr Name, keiner ihrer Namen, in den Archiven des Instituts auf.

Zwischen 1900 und 1904 veröffentlicht sie ihre ersten Lieder als Irène Wieniawska. Nach 1911 werden dann viele Lieder gleichzeitig in Paris und London veröffentlicht.

Als Poldowski wird sie kurzzeitig berühmt, nach ihrem Tod 1932 aber schnell vergessen. Ihre Wiederentdeckung rückt heute ihre kongenialen Verlaine-Vertonungen in den Fokus. Drei davon stehen im Fokus des SWR2 Musikstücks der Woche: „Crépuscule du soir mystique“, „En sourdine“ und „Colombine“.

Auf Spurensuche

1909 entdeckte Fritz Stein in der Universitätsbibliothek in Jena eine Sinfonie in C-Dur. Als er sich das Notenmaterial genauer anschaute, fand er auf einer der Violinstimmen einen Vermerk: „par Louis van Beethoven“ stand darauf, also: „von Ludwig van Beethoven“.

Das passt auch hervorragend, denn Beethoven hatte selbst einmal geäußert, er habe eine C-Dur-Sinfonie nach dem Vorbild der 97. Sinfonie von Haydn verfasst.

C-Dur Sinfonie von Beethoven?

Also, ein ganz klarer Fall: Die neu entdeckte C-Dur-Sinfonie stammt von Beethoven – könnte man meinen. Denn so einfach war es dann leider doch nicht. Und so ging die Debatte los. Fast ein halbes Jahrhundert diskutierten Musikforscher über die Autorschaft.

1968 konnte der amerikanische Musikwissenschaftler H. C. Robbins Landon beweisen, dass die Sinfonie in C-Dur nicht von Beethoven, sondern von Friedrich Witt stammt: Robbins stieß auf eine Kopie des Werkes und diese Abschrift war eigenhändig von Witt signiert.

Kein „Business as usual”

Geboren wurde Friedrich Witt 1770 in Niederstetten, im heutigen Main-Tauber-Kreis. Zunächst wird er Cellist in der Hofkapelle von Oettingen-Wallerstein, später wird er zum Kapellmeister an den Würzburger Hof berufen.

Sein musikalisches Vorbild ist Joseph Haydn und das hört man auch seiner Sinfonie in C-Dur an. Doch im langsamen zweiten Satz weicht Witt vom „Business as usual“ ab: Mit weiten Melodiebögen schafft er ein musikalisches Idyll. Dabei nehmen die Holz- und Blechblasinstrumente eine zentrale Rolle ein.

Diese Herangehensweise ist für die damalige Zeit recht unüblich, denn damals waren Blasinstrumente in den langsamen Sinfoniesätzen vor allem für die Begleitung zuständig. Anders bei Witt: Er fügt in sein klangliches Idyll schmetternde Horn- und Trompetensignale ein.

Im Schatten der großen Schwester Nadia?

Hinter prachtvoller Front zu den verwinkelten Straßen des Pariser Viertels Montmartre, umgeben von Musik und Kunst, beginnt die Lebensreise von Marie-Juliette Olga Boulanger, Rufname „Lili“.

Im intellektuell hochfrequentierten elterlichen Salon erwacht ihre Neugier für die Künste. Ihr Vater Ernest ist Dirigent, Komponist, Sänger und Professor am Konservatorium, ihre Mutter Raissa ist ebenfalls Sängerin. Und ihre sechs Jahre ältere Schwester Nadia gilt als musikalisches Wunder.

Schon im Alter von fünf Jahren singt Lili Lieder von Gabriel Fauré, der Meister selbst spielt dazu am Klavier. Sie parliert mit den Gästen nicht nur Französisch, sondern spricht auch Russisch, Deutsch und Italienisch – ein weiteres Genie in der Familie, das bald darauf als Geigenwunder der Öffentlichkeit präsentiert werden kann.

Im Jahr 1900, Lili ist gerade sieben Jahre alt, verstirbt völlig überraschend ihr Vater während eines Gesprächs mit der älteren Schwester. „La Lettre de mort“, der „Todesbrief“, wird die erste nachweisbare Komposition der Halbwaise, erhalten bleibt allerdings lediglich die Skizze einer Melodie.

Wie ihr verstorbener Vater und einige der illustren Gäste der heimischen Salons vor ihr, möchte nun auch Lili Boulanger den begehrten Kompositionspreis „Prix de Rome“ gewinnen und in die Fußstapfen des verlorenen Elternteils treten. Sie tritt damit in Konkurrenz zu ihrer Schwester.

Lili Boulanger orientiert sich am Vorbild Debussy

In Vorbereitung ihrer ersten Bewerbung – sie wird erst im zweiten Anlauf, kurz vor ihrem frühen Tod, sensationell gewinnen – schreibt Lili Boulanger wohl auch „Les Sirènes“ („Die Sirenen“) und orientiert sich dabei an einem der vergangenen Preisträger: Claude Debussy.

In „Sirènes“ aus seiner zwei Jahre früher veröffentlichten Orchestersuite „La Mer“ verwendet Debussy einen gemischten Chor, der mit dem Orchester interagiert, um die Klanglandschaft des Meeres und die lockenden Rufe der Sirenen darzustellen.

Wie Debussy verwendet Lili Boulanger einen Chor, der teils vokalisierend eingesetzt wird. Selbst die harmonischen Progressionen folgen stellenweise dem Vorbild.

Die Pariser Zeitung Le Monde Musical schreibt dazu am 30. März 1912:

Volles Haus bei Madame Boulanger! Besonders gespannt war man auf das besondere Ereignis des Abends gewesen – die ‚kleine Schwester‘ Lili debütierte als Komponistin. Ihr Sirenenchor beweist bereits eine solide Technik, und das Gesangsquartett ist von außerordentlich frischer Inspiration.

Der vertonte Text entstammt einem wohl 1888 entstandenen Gedicht des Zeitgenossen Charles Jean Grandmougin. Die Meereskreaturen, deren unwiderstehlicher Gesang Seefahrer auf die Felsen lockt, rühmen sich mit betörenden Klängen ihrer tödlichen Schönheit.

Seine Musik machte den Sirtaki zum griechischen Kulturgut

Als Hauptdarsteller im Film „Alexis Sorbas“ machte Anthony Quinn den griechischen Volkstanz Sirtaki weltberühmt. Doch es ist ein Volkstanz, den es eigentlich gar nicht gibt.

Mikis Theodorakis hat den Sirtaki für den Film „Alexis Sorbas“ gewissermaßen erfunden. Heutzutage hat sich der Sirtaki tatsächlich zu einem Volkstanz entwickelt und gilt als nationales Kulturgut Griechenlands.

Es gab Zeiten, in denen Mikis Theodorakis diesen Tanz verflucht hat, weil er sein ganzes Werk auf dieses eine Stück reduziert sah. Dabei gibt es in der erstaunlich langen Werkliste von Theodorakis einiges mehr zu entdecken – darunter Opern, Ballette, Filmmusiken, Sinfonien, Kammermusik und zahlreiche Lieder.

Komponist, Widerstandskämpfer, Politiker

Die rechten Diktaturen, den Zweiten Weltkrieg, die deutsche Besatzung, die Militärjunta, die Versuche einer Demokratisierung und die Wirtschaftskrise – all das hat Mikis Theodorakis erlebt, und zwar an vorderster Front, als Widerstandskämpfer, als Komponist und als Politiker. Immer wieder wird er verhaftet, gefoltert und teilweise erst in allerletzter Minute gerettet.

Geboren wird Theodorakis 1925 auf der Insel Chios. Als Kind reist er umher, sein Vater ist Regierungsbeamter und wechselt von Ort zu Ort. Theodorakis ist dabei umgeben von Bildung und Kultur. Er lernt Instrumente zu spielen, komponiert früh, gründet einen Chor.

Ab 1943 studiert er Musik in Athen, später auch in Paris. Während seiner Zeit am Athener Konservatorium tobte der Zweite Weltkrieg. 1941 besetzen die deutschen Truppen das Land am Mittelmeer. Es folgen politische Unruhen und die schlimmste Hungersnot in der Geschichte Griechenlands.

Theodorakis schließt sich der EAM an, der linksgerichteten „Nationalen Befreiungsfront“, und kämpft im Widerstand gegen die Deutschen. Auch nach dem Zweiten Weltkrieg kommt die politische Situation in Griechenland nicht zur Ruhe.

… und dazwischen: Musik.

Nach dem Rückzug der deutschen Wehrmacht 1944, wehrt sich Theodorakis mit anderen Gleichgesinnten gegen die Einmischung der Briten. Dann kommt es zum Griechischen Bürgerkrieg und der Komponist wird als kommunistischer Regime-Gegner verhaftet. Das war 1947, im selben Jahr entstehen auch seine elf Präludien für Klavier.

Die elf Präludien von Theodorakis sind kurze Szenen, die die Hörerinnen und Hörer immer wieder in neue Situationen hineinwerfen. Ständig lösen neue musikalische Sequenzen und Motive die vorausgegangenen ab. Sie klingen mal melancholisch, mal tänzerisch, mal nachdenklich, mal ausgelassen.

„Die Melodien fliegen mir nur so zu.“

Die Schreibblockade ist der Schrecken aller Komponistinnen und Komponisten. Nichts lässt sich zu Papier bringen und die zündende Idee bleibt aus. Manche Komponisten stampfen auf der Jagd nach Inspiration durch Wald und Wiesen. Andere versuchen, die Ideenlosigkeit im Wein zu ertränken, und wieder andere legen sich eine Muse zu.

Nicht so bei Antonín Dvořák: Am 10. August 1889 schreibt er an seinen Freund Alois Göbl:

Zwischen Rosensträuchern und Taubenzucht

Kurz nachdem Dvořák diese Zeilen geschrieben hat, setzt er sich an eine neue Komposition: Seine achte Sinfonie. Und die hat er in wenigen Wochen fertig skizziert.

Für seinen Komponiermarathon hat sich Dvořák in der idealen Umgebung einquartiert: Seit 1884 verbringt er die Sommermonate zusammen mit seiner Familie in Vysoká – einem kleinen böhmischen Dorf mitten im Grünen und weit weg vom Trubel der Stadt.

Hier hegt und pflegt Dvořák die Rosenbeete in seinem Garten, baut Kartoffeln an und versorgt seine Tauben, Hasen und Ziegen. Seine achte Sinfonie, die in dieser Atmosphäre entsteht, klingt genau so: nach böhmischem Naturidyll.

Stimmungsvolle Nebensächlichkeiten

Dvořáks achte Sinfonie quillt geradezu über vor Melodien. So entsteht ein Potpourri unterschiedlichster Einfälle und Stimmungsbilder – vom Gesang der Vögel bis hin zum Bauerntanz.

Am 2. Februar 1890 dirigiert Dvořák selbst die Uraufführung der achten Sinfonie im Rudolfinum in Prag. Die Kritiker sind jedoch irritiert vom freien Umgang mit der Form der Sinfonie. Auch Johannes Brahms ist nicht vollends überzeugt:

„Die Englische“

Man kann die Hauptsachen aber auch einfach nebensächlich sein lassen. So sieht das auch das Publikum der Uraufführung: Das ist begeistert.

Die größten Erfolge feiert Dvořák mit seiner achten Sinfonie aber in England. Die Briten lieben ihn sowieso. Und nachdem sich Dvořák mit seinem alten Verleger Simrock verkracht hat, lässt er die Sinfonie bei einem Verlag in London drucken. So kommt die achte Sinfonie zu ihrem Beinamen „die Englische“.

Pietari Inkinen und die Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern

Die Konzertsäle und Sendestudios in Saarbrücken und Kaiserslautern sind die zentralen Orchesterstandorte der Deutschen Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern (DRP). Als Rundfunk-Sinfonieorchester der ARD wird die DRP gemeinsam getragen vom Saarländischen Rundfunk (SR) und vom Südwestrundfunk (SWR).

Seit 2017 steht Pietari Inkinen am Dirigentenpult des Orchesters. Daneben ist Inkinen auch Chefdirigent des Japan Philharmonic Orchestra in Tokio sowie Musikdirektor des KBS Symphony Orchestra in Seoul.

3 Akkorde mit Wiedererkennungswert

Die britische Band „Cook da Books“ hat vom Filmkomponisten Vladimir Cosma den Zuschlag bekommen, während einer Konzertszene den extra für den Soundtrack komponierten Pop-Schmachtfetzen „Your Eyes“ zu spielen. Der Refrain beginnt mit 3 aufwärts gebrochenen Septakkorden, die der klassisch ausgebildete Hitlieferant Cosma nicht extra erfinden muss. Die ausgesprochen charakteristische Tonfolge hat bereits einen weiten Weg durch die Musikgeschichte hinter sich.

Schon Bach borgt sich die Melodie aus

Johann Ernst IV. aus dem Hause Sachsen-Weimar, ein Musikbegeisterter Regent mit Begeisterung für Italien, stellt Johann Sebastian Bach wohl ein Konvolut italienischer Konzert-Partituren zur Verfügung, die der Komponist prompt für das Spiel auf Tasteninstrumenten bearbeitet. Auch das d-moll Konzert BWV 974 gehört zu einer Reihe von Bearbeitungen, die zunächst mit Verweis auf eine ursprüngliche Urheberschaft Vivaldis erscheinen. Die wunderschöne Melodie des langsamen Satzes beginnt mit jenen aufsteigenden Akkorden, die viel später im Teeniehit „La Boum 2“ auftauchen. Aber stammt der Ohrwurm-Einfall wirklich von Vivaldi?

Die Quellen scheinen zunächst eindeutig

Erst lange nach Bachs Tod, im 20. Jhd., wächst das Interesse an den Quellen, die Bach eigentlich verwendet hat. Und als in einer Sammlung in Schwerin ein Oboenkonzert aus dem frühen 18. Jhd. auftaucht, das auf einen „Marcello“ verweist, geht man schnell davon aus, dass es sich hier um die eigentliche Vorlage handelt. Als Urheber wird der venezianische Komponist Benedetto Marcello identifiziert, Sprößling einer Kaste von steinreichen Patriziern, die Venedig kulturell und politisch an der Wende zum 18. Jhd. dominieren. Auch Vivaldi führt Stücke für die Marcellos auf.

Eine neue Spur

Erst als eine Abschrift des Konzerts in der British Library als Teil einer Sammlung von 1717 entdeckt wird, werden Zweifel an Benedetto Marcellos Urheberschaft laut. Zwar verweist auch diese Sammlung auf „Marcello“, lässt sich aber dem älteren Bruder Benedettos zuordnen: dem enorm breitgefächert wirkenden Alessandro Marcello.

Ein Mensch, viele Talente

Alessandro Marcello ist umfassend gebildet, er ist wie die meisten Marcellos in Venedig Jurist, Politiker, Ratsmitglied, aber er ist noch viel mehr: Erfinder, Instrumentensammler, Astrologe, Dichter, Maler, laborierender Chemiker und Musiker. Viele biografische Informationen über den vielseitig begabten Alessandro erschließen sich Forschenden erst über die Lektüre seiner zahlreichen Epigramme, kleiner lateinischer Gedichte, die er in mehreren Bänden herausbringt, und die erst in der zweiten Hälfte des 20. Jhds. mit Hilfe der Deutung astronomischer Konstellationen Rückschlüsse auf sein Geburtsdatum (das jahrhundertelang falsch überliefert wird) zulassen.

Alessandro Marcello ist nicht nur der Erfinder einer Geheimschrift, die mit Hilfe von gestanzten Löchern in Papier bei der Verschlüsselung von Botschaften helfen soll (im diplomatischen Venedig mit vielen politischen Komplotten ist man geradezu besessen von Geheimschriften), Alessandro Marcello wird mit seinem heute berühmtesten Werk auch zum Stifter einer ganzen Gattung: des virtuosen Oboenkonzerts.

Das Ohrwurmrezept

Und, mit drei aufsteigenden Septakkorden, zum Hitformellieferanten für Nachahmer: Bachkonzert oder Teenieschmachtfetzen im französischen Popcornkino, das Rezept ist ziemlich ähnlich…

Simon Höfele ist einer der spannendsten Trompeter der jungen Generation. Er ist Preisträger des Sonderpreises „U21“ des Internationalen Musikwettbewerbs der ARD und des Deutschen Musikwettbewerbs 2016, sowie ehemaliges „New Talent“ im Förderprogramm von SWR2 . Ab 2017 war Simon Höfele daneben BBC Radio 3 New Generation Artist, ist weltweit als Solist gefragt und zudem erfolgreicher Podcaster.

Das Kurpfälzische Kammerorchester wurde 1952 vom ehemaligen Generalmusikdirektor des Mannheimer Nationaltheaters Eugen Bodart gegründet. Es sieht sich als Nachfolger der Hofkapelle der Kurfürsten von der Pfalz und widmet sich der Pflege der Mannheimer Schule. Das Orchester tritt nicht nur weltweit auf, sondern veranstaltet auch eine eigene Konzertreihe im Rittersaal des Mannheimer Schlosses.

Vivaldi auf Kufen

Heutzutage ist es kein Problem, eine geeignete Schlittschuhbahn in der Lagunenstadt zu finden – Kunsteis macht’s möglich! Zu Vivaldis Lebzeiten war das allerdings nicht selbstverständlich. Und dennoch bekam der Komponist die Chance, ein paar Runden übers Eis zu gleiten.

Grund dafür war die sogenannte ‚kleine Eiszeit‘, die etwa vom 14. bis in die Mitte des 19. Jahrhunderts andauerte. Für diese Periode lassen sich weltweit Gletschervorstöße nachweisen, wobei die Kältehöhepunkte regional sehr unterschiedlich ausfielen. Die Folgen waren unter anderem kühle Sommer mit jeder Menge Regen, klirrend kalte Winter, Missernten und Hungersnöte.

Daneben gab es aber auch die Glücklichen, die dieser Phase etwas Gutes abgewinnen konnten. Zu diesen Glücklichen zählte auch Antonio Vivaldi.

Im Winter 1708 fror die Lagune von Venedig zu. Eine riesige Schlittschuhbahn direkt vor Vivaldis Haustür! Kein Wunder, dass er dieses Ereignis auch musikalisch festhielt – und zwar in seinem Violinkonzert in f-Moll op. 8 Nr. 4, besser bekannt als der „Winter“ aus den „Vier Jahreszeiten“.

Brrr – Vom Zittern und Bibbern

Der Beginn des Violinkonzerts klingt allerdings noch nicht nach fröhlicher Schlittschuhfahrt: Alles ist starr, es bewegt sich kaum etwas, nur die Geigen zittern manchmal vor Kälte. Doch dann brechen plötzlich wilde 32tel in der Solovioline ein. Und zu allem Überfluss pfeift dem Orchester ein eiskalter Wind um die Ohren

Kälte, Schnee und Füße wie Eisklumpen – all das beschreibt Vivaldi auch im Sonett, dass er seinem Violinkonzert voranstellt. Das Gedicht beginnt folgendermaßen:

Ab aufs Eis!

Lange hält man sich in dieser Kälte nicht freiwillig auf. Gut, dass Vivaldi schon den Ofen vorgeheizt hat. Und so darf sich das Orchester im zweiten Satz in die warme Stube setzen, schön nah ans Feuer. Vivaldi verzichtet hier bewusst auf Virtuosität, stattdessen wird es behaglich und die Solovioline spielt eine liebliche Melodie. In den Celli hört man währenddessen die Regentropfen, die leise gegen das Fenster prasseln.

Im dritten Satz ist es dann endlich so weit. Die Solovioline traut sich aufs Eis, zuerst noch etwas zaghaft. Doch nach und nach wird unser Schlittschuhläufer immer mutiger und er kreiselt übers Eis. Aber Achtung: Es besteht Sturzgefahr!

Das Freiburger Barockorchester

Seit über 30 Jahren gibt es das Freiburger Barockorchester – eines der renommiertesten Ensembles für historisch informierte Aufführungspraxis. Zu seinem Kernrepertoire gehört die Musik des Barocks und der Klassik. Auf dem Programm stehen aber auch immer wieder Werke der Romantik. Künstlerische Leiter des FBO sind Gottfried von der Goltz (Violine) und Kristian Bezuidenhout (Cembalo/Hammerklavier).

Für ihr größtes Ziel muss sie alle ihre Kräfte aufbringen, und die scheinen bereits im frühen Alter bald aufgezehrt. Weil Lili sich nach einer Lungenentzündung während ihrer Kindheit nie wieder ganz erholt hat, ist ihr schon regelmäßiger Schulbesuch unmöglich, sie stellt sich selbst einen autodidaktischen Lehrplan zusammen.

Trotzdem bewirbt sie sich noch als Jugendliche 1912 um die begehrte Krone der Zunft. Das ist nur möglich, weil der Prix-de-Rome erst kurz vorher Frauen die Teilnahme ermöglicht hat. Eine derart junge Teilnehmerin muss den durchweg männlichen Jurymitgliedern wie ein Affront vorkommen.

Lili Boulangers Vater ist Opernkomponist und Gesangslehrer, ihre Mutter Sängerin. Ihre Begabung fällt früh auf, und sie wird unter anderen von Gabriel Fauré gefördert, der regelmäßig im Hause Boulanger zu Gast ist.

Mit 17 entscheidet sich Lili Boulanger, Komponistin zu werden. Zur Erreichung Ihres Wettbewerbsziels wendet sie sich früh der Vokalmusik zu, denn ein Chorwerk ist als Pflichtstück einzureichen bei der Pariser Jury.

Dann wird Lili Boulanger 1912, kurz vor dem Finale (das später ganz abgesagt wird), von Fieberschüben heimgesucht, sie muss aufgeben. Sie ist 18 und hat nur noch kurze Zeit zu leben.

Der nächste Versuch im darauffolgenden Jahr bringt den Triumph, den Durchbruch als Teenagerin, und nicht zuletzt den Neid der männlichen Tonsetzerzunft – fünf Jahre vor ihrem viel zu frühen Tod.

Die Hymne au soleil ist im Juli 1912 in Vorbereitung auf Lili Boulangers ersten Romwettbewerb entstanden. Möglicherweise ist ihr bereits eine Vertonung des Textes vertraut, denn Komponist Paul Dukas, auch ein gern gesehener Gast im Hause Boulanger, hat die Verse bereits 1888 in Töne gesetzt, ebenfalls für den Wettbewerb, bei dem er schließlich Zweiter wird. Die Textvorlage entstammt der fünfaktigen Tragödie Le Paria von Casimir Delavigne, die von Auguste Lacaussade zu einem Gedicht umgearbeitet worden ist.

Den Handlungsrahmen bildet die heimliche Liebe zwischen einem von der Gesellschaft ausgestoßenen Paria und der Tochter eines indischen Brahmapriesters – eine verbotene Liaison.

Der Tag bricht an, weshalb sich die Liebenden rasch zerstreuen, um unentdeckt zu bleiben. Brahmanen und Gläubige versammeln sich zum Ritual, um die aufgehende Sonne zu begrüßen und ihr zu huldigen.

Hymne au soleil
Du soleil qui renaît bénissons la puissance.
Avec tout l'univers célébrons son retour.
Couronné de splendeur, il se lève, il s'élance.
Le réveil de la terre est un hymne d'amour.
Sept coursiers qu'en partant le Dieu contient à peine,
Enflamment l'horizon de leur brûlante haleine.
O soleil fécond, tu parais!
Avec ses champs en fleurs, ses monts, ses bois épais,
La vaste mer de tes feux embrasée,
L'univers plus jeune et plus frais,
Des vapeurs de matin sont brillants de rosée.

Hymne an die Sonne
Wir segnen die Kraft der wiedergeborenen Sonne
mit dem ganzen Universum feiern wir ihre Rückkehr.
Gekrönt von Pracht erhebt sie sich, schwingt sich empor.
Das Erwachen der Erde wird zur Hymne der Liebe.
Sieben Reiter, kaum vom Gott zu bändigen, wenn sie voranschreiten,
entflammen den Horizont mit ihrem glühenden Atem.
O, fruchtbare Sonne, du erscheinst!
Mit blühenden Feldern, Bergen und üppigen Wäldern,
dem weiten Meer, von deinem Feuer entzündet,
dem Universum jünger und erquickter
glänzt der Morgennebel in funkelndem Tau.

Das Vocalensemble Rastatt zählt mit Dirigent Holger Speck zur internationalen Spitzenklasse. Es steht für Exzellenz, Lebendigkeit und Authentizität.

Zwingende, stilgetreue und historisch informierte Interpretationen haben den exzellenten Ruf ebenso begründet wie leidenschaftliches und emotionales Musizieren.

Von der herausragenden Qualität der Ensembles zeugen vor allem die Grammy-Nominierung im Rahmen der CD-Produktion von Mozarts "Le Nozze di Figaro" bei der Deutschen Grammophon und zahlreiche Produktionen nicht zuletzt für den SWR.

Eine prominente Familie

Ernst von Dohnányi war nicht nur ein brillanter Klaviervirtuose, sondern auch eine Schlüsselfigur des ungarischen Musiklebens. Aber Moment mal: Von Dohnányi? Da war doch was! Ja, genau: Ernst von Dohnányi war der Großvater des ehemaligen Ersten Bürgermeisters von Hamburg Klaus von Dohnányi und außerdem war er auch der Großvater des Dirigenten Christoph von Dohnányi.

Geboren wurde Ernst von Dohnányi 1877 in Pressburg, dem heutigen Bratislava. Damals gehörte die Stadt noch zu Ungarn. Von Dohnányi war ein gefeierter Klaviervirtuose, er trat in ganz Europa, in Russland und in den Vereinigten Staaten auf. Doch nicht nur das. Er machte auch Karriere als Dirigent, Pädagoge und nicht zuletzt als Komponist.

Viele Ämter, wenig Zeit

Mit seinen Werken tat er sich schon früh hervor. Von Dohnányi war gerade einmal 15 Jahre alt, als sein Kompositionsprofessor sein Klavierquintett – sein Opus 1 – Johannes Brahms vorspielte. Und der war begeistert und förderte den jungen ungarischen Komponisten.

Ernst von Dohnányi entwickelte sich nach und nach zu einer der zentralen Musikerpersönlichkeiten seines Heimatlandes: Er war Mitglied des Verwaltungsrates für Musik, Direktor der Musikakademie von Budapest, Chef der Philharmonischen Gesellschaft von Budapest und Musikdirektor beim ungarischen Rundfunk. Ein – man kann es nicht anders sagen – vielbeschäftigter Mann.

Dass er bei all den Ämtern überhaupt noch Zeit zum Komponieren fand, grenzt an ein Wunder. Tatsächlich haben wir das Sextett op. 37 auch nur einer kleinen Erholungspause zu verdanken. Von Dohnányi schrieb das Werk 1935. Kurz zuvor war er an Thrombose erkrankt und so musste er ein wenig kürzertreten – zumindest für eine gewisse Zeit. Glück für uns, denn so konnte eine wirklich spannende Komposition entstehen.

Spätromantik trifft Zeitgeist

Anders als sein Landsmann, Zeitgenosse und Schulfreund Bela Bartók, komponierte von Dohnányi ganz im Sinne der Spätromantik. Er bezieht sich eher auf das, was war, als auf das, was kommen wird – sozusagen ein Meister zwischen den Epochen.

Teilweise verwebt er die Instrumentalstimmen in seinem Sextett sehr dicht miteinander, sodass man manchmal meint, ein Sinfonieorchester zu hören.

Spätromantik hin oder her – im vierten und letzten Satz lässt sich Dohnányi dann doch noch vom Zeitgeist anstecken: Denn das Finale eröffnet er mit einer Art Ragtime für Klarinette und Klavier.

franz ensemble

Das franz ensemble ist eine Kammermusikformation, die aus jungen, international renommierten SolistInnen und KammermusikerInnen besteht. Es vereint Streicher, Bläser und eine Pianistin. Diese Besetzung ermöglicht ein enormes Spektrum, das von feinsten Kammermusikfarben bis hin zu orchestralen Klängen reicht.

Die MusikerInnen fanden sich erstmals 2017 zusammen. Aus der Begeisterung gemeinsamer Konzerte mit dem Oktett von Franz Schubert, Namenspatron des Ensembles, entstand der Wunsch, regelmäßig gemeinsam aufzutreten und sich als festes Ensemble zu formieren.