In dieser Folge von WAS MIT KUNST spricht Johann König mit der Malerin Rosalie Werthefrongel, deren Werke in einem Spannungsfeld zwischen Renaissance und Playmobil, Romantik und Pixelwelt entstehen, zu sehen in ihrer Soloausstellung KOMM MIT bei KÖNIG TELEGRAPHENAMT.

Bevor der erste Pinselstrich gesetzt wird, hat sie längst gesammelt, gebaut, fotografiert und digital collagiert, denn „die Malerei fängt bei mir nicht erst auf der Leinwand an“. Im Gespräch geht es um das Zögern und die klare Erkenntnis, malen zu wollen, um Modelle, die zu Bildern werden, und um den Moment, in dem ein bekanntes Motiv aus unserem kollektiven Bildgedächtnis in ein neues, eigenwilliges Universum überführt wird. Werthefrongel spricht über die Herausforderung, digitale Skizzen in analoge Tiefe zu übersetzen, über Titel als zweite Bildebene – und über ihre Haltung als moderne Piratin der Bildwelten.

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In this episode of WAS MIT KUNST, Johann König speaks with Pasquale Marino, one of the founders of MAE, a new app dedicated to connecting people through art and culture.

Marino’s journey led him from a background in economics into the art world, driven by a desire to make cultural experiences more open, social, and meaningful. Together, they discuss how MAE is reimagining what it means to engage with art: moving beyond the idea of collecting and ownership toward experiencing, supporting, and joining artists on their creative journeys.

They discuss why in-person encounters with art remain irreplaceable, how many people still feel intimidated by the gallery world, and how MAE helps to lower these barriers. By creating access and encouraging connection, MAE reimagines galleries, museums, and cultural venues as social gathering places—spaces outside of home and work where people can meet, share, and feel a sense of belonging. Marino also reflects on how art can address today’s loneliness epidemic by bringing people together in authentic ways.

A dialogue about art as a means of connection, about technology as a catalyst for cultural togetherness, and about the mission to ensure that everyone can belong anywhere in the local art scene.

In this episode of WAS MIT KUNST, Johann König speaks with Hungarian artist Zsófia Keresztes, whose large-scale, mosaic-covered sculptures explore the shifting boundaries of identity, transformation, and interconnectedness. Known for her sensuous blend of hard and soft materials—glass mosaics that recall cellular structures alongside fabrics evoking domestic ritual—Keresztes creates spaces where transformation and connection are always in flux.

The conversation dives into the dualities in her practice, her studio process, and how intimacy and control intertwine in her work.

We’re re-airing this episode on the occasion of her new solo exhibition THE CHAMOMILE PROTOCOL at KÖNIG TELEGRAPHENAMT, where she transforms the space into a fragile architecture of healing and tension—an interior world where tenderness and structure coexist, never fully resolved.

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In dieser Episode von WAS MIT KUNST spricht Johann König mit der französischen Malerin Johanna Dumet über Karten, Kindheitserinnerungen und die Kraft der Intuition.

Dumet, die 1991 in Frankreich geboren wurde und heute in Berlin lebt, beschäftigt sich in ihrer neuen Ausstellung FOOL FOR A LIFETIME in der Nave der KÖNIG GALERIE mit Tarotkarten, Spielkarten und der Symbolik des Kartenhauses. Monumentale Ölgemälde, handbemalte Aluminiumschilder und eine fast fünf Meter hohe Installation verwandeln St. Agnes in eine Welt zwischen Spiel und Ernst, Macht und Narrheit.

Im Gespräch erzählt Dumet von ihrer Kindheit auf dem französischen Land, von der heimlichen Faszination für die Tarotkarten ihrer Großmutter und von den vielen Objekten und Erinnerungen, die in ihre Werke einfließen – von Schmuckstücken bis hin zu alten Spielkarten, die sie auf den Straßen Barcelonas, Berlins oder Tokios gefunden hat.

Sie spricht über das intuitive Arbeiten an den 22 großen Arkanen des Tarot, über Blutspuren auf Leinwänden, über die Frage, ob der König oder der Narr am Ende das Spiel beherrscht, und über die Nähe von Alltag und Kunst: beim Essen, beim Zusammensitzen, beim Kartenspielen.

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For our English-speaking listeners, we warmly invite you to revisit this past episode featuring Johanna Dumet.

Aus dem Archiv, passend zur kommenden Ausstellung: In dieser Folge von WAS MIT KUNST spricht Johann König mit Stephan Balkenhol, einem der bedeutendsten deutschen Bildhauer der Gegenwart, bekannt für seine farbigen Holzskulpturen, Zeichnungen und Druckgrafiken. Anlass für die Wiederveröffentlichung ist seine neue Einzelausstellung in der Chapel der KÖNIG GALERIE zur Berlin Art Week.

Balkenhol, 1957 geboren, hat seit den 1980er-Jahren die menschliche Figur ins Zentrum seiner Arbeit gestellt – gegen den damaligen Trend zur Abstraktion und in einer einzigartigen Mischung aus minimalistischer Strenge und figürlicher Direktheit. Seine anonymen, zeitlosen „Jedermann“-Figuren aus Holz oder Bronze sind heute weltweit im öffentlichen Raum zu finden, oft an überraschenden Orten und in monumentalem Maßstab.

Im Gespräch erzählt er, wie der Entstehungsprozess seiner Skulpturen aussieht, was ihn an der Arbeit junger Künstler:innen fasziniert und warum er es bevorzugt, die Deutung seiner Werke dem Publikum zu überlassen. Es geht um die Balance zwischen Handwerk und Interpretation, um künstlerische Konsequenz, und um die Frage, was uns eine Figur über uns selbst erzählen kann.

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In der neuen Folge von WAS MIT KUNST spricht Johann König mit Bernd Zimmer, der Mitbegründer der legendären „Galerie am Moritzplatz“ und einer der wichtigsten Protagonisten der Neuen Wilden.

Zimmer erzählt von seinem ungewöhnlichen Weg zur Kunst: Nach seiner Tätigkeit im Verlagswesen reiste er inspiriert von Jack Kerouac durch die USA – und fand dort den Mut, Künstler zu werden. Doch bevor er sich dieser Berufung vollends widmete, verbrannte er 250 seiner frühen Bilder. Ein radikaler Akt der Selbstklärung.

Im Zentrum der Folge steht die Idee der Selbstorganisation: Zimmer und seine Kollegen Rainer Fetting, Salomé und Helmut Middendorf nahmen ihre Sichtbarkeit selbst in die Hand. Sie gründeten 1977 die Selbsthilfe-Galerie am Moritzplatz mitten im brodelnden West-Berlin, in einem Kreuzberg, das vom Aufstand, Punk und queerer Subkultur geprägt war. Kunst fand zwischen Straßenkämpfen, Hausbesetzungen und dem Nachtleben im Restaurant Exil statt – ein raues Umfeld, in dem die Malerei zurück auf die Bühne trat.

Zimmer spricht über die Rückeroberung der Landschaftsmalerei, den bewussten Bruch mit ideologischen Altlasten, und seinen eigenen Weg von der irdischen Natur zur kosmischen Abstraktion. Seine heutigen Werke öffnen den Blick ins Universelle: großformatige Malerei, inspiriert von Barnett Newmans Idee von „Scale“ als existenzieller Dimension.

Ein weiteres Thema: Zimmers großangelegtes Kunstprojekt STOA169, eine offene Säulenhalle in Bayern, in der Künstler:innen aus aller Welt je eine eigene Säule gestalten. Ein Ort der Vielfalt, der Verbundenheit, und des global gedachten Denkens durch Kunst.

Zum Abschluss geht es um seine Beteiligung an der Gruppenausstellung GUTEN MORGEN, DU SCHÖNE bei KÖNIG TELEGRAPHENAMT – eine Hommage an die kreative Aufbruchstimmung der späten 70er in Berlin, in der Zimmers künstlerisches Denken Wurzeln schlug.

Eine Folge über das Selbermachen, das Loslassen, den Aufbruch, und darüber, wie Kunst über Jahrzehnte hinweg Haltung bewahren kann.

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In der neuen Folge von WAS MIT KUNST spricht Johann König mit dem Maler Franz Stein, dessen Werk sich zwischen Leinwand und Raum, Fläche und Textur bewegt – und der mit seiner ersten Ausstellung SUNLIT LOVE bei KÖNIG TELEGRAPHENAMT eine neue Dimension seiner Kunst präsentiert.

Franz Stein, ursprünglich über den Umweg der Mittelschule zur Akademie gelangt, erzählt, wie er durch Materialknappheit während der Pandemie zu einer radikal neuen Bildsprache fand – von Öl zu Acryl, vom Gegenständlichen zur Abstraktion. Heute entstehen seine Werke intuitiv, ohne Skizzen, in einem freien, gestischen Malprozess, bei dem sich flächige Malerei in räumliche Bildwelten verwandelt.

Im Zentrum des Gesprächs steht sein monumentaler, 55 Quadratmeter großer Teppich, den er in aufwändiger Handarbeit nach seinen Skizzen tuften ließ – ein Sprung vom Bild zum Raum, vom Visuellen zum Haptischen. Der Teppich ist Landschaft, Bildfläche und begehbares Kunstwerk zugleich: eine Einladung an das Publikum, sich durch Farbe, Form und Struktur zu bewegen – mit den Augen wie mit dem Körper.

Franz Stein spricht über die physische Erfahrung von Kunst, über den Stellenwert von Ehrgeiz in der Malerei und darüber, warum für ihn Produktivität im Atelier essenziell ist – und weshalb er bewusst auf Freizeit verzichtet, um ganz im Tun aufzugehen.

Eine Folge über die Suche nach einer eigenen Sprache, über das Arbeiten mit und gegen Material, und über die Transformation von Bildwelten in Raumwahrnehmung. Und über die Frage: Wie viel Intensität kann ein einzelner Pinselstrich – oder ein getufteter Faden – transportieren?

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In this episode of WAS MIT KUNST, Johann König speaks with British artist Julian Opie, whose monumental solo exhibition is currently on view at KÖNIG GALERIE, taking over all spaces at St. Agnes, including the courtyard and sculpture garden, with several works designed especially for the unique architecture of the building, forging a powerful dialogue between art and space.

Known for his distinctive graphic language and bold reduction of form, Opie shares how his practice has evolved over three decades—drawing from everyday life, historical art forms, and the visual codes of the modern city. In this candid conversation, he reflects on his early influences, the impact of his upbringing in Oxford, and his decision to follow a non-scientific path before studying art at Goldsmiths in London.

At the heart of Opie’s work is a deep engagement with the act of looking—both outward, at the world, and inward, through memory and repetition. As he puts it, “To draw is not just a matter of putting your hand out into the world… it’s also drawing information into your brain and understanding the world.” His exhibition at KÖNIG GALERIE transforms the vast space of St. Agnes into a stylized urban landscape—populated by animated LED schoolchildren, towering steel sculptures, and portraits rendered like diagrams or logos.

Together, he and Johann König discuss how drawing acts as a universal language, why collecting is an essential part of being an artist, and how the process of refining and repeating one's ideas over time becomes a form of discovery. They also delve into the symbolism of towers, the emotional weight of materials, and how motion and architecture intersect in his current work.

The exhibition—his first with KÖNIG GALERIE—draws inspiration from ancient Egyptian reliefs, contemporary street life, corporate iconography, and presents a walkable environment where past and present, high and low, static and moving forms coexist. “I’m trying to find a language,” he says, “that rings true.”

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In this episode of WAS MIT KUNST, Johann König sits down with Canadian painter Erin Armstrong, whose vivid, emotionally charged exhibition TRIAL BY FIRE is currently on view at KÖNIG TELEGRAPHENAMT.

Known for her surreal figurative worlds, Armstrong speaks candidly about the disorienting beauty and chaos of simply being alive—a sensation she tries to translate into her paintings. Her work explores the emotional landscape of womanhood, vulnerability, and resilience through recurring symbols like balancing spheres, dense jungle foliage, and symbolic figures that serve as placeholders for mood rather than identity. As Armstrong puts it, “I never really paint literal people … it’s just from imagination based on the way I am feeling.”

Together, she and Johann König discuss the evolution of her practice, her resistance to traditional art school pathways, and the moment she returned to painting after a four-year detour into history studies. They also reflect on imposter syndrome in the art world and the paradox of success—how staying humble is key to artistic growth.

The episode touches on deeply personal and political themes, including Armstrong’s reflections on the oppressive climate for women in North America today. Her exhibition TRIAL BY FIRE presents a hauntingly symbolic vision of contemporary womanhood—nude figures hiding in the jungle, teetering on spheres, caught between visibility and exposure, strength and fragility. “They’re showing that they’re in states of chaos,” Armstrong says, “or they’re in worlds where it’s feeling like something other is happening.”

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In this re-air episode of WAS MIT KUNST, we revisit Johann König's conversation with Belgian contemporary artist Arne Quinze, whose work once emerged from graffiti and has since evolved into a powerful, multidisciplinary exploration of the fractured relationship between humanity and nature. Known for transforming urban environments with monumental public installations, Quinze's practice spans painting, sculpture, and immersive environments.

Now, as Arne Quinze has just opened his solo exhibition RAW PARADISE at KÖNIG BERGSON, we are re-airing this episode to revisit the ideas that continue to shape his practice. Originally recorded ahead of his participation in the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, the conversation explores themes that remain central to RAW PARADISE—his deep engagement with nature, his evolution from street art to environmental installations, and his use of diverse materials like bronze, ceramics, and Murano glass to express nature's wild energy and fragile equilibrium.

In the episode, Quinze shares his journey from rebellious street artist to visionary sculptor and painter. They discuss his deepening dialogue with natural forms, his collaborations with renowned studios like Berengo (Murano glass) and Atelier Vierkant (ceramics), and his call to reimagine our cities as living ecosystems.

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