Was unterscheidet German Pop Art so grundlegend von der bekannten US‑Pop Art?

Mal wütend, mal ironisch - Kuratorin Dr. Sarah Hülsewig erklärt, wie deutsche Pop‑Art-Künstlerinnen und -Künsttler Fernsehen, Werbung, aber auch NS‑Vergangenheit und Vietnamkrieg zum Thema machen – oft schärfer, politischer und düsterer als ihre amerikanischen Vorbilder.

Wir schauen auf Voigts gerasterte „Hörzu“-Arbeit als Kommentar zum Massenmedium Fernsehen, auf Kriwets kreisende Sehtexte zwischen Literatur und Clubkultur, auf Bauermeisters experimentelle Editionen, die Pop mit Fluxus und Feminismus verbinden, auf Neuenhausens „Bürger von B.“ als Mahnmal des kollektiven Schweigens, auf Ulrichs’ „Vorsicht Kunst!“ als Angriff auf Kunstmarkt und Museum und auf Vostells „Treblinka“ als Versuch, an die deutsche Vergangenheit zu erinnern.

Einige Werke sind Teil der außergewöhnliche Sammlung des Juristen Heinz Beck, der in den 1960er und 70er Jahren systematisch Pop Art Objekte zusammentrug. Seine heute im Wilhelm‑Hack‑Museum Ludwigshafen beheimatete Sammlung bildet das Fundament der Ausstellung in Oberhausen – und dieser Podcastfolge über eine Pop Art, die nicht nur bunt, sondern vor allem den kritischen Blick auf die Zeit vieler Künstlerinnen und Künstler zeigt.

**In diesem Podcast steckt jede Menge Herzblut. Deshalb meine Bitte: Unterstützen Sie mich und den Podcast.

Oder überweisen Sie einen Betrag Ihrer Wahl auf das Konto:

Oder unterstützen Sie den Podcast per Paypal: https://paypal.me/JensTrocha?country.x=DE&locale.x=de_DE

Repro-Credits: Bodo Boden, Whoom (Mondfähre), 1970 © G. Bodo Boden und seine Lizenzgeber

Diese Podcastfolge ist perfekt für alle, die die Ausstellung besuchen wollen, schon dort waren oder einfach besser verstehen möchten, warum Marina Abramović als Ikone der Performancekunst gilt – und was das alles mit unserem eigenen Körpergefühl und unserer Zeit zu tun hat

Über die Ausstellung

Wer ist Marina Abramović?

Links zu Werken:

Imponderabilia: https://www.youtube.com/watch?v=eoLsIjf5gjQ

The Lovers – The Great Wall Walk https://www.youtube.com/watch?v=KtX7yZo_5vg

The Artist Is Present: https://www.youtube.com/watch?v=2GD5PBK_Bto

Balkan Baroque: https://www.youtube.com/watch?v=gbswpr7ibBA (Videos gibt es auch, wobei die Aufnahmen recht drastisch aussehen.)

Repro-Credits: Marina Abramović, The Hero, 200, © Courtesy of the Marina Abramović Archives / Bildrecht, Wien 2025

Hans Ticha ist eine der spannentsden Persönlichkeiten der ostdeutschen Nachkriegsmoderne und er verbindet bis in die Gegenwart Kunst mit Ironie und politischer Kritik. In der aktuellen Ausstellung in der Kunsthalle Rostock sieht man seinen unverwechselbarer Stil – mit klaren Formen, leuchtenden Farben und den berühmten „Klatschern“.

Wir sprechen über die wichtigsten Stationen seines Werdegangs – vom 1940 in Bodenbach/Děčín geborenen Vertriebenen über den Kunststudenten bis zum vielfach ausgezeichneten Buchgestalter und Maler, dessen Werke heute in der Neuen Nationalgalerie, im Deutschen Historischen Museum und im Haus der Geschichte hängen. Dabei geht es auch um seine berühmten Politbilder: „Klatscher“, „Hochrufer“, Fußballmannschaften als anonyme Masse – Szenen, in denen Ticha die Rituale der DDR ebenso entlarvt wie allgemeine Mechanismen von Macht und Opportunismus.

Nach Rostock, zieht die Ausstellung weiter nach Nürnberg (Neues Mueseum).

Link zur Ausstellung: https://www.kunsthallerostock.de/de/ausstellungen/ausstellung/2025/hans-ticha

Mannschaft, 1975: https://www.klassik-stiftung.de/forschung/sammlungen-bestaende/sammlung/ddr-kunst/

Der Klatscher: https://www.artnet.de/künstler/hans-ticha/klatscher-6sKnzS-SMYAsSxVkAGPDqQ2

Es wächst zusammen: https://www.artnet.de/künstler/hans-ticha/es-wächst-zusammen-yEfSlWiddVd04ZV3i1kuFg2

In diesem Podcast steckt jede Menge Herzblut. Deshalb meine Bitte: Unterstützen Sie mich und den Podcast.

Bitte fördern Sie uns hier:

Oder überweisen Sie einen Betrag Ihrer Wahl auf das Konto:

Oder unterstützen Sie den Podcast per Paypal: https://paypal.me/JensTrocha?country.x=DE&locale.x=de_DE

Repro-Credits: Porträt Hans Ticha, 2015, Foto: Kunstsammlungen Jena

In dieser Episode spreche ich mit der Kuratorin Dr. Anke Dornbach über den Maler Karl Hofer und ausgewählte Werke. Der Künstler war Waisenkind und wurde zu einem der wichtigsten Figurenmaler der deutschen Moderne.

Auf der Suche nach einer menschlichen Wahrheit jenseits politischer und modischer Strömungen entwickelte Hofer eine eigenständige Bildsprache zwischen Expressionismus, Neuer Sachlichkeit und Magischem Realismus – geprägt von eindringlicher Emotionalität, stiller Dramatik und hohem Symbolgehalt.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Moritzburg Halle/Saale zeigt erstmals ein umfangreiches Konvolut von gut 50 Gemälden der Sammlung Arthouse aus Leipzig. Sie macht die künstlerische Vielfalt Hofers sichtbar und verdeutlicht, warum seine Kunst – zwischen Schönheit und Wahrheit – auch heute noch von eindringlicher Aktualität ist

Karl Hofer hinterließ in einer Schaffenszeit von rund 57 Jahren ein Œuvre von über 2900 Gemälden und weit mehr Arbeiten auf Papier. Sein frühestes verzeichnetes Gemälde datiert in das Jahr 1898, das letzte entstand kurz vor seinem Tod 1955. Im Nationalsozialismus wurden über 300 seiner Werke als »entartet« aus deutschen Museen entfernt.

Besprochene Werke:

Mann in Trümmern, 1947: Keine Abbildung

Schwarzmond 1948: https://www.kettererkunst.de/image-max.php?obnr=113003563&anummer=409&ebene=0&ext=0

Stillleben mit Vase und Fenster, 1953: Keine Abbildung

Kartenspieler, 1924: https://www.artnet.de/künstler/karl-hofer/kartenspieler-UGKDKDZmIlyt5Goyov-qDg2

Die Ausstellung:

Kulturhäuser Landkreis Ravensburg, Schloss Achberg: 11. April 2026 – 18. Oktober 2026

Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen: 7. November 2026 – 28. Februar 2027

Kunsthalle Rostock: 14. März 2027 – 6. Juni 2027

Link zum Katalog:

Repro-Credits: Karl Hofer, Schwarzmond, 1948

Feuer spielt in der Kunst seit Jahrhunderten eine doppelte Rolle: Es steht zugleich für Zerstörung und Gefahr, aber auch für Wärme, Leidenschaft, Reinigung und Neubeginn. Der neue Band von Kunstforum International nimmt dieses vielschichtige Motiv zum Ausgangspunkt – von historischen Vorstellungen des Feuers bis zu aktuellen Debatten um Klimakrise, Rituale und feministische Theorie.

Links zu besprochenen Werken:

Maja Hottarek (Coverbild): https://mayahottarek.com

Stein Hennigsen Performance "The Boat": https://www.youtube.com/watch?v=8YiV4XNs9XI&t=5s

https://steinhenningsen.com/2021-2025#CircleofLife

Julian Charriere, And Beneath It All Flows Liquid Fire: https://julian-charriere.net/projects/and-beneath-it-all-flows-liquid-fire

David Clearbout: https://davidclaerbout.com/Wildfire-meditation-on-fire-2019-2020

In diesem Podcast steckt jede Menge Herzblut. Deshalb meine Bitte: Unterstützen Sie mich und den Podcast.

Bitte fördern Sie uns hier:

Oder überweisen Sie einen Betrag Ihrer Wahl auf das Konto:

Oder unterstützen Sie den Podcast per Paypal: https://paypal.me/JensTrocha?country.x=DE&locale.x=de_DE

Jean-Michel Basquiat war gerade einmal 27 Jahre alt, als er 1988 an einer Überdosis starb – da war er längst vom Straßenkünstler SAMO zu einem der zentralen Gesichter des Neo-Expressionismus geworden. Heute hängen seine Werke in Museen wie The Broad in Los Angeles. Einzelne Bilder erreichen auf Auktionen dreistellige Millionensummen.

Im Gespräch mit Kunsthistoriker Dr. Leonhard Emmerling geht es um mehr als den Hype: Ausgehend von Werken wie „Per Capita“, oder „Toussaint Louverture versus Savonarola“ zeigt die Folge, wie Basquiat Rassismus, Polizeigewalt, Revolution, Ruhm und die eigene afrokaribische Herkunft in einer radikal persönlichen Bildsprache verschränkt. Die Krone, die skullartigen Köpfe, anatomische Motive und Textfragmente werden zu Zeichen für Helden der Straße, für schwarze Geschichte und für den Preis, den Erfolg und Kunstmarkt fordern.

Links zu den besprochenen Bildern:

Per Capita, 1981: https://www.artchive.com/artwork/per-capita-jean-michel-basquiat-1981/

Toussaint l’Ouverture versus Savonarola (ab S. 184): https://www.nicolaernicollection.ch/fileadmin/Files/Documents/BasquiatFlorentineRosemeyer_2014.pdf

Defacement - The Death of Michael Stewart: https://artmuseum.williams.edu/news-item/basquiats-defacement-the-death-of-michael-stewart-becomes-the-centerpiece-of-conversations-about-black-lives-matter-at-the-williams-college-museum-of-art/

Profit 1, 1982: https://www.artnet.com/artists/jean-michel-basquiat/profit-i-uZtQg4UuOz5BCDycHKystw2

Pharynx, 1985: https://www.artnet.com/artists/jean-michel-basquiat/pharynx-M0D4v5k8hbAnEJrsqjDHSA2

Riding with Death, 1988: https://www.singulart.com/blog/en/2020/02/12/riding-with-death-1988-one-of-jean-michel-basquiats-last-paintings/?srsltid=AfmBOopkCKZgw4wSDz1z6ik1raqHCsHdxX4X_FmWh8yLzpHdkSvCZSwt

Repro-Credit: Foto: Chalkie Davies / Premium Archive / Getty Images

Takashi Murakami gilt als einer der schillerndsten Künstler der Gegenwart: Seine scheinbar fröhlichen Blumenfelder, pilzartigen Wesen und Manga-Figuren erzählen von Konsumrausch, Trauma, Vergänglichkeit und der Suche nach Spiritualität in einer überdrehten Bilderwelt. In dieser Folge wird deutlich, wie Murakami durch seine Prägung durch Nihonga, Anime und Otaku-Kultur und sein Schlüsselkonzept „Superflat“, die Hierarchie zwischen Hochkunst und Popkultur bewusst einebnet.

Link zur Ausstellung:

Werke:

MONONOKE FLOWER PARENT AND CHILD: https://www.hannover.de/Kultur-Freizeit/Museen-Ausstellungen/Museumsführer/Top-Museen/Sprengel-Museum-Hannover

BLUE LIFE FORCE: https://www.afmuseet.no/en/artwork/blue-life-force/

MR. BIG MUSHROOM: https://arrestedmotion.com/2011/08/openings-viewpoints-takashi-murakami-gagosian-gallery-london/img8918_p-nguyen/

3-METER-GIRL: https://sculpture-network.org/de/event/85629/kuratorenführung-im-sprengel-museum-hannover#gallery-5

Repro-Credits: Takashi Murakami, And Then, When That's Done…I change. What

Das Karl Schmidt-Rottluff Haus in Chemnitz ist viel mehr als nur das sanierte Elternhaus eines berühmten Künstlers – es ist ein neuer Fixpunkt des Expressionismus und ein zentrales Projekt der Kulturhauptstadt Chemnitz 2025. Nach jahrelangen Diskussionen und intensiven Planungen beschloss die Stadt 2023, das denkmalgeschützte Landhaus in der Limbacher Straße 382 grundlegend zu erneuern, barrierefrei zu erschließen und museal auszubauen. Im April 2025 wurde das Haus als sechster Standort der Kunstsammlungen Chemnitz eröffnet und seither als Künstlermuseum betrieben.

Die neue Dauerausstellung gliedert sich in drei große Themenblöcke: das Werk und die Biografie Karl Schmidt-Rottluffs, die Geschichte des Expressionismus in Chemnitz sowie die Geschichte des Ortes zu Lebzeiten des Künstlers. In den Räumen werden bislang selten gezeigte Ölskizzen, Holz- und Schmuckobjekte, Dokumente und weitere originale Arbeiten gezeigt, mit einem besonderen Schwerpunkt auf Chemnitzer Lebens- und Schaffensphasen. Eine bedeutende Rolle spielt dabei die Sammlung von Dr. Victor und Hedda Peters, die als Dauerleihgabe der Ostdeutschen Sparkassenstiftung und der Sparkasse Chemnitz das Herzstück vieler Präsentationen bildet.

Auch architektonisch erzählt das Haus Geschichte: Das 1913 errichtete Landhaus im Reform- bzw. Heimatstil knüpft an die Wohnmühle in der unmittelbaren Nachbarschaft an. Im Zweiten Weltkrieg wurde das Elternhaus zeitweise zu seinem Rückzugsort, nachdem Wohnung und Atelier in Berlin ausgebombt worden waren. Heute verbindet ein neu gestalteter Garten Landhaus und Wohnmühle zu einem Ensemble, das sowohl Museum als auch offener Kunstort für den Stadtteil ist.

Links:

**In diesem Podcast steckt jede Menge Herzblut. **Deshalb meine Bitte: Unterstützen Sie mich und den Podcast.

Bitte fördern Sie uns hier:

Oder überweisen Sie einen Betrag Ihrer Wahl auf das Konto:

Oder unterstützen Sie den Podcast per Paypal: https://paypal.me/JensTrocha?country.x=DE&locale.x=de_DE

Repro-Credits: Karl Schmidt-Rottluff mit Roswita Peters in Rumbke, 1937, Kunstsammlungen Chemnitz, Archiv

Die Ausstellung „Niki. Kusama. Murakami. Love You For Infinity“ im Sprengel Museum Hannover zeigt erstmals die Werke der drei international bedeutenden Künstlerinnen Niki de Saint Phalle, Yayoi Kusama und Takashi Murakami gemeinsam. Kusamas unverwechselbare Polka-Dots und eindrucksvollen Infinity-Room-Installationen spiegeln die Themen Unendlichkeit, Selbstauflösung und die Auseinandersetzung mit Sexualität und gesellschaftlichen Machtstrukturen wider. Die Ausstellung läuft vom 6. September 2025 bis 14. Februar 2026 und umfasst 110 Exponate. Über Yayoi Kusama, die Werke und die Ausstellung spreche ich mit Nora Niefanger vom Sprengel Museum.

Link zur Ausstellung: https://www.sprengel-museum.de/ausstellungen/aktuell/love-you-for-infinity

Besprochene Werke:

Pumpkin: https://news.artnet.com/art-world/hirshhorn-museum-yayoi-kusama-pumpkin-780080

Blue stripes: https://www.denhaagcentraal.net/kunst/kunstmuseum-laat-jaren-zestig-herleven/

Infinity room: https://hirshhorn.si.edu/kusama/infinity-rooms/

The Sea in the Evening Glow: https://www.artnet.com/artists/yayoi-kusama/the-sea-in-the-evening-glow-b-facing-the-imminent-_GnDlps7j3cJHL6LCFyR2Q2

In diesem Podcast steckt jede Menge Herzblut. Deshalb meine Bitte: Unterstützen Sie mich und den Podcast.

Bitte fördern Sie uns hier:

Oder überweisen Sie einen Betrag Ihrer Wahl auf das Konto:

Oder unterstützen Sie den Podcast per Paypal: https://paypal.me/JensTrocha?country.x=DE&locale.x=de_DE

Repro-Credits: Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room – The Eternally Infinite Light of the Universe Illuminating the Quest for Truth, 2020, Holz, Metall, Glasspiegel, Kunststoff, Acrylplatte, Gummi, LED-Beleuchtungssystem,

Die Sammlung Würth – das Lebenswerk von Reinhold Würth – umfasst über 20.000 Kunstwerke aus 500 Jahren, von der Renaissance bis zur Gegenwart. In der neuen Sammlungspräsentation „Focus – Neue Blicke auf die Sammlung Würth“, kuratiert von Maria Würth und Dr. Beate Elsen, werden Werke in überraschenden Dialogen gezeigt. Im Museum Würth 2 in Künzelsau begegnen sich Klassiker und Neuzugänge, Ikonen und Entdeckungen – Baselitz trifft auf Miró, Schnabel auf Victor Hugo, Graubner auf Richter.

Im Zentrum steht die Idee des „Parlaments der Werke“: Kunstwerke treten in Austausch miteinander und mit den Besucherinnen und Besuchern – ein lebendiger, demokratischer Dialog über Formen, Farben, Visionen und Zeitgenossenschaft. Die Sammlung zeigt eindrucksvoll, dass Kunst mehr ist als ein Spiegel der Welt: Sie ist ein Gespräch über das Sehen selbst – neugierig, widersprüchlich, mutig.

Diese Podcastfolge lädt ein zum Hinhören und Hinschauen – zu einer Erkundung von Kunst, die über Jahrhunderte hinweg immer wieder neu entdeckt werden will.

Link zur Sammlung: https://kunstkultur.wuerth.com/kunstkultur/ausstellungen/FOCUS/MW2-FOCUS.php

In diesem Podcast steckt jede Menge Herzblut. Deshalb meine Bitte: Unterstützen Sie mich und den Podcast.

Bitte fördern Sie uns hier:

Oder überweisen Sie einen Betrag Ihrer Wahl auf das Konto:

Oder unterstützen Sie den Podcast per Paypal: https://paypal.me/JensTrocha?country.x=DE&locale.x=de_DE

Repro-Credits: Piet Mondrian, Zeeuws Meisje, 1909 (Detail) Ol auf Leinwand, 63 x 48,5 cm, Sammlung Würth, Inv. 8552