Musiques du monde

Une exploration des expressions contemporaines du taarab à Zanzibar avec Brain Boy, Siti Amina et l’équipe de la Dhow Countries Music Academy. Un reportage de Jeanne Lacaille en marge du Festival Sauti Za Busara (@sautizabusara). (Rediffusion)

Formé dans le creuset du métissage zanzibari au XIXè siècle, mêlant influences africaines, arabes et indiennes, le taarab est LA musique traditionnelle de l’archipel, sa bande-son par excellence. À l’image de Zanzibar, syncrétique et composite par essence, quelles sont les nouvelles mutations du taarab ? Que dit-il de Zanzibar aujourd'hui et quelle est sa fonction ? Quelles sont ses perspectives d’avenir dans un contexte local de sur-tourisme ? Intimement lié à l'histoire politique de l'île, le taarab a-t-il encore un rôle à jouer sur l'échiquier local ? Que reste-t-il de l'héritage des pionnières ? Après Siti Binti Saad et Bi Kidude, le taarab est-il toujours un vecteur d'émancipation pour les femmes ?

Nos invités :

>> Lauréat d'un Zanzibar Youth Award en 2022 pour son EP The Return of Zenzi Flavor, Brain Boy est une jeune pousse du Zenji Flavor, mouvement hip-hop né dans les années 90 à Zanzibar qui sample abondamment taarab & kidumbaki dans un geste créatif et identitaire. Son rêve ? Un Grammy Award pour le taarab ! Nous retrouvons le jeune artiste côté studio chez Stone Town Records, en marge de son ultime répétition avant son concert sur la scène du festival Sauti Za Busara.

>> Fondée en 2001 à Stone Town, la Dhow Countries Music Academy est à la fois une ONG et la seule école de musique de Zanzibar. Sa mission ? Préserver, transmettre et promouvoir les musiques traditionnelles de l’archipel, taarab en tête, à l’heure où toute la jeunesse tanzanienne n’a que deux mots à la bouche : singeli et afrobeats. Malgré ses quelques mécènes et sa trentaine d’élèves — qui pour certain.e.s viennent de loin pour étudier le taarab — l’avenir de la DCMA est menacé par le manque de soutien du gouvernement. Celui du taarab aussi ? Point sur la situation avec Halda sa directrice, le professeur Tryphon et deux jeunes élèves, Frank et Thureiya.

>> Comme Siti Binti Saad et Bi Kidude avant elle, Siti Amina a déserté mariage et violences conjugales pour se consacrer à la musique. Frondeuse et féministe, elle est aujourd’hui la chanteuse du groupe Siti & The Band qui a bien décollé depuis sa formation à la Dhow Countries Music Academy avec un taarab aux fondations traditionnelles enrichi d'éclats jazz, de grooves funk ou reggae, et de feats audacieux. Après son triomphe sur la scène du festival Sauti Za Busara, elle nous donne rendez-vous à Hifadhi Zanzibar Majestic Theatre, l’un des derniers lieux de musique live et de culture à Stone Town, l’un des rares bâtiments historiques de la ville à ne pas encore avoir été transformé en hôtel par les promoteurs de la surmise en tourisme de l’archipel.

Ce reportage pose les questions suivantes :

Quelles sont les nouvelles mutations du taarab ?

Que disent-elles de la société zanzibari ?

Quelle est la fonction du taarab aujourd’hui ?

Quelles sont les perspectives d’avenir dans un contexte de surtourisme ?

Que reste-t-il de l’héritage des pionnières Siti Binti Saad et Bi Kidude ?

Après elles, le taarab est-il toujours un vecteur d’émancipation pour les femmes ?

À lire sur PAM

Bi Kidude sur PAM.

C’est au Royaume de Belgique que se pose la #SessionLive avec 2 ovnis, Thomas Jean Henri dit Cabane et la violoniste Catherine Graindorge. (Rediffusion)

Notre 1er invité est l’artiste belge Cabane pour la sortie de l’album Brûlée.

Cabane est le projet du musicien et photographe belge Thomas Jean Henri. Après un premier album Grande Est la Maison, Thomas Jean Henri revient aujourd’hui avec la deuxième partie d’une œuvre qu’il construit comme un triptyque. Le deuxième album de Cabane réunit les voix des Anglais Kate Stables (This Is The Kit) et Sam Genders (Tunng). Un casting dont il rêvait depuis longtemps et qui est porté au service de chansons aux frontières de la folk et de la pop orchestrale. Loin des humeurs du monde, Brulée sera un abri pour les amoureux de Nick Drake et de Vashti Bunyan ou encore de toutes celles et ceux touché·es par la délicatesse de Mark Hollis, Sufjan Stevens ou Robert Wyatt.

C’est en 2015 que Thomas Jean Henri a posé les fondations de Cabane, un projet transdisciplinaire où il y associe musique, photo et vidéo.

Le single Today a été accompagné par une exposition abritant et amplifiant le clip de ce premier extrait de l’album. L’expo a été accueillie par la galerie dédiée à la photographie, L’Enfant Sauvage, à Bruxelles. Thomas y a présenté les 365 clichés qui, montés bout à bout, jour après jour, constituent le clip de Today. « Du dimanche 9 janvier 2022 au lundi 9 janvier 2023, j’ai mené un rituel photographique en me rendant tous les jours à la place Poelaert à Bruxelles, à 3,8 km de chez moi, pour y photographier le ciel avec mon appareil argentique moyen format. Nous vivons tous les mêmes journées… Mais en gardons-nous les mêmes souvenirs ? ». Thomas y a proposé à ses visiteurs de repartir avec une photo, en échange d’un souvenir écrit de leur main. Pour nous faire patienter, Thomas nous a distillé tout au long de l’automne 2023 une série de titres inédits issus des sessions d’enregistrement de son premier album (The unreleased series Pt.1).

Titres interprétés au grand studio

- Today Live RFI

- All we could do, extrait de l’album

- Dead Song Live RFI.

Line Up : Thomas Jean Henri, guitare, Kate Stables, chant.

Son : Mathias Taylor et Benoît Letirant.

► Album Brûlée (Cabane Rd 2024)

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Puis nous recevons la violoniste Catherine Graindorge pour la sortie de l’album Songs for the Dead.

Après son passionnant EP en duo de 2022 avec Iggy Pop The Dictator, la compositrice et musicienne belge Catherine Graindorge revient avec un album d’ensemble lumineux où elle collabore avec Simon Huw Jones (And Also theTrees). Des chansons instrumentales et vocales sur la vie, l’amour et la mort. Inspiré par les mythologies et les élégies des Grecs aux Beats. Histoires et mythes. Ils se répandent comme des rivières dans nos vies, nos cultures. Certains sont anciens, d’autres plus récents, mais tous contribuent à nous façonner, à nous guider et à nous consoler sur les chemins de la vie, de l’amour et de la mort. Ils ont un pouvoir tranquille, et c’est ce que Catherine Graindorge explore dans son nouvel album Songs for the Dead. Un nouvel album en hommage au poème ‘A Dream Record’ d’Allen Ginsberg « Le poème m’a touché, il m’a fait réfléchir sur l’art, la vie et la réalité, et j’ai donc décidé de construire l’album autour de lui ».

Dans cette œuvre, Allen Ginsberg, rêveur, rend visite à Joan, l’épouse décédée de l’écrivain William Burroughs, qui l’a tuée alors qu’elle tentait prétendument d’imiter Guillaume Tell et de tirer un verre sur sa tête. Le couple rit et parle d’amis communs comme si elle était encore en vie. Mais la réalité de la tombe revient et le rêve s’évanouit.« Je ne savais rien de Joan Vollmer, mais le poème dit tout de nos vies. Quelque chose peut arriver et il n’y a pas de retour, sauf dans nos rêves, lorsque les morts viennent nous rendre visite. Comme dans le mythe d’Orphée et d’Eurydice. Dans les yeux d’Orphée, Eurydice semble vivante un instant, mais un seul regard suffit pour qu’elle disparaisse dans le monde des morts. Il veut la ramener à la vie par l’amour qu’il lui porte ».

Titres interprétés au grand studio

- Joan Live RFI

- The Dictator, extrait duo avec Iggy Pop voir le clip 

- Orpheus Head, extrait de l’album

- The Unvisited Garden Live RFI.

Line Up : Cyrille de Haes, contrebasse, Catherine Graindorge, alto + voix.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Songs for the Dead (Glitterbeat 2024).

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De l’afrobeat japonais, de la pop ouzbèke oubliée, des BOF transmusicales, en piste ! Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen propose une playlist de 5 titres. 

Playlist

- Adriana Paz & Mexican Choir, Las Damas que Pasan, tiré de la «Bande originale du film Emilia Pérez» (Why Not / Masterworks, 2024)

- Panda Bear & Sonic Boom, Viviendo en las sequelas (Mariachi 2000 de Cutberto Perez Version), tiré du EP Reset Mariachi (Domino Recording, 2024)

- Angelina Petrosova, Tantsuyushchiy Ostrov (Dancing Island), tiré de la compilation «Synthesizing the Silk Roads: Uzbek Disco, Tajik Folktronica, Uyghur Rock & Tatar Jazz from 1980s Soviet Central Asia» (Ostinato Records, 2024)

- Kyrylo Stetsenko, Play, the Violin, Play (feat. Tetiana Kocherhina), tiré de la compilation «Even the Forest Hums: Ukrainian Sonic Archives 1971-1996» (Light in the Attic, 2024)

- Kit Sebastian, Metropolis, tiré de l'album New Internationale (Brainfeeder, 2024).

Puis nous recevons le groupe japonais Ajate pour la sortie de l’album Dala Toni.

AJATE sort son 3ème album DALA TONI sur le label 180g. Dala Toni d'AJATE est un album qui célèbre la puissance de la connexion humaine, soulignant que nous sommes plus forts ensemble. Il nous invite à transcender les distances, à partager la beauté du quotidien et à enrichir nos vies mutuellement. Cet opus mêle émotions, joie et résilience, chaque chanson étant une exploration des profondeurs de l'âme humaine. À travers sa musique poignante, AJATE nous rappelle que nous ne sommes jamais seuls, offrant une expérience immersive de réconfort et d'inspiration. DALA TONI est une invitation à découvrir la magie de l'union humaine, promettant un voyage où l'amour et la force s'harmonisent.

Le musicien japonais « John » Imaeda, lors d’un séjour en Afrique de l’Ouest, est un jour pris de stupéfaction par les similarités qu’il ressent entre l’afrobeat qui résonne dans les rues d’Accra et les sonorités du «Ohayashi» , les musiques jouées lors des fêtes ancestrales japonaises – les fameuses «Matsuri» - auxquelles John participe depuis son enfance. A son retour dans l’archipel en 2009, il crée le groupe AJATE, collectif de 10 musiciens passionnés. Leur son unique passe d’un monde à l’autre, joue des rythmes et des mélodies pour créer une musique unique aux racines entremêlées. Aux tambours, aux flûtes et aux cloches, viennent se joindre de curieux instruments faits main par John lui-même avec le matériau incontournable des campagnes japonaises : le bambou.

Le « Jaate », xylophone-balafon doté de capteurs piézoélectriques sur chacune de ses touches et au son amplifié, ou le « Piechiku » version bambou du « Ngoni » malien ou du « Guembri » gnawa, équipé de cordes de shamisen et connecté à un arsenal de pédales guitare, donnent a AJATE une sonorité unique. Des chants féminins et masculins japonais puissants et entraînants comme jamais apportent la touche finale d’un groove extraordinaire et novateur, ou Afrobeat et musique Japonaise traditionnelle sont comme un poisson dans l’eau.

Titres interprétés au grand studio

- Nagi Yoni Live RFI

- Iduchihemo, extrait de l’album

- Waya Yawa Live RFI.

Line Up : Junichiro «John» IMAEDA, Piechiku (guitare en bambou), vocal chorus, Yukio «Gen» SATO, vocal, chorus take (cylindre en bambou) NORIKO «Nyori» OTA, jaate (xylophone en bambou), Takako UCHIDA «Peppermint U», vocal, chorus, tamasudare (bamboo toy, traditional busking Japan), Kazuki «Cho-san» CHONAN, Shinobue (flûte japonaise en bambou), Keigo «Shin-san» YAMADA, Shime-taiko (Japanese trad high-pitched drum), Yugo AKAMATSU, Kane (jap trad metal percussion), Masaho «Doncic» TAMURA, Ohdo (jap trad low-pitched drum), Tomohiko «Kick-Rin» KIKUCHI, basse, Kenta Takeda, guitare + traduction japonais / français Gregory Gouty.

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

►  Album Dala Toni (180g 2024).

Réalisation : Donatien Cahu.

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Electro dub oriental entre Angers et Essaouira en passant par du oud et du saz d’Anatolie.

Nos 1ers invités sont Alright Mela Feat. Jaouad El Garouge

Après avoir développé pendant 10 ans le projet Markus & Shahzad avec le chanteur pakistanais de qawwali Shahzad Santoo Khan, Markus et Cheb Xavi crée en 2021 un duo électro dub oriental inspiré par la tape music des années 70.

Les musiciens se croisent souvent en tournée mais n’échangent finalement rarement plus de quelques mots d’usage.

Entre Jaouad El Garouge, chanteur gnawa et joueur de guembri originaire du Maroc et le duo angevin Alright Mela, la rencontre s’est faite simplement et encore plus naturellement l’envie de partager la scène.

Alright Mela est une expression qui signifie « Tout va bien ! » à Malte (s’écrit « orrajt mela »), un pays à la culture métissée arabo-européenne, expression qui synthétise bien leur musique et, comme un mantra, exprime l’espoir d’un monde meilleur.

Autour de textes forts sur des thématiques contemporaines (la migration, les guerres, la discrimination, la pauvreté dans les grandes mégalopoles, ...), leur musique invite à la réflexion mais également à la transe.

Ancrés par des beats électroniques envoûtants et des synthés oldies hallucinés, le oud et le guembri sonnent la révolte pour que les chansons d’Alright Mela donnent une irrésistible envie de danser le poing levé.

Le trio s’est échappé par la Méditerranée et a puisé dans ses inspirations au gré des rencontres pour explorer de nouvelles contrées sonores entre Europe, Maghreb et Moyen-Orient, et invite à fouler le dance floor au beau milieu d’une rose des vents orientés « Global Guinche ».

Titres interprétés au grand studio

- Aswad & Abyad Live RFI

T- asamoh, extrait de l’EP

- Tfayyel Live RFI.

Line Up : Cheb Xavi, programmation, claviers ; Markus, oud et Jaouad El Garouge, guembri, chant.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

EP Tasamoh (Daydream Music 2024)

Concert 16 octobre 2024 Mama festival.

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Puis nous recevons Ruşan Filiztek pour la sortie de l’album Exils (De la Mésopotamie à l’Andalousie).

Joueur de saz, le luth à manche long de l’Asie Mineure, chanteur, musicologue, Ruşan Filiztek a beaucoup marché par les musiques, de son Anatolie natale à l’Istanbul de l’adolescence, puis à l’Irak et à la Syrie dont il a arpenté les musiques, avant d’arriver en Europe par l’Andalousie et de prendre la route de Paris. « Cet album ne pouvait se faire que là où tous ces musiciens sont rassemblés », dit-il : car Exils déploie un tissage d’amitiés et de complicités qui dépasse les contours de ce que l’on appelle d’habitude un groupe – le guitariste flamenco François Aria, le percussionniste Juan Manuel Cortes, le flûtiste celtique Sylvain Barou, le joueur de duduk arménien Artyom Minasyan, la violiste Marie-Suzanne de Loye, la chanteuse grecque Dafné Kritharas, la chanteuse flamenca Cécile Evrot, les bassistes jazz Leïla Soldevila et Emrah Kaptan. Tous vivent à Paris, incarnant le double sens du mot sürgün en turc, qui signifie à la fois l’exil et le plan, la pousse, la bouture que l’on plante dans une nouvelle terre. Comme Ruşan, leur exil les a enracinés ailleurs. « Ce ne sont pas seulement des musiciens avec lesquels je travaille. Je vis avec eux. » Et, par ces amitiés, Ruşan passe par les portes laissées ouvertes d’une culture à l’autre, par les ponts visibles seulement par ceux qui écoutent. B. Dicale.

Titres interprétés au grand studio

- Bisk Live RFI 

- Kubar Yarê Esmerê, extrait de l’album

- Nomades Live RFI. 

Line Up :  Rusan Filiztek : chant, oud, saz ; François Aria : guitare flamenco et Leïla Soldevila : double basse.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

Album Exils (De la Mésopotamie à l’Andalousie) (Accords Croisés 2024).

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À l’origine de ce label parisien, le constat, l’évidence d’un refus : No Format !

Le 20.04.2004 Manifeste NO FORMAT ! :

No Format pourquoi ? Tout simplement parce que trop fragiles, trop radicales, trop singulières, trop typées, trop élitistes, trop populaires, trop adultes, trop infantiles, trop mûres, trop immatures, trop métissées, trop identitaires, trop mélodiques, trop improvisées, trop modernes, trop intemporelles – toutes les musiques publiées ici n’auraient jamais trouvé leur place dans le paysage musical factice fabriqué de toutes pièces par la logique de formatage des goûts, qui régit aujourd’hui la politique de l’industrie du disque.

Trop, trop, trop – pas dans le cadre, la moyenne ! Alors où ? Car enfin elle existe cette diversité luxuriante qui déborde les catégories, explose tous le systèmes. Et à l’autre bout de la chaîne, vous existez, vous amateurs de musiques « de traverse » - tous différents dans vos désirs confus d’inouï et d’inattendu ; tous semblables aussi quand l’inconnu s’impose et se révèle comme par magie l’objet des fantasmes les plus enfouis…

C’est précisément parce qu’on ne sait jamais à l’avance ce que l’on désire qu’existe aujourd’hui NO FORMAT !.

20 ans plus tard, No Format joue toujours ce rôle d’appel d’air et d’ouverture.

On en parle avec nos invités : Laurent Bizot, fondateur du label, et les artistes Nicolas Repac, Natascha Rogers, Fidel Fourneyron (Que Vola ?) et Fred Soulard (Asynchrone).

Nicolas Repac de Swing Swing (NØF.#02) à Gramophonie (NØF.#63) ou le grand orchestre imaginaire d’un sample d’esprit.

Natascha Rogers Onaida(NØF.#60).

Fred Soulard et le projet Asynchrone Plastic Bamboo (NØF.#59) autour du répertoire de Ryuichi Sakamoto.

Fidel Fourneyron ¿Que Vola? (NØF.#43).

La tournée des 20 ans passe par le Rocher de Palmer le 26/09, le théâtre Silvia Monfort le 28, la suite par ici.

Le livre des 20 ans est disponible sur le site du label.

Note d’intention, 2004 - 2024. Vingt ans d’aventures, d’explorations musicales, de désirs nés d’une surprise, et de surprises nés d’un désir, d’instants suspendus partagés avec une famille qui n’a fait que grandir. Une famille que notre public et nos abonnés forment avec tous les artistes qui ont embarqué sur les chemins de traverse de ce label à taille humaine. Pour revenir sur cette route parcourue ensemble, il fallait bien un livre qui nous raconte au fil de l’eau, au fil des ans... Il est fait de récits, de témoignages, de tableaux et d’images livrés par de nombreux compagnons de route qui ont tous participé à faire de ce label ce qu’il a toujours voulu être : un espace de liberté. Merci à eux, et à tous ceux qui nous ont, depuis nos débuts, accompagnés et soutenus. 

Playlist

- Harlem, Pleure pas Nelly, Nicolas Repac (extrait Gramophonie NoF 2024)

- Ashes, Natascha Rogers (extrait Onaida, NoF 2024)

- Aro Vaje, Piers Faccini et Vincent Segal, inédit NoF

- Riot In Lagos Asynchrone (extrait Plastic Bamboo NoF 2023)

- Calle Luz Que Vola (extrait Que Vola NoF 2018)

Et EXCLU

Tassi Salif Keïta (So Kono à paraître en 2025 chez No Format).

Devise empruntée

Il y a des années où l’on a envie de ne rien faire, devise de Saravah, label fondé par Pierre Barouh.

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Reportage à Sète de Jeanne Lacaille pour les 70 ans de carrière de René Lacaille.

Le 26 septembre 2024, l’accordéoniste réunionnais René Lacaille fêtera ses 70 ans de carrière au Théâtre Molière à Sète. Sète, où le musicien s’est installé depuis trois ans avec son épouse et une bonne partie de leur petite tribu, notamment sa fille Oriane, du groupe Bonbon Vodou.

René Lacaille voit le jour en 1946 à St-Leu à La Réunion dans une famille de musiciens qui jouent du séga, du quadrille créole, des valses et des polkas dans les bals poussière, les fêtes de campagnes et les mariages. Dès son plus jeune âge, René embrasse la musique et l’accordéon comme instrument de prédilection. Après son service militaire en métropole, René apprend le solfège avec son grand frère et s’immerge dans le joyeux bouillon de Mai-68 à Paris. De retour au péi, René goûte au séga-jazz avec Luc Donat puis forme, en 1976, le groupe culte Caméléon avec Alain Peters, Bernard Brancard, Hervé Imare, Joël Gontier et Loy Ehrlich ; ensemble ils électrisent maloya et séga à la sauce psychédélique.

Retour dans l’hexagone, René Lacaille met ses talents de multi-instrumentiste au service d’artistes comme George Moustaki, Manu Dibango ou Jacques Higelin. La musique, c’est meilleur à plusieurs pour René qui, en 2002, s’associe au bluesman américain Bob Brozman pour l’album Dig Dig, mais aussi, en bon passeur, avec ses enfants, sa marmaille, Marco et Oriane, pour le disque Gatir en 2005. Chez les Lacaille, on l’a dit, la musique est une affaire de famille, de famille artistique aussi : de Lo’Jo aux Ogres de Barback, en passant par Danyel Waro & Vincent Ségal (pour l’album Kordéon Caméléon, un disque pour lequel René a reçu en 2009 le prix de l’Académie Charles Cros).

Notre reporter Jeanne Lacaille a passé quelques jours chez René Lacaille, à table, sur la plage, en studio, avec toute la famille. Ses amis en profitent pour lui souhaiter un très bel anniversaire. Et nous aussi !

Site René Lacaille - Facebook - Instagram - Deezer - YouTube

► Concert anniversaire le 26 septembre 2024 au Théâtre Molière de Sète

Pour aller plus loin :

Site de sa fille Oriane Lacaille 

Site de Bonbon Vodou, sa fille Oriane Lacaille et son gendre Jeremy Boucris

Réunion La 1ère

Jacky iDO a les mots dans la peau, au point qu’on aime imaginer que ce généreux sourire, si souvent accroché à ses lèvres, est là pour leur dérouler le plus beau des tapis rouges : un peu comme dans un conte, sa bouche libère les mots pour leur donner mille tournures. Les cadencer, les faire claquer, les amarrer à l’âme, aux bleus, au cœur, leur faire prendre des sens interdits, les faire rougir et les conjuguer dans plusieurs langues, au pluriel, Jacky iDO a fait du verbe le concert de sa vie.

De l’Afrique à l’Amérique en passant par l’Europe, il les a élus guide pour relier les trois points cardinaux de son histoire et de son territoire. Devant une caméra ou derrière un micro, le langage chez lui est tension. Tension vers lui-même pour mieux tendre vers l’autre. Parallèlement à sa carrière d’acteur internationale au cinéma (avec Quentin Tarantino, Claude Lelouch, Luc Besson...) et au théâtre (Bérénice, Phèdre, mis en scène par Muriel Mayette-Holtz), il revient à ses premières amours : le slam et la musique.

En 2023, il remonte la scène Slamaleikoum, créée début des années 2000 avec Grand Corps Malade et qu'il anime aujourd’hui une fois par mois au 360 Paris Music Factory. Dans ce chorus de voix, Jacky iDO affûte aussi la sienne et enregistre en 2023 son premier album, coréalisé avec Cyril Giroux, aux studios Ferber à Paris et ICP à Bruxelles (sortie automne 2024). Caisse de résonance de son triangle identitaire, cet album retrace l’itinéraire d’une vie tournée vers la nôtre. Ses fulgurances, ses combats, ses espoirs se font l’écho de nos parcours. Jacky iDO slame, rappe et chante en français, anglais et moré. Des cordes classiques à celles d’un n’goni ou d’un ukulélé, d’un beat hip-hop à un groove chaloupé, il nous embarque avec ses musiciens Les Choco’Latés dans le labyrinthe d’une musique ouverte aux vents des mots et des rêves.

Titres interprétés au grand studio :

Slamaleikoum, Live RFI

La Cause, extrait de l’album Ouaga Doux Goût, Live RFI

Line Up : Jacky iDO, chant, Jean-Charles Acquaviva, piano, Frédérique Alié, chant, Clément Febvre, batterie, Guimba Kouyaté, guitare, Sébastien Moreau, piano, Simon Renard, guitare

& Frédérique Briard.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

► Album iDO donc je suis (BROOKLYNAFASO 2024)

Site internet - Instagram - Facebook

Meshell Ndegeocello Travel, tiré de l’album No More Water, The Gospel of James Baldwin (Blue Note Rd 2024)

Nina Simone Four Women

James Baldwin & David Linx A Lover’s Question

Site internet Meshell Ndegeocello

Réalisation : Donatien Cahu

Du Cameroun à la Louisiane, en passant par le Québec et l’Auvergne, bon voyage.

Notre premier invité est Just Wôan pour la sortie de l’album Tata.

Tata est le nouvel album de Just Wôan, qui signifie «père» en langue bafia du Cameroun. Cet album acoustique et intime livre sans retenue ses mélodies et émotions les plus personnelles.

S’il y a bien une chose qui rend Just Wôan si singulier, c’est avant tout sa voix. En effet, ce multi-instrumentiste autodidacte d’origine camerounaise est doté d’une incroyable aisance vocale dont lui seul détient le secret, capable d’aller dans les notes aigües autant que les graves tout en s’accompagnant à la guitare qu’il joue de manière assez atypique grâce à une technique nommée le «tapping-guitar».

C’est en 2012 que Just Wôan pose les pieds pour la première fois au Québec, alors qu’il y était invité pour présenter son tout premier disque Des Reines aux Francofolies de Montréal ; Montréal sera dès lors sa terre d’adoption car cela fait dix ans qu’il y vit.

Dans ce nouveau disque, les arpèges de basse électrique se mêlent aux mélodies percussives et profondes d’Afrique centrale. Quand s’y ajoute le « tapping » de la guitare, le tout donne un sentiment enveloppant qui berce le mélomane de sonorités diverses qui s’entremêlent les unes aux autres et laissent émerger des harmonies portées par une voix douce et brillamment soutenue par un registre multi-octave.

Titres interprétés au grand studio

- Tata, extrait de l’album

- Rapha, extrait de l’album

- Ma’a Biabi Live RFI.

Line Up : Just Wôan, guitare voix

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

► Album Tata (Miss-Meuré 2023, Canada).

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Puis nous recevons le groupe Muddy Gurdy dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Seven.

Auvergne-Mississippi avec Muddy Gurdy en 2017, Mississippi-Auvergne avec Homecoming en 2020. Et aujourd’hui Auvergne-Louisiane avec Seven. Ces trois albums forment bien un triptyque spatio-temporel, la réalisation de l’idée aussi folle que visionnaire du trio Muddy Gurdy : créer une musique de la terre et de la Terre, creuser un sillon profond depuis les volcans d’Auvergne jusqu’aux collines du Mississippi ou aux bayous de Louisiane, affirmer par l’exemple que les gestes des musiciens peuvent être aussi universels et ancestraux que ceux des paysans d’ici ou d’ailleurs. Leurs outils ? Une vielle à roue, des guitares, des percussions et du chant. L’histoire aurait pu s’arrêter avec Homecoming, après le décès de Marco Glomeau, percussionniste du groupe, compagnon de la chanteuse-guitariste Tia Gouttebel, esprit aussi brillant que farceur derrière le projet Muddy Gurdy. Marco avait souhaité que l’aventure continue comme prévu, avec ce chapitre sur les terres de Louisiane que le groupe avait déjà arpentées plusieurs fois. Le trio recomposé (avec le fidèle Gilles Chabenat à la vielle et l’ami Fabrice Bony aux percussions) a enregistré Seven comme il sait faire : vite et bien. En une semaine, dans un tourbillon de rencontres, avec des chansons et des gens, parfois calées de longue date et parfois du jour au lendemain, dans des lieux de vie (une salle de classe avec 50 enfants dans les chœurs, un bateau, une pelouse, la scène d’un club pendant que les clients boivent des coups), avec une équipe technique réduite et un studio mobile pour l’enregistrement.

Dans ce disque cool, frénétique et spirituel à la fois, on entend de la musique cajun, de l’accordéon zydeco, un chant de chef indien de Mardi Gras, des grands classiques revisités de Nina Simone, Muddy Waters et Hank Williams. On découvre le « juré » des Broussard Sisters (et c’est une révélation). On savoure la richesse des ingrédients louisianais, et le talent du trio à les transformer en chansons de Muddy Gurdy. Sans aucun dogme ni prétention ethnomusicologique, mais pour le plaisir de la rencontre, des moments partagés. Seven n’est pas une leçon d’histoire, mais de vie et peut-être même de survie. Pourquoi ce troisième album s’appelle-t-il Seven ? Parce qu’en Louisiane, ils sont partis à six, mais que l’esprit de Marco Glomeau était du voyage, toujours présent dans l’aventure du groupe et dans leurs cœurs. Stéphane Deschamps.

Titres interprété au grand studio

- Jambalaya Live RFI

- Morning Comes, feat. Big Chief Juan Pardo, extrait de l’album

- Almost Lost My Mind, Feat. Ruben Moreno, extrait de l’album

Line Up : Tia Gouttebel, chant guitare, Gilles Chabenat, vielle à roue et Fabrice Bony, percussions.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Seven (Buda Musique 2024).

Site Muddy Gurdy 

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Live Le 106 Rouen - Les Nuits de l'Alligator 2024.

D’une anarchique Maison Mâquis bourguignonne à Mara Beboos (embrasse-moi en farsi), ou l’art du grand écart.  

Notre 1er invité est le duo Sages comme des Sauvages, pour la sortie de Maison Maquis.

Maison Maquis. est le nouvel album de Sages comme des sauvages. Ces bêtes de scène ont écumé la France en long, en large et de travers, et ont conquis un public fidèle et convaincu. Sages comme des sauvages, c’est un duo franco-américano-gréco-corso-bruxellois, composé d'Ava Carrère et d'Ismaël Colombani. Elle est plasticienne, polyglotte, musicienne et autodidacte, lui est violoniste de formation, poly-instrumentiste. Elle vient du milieu cosmopolite du cabaret berlinois, lui vient des musiques bruyantes et expérimentales et compose pour la scène. Ce troisième album est co-réalisé par Dakou, virtuose du rythme afro-cubain électro, membre des duos Tschegue et The YD. Sont invités à la fête Sofiane Saidi, «prince du raï 2.0», le collectif de néo folk occitan San Salvador, les géniaux MPL.

Sages comme des sauvages ne sont pas ceux que vous croyez. Depuis 2015, vous vous trompez sur leur compte. Vous les pensiez naïfs, ils sont anarchistes. Vous les pensiez gentils, ils sont en colère. Hors des modes, branchés sur les périphéries, Sages comme des sauvages se forge une place entre le populaire et le cool. Leurs chansons sont des médicaments contre les mauvaises nouvelles, des tentatives de réenchanter la diagonale du vide. Ils ne ressemblent à personne parce que personne ne leur ressemble. Ismaël Colombani a commencé le violon à six ans et a ensuite œuvré dans quantité de groupes de musique d'avant-garde. Il compose aussi de la musique pour la scène notamment pour la compagnie de danse mondialement connue Peeping Tom. Ava Carrère a étudié aux Beaux-Arts jusqu'à ce qu'elle ressente le besoin de trouver une manière plus directe de s'adresser aux gens. Dans le monde du méta cabaret berlinois, elle a découvert qu'elle était pleine de chansons. La gomme, le viagra, le carambar et le LSD sont des exemples de sérendipité. Ce sont des choses qu'on a trouvées sans les chercher. Sages comme des sauvages en est un autre. Tout est arrivé par hasard. Ismaël n'était pas censé rencontrer Ava Carrère, comme des instruments grecs n'étaient pas censés jouer de la musique réunionnaise.

Le hasard les fait rebondir comme des boules de flipper entre Berlin, la Grèce et l'île de La Réunion. Ils y trouvent des traces de musiques que le commerce n'a pas complètement dominées, en ramènent des instruments, des amitiés et l'idée que la créolisation du monde doit s'amplifier. Et voilà que bien malgré eux Sages comme des sauvages devient un groupe quasiment connu, sort deux disques, se retrouve amplifié par toutes les radios francophones, gagne des prix et fait des centaines de concerts en France et à l'étranger. Partout où ils passent, ils font danser des familles entières sur des chansons politiques ou poétiques, ce qui n'est pas donné à tout le monde (surtout quand on n'est pas encore mort). C'est que derrière le hasard, il y a un engagement, celui de mettre la musique au centre, pour tous, sans concessions. La révolte chez eux n'est pas une posture, elle fait partie de l'air qu'ils respirent chaque matin. La partager de tout leur cœur avec leur public devient vital. Non seulement vous risquez d'être émus par leur musique, mais il est possible que leur concert se transforme brutalement en one-couple-show. Les deux ont énormément de choses à dire et leur laisser une tribune n'est pas sans risques. Attendez vous à de l'inattendu.

Titres interprétés au grand studio

- L’inverse Live RFI

- Cthulu, extrait de l’album

- Le Loyer Live RFI.

Line Up : Ava Carrère, percussions, chant, Ismaël Colombani, guitare, chant. 

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor, Mathieu Dupuis.

► Album Maison Maquis (Capitane Rd 2024).

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Puis nous recevons Arash Sarkechik pour la sortie de Bazaari.

Auteur, compositeur, interprète. Le musicien d’origine iranienne Arash Sarkechik, délivre ici un répertoire de chansons « nomades » aux arrangements hauts en couleurs sublimés par le réalisateur Jean Lamoot et un certain sens de la fête. Les sonorités persanes, du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord se mêlent à des grooves actuels puissants pour créer un grand bazar festif et poétique à souhait ! Après avoir écumé les scènes en solo pendant trois années avec son premier album Tout ira bien 2018, Arash a su porter sa voix aux quatre coins de la France. Il s’entoure cette fois d’un combo de musiciens merveilleux, avec qui le spectacle saura briller de mille feux. « Je livre aujourd’hui ce deuxième opus sous mon nom, comme une affirmation. Ce nouvel album est un joyeux bazar tout comme moi, dans lequel j’ai laissé jaillir les couleurs perses de mon enfance avec lesquelles je vis avec bonheur aujourd’hui. Il est ce que je suis, multiple, pluriel, nourri de mes rencontres, du Maroc au Cap Vert, du Liban à la Guadeloupe, la musique faisant le lien, avec, toujours, et à jamais : l’ivresse, la beauté, la liberté ».

Titres interprétés au grand studio

- Shansel Live RFI

- Mara Beboos, extrait de l’album

- Goleh Sangam Live RFI.

Line Up : Arash Sarkechik, guitare, voix, Somar Al Nasser, oud.

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Bazaari (Blue Shine/ Baco Music 2024).

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Des chants d’amour aux chants contestataires, avec Kader Tarhanine (Mali/Algérie) et Three Days of Forest (France).

#SessionLive Nos premiers invités sont les musiciens du groupe touareg Kader Tarhanine

Kader Tarhanine, l’étoile montante de la musique moderne touarègue, captive un public de plus en plus large grâce à son talent inné et à sa fraîcheur artistique. En 2012, il a été propulsé sur la scène internationale avec sa chanson emblématique «Tarhanine Tegla : mon amour est parti», devenant ainsi une figure majeure pour la jeunesse touarègue dans le monde entier. Sa musique fusionne habilement les rythmes traditionnels touaregs avec des influences rock, créant un son unique et captivant. Les paroles poétiques de ses chansons, souvent en tamacheq ou en arabe, ajoutent une dimension profonde à sa musique, touchant les cœurs de ceux qui l’écoutent.

En plus de son talent musical, Kader Tarhanine est également connu pour ses performances scéniques impressionnantes et sa maîtrise exceptionnelle de la guitare, ce qui lui a valu une réputation d’artiste incontournable de la scène touarègue moderne. Au fil des ans, il a collaboré avec de nombreuses icônes de la musique africaine, telles qu’Oumou Sangaré, Fatoumata Diawara, Sidiki Diabaté du Mali, Mouna Dendeny de la Mauritanie et même Carlou D du Sénégal. Ces collaborations ont non seulement enrichi sa musique, mais ont également fait de lui un artisan de la paix par la musique, utilisant son art pour promouvoir l’harmonie et la compréhension entre les peuples. En tant qu’ambassadeur symbolique, la musique de Kader Tarhanine transcende les frontières, prônant l’harmonie entre les régions sahélo-sahariennes jusqu’au Maghreb, souvent déchirées par des crises multiples. Son engagement en faveur de la paix et de l’unité, combiné à son talent musical indéniable, fait de lui une figure emblématique de la musique africaine contemporaine.

Titres interprétés au grand studio

- Kal Diabbas Live RFI

- Imanine, titre Cd

- Al Gamra Leila Live RFI voir le clip

Line Up : Kader Tarhanine (Guitare lead et chant), Mohammed Zenani (Guitare et Chœur), Alhousseini Mohamed (Percussions, Batterie, Chœur), Drissa Kone (Guitare Basse) et le tour manager Ehamat Ag El Medy.

Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.

► Album Ikewane _Racines (Essakane Productions).

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- Afrika Festival Hollande 2023.

#SessionLive Puis nous recevons le groupe Three Days of Forest pour la sortie de Four Trees. Et c’est en duo qu’Angela Flahault et Séverine Morfin présentent cet album.

Une forme musicale atypique : Alto, batterie, claviers et voix augmentées d’effets électroniques. Un quartet à l’énergie rock qui rend hommage aux poétesses afro-américaines et anglophones engagées : Rita Dove, Gwendolyn Brooks, Charlotte Perkins Pilman, Charlotte Mew... Le groupe revisite ces poèmes sous forme de «protest songs» électriques et crée un folklore imaginaire, onirique et halluciné. Leur musique vole ainsi d’un possible chant de manifestants au free jazz, d’une chanson comptine à une frénésie de transe. Une Ode à la liberté́ ! Un duo de compositrices.  Depuis 2010, l’altiste Séverine Morfin et la chanteuse Angela Flahault collaborent autour de leur amour pour la poésie. En 2017, elles créent le Trio Three Days of Forest qui en 2023 devient un quartet. Three days of Forest est Lauréat Jazz Migration 2018.

Séverine Morfin affectionne les dialogues féconds : écriture et improvisation, musique concrète et jazz, rock et exploration électro-acoustique, poésie contemporaine et chanson. Elle est actuellement en tournée avec plusieurs de ses projets : le quartet Mad Maple, le quartet Simone. Elle est en résidence au Théâtre de Vanves, au Comptoir à Fontenay. Éclectique, elle collabore avec des musiciens.nes d’horizons différents, de «Fred Pallem et Le Sacre du Tympan» au Wanderlust d’Ellinoa, de l’orchestre Danzas de Jean-Marie Machado au quintet de Piers Faccini... On l’a vue participer au Tubafest d’Andy Emler, aux Comédies musicales de Thomas de Pourquery, à l’ONJ Rituels,... Formée à l’alto classique et au Jazz à Paris, elle est titulaire d’une maîtrise d’Histoire contemporaine à La Sorbonne et d’un Master 2 de Musicologie. Elle collabore avec le poète Jacques Rebotier pour la création «Chansons Climatiques et Sentimentales», avec l’écrivaine Violaine Schwartz et compose la musique de deux spectacles chorégraphiques. Elle est directrice artistique de la compagnie Garden depuis 2017.

Angela Flahault est une chanteuse tout terrain, elle aime s’emparer du rock, de la folk, de la chanson, de la pop, du jazz avec la liberté́ d’une voyageuse. Au conservatoire, elle se forme au chant lyrique, à la comédie musicale mais quitte cet enseignement quand elle découvre avec appétit la musique improvisée auprès de Phil Minton puis Joëlle Léandre. En 2004, parallèlement à ses études musicales, elle obtient un diplôme national d’arts plastiques aux Arts Décoratifs de Strasbourg. Depuis 2014, on la retrouve au chant lead auprès du grand orchestre du Tricollectif dans le Tribute à Lucienne Boyer. En 2017, elle se produit aussi dans Le serpent des mers et autres contes avec le flûtiste Joce Mienniel. On la retrouve au chant lead pour la création chorégraphique de Gregory Maqoma à l’Opéra de Lyon en 2021/22. En sept. 2022, elle part pour une expédition chantée sur le trajet de l’Odyssée d’Homère avec un équipage d’artistes internationaux avec Mission O. Angela Flahault trouve son équilibre dans le mélange des médiums artistiques. Qu’on ne lui demande pas de choisir entre la musique et les arts plastiques ! C’est précisément cela qui lui permet de proposer un univers fort et entier.

Titres interprétés au grand studio

- My Taste Live RFI

- Great Trees, extrait de l’album

- Crazy Woman Live RFI

Line up : Angela Flahault - voix et effets et Séverine Morfin - alto et effets.

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor, Mathieu Dubois.

► Album Four Trees (Garden Rd 2024)

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