Entre Pink Casbah et Everyday Superheroes, piano méditatif et arabo andalou «arrangé» rock & soul.

Nos premiers invités sont les 3 chevaliers du trio Armel Dupas pour la sortie de Everyday Superheroes.

Avec Everyday Superheroes, le Armel Dupas Trio signe un album vibrant, cinématographique, où chaque morceau célèbre à sa manière les figures ordinaires de la vie quotidienne. À travers dix titres d’une grande cohérence poétique, le trio nous plonge dans un univers acoustique lumineux, enraciné dans la tradition du jazz tout en s’ouvrant aux couleurs du monde d’aujourd’hui. On y entend l’écho des grandes années Blue Note — des grooves inspirés de la soul jazz des années 60, des clins d’œil rythmiques aux musiques latines (Chocolate Cake), une narration presque filmique (The West Coasters, Vert Lagune), mais aussi la douceur d’un piano méditatif (Peace On Earth, Les mystères de l’âme) et l’énergie bondissante d’un trio en pleine osmose (The Playful Listener). À ces compositions s’ajoutent deux reprises emblématiques : Invitation, traité comme un boléro élégant, et Encuentros de John McLaughlin, totalement réinventé dans une dynamique presque orchestrale. Entre éclats, tendresse et clarté mélodique, Everyday Superheroes est un hommage vibrant à celles et ceux qui avancent dans la vie avec grâce, courage ou discrétion. Un album à la fois généreux, accessible, et plein d’âme.

Armel Dupas se définit comme un musicien-entrepreneur. Son attrait pour la diversité artistique le conduit à multiplier pendant plus de 10 ans les expériences de tournées, de concerts et de musiques pour le cinéma et le théâtre (Henri Texier, Arnaud Desplechin, Sandra Nkaké, Catherine Ringer). Son oeuvre en tant que leader débute avec deux albums remarqués : Inner Island, album du groupe WaterBabies, vainqueur en 2013 du Tremplin Rezzo Focal Jazz à Vienne, auquel succède Upriver en 2015, sorti sous la bannière prestigieuse du label Jazz Village. En 2017-2018, le Armel Dupas Trio parcourt les scènes jazz françaises et européennes grâce au soutien du projet Jazz Migration qui entoure la sortie de l’album A Night Walk.

En 2019, Armel découvre le plaisir de la scène en solo hors des circuits traditionnels, bâtissant une tournée de 100 concerts chez l’habitant baptisée Home Piano Live, laquelle épouse à merveille la sortie de son album Broderies (7 millions d’écoutes sur les plateformes de streaming). Se produisant davantage à l’étranger qu’en France, Armel prépare un départ pour Moscou avorté par la crise de la COVID. C’est l’occasion d’un retour aux sources sur ses terres nantaises, où Armel redécouvre la vie au calme, entouré de nature et de vieux complices. Home Piano Live devient une émission en direct sur YouTube où l’on joue du jazz pour les amis d’ici et d’ailleurs. En quête permanente de rencontres avec son public, Armel crée en 2021 Le Piano Sacré et Le Coaching Musical, nouvelles passerelles entre musique et bien être. Allongé.e.s sur son piano, les participant.e.s au Piano Sacré vivent la musique d’une manière inédite, entre son vibratoire et portrait musical. 2022 voit la création d’un nouveau Armel Dupas Trio avec Jules Billé (contrebasse) et Christophe Piot (batterie). Acoustique et ancré dans un jazz easy listening, le trio produit deux albums qui remportent instantanément un large succès sur Spotify, propulsant la formation nantaise au rang des artistes de jazz les plus streamés internationalement.

Titres interprétés au grand studio

- Chocolate Cake Live RFI 

- Les mystères de l'âme, extrait CD

- Everyday superheroes Live RFI

Line Up : Armel Dupas (piano), Jules Billé (contrebasse) et Christophe Piot (batterie).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Everyday Superheroes (Jazz Family 2025).

Site Armel Dupas 

YouTube 

Home Piano Live 

 

Puis la #SessionLive reçoit Samira Brahmia pour Pink Casbah.

Depuis plus de 10 ans, dans le milieu de la musique «du monde», elle se fait repérer pour sa voix et sa personnalité à la force tranquille.  Mais avec son passage à l’émission «The Voice» où elle défendait crânement «Haramtou Bik Nouassi», chanson d’amour du creuset arabo-andalou, Samira Brahmia a plus que galvanisé un auditoire des deux côtés de la Méditerranée. Un signe d’encouragement pour une chanteuse qui revendique son identité plurielle et a l’ambition de bousculer les codes esthétiques pour faire voyager son art hors des territoires assignés. Toute son histoire la porte vers cette multiculturalité. C’est que celle qui en pince pour le swing d’Ella Fitzgerald, le groove de Cheikha Rimitti, la fougue d’Edith Piaf, la saudade de Cesaria Evora, a comme ses illustres ainées une voix dont le grain, la dynamique, la texture, la classe qui rappellent celles dont on dit qu’elles guérissent l'âme. 

Samira Brahmia, femme-monde, voix des deux rives. Née en France mais élevée en Algérie, Samira Brahmia a grandi au carrefour des cultures, bercée autant par le blues et le rock que son père lui faisait écouter que par les mélodies arabo-andalouses qui irriguaient son quotidien. Dans l’Algérie des années 1990, alors que le pays traverse une décennie marquée par la violence, elle rêve déjà de musique et de liberté. Elle fait ses premiers pas comme choriste au sein d’un groupe de rock, puis se lance sur scène avec cette force tranquille et cette voix singulière, suave et brûlante, qu’on n’oublie pas.

Son univers, qu’elle nomme le Pink Casbah, abolit les cases et les frontières. Héritière autant de Joni Mitchell que de Cheikha Rimitti, de Piaf que de Cesaria Evora, elle chante en arabe, en français et en anglais, dans un aller-retour constant entre Orient et Occident, entre héritage et invention. 

Titres interprétés au grand studio

- Sankara (hommage à Thomas Sankara) Live RFI

- Len Arka3, extrait album

- Dzeoudji ou Quilini (Marie-toi et lâche-moi) (hommage à Cheikha Remitti) Live RFI.

Line Up : Samira Brahmia (chant), Khliff Miziallaoua (guitare), Karim Ziad (batterie), Youcef Boukella (basse) et Meddhy Ziouche (piano).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Pink Casbah (auto-prod 2025).

Site Samira Brahmia 

YouTube.

D'une ville péninsule (Conakry) aux villes qui ne meurent jamais (Beyrouth), la route passe aussi par Addis, Kingston, Bogota. Bon voyage !

Comme tous les mois, Sophian Fanen propose 5 nouveautés :

- Ata Kak, Batakari, tiré de l'album Batakari (Awesome Tapes from Africa, 2025)

- Sister Nancy, Armageddon, tiré de l'album Armageddon (Ariwa Sounds, 2025)

- Yasmine Hamdan, Shadia, tiré de l'album I Remember I Forget (Hamdanistan/Kwaidan Records, 2025)

- Mulatu Astatke, Kulun, tiré de l'album Mulatu Plays Mulatu (Strut Records, 2025)

- Lucas Hill, Madrugada, tiré de l'album El sol sale también (Polen Records, 2025).

 

Puis la #SessionLive reçoit Kaabi Kouyaté pour la sortie de Tribute to Kandia. 

Sory Kandia Kouyaté (1933-1977) fut «La voix» de la Guinée indépendante. Descendant de Balla Fasséké Kouyaté, l’illustre «djeli» (détenteur de la tradition orale d’un peuple) de Soundiata Keïta, le fondateur de l’Empire du Mandingue, initié à la musique (notamment au ngoni) et à la complexe généalogie mandingue par son érudit de père, il rejoint très tôt la cour royale de Mamou où ses dons vont faire merveille.

C’est à ce baobab de la chanson guinéenne qu’un de ses fils, Kabiné Kandia Kouyaté, alias Kaabi, consacre cet hommage.

Un projet suscité par le réalisateur Laurent Chevallier qui réalisa «La Trace de Kandia», dans lequel Kaabi revenait en Guinée sur les traces de son père, à la rencontre des lieux et témoins de sa légende.

Par le choix du répertoire, cet hommage rend compte de la géographie mentale de Sory Kandia Kouyaté, de son insertion dans la chanson de geste griotique mandingue Contemporanéiser un patrimoine : tel était l’objectif que s’assignait Sory Kandia Kouyaté. 

C’est dans le même esprit que Kaabi a œuvré, lui qui avoue avoir eu besoin de temps pour comprendre l’envergure d’un tel legs. Fort de ce bagage, il s’est donc entouré d’un équipage ad hoc. Des fidèles comme Badje Tounkara (ngoni), Ballaké Sissoko (kora), Lansine Kouyaté (balafon) ou des invités sachant combien l’on ne pénètre dans la musique mandingue qu’avec tact et d’humilité, à l’instar d’un Jean-Philippe Rykiel, familier des musiciens africains, dont le piano prend ses quartiers dans la savane. La présence de la chanteuse Aminata Camara, qui fut choriste de son père, symbolisant comme un passage de témoin. Encore que le plus fascinant dans cet album est la voix de Kaabi, dont le timbre, les modulations, les inflexions, facétie de l’ADN, font écho de façon si troublante à celle du plus célèbre griot de la Guinée. (D’après Frank Tenaille).

Titres interprétés au grand studio

- Mobalou Live RFI 

- Wamiyo, extrait CD

- N'na Yafa Live RFI 

Line Up : Kaabi Kouyaté (chant), Jean-Philippe Rykiel (Piano), Chérif Soumano (Kora) & Youssouf Diabaté (Ngoni).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

RFI Vidéos : Christophe Valette, Dominique Fiant et Cyril Etienne.

► Album Tribute to Kandia (Buda Musique / Socadisc 2025).

Site de Kaabi Kouyaté 

Kaabi Kouyaté à lire sur RFI Musique

La trace de Kandia

Sory Kandia Kouyaté à lire sur RFI Musique.

Dhafer Youssef, Flèche Love, Labess, Aziz Konkrite et Habib Dechraoui à la 20è édition d'Arabesques.

L'esprit du festival Arabesques : un hymne à la diversité culturelle à Montpellier. Créé en 2006 par UNi’SONS, le Festival Arabesques brille comme une perle culturelle majeure qui illumine Montpellier. Cet événement annuel, qui prend place au cœur de la ville en septembre, se dresse comme un véritable phare de la diversité artistique et du vivre ensemble.

Une programmation musicale et pluridisciplinaire : de la musique, mais aussi du théâtre, des contes aux projections cinématographiques, de la danse à la calligraphie, des délices gastronomiques, le festival offre une immersion inégalée dans la riche culture du monde arabe. Cet éventail artistique couvre à la fois la tradition et la création contemporaine, encourageant l'appréciation et la compréhension profonde de cette culture.

Des valeurs de convivialité et de cohésion sociale : au-delà de son rôle artistique, Arabesques incarne un engagement profond en faveur des valeurs de convivialité, de respect mutuel et de vivre ensemble. Chaque année, il réunit un public de toutes origines et de tous âges dans un esprit de dialogue et d'ouverture. Le festival transcende les stéréotypes, offrant une vision authentique et nuancée des cultures arabes. Le public varié reflète la richesse des cultures méditerranéennes, favorisant ainsi l'harmonie et l'enrichissement mutuel.

Un rayonnement international entre l'Europe et le monde arabe : Arabesques est bien plus qu'un festival local. Il se positionne comme un pont entre l'Europe et le monde arabe, mettant en lumière les convergences culturelles et établissant une relation harmonieuse. Avec plus de 20 000 spectateurs qui se rassemblent chaque année pendant 15 jours, le festival investit divers lieux publics et culturels de la Métropole de Montpellier, dont le domaine d'O, l'Opéra comédie, la Halle Tropisme et des espaces publics. Il s'efforce de stimuler la curiosité de tous, favorisant ainsi le vivre-ensemble et l'accessibilité culturelle. Arabesques devient une scène internationale pour la nouvelle génération d'artistes arabes grâce à ses partenariats étroits avec des artistes, des festivals, des salles de spectacles et des institutions en Europe et du bassin méditerranéen qui fait de lui l’événement culturel dédié au Monde arabe le plus important d’Europe.

Nos invités :

Nous avons rencontré le oudiste tunisien Dhafer Youssef. Le maître du oud, vocaliste au talent rare, est revenu à Arabesques pour présenter en exclusivité son tout nouvel album (il jouera 3 titres en fin de concert), attendu à la fin de l’automne. C’est un rendez-vous avec l’un des artistes les plus singuliers de la scène musicale contemporaine. Dhafer Youssef (oud, voix) ; Mario Rom (trompette), Daniel Garcia (piano, claviers) ; Swaeli Mbappe : guitare basse et Tao Ehrlich (batterie).

Flèche Love. L'artiste suisse-algérienne propose une expérience intime, presque chamanique, où la voix devient souffle, cri, incantation, caresse. Portée par la puissance de l’émotion brute et la délicatesse du geste, elle convoque un ailleurs sensible, un territoire intérieur à explorer les yeux fermés. Dans Archipels intérieurs, elle (Amina Cadelli) est accompagnée de Jaafar Aggiouri à la guitare, clarinette, clarinette basse et au chant, et d’Olivier Koundono au violoncelle.

Labess › Dima Libre - nouvel album. C’est un cri du cœur, un souffle insoumis, l’élan vital qui irrigue chaque note du cinquième album de Labess. Dima Libre est une traversée en eaux profondes, portée par la voix rugueuse, vibrante et sincère de Nedjim Bouizzoul. Une voix qui dit les fêlures, les colères brûlantes, les espoirs têtus, les poésies mouvantes et les étincelles volées à la nuit. Nedjim est un voyageur, Algérie, Québec et Bretagne récemment.

Aziz Konkrite est un DJ franco-marocain, collectionneur de disques, beatmaker et producteur d’événements depuis 35 ans. Pour lui, tout a commencé avec la musique : funk, soul, hip-hop, boogie, et musique du monde de Montpellier à Nottingham, Paris à Casablanca, Lille, Praha, Gandou, Brighton… 

- Site du festival Arabesques 

- Dhafer Youssef 

- Flèche Love 

- Labess 

- Aziz Konkrite.

Les musiques nées de l'esclavage (domaine français) est le nouveau livre du journaliste Bertrand Dicale. Entretien.

Bertrand Dicale est né à Paris d'un père guadeloupéen et d'une mère auvergnate. Il est diplômé de l'Institut d'études politiques de Paris et du Centre de formation des journalistes. Depuis janvier 2017, il est directeur général du média numérique d'information News Tank Culture, consacré à l'économie et aux politiques de la culture. Auteur de plusieurs ouvrages, il vient de publier «Musiques Nées de l'Esclavage (domaine français)», aux éditions de la Philharmonie.

Quelle trace la longue période coloniale a-t-elle laissée dans les cultures populaires des terres possédées ou exploitées par la France et ses colons ? Ces sociétés nées de l'esclavage ont engendré un nombre étonnant de genres musicaux : biguine, séga, zouk, quadrille, gwoka, bèlè, mazurka... L'Afrique jetée dans le creuset de la créolisation est partielle, composite, ruinée ; l'Europe que les colons apportent avec eux est incomplète, bancale et surtout confrontée à d'autres cultures, au contact des Africains, des Amérindiens et des Asiatiques dans un contexte radialement neuf. De ce qu'Edouard Glissant appelle la Relation émerge une créolité d'autant plus passionnante à explorer qu'elle annonce le Tout-Monde dans lequel nous vivons.

Playlist de Bertrand Dicale :

- Négoce et Signature La Pastourelle (4ème figure du quadrille, Guadeloupe)

- Ti-Coca An Tan Mango (Haïti)

- Stellio et Léona Gabriel Calalou (Martinique/Guyane)

- Joséphine Baker Madiana (USA/Île-de-France)

- Germain «Chabin» Calixte Zombi baré mwen (Guadeloupe)

- Kassav Zouk La Sé Sèl Médikaman Nou Ni (Guadeloupe/Martinique)

- Danyel Waro Batarsité (Île de La Réunion)

- Theodora Congolese BBL (Congauloise).

- Éditions de la Philharmonie 

- X - Bertrand Dicale 

Par ailleurs, Bertrand Dicale propose un podcast sur Martinique La 1ère depuis le 15/09/2025.

Un diggeur passionné des Caraïbes talonné par un poète anglo-trinidadien qui slame la mémoire des afro-descendants. (Rediffusion)

Emile Omar est notre 1er invité pour présenter le 3e volume de la série Disques Debs International Mizik Maladi (Strut Record 2025). Une compilation concoctée par Emile Omar et Hugo Mendez.

Strut présente avec enthousiasme le troisième volume tant attendu de la série Disques Debs International, explorant plus en profondeur les archives de l’un des plus grands labels franco-caribéens, Disques Debs, basé en Guadeloupe. Fondé par le visionnaire Henri Debs à la fin des années 1950, le label et son studio ont fonctionné pendant plus de 50 ans, produisant plus de 300 singles 7” et 200 albums, faisant de Disques Debs un pilier de l’histoire musicale caribéenne.

Au début des années 1980, Henri Debs s’était déjà imposé comme un producteur prolifique, avec un catalogue de sorties inégalé en Guadeloupe et en Martinique. Parti d’un simple magnétophone deux pistes installé à l’arrière d’une boutique de vêtements, Disques Debs s’est transformé en une véritable institution, avec un studio ultramoderne en plein cœur de Pointe-à-Pitre, des magasins de disques et d’instruments de musique en Guadeloupe, en Martinique et à Paris, une discothèque au Gosier, ainsi que des accords de distribution internationale en Europe, aux États-Unis et en Amérique du Sud.

Disques Debs a joué un rôle essentiel dans l’évolution de la musique caribéenne moderne, créant un pont entre les genres traditionnels comme la biguine et le gwoka et les styles contemporains comme le cadence, le compas et le zouk. Ce dernier est devenu un phénomène mondial dans les années 1980 grâce à des groupes emblématiques comme Kassav’ et Zouk Machine. Durant cette période, le label a soutenu une nouvelle génération d’artistes tout en continuant à collaborer avec des figures légendaires des décennies précédentes.

Le volume 3 de cette série, compilé par Emile Omar et Hugo Mendez, met en lumière l’une des périodes les plus dynamiques et influentes du label, alors qu’il étendait son rayonnement international dans les années 1980. À travers deux vinyles, cette sortie propose une sélection soigneusement choisie de morceaux issus de l’univers Disques Debs, mettant en avant à la fois de jeunes talents et des artistes confirmés qui ont marqué cette époque.

Cette collection célèbre non seulement l’héritage inégalé d’Henri Debs, mais offre également un instantané de l’âge d’or de la musique caribéenne, confirmant Disques Debs comme une véritable institution culturelle.

► Titres joués

- Christian Yéyé – Misyé Zanndo

- Horizon – Neg Mawon

- Alex Rosa – L'Appel des champions

- Max et Henri – Sé Pou Demen

► Album Mizik Maladi, l'âge d'or des Disques Debs International (Strut Record 2025)

Bandcamp Volume 1 

Bandcamp Volume 2 Cadence Revolution 

Bandcamp Volume 3 Mizik Maladi

À écouter aussiSpéciale Disques Debs international avec Émile Omar

Notre 2nd invité est Anthony Joseph pour la sortie de l’album Rowing up River to Get Our Names Back.

L’origine africaine des OVNI, George Clinton en personne, n’aurait pas désavoué ce concept afro-futuriste dont Anthony Joseph avait fait le sujet de The African Origins Of Ufo’s, sa nouvelle écrite il y a bientôt vingt ans. Durant ce laps de temps, les albums du chanteur-poète de Trinidad se sont succédé, mais l’idée ne s’est pas évaporée. Après un travail de réflexion et de recherches artistiques avec le musicien-producteur Dave Okumu, il est même devenu l’axe de rotation de son nouvel album. Base des premiers titres élaborés en duo, la nouvelle est ensuite devenue la rampe de lancement de Rowing Up River To Get Our Names Back Vol 1 & 2. D’une aventure si dense qu’il a fallu la scinder en deux parties. Après avoir solidement assuré la connexion musicale de toute la diaspora caribéenne sur ses précédents albums, Anthony Joseph s’engage dans une fresque musicale aussi ambitieuse que fascinante : l’exploration de toutes ces strates qui constituent la longue et tumultueuse histoire de la musique noire. Ces couches créatives qui se sont superposées et additionnées, la nouvelle se nourrissant de la précédente pour, sans le savoir, préparer l’arrivée de la suivante. Cet immense puzzle où, reliées par une forte conscience politique, les différentes pièces ont noirci les portées de leurs notes les plus intenses. Sculpté dans la cire des œuvres si impérissables qu’elles ont rendu stériles toutes les tentatives d’altération des décennies qui se sont accumulées. Forme, fond, portée révolutionnaire, tout est resté intact. Y compris l’esprit de tous ces musiciens qui ne se sont exprimés que par la voix de leur instrument, la puissance de leur groove, la radicalité de leur démarche artistique.

Funk, P-Funk, soul, dub, free-jazz, jazz, afrobeat, blues, confrontant leurs deux visions musicales pour n’en former plus qu’une, c’est en binôme éclairé par les phares de leur créativité qu’Anthony Joseph et Dave Okumu ont façonné un afro-futurisme à l’esthétique mouvante et sans limites d’expansion. Stabilisée par cette volonté de raviver toutes les racines, l’exploration se conjugue à celle qui mène aux patronymes perdus. Ceux qui, entre le voyage depuis l’Afrique vers l’Amérique, se sont évaporés dans les flots de l’Atlantique et le claquement des fouets. Ceux dont ont été dépossédés les déracinés de force qui ont dû endosser celui du maître. Les peaux des batteries, le bois des baguettes et celui des percussions, le nylon de cordes, les métaux des saxophones et les trompettes, tout ce qui constitue l’arche organique dans laquelle ont embarqué les héros de la musique noire, révèle au moment du décollage un tableau de bord à l’électronique sophistiquée. Renforcer, voire supplanter certaines fonctions peut s’avérer utile tant la destination est lointaine. Elle est à des années-lumière d’ici. La rejoindre impose de connecter le présent avec le passé pour pouvoir l’emmener dans le futur. Dans l’afro futur. Là où, après avoir remonté la rivière, tous auront récupéré leurs noms et se seront réappropriés un pan de leur histoire.

► Titres joués extraits de l’album

- Satellite

- Tony

- Black History

- Churches of Sound

► Album Rowing up River to Get Our Names Back (Heavenly Sweetness 2025)

Site – Bandcamp – YouTube.

Voyage musical entre la Nouvelle Orléans, Paris, Marseille et Dakar.

La #SessionLive reçoit Raphaël Imbert, Sarah Quintana et Pierre-François Blanchard pour le festival Jazz Nouvelle Orléans à la Goutte d'Or + Marseille.

Entre la Goutte d’Or et la Nouvelle Orléans, la distance est bien moins longue qu’il n’y paraît. Eloignés géographiquement d’un peu moins de 8 000 kilomètres, les deux territoires sont pourtant proches par de bien des façons. Toutes deux terres de métissage dès leur origine, la Crescent City et l’ancienne commune de La Chapelle se sont nourries au fil des années des différentes vagues d’immigration qu’elles ont accueillies et dont les influences ont nourri la culture locale de différentes strates perceptibles aussi bien dans la musique, la gastronomie, la mode ou l’architecture.

Comme les années précédentes, le festival 2025 s'est tenu pendant trois jours au 360 Paris Music Factory, cœur battant du quartier de la Goutte d’Or ; avec trois musiciens majeurs issus de la scène néo-orléanaise, Joe Lastie, Cha Wa et, à nouveau, James Andrews. Enfin, événement, le festival se transportera cette année à Marseille, autre terre de métissage, pour une réplique sous la houlette de Raphaël Imbert.

Titres interprétés au grand studio

- Basin Street Blues Live RFI

- Baby don’t (Sarah Quintana) Live RFI

- Laisse le bon temps rouler Live RFI.

Line Up : Raphaël Imbert (sax), Pierre-François Blanchard (piano) et Sarah Quintana (chant).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. 

► Album Sarah Quintana Baby Don't (Independiente 2025)

Festival au Campus Art Méditerranée

Raphaël Imbert

Sarah Quintana 

Pierre-François Blanchard. 

 

Puis nous recevons Sahad pour la sortie du nouvel album African West Station.

Depuis plus de dix ans, Sahad Sarr est le fondateur et le leader vocal du groupe SAHAD, basé à Dakar. Ce projet indépendant et autoproduit innove et participe au développement de la musique alternative au Sénégal. Et ancien finaliste du Prix Découvertes RFI. 

En 2021, entouré d'une équipe interculturelle, Sahad crée le label indépendant Stereo Africa 432 pour assurer la production à 360° du groupe et participer à la promotion, au soutien et au développement d'autres projets musicaux émergents sur la scène locale. Le label est également à l'origine du Stereo Africa Festival, qui vise à promouvoir les musiques actuelles d'Afrique de l'Ouest à travers une programmation éclectique et devient un lieu de rencontre entre professionnels africains et internationaux pour la promotion, la représentation, la diffusion et la structuration des musiques du continent.

Sahad Sarr est aussi le fondateur et l'initiateur de l'écovillage Kamyaak : un projet de développement environnemental, culturel et social qui travaille avec des femmes et des jeunes dans la région de Fatick. 

Après deux albums acclamés, SAHAD est de retour avec un projet puissant et profondément enraciné : African West Station, une véritable odyssée musicale qui traverse les frontières du temps et de l'espace, reliant l'âme vibrante de l'Afrique de l'Ouest au reste du monde. C’est une célébration de l'histoire, de la liberté et du pouvoir de l'union des peuples. Ce voyage n'est pas figé dans le passé, c'est une Afrique contemporaine tournée vers l'avenir qui s'exprime ici. Tout en rendant hommage aux années 70, aux révolutions culturelles et politiques, SAHAD s'inspire de l'esprit critique, de l'effervescence des luttes pour la fin de la colonisation et de la quête universelle de liberté. S’il se nourrit d'une certaine nostalgie des luttes et des révolutions passées, l’album nous projette avec espoir vers un avenir où les hommes et les femmes, au-delà de leurs différences, apprendront à s'écouter, à vivre ensemble et surtout à danser ensemble. African West Station est aussi un manifeste. C'est un voyage. Une célébration. Une rébellion. Une invitation à se libérer, à danser et à espérer, ensemble.

Titres joués : Vultures, Yabon feat. Pat Kalla, Ne Mbife et Ba Nu Faloo.

► Album African West Station (Stereo Africa 432).

Bandcamp 

YouTube. 

Nos premiers invités sont les Sababa 5 pour la sortie de leur 4ème album Nadir.

Formé à Tel-Aviv en 2016, basé en France, le groupe vient de jouer à guichets fermés à Paris.

Après trois albums salués par la critique, une série de 45 tours très recherchés et des collaborations avec des chanteuses telles que Yurika et Sophia Solomon — soutenus par des figures influentes comme Gilles Peterson, Cerys Matthews ou Jeremy Sole — Sababa 5 se révèle sous un jour à la fois énigmatique et irrésistible avec Nadir.

Ce nouvel album explore une fusion plus sombre, sophistiquée et cinématographique entre soul psychédélique et rock moyen-oriental. Le terme ‘nadir’, emprunté à l’astronomie, désigne le point de la sphère céleste situé à l’opposé du zénith, directement sous l’observateur. Par extension, il évoque aussi un point bas, une période de crise ou de doute. Cette double signification résonne avec la démarche du groupe, qui mêle dans sa musique les contraires : le céleste et le terrestre, l’abstraction et la matière. Ce titre résume l’essence même de l’album : une traversée de paysages sonores profonds et introspectifs, à la fois ancrés dans des grooves bruts et ouverts sur l’infini.

Un album essentiel pour les amateurs de The Heliocentrics, Khruangbin, The Dap Kings ou Moğollar.

Titres interprétés au grand studio

- Vu Live RFI

- Gaip Feat. Canay Dogan, extrait single Gaip

- Zenith Live RFI.

Line Up : Ilan Smilan (guitare), Amir Sadot (basse), Eitan Drabkin (claviers) et Itamar Weinstein (batterie).

+ Claire Simon (traduction).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Nadir (Batov Rd 2025)

Bandcamp - Facebook.

 

Puis nous recevons Sarah Maison pour la sortie de son 1er album Divad.

L’histoire de Sarah Maison débute dans le sud de la France à la fin des années 80. Pensionnaire durant sept années de l’École Nationale Supérieure d’Art de la Villa Arson (Nice), elle envisage très tôt une carrière d’artiste, confronte concret et abstrait, investigue sur les modes d’expression instinctifs, avant de trouver sa voie : la musique. Une fois montée à Paris, Sarah Maison délaisse le minimalisme acoustique et solitaire des débuts au profit d’une recherche d’arrangements plus luxuriants pour ses compositions. La première matérialisation sera «Western Arabisant», soutenu par La Souterraine sur la compilation «Semi-Vol.2» en mars 2016. Entrer dans l’univers singulier de Sarah Maison s’apparente à franchir le seuil de son domicile. Pas femme à se faire enfermer dans un style, largement influencée par ses origines métissées (mère amazigh et père du Cantal), elle dresse son autoportrait, brouille les pistes, mêle tradition française et rythmes dansants sur lesquels elle appose des textes non dénués d’humour. La décoration intérieure s’avère donc unique, généreuse et riche, entre couleurs vives, tissus chamarrés et formes omniprésentes. Après deux EP's auto-produits (Sarah Maison en 2018 et Soleils en 2021), Sarah Maison revient en 2025 avec son premier album. 

« Laissez-moi donc me promener en de multiples facettes... Sans me déranger... Laissez-moi être ».

Cette phrase, tirée de «Dans une ivresse», résume à merveille l’esprit de Divad, un voyage sonore intense et nuancé qui célèbre la liberté de l’artiste.

Titres interprétés dans le grand studio 

- Bonsoir Live RFI

- Mandoline, extrait de l'album

- Exister Live RFI.

Line Up : Sarah Maison (guitare-voix).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch.

► Album Divad (Capitane Rd 2025).

Bandcamp - Facebook.

Reportage sur la 28ème édition du Festival de Fès des Musiques Sacrées du monde par Jeanne Lacaille. (Rediffusion)

 

Première ville islamique du Maroc, cœur battant du soufisme, Fès abrite aussi Al Quaraouiyine, la plus ancienne université du monde musulman... on raconte que le grand mystique Ibn Arabi aurait eu ses premières illuminations à Fès ! Difficile en tous cas de résister à l'aura vibratoire de cette ville classée à l'Unesco, une cité de savoir, de foi, d'art et d'histoire au carrefour des cultures comme des spiritualités qui accueillait mi-mai la 28è édition du Festival de Musiques Sacrées du Monde, placée sous le signe des «Renaissances». 

Des jardins de Jnan Sbil à la zaouia de Cheikh Sidi Ahmed Tijani au cœur de la médina, en passant par le Forum et les fortifications monumentales de Bab Al Makina, Jeanne Lacaille a traversé pour nous cette nouvelle édition du Festival de Musiques Sacrées du Monde. Au programme : la poésie soufie de l'océan indien et le deba de Mayotte avec les chanteuses de la Madarassati Toyaria, un pèlerinage et du dikr soufi du Maroc avec les chanteurs de la confrérie Tijaniyya, la résurrection du violon sokou des bergers peuls du Mali avec Adama Sidibé et Clément Janinet, de la transe psychédélique avec les Master Musicians of Jajouka et pour finir, une cérémonie qui convoque les esprits du jazz et du vodou haïtien avec le saxophoniste Jowee Omicil.

 

Site Festival Fès.

Reportage : Jeanne Lacaille

Réalisation : Donatien Cahu.

Le guitariste Thomas Naïm est le seul guitariste au monde à proposer un album solo sur Hendrix May This Be Love avec la participation du spécialiste français de Jimi Hendrix : Yazid Manou. (Rediffusion)

La #SessionLive reçoit Thomas Naïm pour la sortie de l’album May This Be Love et le spécialiste français de Jimi Hendrix : Yazid Manou !

C’est après un stage d’été au Berklee College of Music de Boston et des cours à l’American School of Modern Music à Paris, que Thomas Naïm fonde avec la chanteuse Joyce Hozé le duo Tom & Joyce. Influencé par la MPB, la bossa nova des 60’s et le jazz, le groupe enregistre deux albums : Tom & Joyce sorti en 2002 (Yellow Productions/East West) et Antigua en 2005 (Yellow Productions/Tommy Boy) sur lequel participe le légendaire batteur Tony Allen et dont certains morceaux seront remixés par des producteurs de dance music parmi les plus reconnus (Masters At Work, François Kevorkian ou Bob Sinclar).

Par la suite, Thomas Naïm sera sollicité pour accompagner sur scène ou en studio de nombreux artistes venant d’horizons parfois très différents parmi lesquels Youn Sun Nah, Hugh Coltman, Hindi Zahra, Sébastien Tellier, Ala.ni, Mayra Andrade, Tiken Jah Fakoly, Blick Bassy, Idrissa Diop, Bob Sinclar, Salomé de Bahia, Brisa Roché, Bernard Lavilliers, Albin de la Simone, Michel Fugain, Claire Diterzi, Renan Luce…

Il mène en parallèle depuis plusieurs années une carrière solo à la tête d’un trio avec le bassiste Marcello Giuliani et le batteur Raphaël Chassin avec lesquels il enregistre en 2018 l’album Desert Highway.

En 2020, Thomas Naïm va confronter son trio aux compositions du maître Jimi Hendrix et enregistrer l’album Sounds of Jimi. L’idée de départ n’est pas de reprendre les titres d’Hendrix tel quel mais de trouver pour chaque morceau une esthétique plus personnelle, et à l’exception de trois titres chantés par Hugh Coltman et Célia Kameni, de privilégier l’approche instrumentale. L’album accueillera également en invités Erik Truffaz à la trompette et Camille Bazbaz à l’orgue.

En 2022, il retourne en studio avec son trio augmenté de l’organiste/pianiste de Marc Benham pour enregistrer, sous la houlette du réalisateur grand angle Daniel Yvinec, On the Far Side, un album consacré à ses propres compositions dont la sortie est prévue pour février 2023. Thomas Naïm y retrouve ses premières amours, le Jazz, qu’il mêle à ses influences de toujours la pop, le rock psychédélique, les bandes originales de films et mille autres choses. Laurent Bardainne (saxophone) souffle sur trois titres un vent créatif qui donne à cet album unique une force et une couleur presque mystique.

Avec May This Be Love, Thomas Naïm devient le 1er guitariste au monde, à reprendre Hendrix en guitare solo.

Titres interprétés au grand studio

- Hey Joe Live RFI

- The Wind Cries Mary, extrait de l’album

- Purple Haze Live RFI

Line Up : Thomas Naïm, guitare.

Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor.

Album May This Be Love (Rootless Blues 2025).

Site -  YouTube - Bandcamp.

 

Yazid Manou est journaliste, relations presse et spécialiste de Jimi Hendrix en France. en 1990, il organise un concert à l’Olympia pour les 20 ans de la disparition du guitariste américain. Il est le héros du roman « Blues pour Jimi Hendrix » écrit par Stéphane Koechlin. Yazid Manou est le gardien d'un mort comme Anubis dans la mythologie égyptienne, Jimi Hendrix. Il porte des fleurs sur sa tombe, soigne sa postérité, veille à sa gloire... En 1990, vingt ans après la mort de Jimi le 18 septembre 1970, il a organisé le festival « Jimi's Back » à Paris pendant une semaine dont une soirée à l'Olympia qui a bouleversé sa vie. Il y a invité de nombreux artistes pour reprendre les thèmes du bluesman. Il a convié bien sûr en premier lieu l'ex-bassiste de Jimi, Noel Redding, personnage douloureux et attachant, frappé quelques mois plus tôt par un deuil terrible, la mort de sa fiancée Carol Appleby dans un accident de voiture. Depuis, la vie de Yazid - devenu par la suite attaché de presse indépendant - est rythmée par les nouvelles de la « famille Hendrix », disputes avec la soeur adoptive Janie, rencontre avec ceux qui l'ont connu (B. B. King, Eric Clapton, Paul McCartney, Johnny Hallyday, Miles Davis, Taj Mahal), sorties d'albums (Jimi a davantage publié de disques une fois mort que vivant), disparition des témoins, Noel, Buddy Miles, Monika Dannemann (dernière compagne), Al Hendrix (son père) puis Mitch Mitchell. Il a construit sa vie autour d'un mort, de la mort en général. Yazid est un infatigable marcheur africain arpentant le pavé parisien en compagnie de son fantôme.

Playlist Jimi Hendrix par Yazid Manou

51st Anniversary, Wait Until Tomorrow, Red House & All Along the Watchtower.

Concert du 20 mars @ Le 360 Paris.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Des Britanniques sixties au rivage d'Essaouira, en passant par un Brésil très seventies. Une playlist. Une fusion. Des musiciens.

Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen présente ses 5 titres obsessionnels. La cuvée de septembre est la suivante :

- Trio Ternura, A Gira, tiré du 45 tours Trio Ternura, compacto 1973 (Universal Music, 2025)

- Alvaro Lancellotti, Abre Caminho, tiré de l'album Arruda, Alfazema e Guiné (Amor in Sound, 2025)

- Nick Drake, Strange Face (Rough Mix With Guide Vocal, 11th September 1968), tiré de la compilation « The Making of Five Leaves Left » (Island Records, 2025)

- Amaarae, S.M.O., tiré de l'album Black Star (Golden Angel, 2025)

- Saint Levant, Wain Maady Wain, tiré de l'album Love Letters (Deluxe) (Salxco, 2025).

 

Puis retour sur la fusion du Maâlem Houssam Gania avec Marcus Gilmore au Maroc.

Le batteur américain Marcus Gilmore et le Maâlem marocain Houssam Gania  ont partagé la scène au festival Gnaoua et Musiques du Monde en juin 2025 à Essaouira, Maroc. Nous les avons rencontrés dans une salle de répétition souirie ouverte sur l'océan Atlantique. Avec le son des vagues... Et des mouettes !

Marcus Gilmore : le pouls du jazz moderne

Marcus Gilmore est un batteur qui apporte une nouvelle voix au jazz, mêlant énergie, précision et profondeur émotionnelle dans chaque battement. Élevé dans une famille musicale, il a grandi entouré de rythmes, et aujourd’hui, il est l’un des noms les plus intéressants de la scène internationale. Au fil des années, il a joué avec des légendes comme Chick Corea, Vijay Iyer et Esperanza Spalding, tout en sculptant son propre chemin en tant que leader de groupe. Ses projets Actions Speak montre sa passion à pousser le jazz dans de nouveaux territoires, mélangeant groove, mélodie et liberté.

En 2025, Marcus est attendu de sortir un nouvel album qui promet de plonger plus profondément dans son monde créatif, un pont entre les générations et les genres. De nature curieuse, il continue d’explorer des collaborations qui le stimulent et inspirent, vivre de sa musique, une force respiratoire sur scène et en studio.

Houssam Gania : l'héritier

Fils du légendaire Maâlem Mahmoud Gania et héritier d’une tradition gnaouie ancestrale remontant à Ba Massoud, Houssam Gania porte en lui l’âme de la tagnaouite. Né à Marrakech, il grandit au sein d’une famille profondément enracinée dans cette musique, aux côtés de son oncle Mokhtar Gania et de son frère aîné Hamza.

Très jeune, il se distingue par sa maîtrise des traditions gnaoui, tout en restant ouvert aux rythmes du monde. Son talent, allié à une rigueur et un travail acharné, lui permet de se forger une identité musicale forte. En 2012, il accompagne son père pour un concert en Belgique, amorçant ainsi son parcours sur la scène internationale. Deux ans plus tard, en 2014, il fonde son propre groupe à Essaouira, et se produit au Maroc, en Angleterre et aux Pays-Bas.

En 2016, il marque les esprits lors du concert hommage à son père et à Doudou N’diaye Rose au Festival Gnaoua d’Essaouira. La même année, il monte sur la scène de Mawazine pour une fusion avec Omar Sosa et Mehdi Nassouli, affirmant sa capacité à transcender les genres musicaux.