Musiques du monde

Entre une légende du rap sud-africain et un poète angevin, mon cœur balance…

Notre 1er invité est Stogie T pour la sortie de l’EP Shallow

Vétéran du hip-hop sud-africain, Stogie T (Tumi Molekane) n'est pas un parolier classique. Son travail consiste à trouver un équilibre délicat entre différents mondes ; il a prouvé qu'il était la voix du peuple, mais il n'hésite pas à tendre un miroir à l'ensemble de la société, et le reflet est toujours plus complexe que les clichés bien-pensants du «rap conscient» et la nature stéréotypée et banale du «rap commercial».

Le message dominant de Shallow est la psychose collective. Le dernier EP publié par Stogie T depuis la pandémie mondiale contient des chansons percutantes qui reflètent une forme particulière de cynisme prévalant en Afrique. Le rêve différé, la perte d'espoir sous le poids écrasant d'un État de plus en plus défaillant. Stogie T a déjà parlé de cet état, mais cette fois-ci, il se penche sur les effets qu'il a sur ses habitants. Ce qu'il advient de la pensée des gens, de leurs dysfonctionnements et de leurs pathologies.

Stogie T (alias Tumi Molekane) est sur la voie de l'autoréflexion, de l'introspection, de l'évolution et de la restitution, tout en jouant la carte du progrès. Il s'interroge sur les valeurs et les règles qui régissent notre vie, sur les raisons de désespérer ou d'espérer d'un pays entouré d'un pillage flagrant, sur les raisons d'être cynique et sur les raisons de croire et de se soucier des autres.

Les chansons de cet EP ont été conçues et enregistrées pendant Covid et entre les moments d'anxiété intense dus au dysfonctionnement et au désordre sociétal, à la perte d'amis proches et de membres de la famille, et à la disparition tragique de ses pairs. En tant qu'artiste cherchant à trouver une voix dans le désordre et à s'élever au-dessus du bruit de la machine médiatique mondiale, Stogie T a trouvé du réconfort dans la tragédie et le traumatisme. Offrant un contrepoint à l'air du temps par le biais d'une poésie artistique nous rappelant, ainsi qu'à lui-même, qu'en tant qu'artiste, c'est son travail qui apporte de l'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit faire preuve d'un grand discernement, d'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit rester fidèle à lui-même, à sa famille et à sa communauté.

Titres interprétés grand studio

- Shallow Live RFI

- Zimkile feat Msaki, extrait album

- Too Late For Mama Live RFI.

Line Up : Tumi Molekane (voix), Shane Cooper (basse), Bonj (voix), Bokani Dyer (claviers, voix), Clem Carr (claviers)et Justin Badenhorst (batterie).

Traduction : Enora Louis

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► EP Shallow (Sakifo Rd 2024).

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Puis la #SessionLive invite Lo’Jo pour la sortie de l’album Feuilles Mauves.

De leur Anjou natal à tous les continents, des instruments traditionnels au rock, Lo’Jo a toujours su passer de la feuille blanche à la poésie. La lumière et les mots de Feuilles Fauves magnifient une nouvelle fois l’insaisissable. Car si nous sommes Peu de choses, écrit Denis Péan, heureusement, « on peut faire chavirer le cœur le plus fané sur le tempo du chamamé ». Il y a de ces groupes qui ne sont enchaînés nulle part si ce n’est aux instruments du monde ou aux feuilles de papier. Sans chaîne ni code ni dogme, Lo’Jo sera toujours ces explorateurs de la musique, ces chercheurs des mots. Le collectif Lo’Jo continue avec Feuilles Fauves à puiser dans ce qu’il sait faire de mieux : ne rien se refuser. Pourquoi ne pas mêler le kamele n’goni, instrument acoustique malien au violon, pourquoi ne pas faire fusionner le piano au kayamn, sur toile d’électro, pour donner à ce disque, aussi, les couleurs des Mascareignes ?

Chaque disque est une réinvention : Feuilles Fauves n’y fait pas exception. Par ses traditions musicales absorbées lors de leurs innombrables voyages, comme par ses collaborations prestigieuses : de Robert Wyatt à Tony Allen, Robert Plant, Tinariwen, Erik Truffaz, ou encore Archie Shepp... l’utopie Lo’Jo a « le pouvoir d’hypnotiser et de ravir à chaque morceau » (Billboard).

Des feuilles de l’automne aux feuilles de papier Le titre Mandiego, qui ouvre ce nouvel album, aux notes de piano douces et enveloppantes, est une invitation bienveillante au nouveau voyage que nous offre Lo’Jo. Car « l’Homme est bien peu de choses mon ami. Si le soir il est hasard, le matin il est destin », écrit Denis Péan. Feuilles Fauves est brut, comme primitif et sauvage. Aidé par la réalisation de Clément Petit (entendu aux côtés de Piers Faccini ou Blick Bassy) et Alexandre Finkin, les voix pénètrent l’esprit, les instruments du monde régalent le corps avec une intensité vivante et organique. Parce que malgré le chaos du monde, Lo’Jo nous invite avec Feuilles Fauves à un périple solaire : grâce à cette langue inventée, au créole comme aux sons du monde et d’ailleurs. Grâce aux textes sensibles, parfois espiègles ou envoûtants. Grâce à l’étincelle de Jupiter & Okwess sur deux titres, à la malice de Mélissa Laveaux dans Julie, non plus en chanteuse mais en lectrice pétillante.

Feuilles Fauves nous emmène danser des Valses Étranges, s’attarde sur notre vanité, interroge sur Le temps (avec René Lacaille), « le thème favori des poètes » admet Denis Péan. Celui qui s’étend et qu’on pourra donc toujours écrire. En écoutant Aswar (« ce soir » en créole maison), on s’anime en terres argentines sur le tempo du chamamé, un genre musical traditionnel de la province de Corrientes. Grâce à Brother Barrett, on découvre la communauté rasta du Pinnacle, en Jamaïque. On apprend avec eux, leur humour et leur finesse d’esprit aussi à exprimer La Kolèr, dont les mélodies entêtantes prennent des allures chamaniques.

Titres interprétés grand studio

- La Kolèr Live RFI

- Aswar, extrait de l’album 

- Joséphine Live RFI.

Line Up : Denis Péan (chant, harmonium), Yamina Nid El Mourid (chant percussions), Nadia Nid El Mourid (chant percussions), Richard Bourreau (violon) et Alex Cochennec (basse).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Feuilles Mauves (Yotanka Rd 2024).

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Laura Prince et Maxime Delpierre #SessionLive Africolor 2024.

À l’occasion de la 35ème édition du festival nomade francilien Africolor (15 novembre-24 décembre), nous invitons Sébastien Lagrave, Laura Prince, Agata Johnson et Maxime Delpierre #SessionLive.

L’édito de Sébastien Lagrave : En 2024, Africolor fête ses 35 ans et si le monde de 1989 a disparu, il faut encore et toujours marteler les esprits et les balafons, pincer les rêves et les cordes, frotter les cordes et les mains, pour rappeler aux âmes congelées dans la peur, que l’Afrique est partout et que c’est une bonne nouvelle. La part d’africanités de chacun, nous l’accueillons joyeusement cette année avec la présence des créolités caribéennes : Les frères Cippe, grande famille de tambouyés de Guyane, rencontrent François Ladrezeau (Akiyo) et Samy Thiébault, tandis que Maxime Delpierre, fou de zouk, présente Mini-Jazz-Ouragan cependant que L’Afrique en-chante Kassav’ revisite le répertoire mythique avec des instruments africains. L’Afrique est aussi au Nord, quand s’élève la spiritualité rock tunisienne de Nidhal Yahyaoui (Tunisie), quand les chants de transe de Lemma (Algérie) se mêlent au piano-marteau cubain d’Omar Sosa ou quand Mazalda invite la chorale berbère de Bagnolet. Aussi disséminée dans l’océan Indien, elle imprègne la création de Siti Amina (Zanzibar) et Siân Pottok ou encore les mélodies suaves de la révélation Marco Klarck. Mais avant tout, l’Afrique est ici chez elle comme quand Senny Camara rencontre Sequenza 9.3 ou quand la Litanie des Cimes invite Mah Damba. Toutes les Afriques d’Africolor dessinent de nouveaux « nouveaux mondes », où les ailleurs sont ici, les géographies façonnées selon de nouveaux plis, où les points cardinaux se rejoignent en un centre créatif, éruptif, radicalement joyeux et décidé à imprimer ici l’Afrique partout.

Laura Prince (concert 22 novembre Maison de la Musique de Nanterre)

Assister à un concert de Laura Prince, c’est un peu comme regarder le monde avec un filtre de douceur et d’authenticité. La révélation jazz de ces dernières années revient avec un nouveau projet en hommage à la terre de ses ancêtres, le Togo. Ce retour aux sources la conduit sur les rives de son village familial, au cœur des traditions d’Afrique de l’Ouest, là où les cérémonies vaudou, le tintement rituel des cloches et les chants d’initiés lui inspirent un album à la mémoire de son peuple. Entourée de ses musiciens, Laura Prince chante avec son âme et livre un set aux sonorités métissées, cousu d’improvisations jazzy et pulsé par les percussions traditionnelles. Un voyage introspectif sur ses rives-racines, où l’on navigue volontiers, enveloppé par le velours de sa voix.

Auteure, compositrice, interprète, Laura Prince défend une musique épurée qui parle de la mixité de ses racines, de son enfance. Fille du Togo et de la France, elle est bercée depuis toujours par la salsa cubaine de Celia Kruz, l’afrobeat de Fela Kuti et le makossa de Manu Dibango, mais aussi Piaf, Barbara, Brel et Aznavour. Vers 13 ans, elle apprend à lire la musique et s’accompagne au piano. Elle compose et joue ses premiers morceaux. En 2021, elle sort un premier album, Peace of mine. « Révélation Jazz » d’après Jazz Magazine la même année, elle se produit aujourd’hui dans les grands festivals de jazz en France : Marciac, Jazz à Sète, Jazz à Vienne, ainsi qu’en Europe et en Afrique.

Maxime Delpierre et le Mini-Jaz Ouragan (concert 23 novembre à Rosny-Sous-Bois) Jazz Pop Caribbéen  

Créer un groupe de zouk ? C’est un vieux rêve pour le compositeur et guitariste nantais Maxime Delpierre, bercé par le kompa, le dub et la musique afro-cubaine. De Haïti à la Martinique en passant par la Jamaïque, les sonorités caribéennes l’accompagnent depuis de nombreuses années. Sous l’influence des orchestres haïtiens des années 60 appelés « Mini-Jazz », Maxime Delpierre poursuit son voyage en empruntant un son de guitare à la surf music des orchestres américains et en mélangeant les rythmes du bèlè, de la rumba et du kompa pour créer un jazz-pop teinté de soul. Toujours partant pour étirer le temps en laissant la part belle à l’improvisation et à la transe, Maxime Delpierre et sa team de rêve sont la promesse d’une soirée où « zouker » rime avec évidence.

Maxime Delpierre est un compositeur, réalisateur et guitariste français né à Nantes en mai 1975. Après une carrière en tant que guitariste au sein de nombreuses formations de jazz et aussi réalisateur sur certains projets. Il a fait partie du trio Limousine aux côtés de Laurent Bardainne et David Aknin, imprégné des musiques des films de Jim Jarmusch, Win Wenders ou Sergio Leone, mais aussi Neil Young et Ry Cooder. C’est avec son ami d’enfance Thomas de Pourquery (artiste pluridisciplinaire) qu’il crée le groupe VKNG, dont le premier EP est sorti en avril 2015 sur le label Naïve. En 2020, il sort Naõned, un album portant le nom de sa ville de cœur (Nantes en breton), qui condense tout l’imaginaire sonore du guitariste convoité par la crème de la scène hexagonale : Jeanne Added, Rachid Taha, Louis Sclavis, Joakim.

Titres joués au grand studio

- Évigné Laura Prince Live RFI

- Carnaval Maxime Delpierre Live RFI.

+ Sélection de Sébastien Lagrave :

- Siti and the Band 

- Fulu Miziki Kolektiv

- Nidhal Yahyaoui 

- Mah Damba 

Africolor site.

Laura Prince

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Maxime Delpierre

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Maloya à 360° avec le Discobole Orchestra et Christine Salem et #SessionLive du groupe de jazz togolais Zangbeto.

Notre 1er invité est Stéphane Hoareau pour présenter Kafé Gryé du Discobole Orchestra et invite Christine Salem.

Sous la direction de Stéphane Hoareau et Théo Girard, Discobole Orchestra vous immerge dans un maloya électrique et orchestral.

Identifiés dans les domaines du jazz et de la world autant pour leurs projets au long cours qu'aux rencontres éphémères qu’ils organisent (Trans Kabar, Pensées Rotatives, Discobole Parties), Théo Girard et Stéphane Hoareau, artistes associés à Discobole, développent depuis des années une musique métissée qui a comme noyau dur l’improvisation et des espaces de créations instantanées propres au jazz de toutes époques. Dans le prolongement de leurs expérimentations passées, ils ont créé un orchestre qui leur ressemble et pour la création duquel ils ont convié une icône de la musique Maloya en la personne de la chanteuse réunionnaise Christine Salem. Avec son Maloya teinté de blues, Christine Salem trace ses pistes voyageuses, rend grâce à ses ancêtres, et chante la paix. Elle vous fixe de son regard noir, un regard franc, de ceux qui ne mentent pas. Si, selon l’expression consacrée, « les yeux sont le miroir de l’âme », les siens racontent, sans hésitation, son caractère comme son itinéraire. Le résultat est une fusion unique de sons et de styles, où les rythmes puissants du Maloya se mêlent aux harmonies sophistiquées du jazz. L'orchestre est composé de musicien·nes talentueux·ses, chacun·e apportant sa propre voix distinctive à l'ensemble. Ensemble, ils créent une musique qui est à la fois profonde et émouvante, tout en étant incroyablement entraînante et pleine d'énergie. Avec leur nouvel orchestre, Théo Girard et Stéphane Hoareau ont créé quelque chose de vraiment spécial en invitant Christine Salem, une musique qui transcende les frontières et les genres, et qui parle directement à l'âme. Ils ont réussi à capturer l'essence même de la musique, à la fois intemporelle et contemporaine, et à la faire vibrer dans chaque note et chaque battement de tambour. C'est une expérience musicale à ne pas manquer pour tous les amateurs de jazz et de musique du monde.

Titres joués

Kafé Gryé, Mr Koloni, Bal Maloya + Mama Nye Wa (sur compilation Fuchsia).

► Album Kafé Gryé (Discobole Rd 2024)

► Album Fuchsia (Discobole Rd 2024)

Concert 15 novembre 2024 au Comptoir (Fontenay-sous-Bois).

Site 

Capsule discobole avec Max Cilla.

Puis recevons le groupe togolais Zangbeto pour la sortie de l’album Ezo #SessionLive

Le nom Zangbeto trouve son origine dans une société de masques dont la mission est de protéger la ville et la communauté en chassant les mauvais esprits pendant la nuit.

Le groupe est né de la rencontre, en 2021, entre trois jeunes musiciens prodiges togolais : Joachim Amouzou au piano, Honoré Dafo à la basse, et Henoch Fafadji à la batterie, lors d'une résidence artistique menée par Peter Solo du groupe Vaudou Game. 

Leur projet d'album actuel est le fruit d'une rencontre lors du Togoville jazz festival entre ces talentueux musiciens togolais et le trompettiste français Félicien Bouchot. Profitant de leur séjour en France en 2023, le trompettiste a convié le guitariste Romain Baret à les rejoindre pour une semaine de travail intensif en quintet. 

Ce travail a donné naissance à un répertoire original mêlant le jazz à de multiples influences, ainsi qu'aux rythmes et chants traditionnels du Togo, et a permis une première tournée (Sunset, Crescent Jazz Club, Altitude Jazz Festival, Périscope...) ainsi que l'enregistrement du premier album, organisés en janvier 2024.

Titres interprétés au grand studio

- King’s dancing Live RFI

- Akpèssè, extrait de l’album

- Rhythm From My Soul Live RFI.

Line Up : Yao Honoré Dafo (basse électrique, chœurs), Richard Mawunyo (batterie, chœurs), et Komi Joichain Senam (claviers, chœurs), Romain Baret (guitare électrique) et Félicien Bouchot (trompette).

Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Camille Roch

► Album Ezo (feu en éwé) (PIM 2024).

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Une vingtaine d’artistes venue du monde entier font l’expérience d’une retraite artistique au Monastère de Ségriès. Reportage Jeanne Lacaille.

Fin septembre, une vingtaine d’artistes venus du monde entier ont fait l’expérience de la retraite artistique pendant une semaine dans un ancien monastère cistercien : le Monastère de Ségriès, entre lavande, oliviers et Verdon. Un rassemblement œcuménique où toutes et tous se sont abandonnés avec joie à cette résidence de création collective, intense et exigeante qui donne lieu depuis quatre ans à La Symphonie de Ségriès, une soirée de concerts hors-norme qui pendant 8h entraîne le public, d’un mouvement à l’autre, au fil d’une partition très libre, des jardins à la chapelle du monastère, en passant par son cloître et sa forêt. Certain.e.s sont connu.e.s, d’autres pas, mais toutes et tous ont un jour croisé la route du Souffle Collectif qui interroge la dimension rituelle de la musique live depuis 2013. Celle également du vidéaste Vincent Moon qui, après avoir filmé les stars du rock indé pour la Blogothèque, s’est tourné, pour la collection Petites Planètes, vers l’exploration des cultures chamaniques, des traditions musicales liées à la terre et des cérémonies de transe. Et ce sont donc eux – en complicité avec l’agence Powa et l’équipe du Monastère de Ségriès — qui ont invité ces artistes à expérimenter, entre nature et culture, profane et sacré. Tout ça, sous l’influence d’une super lune, d’une éclipse solaire et de l’équinoxe d’automne, alors autant vous dire que s’orchestre là une aventure vraiment cosmique, où le processus de création compte autant – voire plus — que le résultat final. 

Avec : Vincent Moon, Raul Refree (Catalogne), Walid Ben Selim (Maroc), Fransy Gonzalez (Galice), Arthur Larrue (France), Marc Vilajuana (Catalogne), Fanny Perrier-Rochas (France), Neda Caneiro (Suisse/Tessin), Mehdi Chaïb (France), Zoé Perret (France), Li-Chin Li (Taïwan), Tomi Lebrero (Argentine), Yann Hunziker (Suisse), Anja Jacobsen (Danemark), Zora Snake (Cameroun), Abdallah Abozekry (Égypte), Ross Daly (Crète)… Un reportage de Jeanne Lacaille.

Bonus : Les Portraits sonores

Ross Daly : Maître des lyres crétoises, spécialiste des musiques modales, l'irlandais Ross Daly vit en Crète où il dirige, depuis 1982, l'école de musique Labyrinth Musical Workshops dans le petit village d'Houdetsi. 

Li-Chin Li : Basée à Taïwan, la trentenaire est l'une des rares musiciennes de sa génération à composer pour l'orgue à bouche sheng, un instrument plurimillénaire originaire de Chine. Jazz, musiques improvisées, techno... Li-Chin Li repousse les limites de son instrument, entre répertoire traditionnel et approche expérimentale. 

Marc Vilajuana : Expert ès-chants grégoriens, façon traditionnelle ou électronique avec le projet Gregotechno, le sémillant Marc Vilajuana navigue entre la Catalogne, Toulouse et la Galice où il étudie également les danses & chants de la région. 

Fanny Perrier-Rochas : D'abord bergère dans les Hautes-Alpes, Fanny Perrier-Rochas se consacre aujourd'hui aux chants sacrés d'Orient (byzantin, grec ancien, araméen) après s'être formée auprès de Sœur Marie Keyrouz, quand elle n'enregistre pas la B.O du jeu vidéo Assassins Creed Odyssee ! 

Prochaines dates ciné-live-transe de Vincent Moon (Petites Planètes) : 22 mars 2025 au Jeu de Paume à Paris. 

Site Petites Planètes - YouTube Ségriès édition 2023 par Vincent Moon.

Prochaines dates du Collectif Souffle : le 20 décembre 2024 pour le solstice d'hiver au Consulat à Paris. 

Instagram - Site

Site du Monastère de Ségriès.

Seun Kuti présente son nouvel album Heavier Yet, Lays the Crownless Head réalisé par Lenny Kravitz.

Le virtuose de l’afrobeat Seun Kuti s’apprête à dévoiler au monde entier son dernier chef-d’œuvre musical, « Heavier Yet (Lays The Crownless Head) » prévu le 4 octobre 2024 via le label indépendant milanais Record Kicks.

Six ans après l’album Black Times, nominé aux Grammy Awards, cet album marque un tournant dans l’illustre carrière de Seun Kuti et témoigne de son évolution en tant qu’artiste et activiste.

Produit par le légendaire musicien Lenny Kravitz et l'ingénieur du son historique de Fela Kuti, Sodi Marciszewer « Heavier Yet (Lays The Crownless Head) » promet d'offrir une expérience sonore sans précédent. Grâce à l'expertise de Kravitz et de Sodi et au talent inégalé de Seun Kuti, l'album est prêt à redéfinir les limites de la musique contemporaine tout en restant fidèle aux racines de l'afrobeat.

Chacun des 6 titres de l’album incarne l'esprit de la résistance, de la résilience et de la révolution. Chaque chanson parle de la nécessité de relever les défis et de se battre pour le changement. Comme les singles « Dey » avec l'icône du reggae Damian Marley, décrit comme « une chanson sur l'acceptation et la défense de ce que nous sommes, indépendamment » et « Emi Aluta », « une chanson sur la lutte (Aluta signifie lutte) qui rend hommage à tous les grands révolutionnaires », avec la rappeuse et compositrice zambienne Sampa The Great, l'un des meilleurs et des plus novateurs paroliers de notre époque.

Le titre « T.O.P. » évoque « la façon dont la société valorise l'argent et le succès plus que les gens ». Seun Kuti veut changer cela en encourageant l'empathie et en renouant avec la nature. Dans une autre chanson, « Love and Revolution », il exprime son amour pour sa femme et pense que l'amour véritable peut inspirer les gens à rendre le monde meilleur.

« Ce projet a été très spécial pour moi dès le moment où je l'ai conçu, en parlant à Lenny Kravitz, qui m'a témoigné un tel amour fraternel et un tel respect », déclare Seun.

« Il m'a fait venir chez lui. J'ai rencontré sa fille Zoe et il nous a guidés avec férocité. Depuis que nous avons parlé de l'album, il y a trois ans, en tant que producteur exécutif de ce projet, il a toujours été à nos côtés et nous a beaucoup soutenus ». « Je tiens à remercier Craig Ross et Sodi, le producteur de ce projet. Nous avons passé un excellent moment. C'était la première fois que je travaillais en studio avec Sodi et j'ai été très impressionné par son travail, ses conseils paternels et son dévouement ».

Chaque chanson de l'album témoigne de l'engagement inébranlable de Seun Kuti à utiliser la musique comme outil de changement social et d'autonomisation. Grâce à ses paroles puissantes et à ses rythmes contagieux, il continue à perpétuer l'héritage de son père, le légendaire Fela Kuti, tout en traçant sa propre voie dans le monde de la musique. En tant que musicien et activiste panafricain, Seun a participé à plusieurs campagnes ces dernières années, notamment #EndSARS - un mouvement social contre les brutalités policières au Nigeria. Il a notamment relancé le Movement of the People (M.O.P.), le parti politique que son père avait créé en 1979 et qui avait été supprimé par le gouvernement militaire, peu de temps après l'échec de la candidature de Fela à l'élection présidentielle.

La sortie de « Heavier Yet (Lays The Crownless Head) » est prévue pour le 4 octobre 2024, et sera disponible sur toutes les principales plateformes de streaming, sur vinyle coloré en édition limitée et sur CD. Les fans peuvent s'attendre à un album qui ne se contente pas de divertir, mais qui inspire et enflamme un esprit d'activisme et de libération.

Titres interprétés au grand studio

- T.O.P. Live RFI avec RFI Vidéos

- Emi Aluta (Feat Sampa The Great), extrait de l’album

- Dey (Feat. Damian Marley), extrait de l’album

- Stand Well Well Live RFI avec RFI Vidéos.

Line Up : Seun Kuti (chant), Valentin Pellet (trompette), Kunle Justice (basse), Mohammed Cherif Benhallak (guitare), Nicolas Julien Sakelario (sax baryton), Balogun Cynthia Abimbola (voix, danse), Yetunde Sophia Anikulapo-Kuti (voix, danse), Fabrice Fila (sax ténor) et Mario Orsinet (batterie).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch.

RFI Vidéos : Romain Ferré, Cyril Etienne, Dominique Fiant.

► Album « Heavier Yet (Lays The Crownless Head) » (Record Kicks 2024).

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À lire sur RFI Musique.

La journaliste Véronique Mortaigne publie « Brésils, Éloge de la déraison », une traversée ébouriffante d’un pays et d’un peuple, habile à s’extraire du chaos.

« Qu’est-ce que le Brésil ? ». Une amie me répond, sans hésitation : « La plage ». Elle n’a pas tort. Jamais ennuyeuse, la plage au Brésil est un lieu unique. Neuf mille deux cents kilomètres de rivages, du sable blanc, ocre, doré, des baies, des îles, des caps, des lagunes, des estuaires, des falaises, des mangroves, de la boue, des récifs, des piscines naturelles. Le Brésil a été béni des dieux. De plein de dieux, noirs, blonds, catholiques, le tout fusionné avec les orishas, les divinités vaudoues, et agrémenté de la cosmologie indigène. La multitude de saints, d’anges, d’entités cosmiques, nourrit un mysticisme ardent.

« Mais qu’est-ce qu’être Brésilien ? Un mélange de charme, de sensualité, de pouvoir d’attraction, de capacité à créer des situations bordéliques et enchantées. Cerner le caractère profond de ce peuple expérimental en perpétuel mouvement n’est pas une mince affaire. Antônio Carlos Jobim eut un jour cette formule : « Le Brésil n’est pas un pays pour débutants. Amateurs s’abstenir. »

Dans ce récit guidé par le hasard, la quête du mystère, du secret et de la magie, Véronique Mortaigne nous invite à découvrir les expériences les plus folles et les plus improbables qu’elle a vécues (Joao Gilberto…), en profondeur, rencontrer un peuple habile à s’extraire du chaos. Plus qu’une déclaration d’amour, cette traversée ébouriffante à travers un Brésil multiple est un éloge de la déraison dans un monde qui étouffe.

Véronique Mortaigne est journaliste, longtemps critique musicale au Monde, elle est l’auteure de plusieurs ouvrages (sur Césaria Evora, Manu Chao, Johnny Hallyday, Bernard Lavilliers, Anne Sylvestre) avec une passion particulière pour le Brésil où elle fut professeure de français à Récife (Nordeste brésilien).

Playlist de Véronique Mortaigne

- Maria Bethânia Ultimo Desejo, extrait de Maria Bethânia Canta Noël Rosa e outras raridades 1965

- Caetano Veloso Falso Leblon, extrait deZii e Zie 2009

- Luiz Gonzaga Vem Morena, extrait de Gonzagão olha pro céu 1949

- Beth Carvalho Vou festeja, extrait deFirme e forte no pagode 1978.

X - Instagram (vmobr23) Équateurs.

Pour aller plus loin, quelques liens :

- Véronique Mortaigne dans Le Monde 

- Entretien avec le photographe Pierre Verger en 1992.

La kora est au centre de cette émission, avec le virtuose malien Ballaké Sissoko, en duo avec Lorenzo Bianchi Hoesch, puis entretien avec Alexandre Girard-Muscagorry.

La rencontre d’un instrument ancien et ancestral comme la Kora entre les mains d'un virtuose comme Ballaké Sissoko et d’une électronique consonante mais complexe, élargissant les possibilités de l'instrument même, comme celle proposées par Lorenzo Bianchi Hoesch, c’est ce qu’offre Radicants. Il s’agit d’une recherche de nouvelles voies qui ont à voir avec l'immersion, l'abandon, l’hypothèse de nouvelles racines, plutôt qu’avec leurs négations ou leur défense aveugle et faussement respectueuse.

Aujourd'hui, ces nouvelles racines sont à inventer : des racines dynamiques, en évolution et capables de soutenir l’autre. Respecter l’idée d’enracinement et justement savoir le projeter dans un monde kaléidoscopique et facetté. Ceci est le fil rouge, l’idée abstraite qui soutient ce projet et qu’on veut défendre.

La curiosité et l’ouverture de Ballaké Sissoko permet la construction d’un vrai territoire d’échange dans lequel l’électronique se veut accueillante des sonorités de la Kora. Il n’y a donc pas d’opposition entre deux mondes - acoustique et électronique, traditionnel et contemporain, africain et occidental - mais plutôt acceptation, collaboration et prise de risque. Lorenzo Bianchi Hoesch développe depuis longtemps un langage original d’improvisation avec l’ordinateur, en créant ses propres outils informatiques, et en utilisant de nombreuses interfaces. Il s'agit donc de bâtir un réel dialogue entre les deux musiciens dans lequel, si la Kora est la source de tout, l'électronique est le développement, la résonance, et la forme. L’interplay est donc un mot-clé pour ce projet, et la méthode de recherche même, le noyau du processus de création. Un dernier aspect fondamental est l’immersion sonore. Musiciens et public partagent le même espace acoustique et sont immergés dans un univers sonore spatialisé, métaphore  de l'enracinement dans un nouveau monde. 

Titres interprétés au grand studio

- Sené Live RFI

- Keneya avec Emile Parisien, extrait de l’album

- Berceuse Live RFI.

Vidéo

- Line Up : Ballaké Sissoko, kora, Lorenzo Bianchi Hoesch, machines.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch.

► Album Radicants (Ornithology 2024).

Site Ballaké Sissoko - Site Lorenzo Bianchi Hoesch.

Puis nous recevons l’historien d’art Alexandre Girard-Muscagorry pour la sortie du livre « La kora de Victor Schœlcher, L’empire d’un instrument ouest-africain ».

Victor Schœlcher (1804-1893), journaliste et homme politique élu député en Martinique puis en Guadeloupe, a marqué l’histoire en se faisant l’architecte du décret de l’abolition de l’esclavage en France, en 1848. Passionné par les arts, il établit une collection de nombreux objets, notamment acquis dans le cadre de voyages dans les îles de la Caraïbe, en Égypte ou en Sénégambie. Il y voit le signe de l’humanité de peuples, pourtant réduits en esclavage par la traite. Schœlcher est néanmoins un fervent défenseur de la colonisation.

C’est au cours de son voyage en Sénégambie en 1847 que Victor Schœlcher fait l’acquisition d’une kora, un instrument traditionnel joué depuis le XIIIè siècle dans la région. En métropole, l’objet intègre les collections privées de l’homme politique avant d’être exposé dans de prestigieux musées. En effet, Schœlcher œuvre largement à la réception d’objets non européens dans les musées français.

Au fil de la colonisation, puis des décolonisations, la kora est l’objet de multiples appropriations et transformations : après avoir servi la mise en scène du monde sénégambien lors des Expositions universelles françaises, elle devient un véritable emblème lors des indépendances ouest-africaines.

Cette kora compte parmi les premiers instruments non occidentaux exposés au Musée de la musique de Paris. Elle l’est encore aujourd’hui.

Alexandre Girard-Muscagorry est historien de l’art et conservateur eu Musée de la musique de Paris, chargé des collections d’Afrique, d’Asie, d’Océanie et des Amériques. Il poursuit parallèlement une thèse de doctorat à l’EHESS consacrée au parcours de collecteur et collectionneur de Victor Schœlcher et aux usages des objets dans son projet abolitionniste et colonial. Co-commissaire en 2022 de l’exposition Fela Anikulapo-Kuti : rébellion afrobeat (20 octobre 2022-411 juin 2023), il prépare actuellement avec l’équipe du Musée de la musique, un réaménagement du parcours de musée vivant, visant à embrasser une approche plus globale du patrimoine instrumental.

Morceaux choisis par Alexandre Girard-Muscagorry

01_Sunjata par Foday Musa Suso

02_Cet enregistrement d’un joueur de kora à l’Exposition universelle de 1900 par Léon Azoulay et conservé aux Archives du Crem. Il s’agit du plus ancien enregistrement de kora connu !

03_Cet enregistrement d’un joueur de soron en 1952 en Guinée par Gilbert Rouget : le soron est un cousin guinéen de la kora. La particularité de cet enregistrement, c’est qu’on entend un instrument avec des cordes en peau et non en nylon, comme sur les anciens instruments 

04_ Jali Nyama Suso

05_ konkoba par Toumani Diabaté, extrait de l’album Kaira.

Musée de la musique - Kora.

Playlist mensuelle de Sophian Fanen, de Kit Sebastian à Barbara Dane et le duo instrumental Hadouk dans la #SessionLive.

Tous les mois Sophian Fanen chronique 5 nouveautés. Voici son choix pour cette fin octobre :

- Kit Sebastian, Metropolis, tiré de l'album New Internationale (Brainfeeder, 2024)

- Avec pas d'casque, Accepter le mystère, tiré de l'album Cardinal (Bravo musique, 2024)

- Broadcast, Valerie, tiré de la compilation «Distant Call - Collected Demos 2000-2006» (Warp Records, 2024)

- Cheb, B'lil F'sma, single (ZRMOMIYAPHONE, 2024)

- Barbara Dane (1927-2024) and the Chambers Brothers, It Isn't Nice, tiré de l'album Barbara Dane and the Chambers Brothers (Folkways Records, 1966).

Puis nous recevons Hadouk dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Le Concile des Oiseaux, incluant Le Bal des Oiseaux (1996) donc double album !

L’ultime album du duo Hadouk célèbre 30 ans de carrière : une poésie instrumentale, une ode au vivant et à la nature par les magiciens Didier Malherbe et Loy Ehrlich.

En toute liberté, l’histoire de ces deux instrumentistes hors normes s’est écrite sur plusieurs décennies. Didier Malherbe et Loy Ehrlich se rencontrent en 1970. Le premier fait partie du légendaire groupe de rock progressif Gong ; le second se fond dans les musiques africaines avec les groupes West African Cosmos, Touré Kunda et de Youssou N’Dour. Ensemble, sur le socle d’une amitié indéfectible et d’une grande complicité artistique, ils fondent Hadouk en 1995. Un premier disque a vu le jour en 1996, Le Bal des Oiseaux. Réédité en 2024, il entre en résonance avec Le Concile des Oiseaux, le dixième et dernier album du duo publié cette même année. De l’un à l’autre, Hadouk boucle harmonieusement un cycle initié il y a trente ans. Hadouk incarne une poésie soutenue par une curiosité des sons et des instruments, des rythmes inspirés par la nature et le vivant. Une symphonie conjuguant l’Orient, l’Afrique et l’Occident, les mélodies traditionnelles et l’improvisation du jazz. Amoureux du verbe et des fusions, artisans de la fantaisie, leur philosophie est celle du voyage intérieur. Les flûtes, ocarinas, le doudouk et le soprano de Didier Malherbe se marient aux claviers, vièles, à la kora et au guembri de Loy Ehrlich, produisant une musique métisse et organique, dans un langage onirique célébrant le Tout-monde. Des mélopées ancestrales aux transes gnawa, des effluves arméniennes au blues malien, Hadouk est un conte qui s’écoute grâce à l’imaginaire sans limite de ces deux magiciens. Après une dizaine d’albums à son actif et avec ce nouvel et dernier opus Le Concile des Oiseaux, Hadouk renoue avec la forme de ses origines : le duo. Didier Malherbe et Loy Ehrlich proposent une musique épurée où l’on retrouve tous les ingrédients qui ont fait l’originalité et la saveur du groupe : des mariages insolites d’instruments et de sonorités, créant la possibilité d’un folklore du monde… imaginaire. Conçu comme le miroir de leur premier disque, le morceau Hadouk Song en ouverture, sur un duo kora / doudouk, est une reprise du thème Hadouk qui inaugurait l’album Le Bal des Oiseaux. De la même manière, le percussionniste Steve Shehan, qui avait participé à l’enregistrement d’un morceau en 1996, apporte cette fois sa contribution sur le titre éponyme Le Concile des Oiseaux. Dix compositions pour un voyage intemporel avec la compagnie “Air Hadouk” : zéro émission de CO2 et dépaysement garanti !

Titres interprétés au grand studio

- Hadouk Song Live RFI  Loy : kora, Didier : doudouk

- Loukoumotive, extrait Le bal des Oiseaux

- LHaj Bawu Blues Live RFI   Loy : gumbri hajouj, Didier: flûte chinoise bawu.

Line Up : Didier Malherbe (doudouk, flûte), Loy Erhlich (kora, guembri).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Le Concile des Oiseaux (DuNose Prod, sortie 25 octobre 2024).

CD 1 ⎮ Le Concile des Oiseaux (2024) Didier Malherbe : doudouk, flûtes, flûte Bawu, ocarinas, khaen. Loy Ehrlich : hajouj, awicha, gumbass, kora, ribab, cellito d’amore, laouto, percussions, osmose keyboard. Le Concile des Oiseaux Steve Shehan : balais berbères. Tao Ehrlich: cymbales.

CD 2 ⎮ Le Bal des Oiseaux (1996) Didier Malherbe : doudouk, flûtes, ocarinas, soprano, clarinette bambou, guimbarde, zeff, percussions. Loy Ehrlich : hajouj, awicha, kora, sanza M’bira, bolong, ukulélé, claviers, tablas, percussions Marsyas Steve Shehan : calebasse, shekéré.

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Hadouk en concert le 5 décembre 2024 au New Morning, Paris.

Du rock steady lyonnais à l’afro-jazz sénégalais.

Les 1ers invités de la #SessionLive sont le groupe Da Break pour la sortie du nouvel album Steady.

Comme d'autres ont pu le faire avant eux (Gainsbourg, Snoop Dogg, Lavilliers ou Sinead O'Connor…), DA BREAK nous embarque pour revisiter leurs meilleurs tracks façon «Reggae Vibes», et nous propose de redécouvrir son répertoire avec un son plus «roots» que jamais. Une parenthèse enchantée qui parlera autant aux fans de la première heure qu'aux amateurs du genre; une bulle hors du temps d’un groupe en pleine introspection, libérant enfin une facette différente de son ADN. L’idée d'un «auto remix reggae old school» germait depuis un long moment, avec la volonté de se plonger dans une esthétique de sons 60's/70's et de rendre hommage à cette culture Reggae, ce monument qu’ils aiment et respectent tant. Les concerts de DA BREAK étant toujours des expériences instrumentales riches et ultra vivantes grâce à un crew de musiciens solides, le choix d’enregistrer LIVE, tous dans la même pièce, était évident ; avec instruments et micros 'vintage' afin de profiter de ce grain chaleureux et authentique.

En résulte un album roots & rocksteady sans électronique, penchant vers un jazz moite et rugueux, une soul tropicale ou encore un gospel avec du sable entre les orteils… définitivement reggae ! DA BREAK reste DA BREAK, avec cette lumière intérieure, lorgnant cette fois du côté des Caraïbes. Lorsque l’on connaît l’influence historique des soundsystems jamaïcains sur les block-parties américaines, rien d'étonnant finalement à ce que DA BREAK ait souhaité rendre hommage à ceux qui les auront bercés, et qui les influencent encore aujourd'hui : Bob Marley & the Wailers, Jimmy Cliff. Culture, Toots & the Maytals, Burning Spear, The Gladiators, Yellowman, Israel Vibration, LKJ & Mad Professor, UB40, Chakademus & Pliers ou encore Peter Tosh pour n’en citer que quelques-uns.

DA BREAK est de retour en 2024 avec ce 4ème album Steady sideproject sous forme de conceptalbum 100% reggae dans lequel Da Break revisite ses propres compositions.

Titres interprétés au grand studio

- Give Your Steady Love Live RFI

- Fine & Steady, extrait de l’album

- Down The Steady Street Live RFI.

Line Up : Hawa (chant), Rémy Kaprielan (batterie), Pierre Vadon (claviers), Nicolas Mondon (guitare) et Kamal Mazouni (basse).

Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.

► Album Steady (La Ruche / Inouïe 2024).

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Puis nous recevons Mangane dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Zoom Zemmatt

Dans une industrie qui se repaît des jeunes premiers, Mangane a de quoi dénoter. Il aura soixante ans en 2024, et il s’apprête à publier un premier disque produit par un label, à l’heure où d’autres envisagent la retraite. Ce qui n’est pas pour déplaire aux plus curieux qui devraient s’y retrouver tant cet afro-jazz n’est pas tout à fait dans le droit sillon des classiques du style. Non, c’est plutôt dans les chemins buissonniers que s’inscrit la musique de Zoom Zemmatt - qui donne son nom à l’album -, en une dizaine de titres qui rassemblent les sédiments d’une vie passée en musiques, au pluriel de son suggestif. Et pourtant, ce n’était pas écrit d’avance pour celui qui est né à Thiès, grande cité à une heure de route de Dakar et épicentre de la construction du chemin de fer dans la sous-région, dans une lignée familiale d’agriculteurs. Son père est cheminot, sa mère gère le foyer.

Aux premières heures de l’Indépendance, la tradition qui veut que la musique soit exercée par des griots est prégnante, mais le jeune Ousseynou - son prénom, Mangane étant son nom - va néanmoins comme d’autres oser s’aventurer dans ce qui n’est alors pas vraiment un métier. « J’ai grandi dans un quartier peuplé des gens de la sous-région, Nigériens comme Maliens, venus travailler à la construction du chemin de fer. Dans cette ambiance pluriethnique, il y avait tout le temps des activités culturelles, et c’est comme ça que je suis arrivé dans la musique ! »

Encore gamin, il y verra le mythique Rail Band de Bamako, entre autres. Et y sera bercé par les musiques afro-cubaines, celle des Baobab, Number One et autre Star Band. Sans compter le Dieuf Dieul et le Royal Band, dans un versant plus traditionnel, deux bands de Thiès. « Et à la même époque, j’ai commencé à écouter aussi les musiques afro-américaines et anglaises. » Jazz, blues, folk, pop, tout passe dans les oreilles de ce jeune qui suit des cours de théâtre au collège, une « leçon d’humilité » dira-t-il bien plus tard, et tâte de la guitare grâce à un de ses oncles.

Dans les années 90, il monte le groupe Nakodjé, qui signifie le potager « C’était un travail atypique de recherche : on cherchait à concilier le traditionnel et le moderne, en mettant en avant des instruments comme le balafon, la flûte peule, la calebasse, et en les utilisant autrement que lors des réunions traditionnelles. » Puis, après une tournée en Suisse, il découvre Limoges et s’y installe.  

En 2011, il sort Lann la, (Y’a quoi ?), un premier album autoproduit. 2019, Lëkkëlô (le lien) mais le Covid ne laissera pas sa chance à ce second album.

Novembre 2022, Laborie Jazz rentre dans le jeu et Zoom Zemmatt voit le jour. Mangane rassemble ainsi toutes les pièces qui ont façonné sa singularité depuis tant d’années, à l’image de son répertoire, « une musique suffisamment ouverte pour permettre l’improvisation », où celui qui joue de la guitare mais aussi de la kalimba s’épanche principalement en wolof sur les questions qui le taraudent depuis toujours : l’immigration, les jeunes, l’amour, le respect. Sans oublier le bassiste Alune Wade qui est du voyage.

Titres interprétés au grand studio

- Emmène-moi Live RFI

- Jubbantil, extrait de l’album

- Nguistal - Smooth Talker Live RFI.

Line Up : Mangane (voix, guitare, sanza), Hervé Samb (guitare), Benjamin Naud (batterie) et Ranto Rakotomalala (basse).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant,

► Album Zoom Zemmatt (Laborie Jazz 2024)

Réalisation : Donatien Cahu.

Mangane EPK - facebook - Laborie Jazz.

Du blues burkinabè de Soba à l’afro-latin tropical d’Ayom.

Nos 1ers invités : le trio Soba pour la sortie du 1er album Fiman

Formé par le chanteur-guitariste Moussa Koita, l’harmoniciste Vincent Bucher et le batteur Émile Biayenda, Soba renoue les liens entre la chanson mandingue et le blues du Mississippi. Soit un afro-blues aussi rustique que lumineux, au moyen duquel le trio explore les recoins de l’âme humaine. Pour remonter aux racines du blues, il faut rejoindre le Mississippi depuis Chicago, naviguer vers le Sud jusqu’à la Nouvelle-Orléans via Memphis, puis embarquer pour les Caraïbes et finalement traverser l’Atlantique jusqu’aux rivages d’Afrique de l’Ouest depuis lesquels le rhizome se ramifie via les fleuves Niger et Congo. On peut lire Le pays où naquit le blues, d’Alan Lomax, ou regarder «Du Mali au Mississippi : Feel Like Going Home», de Martin Scorsese. On peut se plonger dans les enregistrements historiques, du pionnier américain W. C. Handy jusqu’au maître malien Ali Farka Touré. Pour tout comprendre des voyages qui forment l’éternelle jeunesse du blues, on peut enfin écouter un album lumineux grâce auquel tout s’éclaire : Fiman, du trio franco-burkinabè Soba. Soba désigne «la grande maison» en dioula, le parler mandingue notamment pratiqué au Burkina Faso. Foyer des retrouvailles amicales et des complicités musicales, Soba est le toit sous lequel se rencontrent Moussa Koita, Vincent Bucher et Émile Biayenda. La formation s’est échafaudée au fil des six dernières années, depuis que ses membres ont fait connaissance dans les projets des autres, jusqu’à vouloir ériger leur groupe sur les fondations du blues qu’ils ont en commun.

Entre Moussa Koita et Vincent Bucher, la collaboration s’est ainsi nouée dans le groupe d’Abou Diarra, le maître malien du kamele n’goni qui creuse la source du blues mandingue. L’intuition s’est vite confirmée qu’ils étaient faits pour jouer ensemble. Guitariste et chanteur burkinabè, né dans une famille de griots de Bobo-Dioulasso, Moussa Koita a écumé l’underground parisien où sa réputation est élogieuse dans les domaines des musiques traditionnelles ouest-africaines, du reggae et de la soul, en plus de travailler avec le groupe Rivière noire et la chanteuse Kady Diarra. De vingt-deux ans son aîné, l’harmoniciste Vincent Bucher s’est d’abord passionné pour le blues originel. Immergé dans la « sono mondiale » parisienne du début des années 1980, puis complice de CharlElie Couture, Bill Deraime, Patrick Verbecke et du Heritage Blues Orchestra nommé aux Grammy Awards en 2013, il a noué des compagnonnages fructueux avec le polyinstrumentiste franco-malgache Tao Ravao et l’éminent guitariste malien Boubacar Traoré. À l’époque où les deux musiciens épaulent Abou Diarra, Moussa Koita développe déjà, avec une créativité prolixe, ses propres projets de chanson mandingue contemporaine sur lesquels Vincent Bucher pose parfois des parties d’harmonica. L’idée germe bientôt de jeter un pont avec le blues mississippien, dans son essence la plus rustique. Le duo vérifie rapidement que la connexion fonctionne. Pour bien faire, il ne manque plus qu’un batteur-percussionniste qui indiquerait la rythmique inhérente au genre. Musicien parmi les plus prisés de la diaspora subsaharienne, explorateur des hybridations entre le jazz et les rituels ancestraux, au point de s’immerger pendant six mois avec les pygmées Mbenga, Émile Biayenda est tout indiqué. Après avoir côtoyé Vincent Bucher avec Tao Ravao et les Tambours de Brazza, il a fait la connaissance de Moussa Koita dans le groupe de Sam Mangwana, légende de la rumba congolaise. Moussa, Vincent, Émile : les astres sont alignés. Le trio est né.

Titres interprétés au grand studio

- Fiman Live RFI

- Horonke, extrait de l’album

- Tounga Live RFI.

Line Up : Moussa Koita (chant, guitare), Vincent Bucher (harmonica) et Emile Biayenda (batterie, cajon).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch.

► Album Fiman (MDC/Pias Integral 2024).

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Puis nous recevons le groupe Ayom pour la sortie de l’album SaLiVa.

Ayom est un groupe de 6 voyageurs : Jabu, une Brésilienne ; Alberto, un Italien résidant en Espagne ; Timoteo, d’origine grecque et italienne ; Francesco, également Italien, Ricardo et Walter, tous deux Angolais. Ils se sont réunis autour d’une passion commune pour la musique de la diaspora africaine et lusophone en particulier (Brésil, Angola, Cap-Vert), et trouvé à Lisbonne, une sorte de patrie.

Après avoir joué avec le Black Atlantic Tour dans le monde entier, Ayom sort l’album Sa.Li.Va, un acronyme représentant 3 impulsions : « SA-grado » (sacralité), « LI-berdade » (liberté et amour) et « VA-lentia » (courage).

L’album est une trilogie, avec 3 titres reliés au Sacré, 3 autres qui célèbrent la liberté, l’amour et la vie, et les 3 dernières qui abordent les thèmes de lutte contre les injustices, le racisme, la machisme et la colonisation. Sur cet album, on chante en italien, en portugais ou en yoruba.

Titres interprétés au grand studio

- Filhos da Seca Live RFI

- Vestido de Fogo, extrait de l’album

- Eu Me Quero Mais Live RFI.

Line Up : Jabu Morales (chant, percussions), Timoteo Grignani (percussions), Alberto Becucci (accordéon) et Ricardo Quinteira (guitare électrique).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch.

► Album Sa Li Va (Ayom music, l’Autre Dist. 2024).

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À lire dans The Guardian.

Réalisation : Donatien Cahu.