Musiques du monde

Entretien avec Nawal Mlanao et #SessionLive de Tine Poppy. 

Notre 1ère invitée est Nawal Mlanao pour la sortie de Afro Jazz Taarab Project 

Nawal, artiste franco-comorienne, est aujourd’hui une figure marquante de son archipel natal. Elle a trouvé sa « voie », une étoile des Comores au zénith ! Ses cordes vocales et instrumentales, sa gestuelle même, ont su envoûter le public aux quatre coins du monde.

Nawal est une femme de la terre et du ciel, signe textes et musiques, chante et joue du gambusi (cordophone traditionnel comorien), de la guitare, du daf (membranophone persan), des flûtes, et du piano à pouce, la mbira zimbabwéenne. Sa musique est résolument acoustique, et forte d’une spiritualité métisse. Sa voix et son univers font vibrer les publics de toutes cultures d’ici et d’ailleurs. L'album Afro Jazz Taarab Project est l’histoire d’un rêve longtemps porté par l’artiste : celui de faire résonner la musique de son enfance bien au-delà des frontières, vers un public universel. L’album questionne l’illusion matérielle et prône le respect, l’éveil, l’unité et le partage, pour un avenir lumineux. Entre les Comores, Zanzibar et la sono mondiale, cette musique devient voix intérieure et souffle de dialogue. Album enregistré en partie à Zanzibar, lors d'une résidence, où vit encore le taarab instrumental.

► Album Afro Jazz Taarab Project (Nawal Prod 2026)

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Puis #SessionLive de Tine Poppy pour la sortie de l'EP Pop Kabar.

Puis rendez-vous avec la pop sega moderne de Tine Poppy. Caroline « Tine » est son surnom d'enfance, son « ti nom gaté », en créole de La Réunion, a connu au moins deux vies avant la chanson. D'abord gymnaste de haut niveau puis journaliste. De chacun de ces univers, elle a tiré de puissants traits de caractère : du sport une appétence pour les défis, une énergie particulière et un sens aigu de la gestion du stress ; du journalisme une haute idée des mots, un sens de l'écoute et la conviction d'être ancrée dans une époque, dont la chanson se fait forcément l'écho.

Root : Même si la racine originelle musicale de Tine se trouve dans le sega et le maloya de La Réunion, l'auteure-compositrice-interprète emprunte tous les chemins de la pop. Mais en plus, elle vient du Port, une commune pas tout à fait comme les autres, à La Réunion. Une ville où le mot « populaire » n'est pas neutre. Le Port, sas d'entrée des marchandises dans cette île française de l'océan Indien, c'est à la fois des dockers et des cadres, du syndicalisme, de la politique, et donc du collectif avec toutes les ambiances qui en découlent. C'était précisément cette ambiance de « Bal Bazar » que Tine Poppy racontait dans son précédent album, cette atmosphère de musique dans un marché forain. Aujourd'hui, avec Pop Kabar l'ambiance est un brin plus feutrée - à peine - encore plus diverse, avec des propos plus intimes mais le même sens du partage. Depuis ses débuts, il y a dix ans, Tine Poppy s'appuie sur ses fidèles musiciens : Gérald Loricourt aux claviers Teddy Doris au trombone, Mathéo Técher ayant rejoint l'équipe lors d'une transcription du répertoire pour orchestre symphonique. Tine, c'est une histoire d'envies chevillées au corps : défendre une féminité déterminée, une créolité fière et diverse, une liberté d'action et de propos, une joie d'être, de faire et de partager.

Titres interprétés au grand studio

- Rèn Live RFI

- Ankor, extrait de l'EP

- In Kabar Live RFI.

Line Up : Tine Poppy (chant), Dimitri Domagala (percus), Nicolas Beaulieu (guitare), Teddy Doris (trombone), Giovanni Hector (trombone). 

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► EP Pop Kabar (Sakifo Talents).

Instagram - Iomma - Sakifo.

À l’occasion de la 3ème édition du festival Sacré Sound, #SessionLive autour de la création Ima Yemma + famille Rabbath. 

François Rabbath est un contrebassiste franco-syrien de renom, qui a porté son instrument auprès des plus grands noms de la chanson française, Barbara, Aznavour, Paco Ibanez, Edith Piaf. Son fils Sylvain, alias HabibiSly, pianiste voyageur formé au fil des tournées internationales de son père, perpétue et enrichit cet héritage en duo avec lui. Les compositions, nourries d’ambiances et de paysages glanés en chemin, offrent un souffle épique et une profondeur rare où la contrebasse de François se fait guide et le piano de Sylvain compagnon de route. Avec AMALL, père et fils signent une œuvre à la fois intime et universelle.

Guest concert du 26 mai au Couvent des Récollets : Minino Garay.

Pour la #SessionLive, le duo invite la chanteuse syrienne Lynn Adib (Bedouin Burger)

Puis, en exclu, une idée de la création Ima Yemma Orchestra - Entre New York, Paris, Alger, Tanger Chaâbi d'Alger, Groove Gnawa et Soul Yiddish, pour faire danser et célébrer la joie d'être ensemble. Ima, Yemma... Maman, en hébreu et en arabe, les sons des mots sont si proches. Cet orchestre n’est pas composé de juifs ou de musulmans, mais d’artistes frères et sœurs qui rendent un vibrant hommage aux mères. Un hommage à toutes les mamans mais aussi à toutes celles à venir.

​Au présent, le IMA YEMMA ORCHESTRA vous propose une fête, de la danse, de la musique du monde entier. La soul Yiddish et Juive New Yorkaise va rencontrer le Chaabi d’Alger et le groove Gnawa marocain. Un espace rêvé où les croisements de langues seront des surprises, des rimes, où les instruments de toutes ces traditions se marient en un seul son. Ce concert est une “safe place” au croisement des cultures, une grande fête.

​Coproduction Noa Music / Sacré Sound Festival. Avec : David Konopnicki, Ptit Moh, Myriam Beldi, Deborah Sacks Minz, Yoshie Fruchter, Reine Rubis, Adhil Mirghani, Clémence Lasme, Gurvan Zytynski.

Pour la #SessionLive nous recevons David Konopnicki, Myriam Beldi, Gurvan Zytynski et Clémence Lasme. Sans oublier Madame la Directrice Laurence Haziza !

Titres Interprétés dans le grand studio :

- Atoun François Rabbath et Sylvain Rabbath avec Lynn Adib, Live RFI 

- Wellahi Madrit Konopnicki avec Myriam Beldi, Live RFI

- Ah Ya Layla Yumma Shiran et Bakal, extrait de l'album Electro Baghdad (Batov Rd 2025)

- Sevillana François Rabbath et Sylvain Rabbath, Live RFI 

- Chahlet Layani Konopnicki, Live RFI

- Impro entre François Rabbath, David Konopnicki et Sylvain Rabbath, Live RFI. 

Line Up : François Rabbath (contrebasse), Sylvain Rabbath (piano), Lynn Adib (chant), David Konopnicki (mandole), Myriam Beldi (chant), Gurvan « Bleu Sang » Zytynski (laptop + synthé) et Clémence Lasme (guitare basse électrique).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch.

► Album Amall (Heavenly Sweetness 2025) + Création David Konopnicki Ima Yemma. 

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François Rabbath - Facebook - Institute 

Sylvain Rabbath - bandcamp

Lynn Adib 

David Konopnicki 

Myriam Beldi 

Clémence Lasme 

Shiran & Bakal 

Laurence Haziza.

D'une histoire de la rumba congolaise aux 5 morceaux de rêve d'un p'tit Breton !

Tous les mois, Sophian Fanen fait une sélection de nouveautés (5). Pour le mois de mai, nous avons :

- Yerai Cortés, Sulao, tiré de l'album Popular (Sony Music España, 2026)

- Anna Ferrer, Iaia, tiré de l'album PA (La Castanya, 2026)

- Bongeziwe Mabandla, Walila, tiré de l'album Ndingubani (Black Major, 2026) 

- Pedro de Lima et Conjunto Popular o Leonenses, Mêm de mina mue, tiré de la compilation «Léve Léve vol. 2: Sao Tome & Principe Sounds 70s-80s» (Les Disques Bongo Joe, 2026)

- Rizomagic, Plutarco, tiré de l'album Cumbión Planetario (Soundway Records, 2026).

Puis nous recevons Balu pour la sortie de Borumba, une rumba célébrée en lingala et en kikongo !

Jocelyn Balu est pétri de toute cette histoire, particulièrement depuis sa rencontre en 2017 avec Bakolo Music International, le groupe de Wendo Kolosoy dont il est devenu - de loin - le plus jeune membre, puis le directeur artistique. Il y fréquenta aussi son maître, le guitariste rythmique Papa Bikunda, un monument de la rumba dont la simplicité tranchait avec l’arrogance des stars du genre, disparu en 2022 à 82 ans. Les grands orchestres kinois, dont l’apogée correspond à l’indépendance du pays, ont disparu. Les musiques nord-américaines se sont partout répandues, notamment après le festival Zaïre 74 organisé en marge du match de boxe Ali-Foreman. Mais la rumba congolaise est trop vigoureuse pour ne pas perdurer. Elle a même retrouvé une seconde jeunesse, dans les années 80-90, grâce à des artistes comme Koffi Olomidé et Werrason. Sensible comme personne au patrimoine que lui ont légué les pionniers, Jocelyn Balu veut aujourd’hui prendre le relais, dans le respect des aînés. Ce n’est pas pour rien que son projet a pour nom Borumba, qui signifie « l’esprit de la rumba ».

Jocelyn Balu a composé le répertoire de Borumba, dans l’esprit de la rumba des années 1940 à 1970. Sa voix magnifique ouvre l’album sur Mobembo, un a capella dans lequel il incarne un père qui promet à sa femme et son fils qu’il se battra pour protéger son pays. La rythmique déboule sur Borumba Song, une irrésistible rumba qui la carte de visite du groupe. Toujours en lingala, Jocelyn Balu y chante sa propre histoire et celle de la musique qu’il personnifie. Typique du Bakongo, Eyo est marqué par des paroles engagées et par la présence de Jupiter Bokondji, le « Général Rebelle » du groupe Okwess, un proche de Jocelyn Balu depuis une dizaine d’années. Tata Nimi dénonce les politiques qui ne servent du peuple plutôt que de se mettre à son service, tandis que Kwe, un gospel posé sur un rythme Bayombe, questionne : « Où partir ? Où va-t-on m’accueillir ? » Rumba semblant exhumée des années 1940, Ya Nzambe rend hommage aux regrettés membres de Bakolo Music International, Papa Bikunda et le saxophoniste May Plau. Inspiré par le chanteur et guitariste Adou Elenga, qui prophétisa l’indépendance avec Ata Ndele en 1954, Mokili déplore l’inversion des valeurs dans nos sociétés déboussolées. Le survolté Batu dénonce également l’hypocrisie et la violence qui se répandent, avant que l’album soit bouclé sur un rythme Baluba du Kasaï, Yamba Nga, un rythme Baluba du Kasaï : « Je reviens, accueille-moi même si j’ai commis des erreurs », chante Jocelyn Balu avec la chorale Afrocoeur dont il est le chef. Soit neuf titres tantôt poignants ou festifs, conscients des leçons de l’histoire et des tourments du présent, qui feraient la fierté des grandes figures de la rumba congolaise. 

Titres interprétés au grand studio

- Borumba Song Live RFI

- Eyo Feat. Jupiter Bokondji, extrait de l'album

- Mokili Live RFI.

Line-up : Jocelyn Balu (Lead vocal, percussion), Damien Bianciotto (guitare et choeur), Damien Hilaire (batterie et chœurs) et Benjamin Etur (basse et chœurs).

Son : Mathias Taylor, Camille Roch, Benoît Letirant.

► Album Borumba (Absilone 2026).

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Histoire de famille et de créolité entre trois îles : Madagascar, Guadeloupe et France. 

La musique est un jeu d’enfants, dans la famille Abraham tout du moins : Zacharie l’aîné (contrebasse), Cynthia la cadette (voix) et Clélya la benjamine (piano) s’y sont toujours amusés. Ces dernières années, ils se sont rendus indispensables dans leurs sphères respectives, avec le jazz comme dénominateur commun. Plébiscités en studio, ils se sont aussi imposés sur la scène du jazz français où leurs trajectoires se sont souvent croisées. Si souvent que l’envie de s’associer s’est manifestée. Baptisée Abraham Réunion, la dream team familiale a sorti en 2020 son premier album, au titre éponyme. Une réussite totale qui appelait une suite, qui voit le jour aujourd'hui. Dans Jaden an nou, ils creusent le sillon où germent les graines de leur jardin créole. Le jardin en nous : le titre a été choisi lors d’une discussion dont l’enregistrement constitue l’un des interludes de l’album. L’idée revient au père du trio. Il est guadeloupéen et, pour ses enfants nés en métropole, les Caraïbes constituent un territoire d’expérimentations musicales, mais aussi celui de questionnements identitaires qu’ils labourent de plus en plus profondément.

Sur Jaden an nou, ils assument ainsi de dévoiler leurs faiblesses, leurs fractures et leurs inquiétudes devant un monde qui ne tourne pas rond. Chacun avec sa personnalité, chacun avec son jardin : Zacharie gamberge en binant le potager de sa maison de campagne ; Cynthia s’indigne des conséquences de la crise environnementale ; Clélya sonde son jardin intérieur via la méditation et la psychologie. Le jardin d’Abraham Réunion est foisonnant. S’y enchevêtrent le gwoka guadeloupéen, le maloya réunionnais, les tambours brésiliens, le jazz afro-américain autant que celui de Mario Canonge et Alain Jean-Marie, ainsi que les impressionnistes Ravel et Debussy. Cynthia y signe la totalité des paroles, en français et créole grâce aux traductions paternelles, et le trio se partage les compositions. Ils renouvellent leur choix de recourir à plusieurs batteurs pour les accompagner et d'utiliser une quinzaine de percussions (sifflets, konk a lambi, kayamb, sati, agogo, chacha, surdo, tambourins), soulignant ainsi l'importance de la rythmique dans leur musique.

Sur Jaden an nou, second album attendu de la fratrie Abraham Réunion, Zacharie, Cynthia et Clélya invitent le grand chanteur réunionnais Danyèl Waro, artisan du maloya rénové sur deux titres : Nailé puis Batarsité, l’un de ses morceaux emblématiques (1987) sur la créolité : « Je ne suis pas Blanc / Non je ne suis pas Noir. » L'album explore différentes rythmiques caribéennes avec pas moins d'une quinzaine de percussions différentes !

Titres interprétés au grand studio

« La traversée » Live RFI

« Batarsité » (Feat. Danyel Waro), extrait de l’album

« Jour de fête » Live RFI

Line Up : Cynthia Abraham (voix, percussions mineures), Clélya Abraham (piano), Zacharie Abraham (contrebasse)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant Camille Roch

► Album Jaden an nou (Jardin en nous) (Aztec Musique, 2026)

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Sorti en 2024, Blakaz Antandroy est un album innovant imaginé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry : le père Remanindry et ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et soigner les villageois, souvent éloignés de toute médecine moderne.

L’origine de ce projet singulier remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui sollicite Loya pour concevoir un concert accompagnant une exposition consacrée à Madagascar, à partir de ses archives sonores. C’est dans ce contexte qu’il découvre la musique de Remanindry, dont il tombe immédiatement sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer le musicien en personne, donnant naissance à une rencontre d’une rare intensité. De cette alchimie émerge l’idée de Blakaz Antandroy, un projet ambitieux mêlant musique chamanique antandroy et univers électronique.

Pour créer cet album, Loya s’immerge profondément dans le langage musical des Antandroy, en explorant leurs techniques vocales et instrumentales spécifiques. Parmi celles-ci figurent le lokanga, un violon malgache qui accompagne les chants, le remotsy, une technique vocale rythmique faite de raclements de gorge, ou encore le Poa Keliky, où les sifflements deviennent percussions. Ensemble, les artistes racontent les histoires de leur région, au sud de Tuléar, où les Kukulamp, les esprits, occupent une place essentielle dans la vie quotidienne.

De son côté, Loya utilise ses machines électroniques pour transformer ces sonorités traditionnelles en une expérience sonore inédite. Il opère une fusion entre ancien et contemporain, entre spiritualité et technologie, donnant naissance à un univers musical unique.

Sébastien Lejeune, alias Loya, est un compositeur dont le travail se situe à la croisée de la musique électronique et des traditions de l’océan Indien. Depuis ses débuts, il interroge les liens entre ces univers, en s’appuyant sur les nouvelles technologies comme outils de création, d’analyse et de transmission. Cette approche implique un long travail d’apprentissage, à la fois numérique et musical, nourri par la pratique d’instruments traditionnels tels que ceux du maloya (rouler, kayanm, sati, tambour malbar), mais aussi la flûte bansuri ou le takamba réunionnais.

Sa démarche transculturelle repose sur le dialogue entre instruments traditionnels et dispositifs numériques. Son processus de création a évolué au fil du temps et se structure aujourd’hui en plusieurs étapes : une phase d’analyse des dimensions rituelles et spirituelles, suivie d’un passage de l’oralité à l’écriture en M.A.O., jusqu’à la production finale. En concentrant ses recherches sur les musiques de l’océan Indien, il développe une réflexion au long cours, nourrie par ses créations, qui lui permettent d’en expliciter les enjeux et les significations.

Le maloya, avec ses rituels et cérémonies, constitue son premier terrain d’étude, notamment à travers ses rencontres avec les artistes Alex Sautron et Stéphane Grondin. Ces recherches l’amènent à développer un processus de composition intégrant des algorithmes (Perlin noise, probabilités), afin de créer des œuvres en perpétuel mouvement, à l’image des kabars où les musiques se construisent dans l’improvisation autour de thèmes traditionnels.

Par la suite, sa rencontre avec Menwar lui permet d’affiner ses outils de composition au contact du séga traditionnel. En 2016, il découvre la musique carnatique aux côtés de Balakumar, plongeant dans les racines tamoules de La Réunion. Il analyse cette musique spirituelle et complexe, jouée dans les temples, et compose à partir du konakol, système de transcription orale des rythmes propre à cette tradition.

Titres interprétés au grand studio

« Lomalilaty » Live RFI

« Blakaz Antandroy », extrait album

« Be Sadia » Live RFI 

Line Up : Remanindry (chant, lokanga), Nindry Remanindry (chant, lokanga), Samba Remanindry (chant, percussions) et Sébastien « Loya » Lejeune (machines)

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor

► Album Blakaz Antandroy (L'z Records, 2024)

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Le Mozambique en Belgique, des Français en studio avec des Colombiens à Bogota, Welc«Home» !

C’est le 8 novembre 2024, dans le studio de Mambo Negro situé dans le quartier Palermo de Bogota, que se sont réunis sept musiciens exceptionnels pour une session d’enregistrement d’anthologie : Léon Phal au saxophone, Antoine Berjeaut à la trompette et Stéphane Montigny au trombone se sont retrouvés face à une section rythmique endiablée avec Pedro Ojeda à la batterie, Pelango à la basse et Ivan Medellin aux claviers. La voix, le rap, la gaita (flûte traditionnelle) et la percussion de Karen Nerak (La Perla) sont venus compléter cet ensemble « all stars ». Deux morceaux vibrants et ensoleillés comme cet après-midi de novembre dans la capitale de Colombie, ont été enregistrés ce jour-là par Daniel Michel (producteur de la BOA). Une rencontre explosive pour ce «COMBO EFECTIVO» (qu’on pourrait tenter de traduire par Ensemble efficace) organisée dans le cadre de Jazztropicante 2024. Deux jours à partager le bonheur de créer de la musique ensemble, pour des musiciens tous interprètes émérites de leurs instruments, mais aussi compositeurs et producteurs reconnus des scènes jazz et musiques actuelles de France et de Colombie. A Paris, le groupe a enregistré quelques titres supplémentaires...

Titres interprétés au grand studio :

- La Llave Maestra Live RFI

- Picada de Culebra, extrait de l'album Live RFI

- Agua ou Fièvre Live RFI.

Line up : Karen Nerak (chant, rap, gaita et percussions et membre du trio féminin La Perla Bogota), Ruben Aragon (claviers), Pelango (basse), Tim Alcorn (batterie), Léon Phal (saxophone), Stéphane Montigny (trombone) et Antoine Berjeaut (trompette).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Combo Efectivo ( Casa Magiuey Records 2026)

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L’une des plus belles révélations de la scène européenne, Ão, plonge pleinement dans un voyage folk contemporain, à la fois poétique et vibrant, porté par des sonorités subtiles et des percussions envoûtantes.

Le nouvel album Malandra succédant à Ao Mar (2023) est salué par la critique. Brenda Corijn, Siebe Chau, Jolan Decaestecker et Bert Peyffers poursuivent leur exploration musicale, mêlant avec finesse saudade, pop alternative, musiques latines et électro, toujours chantées en portugais.

Ces dernières années, le groupe Ão s’est imposé en Belgique comme en Europe grâce à son mélange envoûtant d’électronica, d’art pop, de saudade et de latin alternatif. Le quatuor a façonné un son singulier et novateur, rétif à toute étiquette. Leurs origines et influences multiples se tressent naturellement en un univers hybride, dans la lignée d’artistes comme Stromae, Rosalía ou C. Tangana. La chanteuse Brenda Corijn puise dans ses racines mozambicaines et portugaises pour chanter en portugais et en anglais. Sa voix chaleureuse se mêle à la guitare aux accents sudistes de Siebe Chau, aux textures électroniques de Jolan Decaes-teckeret au jeu éclectique de Bert Peyffers aux percussions. En 2023, ils dévoilent leur premier album, Ao Mar, largement salué par la critique.

Avec Malandra, leur deuxième album, Ão signe une suite fougueuse et envoûtante, plus riche, rythmée, tendre et âpre à la fois. Le titre renvoie au mot portugais «malandra», difficile à traduire. Sa signification, comme l’album, est double. Une «malandra» est une femme qui traverse la vie avec humour, intelligence et charme, guidée par ses désirs et pliant les règles à son gré. En 2026, Ão présente Malandra lors d’une tournée internationale qui passera notamment par l’Italie, l’Allemagne, l’Autriche, le Luxembourg, la Suisse, la France et les Pays-Bas. En Belgique, ils se produiront à l’Ancienne Belgique. 

Titres interprétés au grand studio :

- Orgulho Live RFI

- Talvez, extrait de l'album

- Cada Vez Live RFI.

Line up : Brenda Corijn (chant), Siebe Chau (guitare), Jolan Decaes-Teckeret (machines), Bert Peyffers (percussions).

Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor

► Album Malandra (Mayway Records 2026).

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Quel est le point commun entre David Bowie, Nicoletta, Elvis Presley, Ella Fitzgerald et Marie Laforêt ?

Depuis les années 1940, ces objets mystérieux fascinent, inquiètent et divisent. Insaisissables, peut-être, et pourtant ils s'infiltrent partout : dans les archives militaires, la musique, le cinéma et dans l'imaginaire collectif. Dans cet ouvrage, notre invité Egon Kragel, artiste et ufologue, explore l'impact culturel de ces phénomènes et montre comment l'ovni et ses passagers ont dépassé le statut de simple fait divers pour devenir une véritable machine à créer et à penser. Dans cette émission, nous allons aborder la pop culture en musique.

Pour cela, l'auteur a rencontré des personnalités et recueilli leurs témoignages. Il ouvre également sa collection de disques et de long-métrages. Egon Kragel assure donc la programmation musicale de cette émission.

Egon Kragel a déjà écrit Ovnis – Enquête sur un secret d'État avec Yves Couprie (Cherche-Midi), puis rédigé trois autres ouvrages sur le sujet. Il donne de nombreuses conférences. Il est également auteur, compositeur et interprète.

- The Buchanan Brothers, When You See Those Flying Saucers – 1947 (première chanson écrite sur le phénomène).

- Ella Fitzgerald Two Little Men in a Flying Saucer – 1951

- David Bowie, Starman – 1969

- Parliament Mothership Connection – 1975

- Nina Hagen, UFO – 1982

- Patti Smith, Birdland – 1975

- Stevie Wonder, Saturn – 1976

- Ry Cooder, UFO Has Landed in the Ghetto – 1982.

Medley à la française avec :

- Les 3 Horaces La Java martienne – 1957 (Boris Vian)

- Henri Salvador, Le Martien – 1963

- Françoise Hardy, Le Martien – 1971

- Armande Altaï, Le Message de l’Espace – 1979

- Marie Laforêt L’Homme de l’Espace – 1980

- Et enfin Marie José, Sur une Soucoupe Volante – 1954.

L'Instagram d'Egon Kragel.

Rencontre entre la chanteuse soul américaine Michelle David et le Français Tiwayo #SessionLive.

Michelle David & The True-Tones ouvrent un nouveau chapitre avec Soul Woman sorti sur le label Record Kicks. Après Brothers & Sisters (2024), le groupe américano-néerlandais livre un disque plus introspectif, explorant l’identité, la guérison et la résilience spirituelle. Porté par la voix puissante et chaleureuse de Michelle David, Soul Woman mêle gospel, soul et R&B vintage avec une intensité lumineuse et profondément sincère.

Née à New York et élevée dans l’église, Michelle David chante depuis l’enfance. De Broadway aux grandes scènes européennes, sa voix puissante a marqué la soul contemporaine. Avec The True-Tones, ils se sont produits sur des scènes prestigieuses comme Nancy Jazz Pulsations, Les Eurockéennes, Jazz sous les Pommiers, Jazz à Vienne, Solidays, Festival du Bout du monde, Jazz à Sète, Cabaret Vert Festival, Pinkpop et North Sea Jazz Festival.

Tiwayo, surnommé « The Young Old » (TYO) pour sa voix au timbre intemporel, le chanteur et compositeur de soul parisien Tiwayo revient avec Outsider, un troisième album produit par Adrián Quesada des Black Pumas et lauréat d’un Grammy Award. Prévu pour sortir le 10 avril 2026, Outsider marque le retour d’un esprit bohème qui a joué dans la rue et voyagé à travers le monde, s’imprégnant des racines blues, soul et gospel qui continuent de façonner sa musique.

Titres interprétés au grand studio

- Speak to me Michelle David Live RFI

- Up For The Soul Tiwayo Live RFI

- Soul Woman, extrait de l'album des True-tones 

- Running Michelle David Live RFI

- I’ve got to travel alone Tiwayo Live RFI

- Daddy was born with the blues, extrait de l'album de Tiwayo

Just The Two of us (Bill Withers) DUO Michelle David True-tones & Tiwayo  Live RFI RFI Vidéos DUO Michelle David + Tiwayo.

Line Up Tiwayo : Tiwayo (chant/lead guitare), Théo Moutou (batterie), Emmanuel Sunee (basse), Fabe Beaurel Bambi (percussions) et Paul Sany (claviers).

Line Up True-tones : Michelle David (chant), Onno Smit (guitare/basse), Paul Willemsen (guitare/basse) et Bas Bouma (percussions).

RFI Vidéos Michelle David 

RFI Vidéos Tiwayo.

SON : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch.

Traduction : Léa Boutin-Rivière traduction.

► Album Michelle David & the True-tones Soul Woman (Record Kicks 2026).

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► Album Tiwayo Outsider (Record Kicks 2026).

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Traversée méditerranéenne de Raül Refree et Maria Mazzotta + le flamenco au féminin de Las Migas.

Nos premiers invités sont l'Italienne Maria Mazzotta et le Catalan Raül Refree réunis sur l'album San Paolo di Galatina.

C’est un projet qui s’est forgé petit à petit, porté par les propositions de festivals et sans la pression d’une obligation d’enregistrement.

Lorsque Raül a reçu un e-mail de Maria Mazzotta pour travailler ensemble, il a dû refuser en raison de son emploi du temps chargé, mais il est tombé amoureux de sa voix. Quelques années plus tard, lors d’un voyage dans les Pouilles en avril 2022, ils ont profité de l’occasion pour se rencontrer et jouer ensemble. Au cours de cette rencontre, Maria lui a appris de nombreux chants du répertoire traditionnel du sud de l’Italie et, pendant qu’ils mangeaient, elle lui a raconté l’histoire de la pizzica taranta et ce qu’elle représentait dans la société du sud de l’Italie au début du XXè siècle : les femmes souffrant de dépression étaient considérées comme ayant été mordues par une tarentule, et le seul antidote pour surmonter la tristesse qui les habitait était d’entrer en transe au rythme de la pizzica, en dansant, chantant et criant d’une manière qui n’était normalement pas permise dans la société.

L’idée de Raül était de raconter la nécessité d’entrer en transe en dessinant musicalement une arche décrivant parfaitement la société de l’époque : berceuses, chants funèbres, mélodies religieuses… jusqu’à atteindre la pizzica et son message païen et sauvage. Avec des extraits de leur passage à Paris, au Théâtre de la Ville.

► Album San Paolo di Galatina (Galileo MC 2026).

Bandcamp - Site Maria Mazzotta - Site Raül Refree.

Puis nous recevons Las Migas pour la sortie de Flamencas.

Vingt ans après sa création, Las Migas continue de révolutionner le flamenco avec audace et féminité. 

Composée de quatre musiciennes venues d’Andalousie, de Catalogne et d’Estrémadure, la formation défie les codes traditionnels encore très masculins, mêlant palos flamencos, tangos, bulerias, tanguillos, malaguenas et rumbas à des sonorités urbaines, pop, folk et jazz. Si leurs chansons célèbrent la mer, la terre, l’air, le feu, elles revendiquent aussi l’amour libre, l’espoir d’une société plus égalitaire. 

Avec leur nouvel album Flamencas - lauréat du Latin Grammy en**** 2025, elles rendent hommage à la pureté du flamenco tout en l’ouvrant à de nouveaux horizons, offrant un spectacle vibrant, moderne et profondément engagé. « Nous sommes les miettes (las migas) de ce pain qu’est le flamenco ! ». 

Une musique irrésistible, à la fois enracinée et affranchie, portée par quatre femmes solaires qui les a portées sur les plus grandes scènes d’Espagne, d’Europe et d’Amérique.

► Album Flamencas (Warner Music Spain 2025).

Site - Instagram - YouTube.

Extraits du concert de sortie de Passion Congo, pour les 80 ans de Ray Lema !

Ray Lema et l'Ensemble Partage. Le 3 avril 2026, le Studio de l'Ermitage a accueilli Passion Congo, un événement musical d'exception qui célèbre à la fois la sortie de l'album éponyme et les 80 ans de Ray Lema, figure emblématique des musiques du monde. Compositeur et pianiste de renommée internationale, Ray Lema a forgé au fil des décennies un langage musical unique, nourri depuis l'enfance par le répertoire classique européen et par les traditions musicales des plus de deux cents ethnies de la République démocratique du Congo. Son art réside dans cette capacité remarquable à fusionner des univers apparemment éloignés, créant ainsi des ponts sonores entre l'Afrique et l'Europe.

Pour cette création majeure, Ray Lema s'entoure d'un ensemble de six musiciens italiens de haut niveau : un quatuor à cordes, un saxophone soprano et des percussions. Cette formation, à la fois classique et audacieuse, offre un cadre idéal pour explorer les richesses d'une écriture singulière où se rencontrent traditions africaines et européennes dans une harmonie captivante.

Musiciens : Ray Lema (piano, voix), Massimiliano Gilli (1ᵉʳ violon), Sylvie Blanc (2ᵉ violon), Gerardo Vitale (violon alto), Claudia Ravetto (violoncelle), Manuel Pramotton (saxophone soprano), Marco Giovinazzo (percussions) + Isabel Gonzalez et Cathy Renoir (choristes historiques de Ray Lema) & son ami Laurent de Wilde au Fender Rhodes (avec qui Ray Lema a fait 2 albums).

► Album Passion Congo (One Drop / L'Autre distribution 2026).

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Studio de l'Ermitage.

🎧 L'intégralité du concert de Ray Lema se trouve sur rfi.fr avec son spatialisé par Benoît Letirant et Mathias Taylor (RFI Labo).

Rencontre percussive Afrique Iran dans la #SessionLive.

Avec Keyvan Chemirani pour la sortie de Tales of Nar

Depuis de très nombreuses années, Keyvan Chemirani fait son chemin artistique en faisant se rencontrer ses nombreuses affinités musicales et humaines dans des projets très élaborés. Avec son frère Bijan, il est le véritable dépositaire d’une tradition faite de musique millénaire et de poésie orale venues d’Iran et d’Inde. Ils sont les continuateurs respectés de l’œuvre de leur père Djamchid Chemirani, l’un des grands maîtres du zarb, ce délicat petit tambour persan, doté d’une grande expressivité. Tous deux sont également engagés dans la construction d’un vocabulaire métissé qui intègre des éléments très contemporains. On peut dire que leurs recherches permanentes visent à la circulation des langages et à la rencontre de l’autre.

En outre, Keyvan a été à l’origine de réunions audacieuses qui ont beaucoup marqué les spectateurs et les artistes résidents de l’Abbaye de Royaumont, lieu de tous les délices musicaux traditionnels et expérimentaux.

Avec « Le rythme de la parole » en 2004, Keyvan Chemirani a mis en scène des musiciens et chanteurs iraniens, indiens et maliens dans un projet structuré par les rythmiques communes des langues Tamoul, Farsi et Bambara. La force émotionnelle de ce projet fondateur a été salué très largement et constitue une véritable référence en matière de création transculturelle. On a parlé d’une « musique-langue », une approche mettant en conversation traditions, modernité, mythes, langages, musique ; singularité et universalité ; dialectiques qui ne cessent de nourrir l’imaginaire des Chemirani.

Keyvan et Bijan ont butiné dans le monde entier des musiques mises à leur portée par leur aptitude au renouvellement et à la découverte d’ailleurs. Musiques modales du Moyen-Orient ou méditerranéennes, musiques occidentales baroque, classique, chanson, rock, jazz. Autant d’univers et d’aventures vécues aux côtés de figures cardinales qui éclairent leur singularité artistique.

Tales of New Ancient Rythms réunit dans un patchwork flamboyant les multiples mondes de Keyvan Chemirani. Il est peut-être le résultat le plus enchanteur et limpide d’un long cheminement.

À l’origine conçu pour être un dialogue avec son frère, ce programme a finalement pris une forme complète avec le pianiste de jazz, modeleur d’espace Benjamin Moussey et la violoniste Yvlin, interprète classique habituellement liée au Deutsche Oper Berlin.

Avec toute la douceur du timbre du violon de Yvlin et les richesses expressives des pianos acoustique et modulaire de Benjamin, Keyvan et Bijan trouvent ici une instrumentation et des partenaires rêvés pour une nouvelle aventure.

Une forme chambriste capable des plus grandes variations tonales, rythmiques et dynamiques.

Leur invention collective est un bouquet de sentiments où s’entremêlent élégamment méditatif et festif, retenue et exubérance, dans une construction précise qui pourtant laisse beaucoup de place à l’improvisation.

Keyvan Chemirani donne des clefs à ses partenaires dont les compositions respectives contribuent à la fabrication d’un formidable kaléidoscope musical.

Et le trio Hami Hamoo pour la sortie de Siya

Trois musiciens, liés par leur passion commune pour les musiques africaines, mêlent leurs influences pour créer une nouvelle vibration dansante et métissée. Ce répertoire inédit est résolument tourné vers le continent africain depuis trois points de vue différents : celui du chanteur guitariste burkinabé Moussa Koïta, du percussionniste-chanteur du sud iranien Habib Meftah et du saxophoniste français, fondu de vieux son afro 70’s, Michaël Havard.

Titres interprétés au grand studio :

- Nour in the place par Keyvan Chemirani Live RFI

- Hami Hamoo par Hami Hamoo Live RFI

- Bâ man o bâ to, extrait del'album de Keyvan Chemirani

- Je ne fais que penser à toi, extrait de l'album Hami Hamoo

- Solo de santour par Keyvan Chemirani Live RFI

- Africa par Hami Hamoo Live RFI

- Sefar (titre de Habib Meftah) par Hami Hamoo & Keyvan Live RFI.

Line Up : Moussa Koïta (chant, guitare), Habib Meftah (chant, percussions), Michaël Havard (saxophone) & Keyvan Chemirani (santour).

Son : Mathias Taylor, Camille Roch et Benoît Letirant.

► Album Hami Hamoo Siya (Accords croisés 2026)

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► Album Keyvan Chemirani Tales of Nar (PEEWEE! / Socadisc / Believe 2026).

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