La funk disco créole de Setenta face à la tarentelle arrangée punk rock de Maria Mazzotta.

Nos premiers invités sont les Parisiens de Setenta, pour la sortie du 6ème album Apollo Solar Drive.

Le groupe parisien Setenta approche de la célébration de son 20è anniversaire avec la sortie d’un sixième album, Apollo Solar Drive. Cet opus s’annonce comme le meilleur du groupe et correspond à la nouvelle étape d’une odyssée de découvertes artistiques. Setenta a toujours cherché l’illumination positive au fil des années, tout en explorant le côté sombre de la condition humaine. Comme le décrit le groupe, cet album est un hommage afro-latin rétro-futuriste au soleil. Si leur précédent album, Materia Negra, avait propulsé l’équipage du vaisseau Setenta à la découverte d’une matière noire aux aspects multiples, ils changent maintenant de cap et approchent vaillamment du soleil à pleine vitesse, nous emmenant de l’obscurité vers la lumière. Miraculeusement, Setenta parvient à embarquer à bord le matériel rythmique et harmonique qu’ils ont exploré sur Terre, tout en osant aller là où personne ne s’est encore rendu, se lançant le défi de pousser leur musique, et leur public, vers des dimensions inexplorées et de nouveaux horizons d'existence.

En harmonie avec les thèmes de Materia Negra, sélectionné par FIP en 2020, la sixième mission de Setenta pour explorer « l’au-delà » de « l’espace intérieur » porte judicieusement le nom d’Apollo Solar Drive, soulignant l’orientation du groupe vers la lumière vivifiante du soleil pour s’inspirer, tout en faisant un clin d’œil au chef-d’œuvre de latin funk et de critique sociale d’Eddie Palmieri, Harlem River Drive. L’ambiance générale est chaleureuse et positive, propulsée par l’énergie décuplée de rythmes funk intenses et d’arrangements étonnamment complexes, tout en restant d’une fluidité délectable, à l’image de votre cocktail tropical préféré ou d’un album classique de fusion jazz dance des années 1970. Bien sûr, cette délicieuse mixture est servie avec une touche spéciale propre à Setenta.

Cette fois-ci, Apollo Solar Drive célèbre la trajectoire unique du voyage interstellaire du groupe en adoptant un angle résolument jazzy et « funkadelic » dans leur musique afro-latine tant aimée. Les membres de Setenta expriment leur vérité en tant que collectif, avec un accent mis sur les sections instrumentales, se concentrant sur l’entrelacement de multiples claviers et guitares, tout en réduisant cette fois-ci les voix à des chœurs de groupe, à la différence des voix solo du passé. L’approche globale est plus futuriste dans sa conception et sa réalisation, des arrangements à l’ingénierie sonore, bien que la base rythmique reste ancrée dans les traditions afro-cubaines ainsi que celles d’autres nations caribéennes.

Titres joués dans le grand studio

- Ecuajey Live RFI

- Cd Sa Ki Taw, extrait album

- Apollo Solar Drive Live RFI.

Line up : Virgile Raffaëlli (basse), Octave Ducasse (batterie), Laurent Guillet (guitare, voix), Alexis Nercessian (claviers), Tchoubine Colin (timbales, voix), Fabien Hily (congas, voix), Osman Jr (percussions, voix). 

► Album Apollo Solar Drive (Latin Big Note 2025).

Son : Jérémie Besset, Benoît Letirant, Mathias Taylor.

RFI Vidéos : Romain Ferré, Dominique Fiant, Cyrille Etienne.

Lien Youtube avec 3 titres : Ecuajey, Liberame et Apollo Solar Drive  par RFI Vidéos

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Concert Paris : 27 mai 2025 au New Morning.

Puis nous recevons Maria Mazzotta pour la sortie de Onde.

L'interprétation viscérale de Maria Mazzotta rencontre les sons électriques du Post-Rock, créant ainsi un mélange original et profond. Le titre du nouvel album est Onde (Vagues), un album dans lequel Maria Mazzotta a choisi pour la première fois en vingt ans de carrière d'exprimer la force franche et vitale de la tradition paysanne à travers des instruments contemporains. Depuis 2020, année de la publication de son premier album solo Amoreamaro, elle a parcouru des milliers de kilomètres, plus de 200 concerts dans plus de 25 pays à travers l'Europe, l'Amérique latine et l'Asie. Onde est le fruit des rencontres et des influences et des réflexions sur la société moderne. La chanson La Fortuna («La chance») ouvre l'album et c'est celle où le trio de Maria Mazzotta affirme son son et son message. Un arrangement imprégné de Rock Psychédélique a été créé pour cette chanson folklorique de la tradition salentine, évoquant la sensation des vagues qui roulent et gagnent en force jusqu'à ce qu'une tempête en mer éclate. L'invitation au partage est toujours au cœur de Sula nu puei stare («Tu ne peux pas être seul»), avec la participation du premier de deux invités internationaux : Bombino, un guitariste et auteur-compositeur exceptionnel du Niger. Et le compositeur et trompettiste allemand Volker Goetze.

Titres joués dans le grand studio

- Navigar Non Posso Live RFI

- Canto E Sogno (Feat. Volker Goetz), extrait de l’album

- Sula Nu Puei Stare (Feat. Bombino) Live RFI.  

Line Up : Maria Mazzotta (voix et percussions), Ernesto Nobili (guitare électrique baryton), Cristiano Della Monica (percussions).

Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch.

► Album Onde (Zero Nove Nove / InOuïe Dist. 2025).

Site - YouTube - Bandcamp.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Ballaké Sissoko et Piers Faccini en concert à la Philharmonie de Paris pour la sortie de l’album Our Calling.

19 mars 2025, Ballaké Sissoko et Piers Faccini présentent leur album Our Calling. RFI était là, morceaux choisis enregistrés par RFI Labo (sur le site rfi.fr) et entretien en loge.

Deux décennies après leur toute première collaboration, le chanteur-songwriter italo-britannique Piers Faccini et le virtuose malien de la kora, Ballaké Sissoko, reviennent avec un album enchanteur : Our Calling. Cet album offre un dialogue captivant entre un instrumentiste au sommet de son art et un auteur-compositeur orfèvre des mots. Ensemble, ils créent de nouvelles formes de chansons avec une délicatesse qui relie les continents et joue avec les traditions. Les graines de Our Calling ont été semées lorsque Ballaké Sissoko et Piers Faccini se sont croisés pour la première fois au sein de Label Bleu au début des années 2000, initiant une amitié au long cours et profonde.

Au fil des années, ils ont exploré ensemble de nouvelles passerelles entre les traditions mandingues et les formes de chanson folk britanniques et méditerranéennes. Sissoko avait d’ailleurs participé au deuxième album solo de Faccini, Tearing Sky, en 2005. En 2020, leur dialogue a trouvé un nouveau souffle grâce au label Nø Førmat!, lorsque Ballaké a invité Piers à chanter «Kadidja» en bambara sur son album Djourou. Plus tard, leur collaboration sur la chanson «The Fire Inside» a ravivé leur vision commune, et leur a donné l’envie de signer ce tout premier album en duo – enregistré par Frédéric Soulard (déjà présent sur le dernier album de Piers Faccini Shapes of the Fall) et réunissant une distribution exceptionnelle de musiciens invités, Vincent Segal (violoncelle), Badjé Tounkara (ngoni) et Malik Ziad (guembri). À travers dix morceaux finement ciselés, Our Calling est une ode sonore et narrative à la migration sous toutes ses formes : qu’elle soit végétale, telle une graine emportée par le vent, incarnée par des oiseaux, comme le rossignol migrant entre l’Afrique de l’Ouest et l’Europe au fil des saisons, ou humaine, à travers les siècles et les routes commerciales qui ont favorisé le partage des modes musicaux et des rythmes. Le dialogue entièrement acoustique des deux amis a été enregistré à Paris, côte à côte et en direct, en seulement cinq jours. Si l’album tire son originalité de sa profonde essence malienne, il est aussi subtilement imprégné de l’esprit propre à la chanson folk.

Our Calling est ainsi presque exclusivement chanté en anglais, à une seule exception : Ninna Ninna, un morceau traditionnel du sud de l’Italie, qui rappelle les racines de Piers Faccini et montre une fois encore comment le duo sait rassembler différentes traditions musicales, sans qu’aucune ne prenne jamais l’ascendant sur les autres. C’est là sans doute le fruit de vingt ans d’amitié et de jeu : les chansons du duo créent une alchimie musicale qui unit et fusionne, tout en gardant les deux voix distinctes et les traditions intactes, suffisamment entières pour pouvoir dialoguer librement. De nombreux moments de l’album en témoignent, comme Shadows Are qui commence par un solo de kora envoûtant, joué dans un mode traditionnel mandingue, avant de se transformer miraculeusement en une chanson rappelant presque un standard de jazz, de ceux que chantait Chet Baker. Mais ces chansons, tout en rendant hommage à une époque ancienne de la musique et du chant, appartiennent fermement au XXIè siècle. La nature de ce dialogue constitue son originalité même : à aucun moment la kora ne se plie ni ne s’adapte pour trouver une place dans une forme de chanson occidentale, comme cela a souvent été le cas lors de l’âge d’or des fusions musicales dans les années 90 et 2000. Dès le début, la promesse du duo était claire : ici, la langue musicale devait commencer et se terminer avec les traditions et les modes mandingues. Les chansons, bien que chantées en anglais, suivent cette ligne directrice. Les mélodies, construites et articulées selon des structures mandingues, en sont la preuve. Les grooves ternaires de North and South ou Mournful Moon reflètent l’intense recherche et exploration des deux artistes au fil des années. Et c’est peut-être la chanson If nothing is real qui évoque le mieux ce dialogue originel : un morceau qui trouve un chez-soi à la fois en Afrique et en Europe, et qui est aussi un hommage au rossignol (Sorofé kono en bambara), l’oiseau qui a inspiré les deux vieux amis et les a incités à enregistrer leur propre musique, leur propre appel.

Extraits choisis du concert (prise de son / mix : Mathias Taylor, Benoît Le Tirant (RFI Labo) :

Nanni Nanna, Borne on the Wind, Mournful Moon, Nothing is Real, Kadidja.

Un public attentif et de qualité pour applaudir ces deux magiciens.

🎥 teaser Fb 

🎥 If Nothing is Real 

- Bandcamp 

- Site Ballaké Sissoko 

- YouTube Piers Faccini.

Réalisation : Hadrien Touraud.

L’intégralité du concert à la Philharmonie est sur le site rfi.fr/musique. 

Il a été enregistré par Mathias Taylor dans « La salle des concerts » de la Cité de la musique et mixé en Dolby Atmos par Benoît Le Tirant (RFI Labo). Le port du casque est conseillé afin de profiter pleinement de la qualité du son binaural immersif.

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition ! (Rediffusion)

Sophian Fanen propose sa sélection mensuelle de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont :

- Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024)

- Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024)

- Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024)

- Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024)

- Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024).

Blakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L’origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s’inspirant des archives sonores du musée. C’est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d’une rare intensité. De cette alchimie est née l’idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l’univers de la musique électronique.

Remanindry, comme Loya, est né dans l’océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s’initie aux instruments électroniques qu’il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d’habiter à Tuléar lorsque sa famille s’agrandit. Il fait la rencontre d’autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l’étendard de la chanson malgache à l’international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d’apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l’océan Indien sur ses machines.

Titres interprétés au grand studio

- Koulé Live RFI

- Be Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l’album

- Kukulamp Live RFI.

Line Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines).

Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch.

► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024).

Site internet - YouTube - Facebook

Quatrième Pyramide d’Égypte ou 7è colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l’Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l’inconscient collectif arabe. Et la littérature. (Rediffusion)

Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz.

Notre 1ère invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l’humanité », aux éditions Orients.

Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d’albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu’aucune autre chanteuse un symbole de paix et d’espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d’Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970.

Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l’histoire de cette chanteuse légendaire.

Titres joués :

Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d’après Khalil Gibran

Abbaytak belsaif (Je t’ai aimé l’été)

Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad)

Li Beyrouth (concerto d’Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre).

► Culture Prime Fayrouz

► « Fayrouz, Moi je chante l’humanité » chez Orients 

Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l’étoile de l’Orient »

« Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C’est la nature des génies, car cela fait  50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l’entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée.

Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d’un religieux, elle possède un don qu’elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l’accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l’Égypte aussi bien que par l’homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d’instruction, d’ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe.

À l’occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février.

Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1ère comédie musicale de la diva.

► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février 

► IMA 

► Olympia Paris 1967 

► Orients Éditions 

► Culture Prime Oum.

L’invitée de la #SessionLive est l’artiste mauricienne Lisa Ducasse pour la sortie de l’album Iléisme.

Teaser RFI

L’iléisme, c’est d’abord, dans sa définition, l’acte de parler de soi à la troisième personne. Par extension, c’est tout acte de création qui pourrait être vu comme une forme d’iléisme, comme une fenêtre qu’on ouvrirait toujours dans le même sens : de soi vers le monde. Dans le motet dans ce qu’il referme de sons, il y a aussi la langue qui glisse, pour dire « île et isthme», l’île et la presqu’île. Et c’est bien en termes d’îlots, issus et faisant chacun partie d’une géographie, d’une cartographie imaginaires – celle des voyages, réels et rêvés, celle des échappées belles – que Lisa Ducasse a pensé les morceaux de ce premier album, aux côtés de Bénédicte Schmitt à la réalisation, avec Raphaël Séguinier à la batterie et aux percussions, Nicolas Mantoux aux synthés et guitares, Christelle Lassort au violon et Eve Risser au piano préparé.

Seule en scène, clavier et platine vinyle au bout des doigts, Lisa Ducasse invite au voyage de ses textes et sa voix. Née à l’Ile Maurice et actuellement installée à Paris, elle conserve et cultive un attachement farouche à l’enfance et à la capacité d’émerveillement dans sa vie adulte et créative. Inspirées d’échappées réelles, ses chansons font preuve d’une volonté́ de dire la rencontre du vulnérable et de l’indomptable, en notes et en mots déliés, personnels et actuels. Après des années de performance de spoken word, et un recueil de poésie édité en 2017, Lisa sort un premier single remarqué aux côtés de Guillaume Poncelet, « Qui sont » (270k écoutes sur Spotify). Depuis, elle a été lauréate du dispositif Variations, du Chantier des Francofolies, #FoRTE et du FAIR. Elle multiplie les premières parties dans des salles parisiennes telles que l’Olympia avec Zazie, le Casino de Paris avec Alain Souchon, tout en parcourant la France aux côtés d’artistes tels que Pomme, Arthur H, Barbara Pravi, ou encore Bertrand Belin, et le monde en festivals (Fête de l’Humanité, Francofolies de La Rochelle, de Montréal, de La Réunion)... Après plusieurs singles, de nombreux voyages entre l’Amérique du Sud et Paris, et plus d’une centaine de concerts, son premier album, Iléisme, enregistré aux légendaires Labomatic Studios, a vu le jour en janvier 2025.

Titres interprétés dans le grand studio

- L’Essor Live RFI

- Sahara, extrait de l’album 

- Partie Pour poème

- Voleuse d’éclairs Live RFI.

Line Up : Lisa Ducasse, chant, Jules Monnier, machines.

Son : Mathias Taylor, Camille Roch.

► Album Iléisme (Rising Bird 2025).

Maison de la Poésie 2 avril COMPLET, 26 mai.

+ Piers Faccini et Ballaké Sissoko.

Walid Ben Selim

Anthony Joseph

Facebook - YouTube.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Un trio entre l’Iran, la Palestine et la France + un pianiste américain qui déménage Bach sur le continent africain = MdM !

Nos premières invitées sont Sogol Mirzaei, Marie-Suzanne de Loye et Christine Zayed pour la sortie de Les Vents Brûlants.

Chakâm (qui se prononce Tchakâm), c’est trois musiciennes qui dévoilent un langage où les cordes dialoguent, s’affrontent et se retrouvent en un souffle puissant ou apaisé, lorsque le chant s’élève.

Chakâm, du nom d’une ancienne forme poétique persane, mêle l’éclat du târ de Sogol Mirzaei (Iran) au qanun soyeux de Christine Zayed (Palestine) portés par la profonde viole de gambe de Marie-Suzanne de Loye (France). Ces trois musiciennes dévoilent un langage où les cordes dialoguent, s’affrontent et se retrouvent dans un souffle puissant ou, au contraire, apaisé lorsque le chant s’élève. Bâti selon les codes du radif et du maqam où les passages rythmiques répondent aux tirades mélodieuses, l’ensemble Chakâm donne à entendre des compositions et improvisations personnelles et modernes, à la croisée des parcours : nostalgie des terres quittées trop tôt, déracinement et idéalisation d’un ailleurs qui s’efface au fil du temps, mais aussi vitalité incessante de l’expérience, de la découverte et du renouveau.

Titres interprétés au grand studio

- Chameau ivre Live RFI

- Najma, extrait de Cd

- Olive Live RFI.

Line Up : Sogol Mirzaei, târ, Marie-Suzanne de Loye, viole de Gambe, Christine Zayed, qanoun, chant.

Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor.

► Album Les Vents Brûlants (Chakâm/Inouïe Dist. 2025).

YouTube -  Facebook.

Concerts (du 27 au 30 mars à la 15ème édition du festival Détours de Babel à Grenoble) + 2 avril 2025 Le Consulat, Paris.

Puis nous recevons Joaquim Horsley pour la sortie de l'album Afro Bach.

Avec «Afro Bach», le pianiste américain Joachim Horsley sort le 3ème volet de sa trilogie «Via Havana» dans laquelle il réimagine la musique classique sur des rythmes africains et caribéens !

Le pianiste américain Joachim Horsley, qui s’est fait connaitre sur le web en 2016 avec son phénoménal Beethoven in Havana, un arrangement de la 7è Symphonie de Beethoven dans un style cubain, est de retour avec Afro Bach. Un nouvel album hommage à Bach, toujours réarrangé à la sauce afro-caribéenne.

Le virtuose et compositeur de musique de film signe là le 3ème épisode de sa trilogie Via Havana, débutée avec un premier album en 2019 puis un deuxième en 2022. Apprendre et maîtriser les œuvres les plus complexes et techniques du répertoire classique européen (Mozart, Beethoven, Saint-Saëns, Mahler…), puis les arranger suivant les codes esthétiques des musique latines (jazz cubain, salsa, rumba…) sans dénaturer les œuvres originales, ni tomber dans l’appropriation culturelle des musiques du monde.

► Album Afro Bach (LittleHorse Group - 2025).

Site Joachim Horsley.

Concert 25 mars 2025 au Studio de l’Ermitage, Paris.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Electro taarab et cinéma égyptien des années 40/50/60 avec Love & Revenge, une Louuve Dj made in Maghribi et un songwriter anglais qui aime les chansons à boire.

Oum Kalsoum est morte le 3 février 1975. La formation Love & Revenge (Liban/France) sort Agmal Layali pour lui rendre hommage. Electro-taarab et cinéma, expert dans l’art de revisiter la musique et le cinéma populaires du Moyen-Orient, le groupe Love and Revenge est de retour avec une création originale et ambitieuse. Agmal layali ou mes plus belles nuits est un vibrant hommage à l’immense Oum Kalthoum, célébrant la fusion du taarab emblématique de la diva égyptienne et les sonorités électroniques des sons d’aujourd’hui. Fidèle au concept de ses concerts visuels qui ont fait sa réputation, Love and Revenge fait dialoguer les images d’archives et la création musicale. Un hommage invitant les publics de toutes générations à découvrir ou redécouvrir la voix fascinante d’Oum Kalthoum et la magie intemporelle du taarab. Une expérience immersive qui transcende les époques, brouille les frontières, et continue de faire briller aujourd’hui « l’astre de l’Orient » qui nous a quittés il y a cinquante ans.

Notre 1er invité est le musicien compositeur Wael Koudaih (Rayess Bek).

Love & Revenge fait l’ouverture de la 15ème édition du festival Détours de Babel, le 21 mars 2025 à Grenoble.

Site Love and Revenge.

Puis nous recevons Dj La Louuve avant son DJ set au Babel Music XP ()

Soundcloud - Instagram.

Puis Matt Elliott s’attaque à la #SessionLive pour la sortie de Drinking Songs Live 20 Years On

Il y a vingt ans, Matt Elliott sortait Drinking Songs, premier élément d’une trilogie marquante, un magnifique album de sept titres dark folk qui reste encore à ce jour le plus écouté sur les plateformes, et plébiscité par les fans du natif de Bristol. Aujourd’hui, pour célébrer l’anniversaire de l’œuvre la plus emblématique de sa discographie, Matt Elliott nous offre Drinking Songs Live 20 Years On, une collection de versions alternatives enregistrées en trio live. Matt Elliott, qui s’était déjà fait un nom dans la scène indé électronique sous le pseudo The Third Eye Foundation, s’aventure au début des années 2000 en territoire folk. Né en 2004, Drinking Songs est le second album de l’Anglais sous son propre nom, faisant suite à The Mess We Made  sorti en 2003 chez Domino. La particularité de Matt Elliott, est déjà sa capacité à fusionner différents styles, mêlant un folk de chambre à une musique de cabaret d’Europe de l’Est, tout en utilisant en parallèle sa culture de la musique électronique et en particulier sa maîtrise du sampling et des effets, au service de la chanson. Exploration profonde de la condition humaine, Drinking Songs est un voyage à travers les recoins les plus inaccessibles de l’âme. Chaque titre de cet album est une histoire en soi, une fenêtre ouverte sur des moments de douleur, de nostalgie et de réflexion.

Titres interprétés dans le grand studio

- What’s Wrong Live RFI

- What the Fuck Am I Doing on this Battlefield ? extrait CD

- A Waste of Blood Live RFI.

Line Up : Matt Elliott (voix, guitare, saxophone)

Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor.

► Album Drinking Songs Live 20 Years On (Ici d’Ailleurs 2024)

► Concert théâtre de l’Atelier 31 mars 2025

Site Matt Elliott. 

Réalisation : Hadrien Touraud.

Le guitariste Thomas Naïm est le seul guitariste au monde à proposer un album solo sur Hendrix.

La #SessionLive reçoit Thomas Naïm pour la sortie de l’album May This Be Love et le spécialiste français de Jimi Hendrix : Yazid Manou !

C’est après un stage d’été au Berklee College of Music de Boston et des cours à l’American School of Modern Music à Paris, que Thomas Naïm fonde avec la chanteuse Joyce Hozé le duo Tom & Joyce. Influencé par la MPB, la bossa nova des 60’s et le jazz, le groupe enregistre deux albums : Tom & Joyce sorti en 2002 (Yellow Productions/East West) et Antigua en 2005 (Yellow Productions/Tommy Boy) sur lequel participe le légendaire batteur Tony Allen et dont certains morceaux seront remixés par des producteurs de dance music parmi les plus reconnus (Masters At Work, François Kevorkian ou Bob Sinclar).

Par la suite, Thomas Naïm sera sollicité pour accompagner sur scène ou en studio de nombreux artistes venant d’horizons parfois très différents parmi lesquels Youn Sun Nah, Hugh Coltman, Hindi Zahra, Sébastien Tellier, Ala.ni, Mayra Andrade, Tiken Jah Fakoly, Blick Bassy, Idrissa Diop, Bob Sinclar, Salomé de Bahia, Brisa Roché, Bernard Lavilliers, Albin de la Simone, Michel Fugain, Claire Diterzi, Renan Luce…

Il mène en parallèle depuis plusieurs années une carrière solo à la tête d’un trio avec le bassiste Marcello Giuliani et le batteur Raphaël Chassin avec lesquels il enregistre en 2018 l’album Desert Highway.

En 2020, Thomas Naïm va confronter son trio aux compositions du maître Jimi Hendrix et enregistrer l’album Sounds of Jimi. L’idée de départ n’est pas de reprendre les titres d’Hendrix tel quel mais de trouver pour chaque morceau une esthétique plus personnelle, et à l’exception de trois titres chantés par Hugh Coltman et Célia Kameni, de privilégier l’approche instrumentale. L’album accueillera également en invités Erik Truffaz à la trompette et Camille Bazbaz à l’orgue.

En 2022, il retourne en studio avec son trio augmenté de l’organiste/pianiste de Marc Benham pour enregistrer, sous la houlette du réalisateur grand angle Daniel Yvinec, On the Far Side, un album consacré à ses propres compositions dont la sortie est prévue pour février 2023. Thomas Naïm y retrouve ses premières amours, le Jazz, qu’il mêle à ses influences de toujours la pop, le rock psychédélique, les bandes originales de films et mille autres choses. Laurent Bardainne (saxophone) souffle sur trois titres un vent créatif qui donne à cet album unique une force et une couleur presque mystique.

Avec May This Be Love, Thomas Naïm devient le 1er guitariste au monde, à reprendre Hendrix en guitare solo.

Titres interprétés au grand studio

- Hey Joe Live RFI

- The Wind Cries Mary, extrait de l’album

- Purple Haze Live RFI

Line Up : Thomas Naïm, guitare.

Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor.

Album May This Be Love (Rootless Blues 2025).

Site -  YouTube - Bandcamp.

Yazid Manou est journaliste, relations presse et spécialiste de Jimi Hendrix en France. en 1990, il organise un concert à l’Olympia pour les 20 ans de la disparition du guitariste américain. Il est le héros du roman « Blues pour Jimi Hendrix » écrit par Stéphane Koechlin. Yazid Manou est le gardien d'un mort comme Anubis dans la mythologie égyptienne, Jimi Hendrix. Il porte des fleurs sur sa tombe, soigne sa postérité, veille à sa gloire... En 1990, vingt ans après la mort de Jimi le 18 septembre 1970, il a organisé le festival « Jimi's Back » à Paris pendant une semaine dont une soirée à l'Olympia qui a bouleversé sa vie. Il y a invité de nombreux artistes pour reprendre les thèmes du bluesman. Il a convié bien sûr en premier lieu l'ex-bassiste de Jimi, Noel Redding, personnage douloureux et attachant, frappé quelques mois plus tôt par un deuil terrible, la mort de sa fiancée Carol Appleby dans un accident de voiture. Depuis, la vie de Yazid - devenu par la suite attaché de presse indépendant - est rythmée par les nouvelles de la « famille Hendrix », disputes avec la soeur adoptive Janie, rencontre avec ceux qui l'ont connu (B. B. King, Eric Clapton, Paul McCartney, Johnny Hallyday, Miles Davis, Taj Mahal), sorties d'albums (Jimi a davantage publié de disques une fois mort que vivant), disparition des témoins, Noel, Buddy Miles, Monika Dannemann (dernière compagne), Al Hendrix (son père) puis Mitch Mitchell. Il a construit sa vie autour d'un mort, de la mort en général. Yazid est un infatigable marcheur africain arpentant le pavé parisien en compagnie de son fantôme.

Playlist Jimi Hendrix par Yazid Manou

51st Anniversary, Wait Until Tomorrow, Red House & All Along the Watchtower.

Concert du 20 mars @ Le 360 Paris.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Du jazz flamboyant d’Adrien Soleiman à la folk indie pop de Jawhar.

Nos premiers invités sont les 8 musiciens d’Adrien Soleiman et son BelleJazzClub

Adrien Soleiman, saxophoniste talentueux et collaborateur recherché (Juliette Armanet, Malik Djoudi, Philippe Katerine), dévoile son nouveau projet BelleJazzClub. Passionné par le partage et l’improvisation collective, il voit son groupe éponyme comme une véritable confrérie de musiciens incarnant l'âme du jazz et de la pop. Après avoir marqué les esprits avec son premier album Brille en 2016, Soleiman décide de réunir des musiciens de renom pour un enregistrement intensif au studio La Frette. Entouré des meilleurs talents de la scène parisienne, comme son frère Maxime Daoud, Tony Tixier, ou encore Marc-Antoine Perrio, il compose un album où chaque morceau évolue spontanément. Des voix familières du jazz et de la pop, comme Arthur Teboul (Feu! Chatterton), Philippe Katerine, Halo Maud ou encore Émile Parisien viennent ensuite enrichir le projet, tandis que Voyou, Emma Broughton et Laura Etchegoyhen apportent leurs touches aux cuivres et aux chœurs. Le premier volume de BelleJazzClub est un voyage musical unique, mêlant jazz et pop avec une grande liberté instrumentale et une fusion captivante de rythmes chaloupés et d'ambiances contemplatives

Titres interprétés au grand studio

- Panorama Live RFI

- Grande Terre Feat. Arthur Teboul, extrait de l’album

- Petit Matin Live RFI.

Line Up : Adrien Soleiman, saxophone, Louis Delorme, batterie, Adrian Edeline, guitare, Gianni Casarotto, guitare, Elise Blanchard, basse, Maxime Daoud, claviers, Tony Tixier, claviers et Arnaud Biscay, batterie.

Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Benoît Le Tirant.

Album BelleJazzClub Vol.1 (Naïve/Believe 2025).

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Concert 18 mars 2025 à La Maroquinerie, Paris 

Puis nous recevons Jawhar pour la sortie de Khyoot

Khyoot خيوط est en arabe le pluriel de « kheet », qui veut dire fil, corde, filament. Dans le contexte plus poétique des chansons de l’album, le mot « khyoot »  revient souvent pour désigner les liens qui se cachent derrière le visible, ces filaments qui traversent

l’espace et nous relient à une source puissante et magique. Ce sont ces filons auxquels on tient au fil des jours, vers la transcendance de la réalité, vers la création. Ils nous indiquent le chemin vers une foi en ce qui nous dépasse, en l’invisible qui est néanmoins enfoui en nous… Avec Khyoot, l’auteur-compositeur d’origine tunisienne revient à ses premiers amours ; un album très folk, une collection de chansons lumineuses écrites pour deux voix. À la voix tantôt éthérée tantôt terrienne de Jawhar vient se mêler, délicate et gracieuse, celle d’Azza Mezghani. Il s’entoure également de ses deux fidèles acolytes, le pianiste Eric Bribosia et le multi-instrumentiste Yannick Dupont.

Titres interprétés au grand studio

- Habbeet Live RFI

- Leghreeb, extrait de l’album

- Howwa Live RFI

Line Up : Jawhar, guitare, voix, Aza, voix, claviers.

Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Benoît Le Tirant.

Album Khyoot (6T2 Records).

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Concert 20 mars 2025 Le Hasard Ludique, Paris.

Playlist mensuelle de Sophian Fanen + interview de l’Asturien Rodrigo Cuevas pour la sortie de La Romeria.

Ce mois-ci, Sophian Fanen  a choisi :

- Marlon Williams, Aua Atu Rā, tiré de l'album Te Whare Tiwekaweka (Dead Oceans, 2025) Site 

- Ale Hop & Tito Bakorta, Bonne année, tiré de l'album Mapambazuko (Nyege Nyege Tapes, 2025) Bandcamp 

- Tony Allen & La Boa, Tambor, tiré de l'album La Boa Meets Tony Allen (Comet Records, 2025) Bandcamp 

- Cymande, Heart of the Willing, tiré de l'album Renascence (BMG, 2025) Site 

- Σtella, Omorfo Mou, tiré de l'album Adagio (Sub Pop, 2025) Site.

Puis nous recevons l’artiste asturien Rodrigo Cuevas pour l’album La Romeria. 

Avec La Romeria, Rodrigo Cuevas nous embarque vers un lieu de plaisir libre de tout préjugé. Entouré de quatre musiciens – guitare, claviers, vocodeur et une grande place laissée aux percussions –, le chanteur-danseur poursuit son projet de modernisation de l’héritage asturien qu’il revisite avec des sonorités électroniques. À l’image de sa compatriote Rosalía, il propulse ainsi des musiques ancestrales vers le futur. Conçu à quatre mains avec Eduardo Cabra (ex Calle 13), vainqueur de 24 Latin Grammy Awards, cet album marque aussi la rencontre entre deux artistes lumineux. Une alchimie qui donne naissance à une créature éblouissante, que le performeur à moitié drag-queen, à moitié sorcier hidalgo, nourrit de poésie et d’ironie à travers la théâtralité du cabaret. Au-delà de ses allures de diva excentrique qui transforme ses concerts en art à la fois total et intime, Rodrigo Cuevas se veut un passeur de savoirs. Ses chansons bouleversantes explorent l’essence de traditions qui, ancrées dans le peuple, font danser et s’aimer. Un spectacle qui, entre burlesque et sensualité, s’annonce aussi joyeux que torride.

Mi-sorcier des Asturies, mi-drag queen, Rodrigo Cuevas bouleverse nos sens des représentations d’une exubérance pop spectaculaire, lumineuse, et fulgurante. 

Performeur de talent à l'imagerie iconoclaste et explosive, le chanteur asturien bouscule les codes figés du conservatisme d’antan avec une délectation certaine. Convoquant une audace visionnaire, Rodriguo Cuevas interprète une musique folklorique queer venue du nord de l'Espagne, modernisant les traditions asturiennes avec autant d'inventivité que de respect. Comme revitalisées par tant d'aplomb, les danses anciennes comme le xiringüelu ou la muñeira en deviennent des objets futuristes !

Site - YouTube.

Concert 1er avril 2025 la Cigale.