El Invitado de RFI

El actor francés de origen español Miguel-Ange Sarmiento repone en el teatro Comedie Bastille de París sus dos espectáculos ‘Différente’ y ‘Mon petit grand frère’ con los que obtuvo el Premio al mejor solo en escena en el off del pasado Festival de Aviñón.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.

Miguel-Ange Sarmiento es un artista franco-español. Cantante, actor, autor, productor y director, ha explorado diversos géneros artísticos, entre ellos el teatro clásico y de vanguardia, los espectáculos de variedades y el teatro musical. Ha actuado en obras de teatro como “Carmen la Nouvelle” y “Signé Pombo de Louise Doutreligne”, y ha dirigido espectáculos como “Mon Frigo me Trompe”, “Le Tour du Monde en 80 canciones” y “Le Kabaret last chance”.

También es autor del espectáculo musical "Differente", protagonizado por la artista Carolina, que celebra la vida, el amor, la amistad y la libertad de ser uno mismo.

El director de teatro Antonio Cuenca Ruiz firma la dramaturgia de la puesta en escena de Peter Sellars de la ópera de Rameau ‘Castor y Polux’ que acaba de estrenarse en la Opera de París.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Tras licenciarse en Artes Escénicas por la École normale supérieure de Lyon, Antonio Cuenca Ruiz se incorporó a La Monnaie de Bruxelles como dramaturgo hasta 2019. Paralelamente a su trabajo en La Monnaie, ha colaborado con otros directores, entre los que destaca Peter Sellars: La Clémence de Titus y Idoménée en el Festival de Salzburgo, Kopernikus de Vivier en el Festival d'Automne de París, Roman de Fauvel en el Théâtre du Châtelet y Médée en la Staatsoper Unter den Linden de Berlín.

Como dramaturgo, sus proyectos recientes y futuros incluyen Le Couronnement de Poppée dirigido por Ted Huffman en el Festival d'Aix-en-Provence, L'Autre voyage (montage d'après Schubert) dirigido por Silvia Costa en la Opéra Comique, The Gospel Según la Otra María dirigida por Lisenka Heijboer Castañón en la Volksoper de Viena y Le Joueur dirigida por Peter Sellars en el Festival de Salzburgo.

En octubre de 2020, concibió y presentó Les Quotidiennes en la Ópera de Lille, un ciclo de lecturas que presenta obras poco conocidas de autoras francesas del siglo XVII. En el Atelier scénario de la Fémis, actualmente escribe Clairières dans le ciel, un largometraje inspirado en melodías de la compositora Lili Boulanger.

En la Ópera Nacional de París: Beatrice di Tenda, 2024

La artista puertorriqueña Cari Gonzalez Casanova presenta    su trabajo ‘Ciudades Invisibles’, imágenes creadas por IA a partir de testimonios recogidos sobre ciudades soñadas, en la Galería Michèl Didier de París.    

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.

Cari Gonzalez Casanova nació en 1971 en Puerto Rico, creció en Nueva York. Ha vivido y trabajado en Marsella durante 20 años.

Su trabajo está impulsado por un interés ontológico en las diferentes formas de representación, ya sean artificiales o fenomenológicas. A través de sus diversos proyectos y acciones, activa las cualidades inherentes de los diferentes sistemas de representación para explorar temas como el turismo, el camuflaje, la enfermedad, la utopía o la inteligencia artificial. Se interesa particularmente en examinar las estrategias de comunicación que proliferan en nuestras sociedades y los relatos que pueden generar, los mecanismos semiológicos inherentes a cada dispositivo y la influencia que pueden tener sobre nuestra percepción del real.

Colabora a menudo con otros artistas y profesionales de otras áreas. Ha colaborado con el arquitecto Julien Monfort para el proyecto Tree House, con el artista Nico Dockx en proyectos de publicación, con los marineros en Marsella para el proyecto de velas Avec le vent présenté lors du Manifesta 13, con el filósofo Jean-Luc DupontPierre Cometti para varios proyectos de edición, el psicoanalista Hervé Castanet, con el escritor Brice Matthiessent y el científico Derek Hodgson para el libro de artista Home Guard Manual of Camouflage.

Entre lo imaginario y lo real, la poesía y el análisis político, su producción heterogénea se presenta en diferentes soportes. Lo que le interesa no es la variedad de la expresión sino experimentar el dispositivo más adecuado para el proyecto que lleva a cabo.

La artista e investigadora catalana Laia Abril inaugura este jueves en Le Bal de Paris la exposición ‘Sobre la histeria de masas’, una historia de la misoginia.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Laia Abril (Barcelona, 1986) es una artista multidisciplinar que ha trabajado con fotografía, texto, video y sonido. Su obra aborda temas como la sexualidad, el cuerpo, la misoginia o el aborto, y se ha exhibido internacionalmente. ​En 2023 recibió en España el Premio Nacional de Fotografía. ​

Laia Abril se licenció en periodismo en Barcelona. Una vez finalizado el grado de periodismo se trasladó a Nueva York para estudiar fotografía en el Centro Internacional de Fotografía. En 2009 empieza su residencia en FABRICA, el Centro de Investigación Benetton en Treviso, Italia, donde trabajó como editora creativa y fotógrafa en la Revista COLORS durante cinco años. Laia Abril trata temas relacionados con la sexualidad, el cuerpo, la psicología y los derechos de las mujeres, construyendo imágenes invisibles de lo incómodo y lo incomprendido. Su objetivo es cultivar la empatía rompiendo tabúes en torno a juicios sociales sobre qué o quién es diferente.​ Un ejemplo de sus primeros proyectos es Femme Love, basado en una joven comunidad lésbica en Brooklyn; o Last Cabaret, basado en un club de sexo en Barcelona; y The Asexuals Project, un documental sobre la asexualidad o su libro Lobismuller (RM, 2016) que reconstruye la historia del asesino en serie más enigmático y sediento de sangre de la historia española, entre otros.

El trabajo actual de Abril gira en torno a la conceptualización de genealogías, trabajando con fotografías, videos e instalaciones de medios mixtos. En sus obras "cuenta historias metafóricas sobre temas difíciles usando una mezcla de investigación y cualquier materia prima que se tenga a mano: fotos encontradas, sus propias imágenes, fotografías familiares, testimonios personales, archivos oficiales, entrevistas y diarios".​

En 2010 Abril comienza a trabajar en A Bad Day, el primer capítulo de una trilogía sobre trastornos de la alimentación. A Bad Day, trata sobre las mentiras y los malentendidos que rodean a la bulimia, el segundo capítulo, Thinspiration, explora el uso de la fotografía en sitios web que promueven la anorexia nerviosa; el capítulo que cierra la trilogía, The Epilogue, documenta a las víctimas indirectas de los desórdenes alimenticios a través de la historia de la familia Robinson y las consecuencias de la muerte de Cammy Robinson debido a la bulimia.​ El Crítico Sean O'Hagan, dijo en El Guardián sobre The Epilogue que " es un libro sombrío y emotivo... denso y gratificante ... A veces, su lectura es dolorosa. De vez en cuando, lo tuve que dejar para tomar un respiro. Pero continué volviendo a ello."​ The Epilogue recibió una gran acogida siendo seleccionado para la categoría de Primer PhotoBook de la Paris Photo-Aperture Foundation PhotoBook Awards en 2014,​ también fue preseleccionado para el Primer Premio Paris Photo-Aperture, Kassel PhotoBook Festival y Photo España Best Book Award.

Después de completar su proyecto de cinco años sobre trastornos de la alimenticios, en 2015 Abril se embarca en un nuevo proyecto a largo plazo llamado A History of Misogyny. Su primer capítulo On Abortion fue publicado por Dewi Lewis en 2017. En este nuevo proyecto comienza una multitud de investigaciones visuales que implican comparaciones históricas y contemporáneas para explicar su visión sobre la historia de la misoginia investigando los riesgos físicos y los legales que sufren las mujeres en todo el mundo cuando recurren al aborto o cuando no tiene acceso al mismo. Su primer capítulo, On Abortion, documenta y resalta las repercusiones de la falta de acceso legal, seguro y gratuito de las mujeres al aborto. Presentado por primera vez en Les Rencontres d'Arles 2016​ y galardonado con el Premio Madame Figaro y con el premio Revelación PhotoEspaña 2016,​ el proyecto On Abortion utiliza el enfoque distintivo de Abril para tejer una red de preguntas sobre cuestiones de ética y moralidad: "He realizado primero una investigación, documentando historias de mujeres que han sido violadas, que han tomado productos ilegales, que están en prisión por haber abortado. He documentado también las historias de víctimas colaterales como médicos que han sido asesinados por practicar el aborto, por ejemplo”. ​ Sobre su libro "On Abortion", el crítico Jörg Colberg escribió que "es lo mejor que se puede obtener, y espero que más fotógrafos comiencen a trabajar en esta línea de fotolibros. Con un mundo de fotoperiodismo atascado en lo que parece ser una avalancha de problemas (género, diversidad, puntos de vista occidentales, varios problemas de fotografía), de la cual no puede liberarse, otro mundo es posible. Y eso es lo que Abril presenta con On Abortion: ella establece el nuevo estándar de oro del libro fotográfico basado en la investigación".​

Actualmente está desarrollando el libro del segundo capítulo, On Rape​ instalación que ya ha sido expuesta en París, Lieja y Ámsterdam. ​En 2023, obtuvo el Premio Nacional de Fotografía de España, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte.​

(Fuente: Wikipedia)

El violinista alemán de origen peruano-uruguayo Oscar Bohórquez presenta este sábado 18 de enero en la Sala Cortot de París su nuevo álbum ‘Unexpected America’ grabado con un instrumento de un valor incalculable, un Guarneri del Gesú de 1729, junto al pianista francés Frank Braley.

Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI.

Oscar Bohórquez es un violinista virtuoso cuyo dominio técnico y expresividad musical son aclamados en todo el mundo. Nacido en una familia de músicos, su trayectoria musical comenzó temprano y rápidamente lo llevó a los escenarios más prestigiosos del mundo. Nacido y criado en Alemania, Oscar Bohórquez demostró un talento excepcional desde temprana edad. Su dominio del violín es descrito como "souverän", una expresión que destaca su habilidad incomparable para comunicarse a través del instrumento. Su sonido, emanando de un Guarneri del Gesù de 1729, es descrito como penetrante y capaz de llenar los recintos más delicados, como los de la Berliner Philharmonie.

Bohórquez perfeccionó sus habilidades musicales bajo la guía de renombrados maestros. Estudió inicialmente con Aaron Rosand en el Curtis Institute of Music, en Filadelfia, antes de buscar perfeccionamiento con Günter Pichler, primarius del Alban Berg Quartet, en la Universidad de Música de Viena. Esta sólida formación contribuyó a su técnica impecable y profunda comprensión de la música.

Agnès Mateus y Quim Tarrida acaban de estrenar en el Thêatre de la Bastille de París su espectáculo ‘Patatas fritas falsas’ denuncia satírica de la violencia política.

Naturalmente han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo.

Agnes Mateus (Barcelona, ​​1967) es una performer y artista multidisciplinar. Periodista de carrera, realiza estudios de teatro paralelamente hasta que entra en el mundo de la interpretación de la mano de Txiqui Berraondo y Manuel Lillo en Barcelona. En 1996, define su trayectoria cuando nace el Col·lectiu General Elèctrica de cuyo núcleo de creación forma parte y trabaja ahí hasta su disolución, ocho años más tarde. Trabaja habitualmente con Juan Navarro, Roger Bernat, Rodrigo García y Simona Levi. Durante el curso 2018-2019, participa junto con Quim Tarrida, en el programa de residencias para artistas En Residencia del Instituto Quatre Cantons de Poblenou, en Barcelona.

Quim Tarrida (Barcelona, 1967) se inicia en el campo del dibujo y del cómic a mediados de los ochenta. A finales de esta década expone sus primeras pinturas, entonces primigenias, de su personal universo subcutáneo. El desarrollo de este universo toma posteriormente distintas formas: objetos, acciones, instalaciones, música... A través de este pseudomundo o proyecto múltiple (Mundo Subcutáneo) –creado por él y llenode tensiones que se entrecruzan, formas orgánicas, colores que se colapsan y reordenaciones del caos- se reflejan los aspectos más internos de la propia vivencia del artista como hombre (el sexo, el dolor, la introspección, el amor...), convertido en niño subcutáneo, su alter ego (ahora, The Subcutanian Brothers) y creando el holding Subcutanian Productions como marca y Subcutanian Solutions como una empresa de “servicios”, considerando la acción, el objeto, la música o la instalación como productos.

El guitarrista francés Antoine Guerrero acaba de publicar su nuevo álbum ‘Colores del siglo XX’ editado por el sello Da Vinci Classics.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo.

Antoine Guerrero (Burdeos, 1996) formla ya parte del panorama guitarrístico europeo gracias a su participación en numerosos concursos y a su actividad concertística. Hasta la fecha ha obtenido 12 premios internacionales, como el Primer Premio en el Festival Internacional de Pleven (Bulgaria), el Segundo Premio en el Festival de Guitarra de París o el Primer Premio en el Concurso Internacional Valle dei Laghi (Italia). Ha actuado en salas como el Palau de la Música Catalana (Barcelona), el Teatro de la Ciudad de Valencia y la Sala Filarmónica de Trento (Italia). Su formación tuvo lugar en Francia y España.

Tras obtener su Licencia de Interpretación en Sevilla con la clase de Francisco Bernier, realizó un Máster en Interpretación en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, con la clase de Olivier Chassain. Hoy compagina su actividad docente en el Conservatorio Sainte-Honorine de Conflans con una apretada agenda de conciertos, solo o en diversos proyectos de música de cámara, por toda Europa. Antoine es artista de Knobloch Strings desde 2023. Su primer álbum “Colors of the 20th Century” fue lanzado en noviembre de 2024 en el sello Da Vinci Classics.

La artista de circo uruguaya Mariángeles Kalamar, directora de la Compañía Circo Criollo implantada desde hace años en la región parisina, ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI para hablarnos de su intensa actividad durante las fiestas navideñas.

Nacida en Montevideo, Uruguay, Mariángeles Kalamar inicia a los catorce años una actividad teatral junto a programas de televisión y de radio en Argentina. Ingresa en la escuela Circo Criollo de los hermanos Videla quienes continúan en su escuela la tradición del circo ambulante en Argentina.

Inicia su carrea de artista en varios circos en Buenos Aires, en los que se especializa en la cuerda y la danza con aros (hulla-hop). A finales de los años noventa se instala en Francia donde va a perfeccionar su técnica con Saha Doubrovsky en la Escuela de circo Fratellini.  Va a trabajar durante varios años en el circo del ‘Gran celeste’ para luego hacerlo en circos como Romanes, Canbaret Sauvage o el Teatro Trevise.

En 2013 funda la compañía Circo Criollo con la que ponen en escena y actúa en varios espectáculos sobre la cultura latinoamericana. Organiza así mismo actividades y talleres de circo, como el circo en familia y el circo adaptado a personas con discapacidad y a un público de zonas desfavorecidas, trabajo que ya realizo en las villas miseria de Buenos Aires.  

Las artistas argentinas Bettina Pell, Paula Noé-Murphy y Brenda Hoffman inauguraban este martes la exposición ‘Fotosíntesis’ en la Maison de l’Argentine de París en la que nos proponen una reflexión sobre la naturaleza y el respeto de la biodiversidad.

Naturalmente han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

En la encrucijada de la investigación visual en torno al medio fotográfico y la reflexión sobre la naturaleza, el trabajo de Brenda Hoffman, Paula Noé-Murphy y Bettina Pell revela un enfoque común: respetar, conservar y preservar la biodiversidad. La sensibilidad a la energía luminosa es tan necesaria para la fotografía como lo es para la fotosíntesis de las plantas. A partir de esta evidencia, y utilizando la fotografía como medio principal, alternando ciencia y poesía, los tres artistas ofrecen una síntesis plástica que resalta la inspiradora belleza y fragilidad de la naturaleza, así como la necesidad inmediata de su preservación. Esta exposición aborda también el encuentro, intrínseco a su enfoque, de estos tres artistas con la naturaleza a través de los materiales que recolectan y transforman (tierra, semillas, plantas, etc.)

Paula Noé-Murphy realiza, de manera al principio casi ritualista, un trabajo con un aspecto arqueológico que sin embargo se invierte, ya que se caracteriza por una serie de acciones diversas que se superponen. De hecho, como en un milhojas, cada paso se superpone al otro, por lo que resulta difícil nombrar su enfoque. ¿Es land art ya que comienza con una instalación efímera en la naturaleza que luego deshace? ¿O fotografía, dibujo o incluso fotografías superpuestas? En todos los casos, el artista cuestiona nuestra relación con lo subjetivo, lo biológico y las categorías. científicos. Nos muestra el vaivén entre lo micro y lo macro, lo bidimensional y lo tridimensional como a través de un prisma dando lugar a múltiples interpretaciones. Su obra ya ha sido calificada de panteísmo barroco. De todos modos, a través de estas imágenes, a veces similares a tatuajes, cuestiona poéticamente nuestras certezas: ¿es animal, vegetal o mineral? Nos recuerda así de forma bastante abstracta y rítmica que la piedra que recogemos a veces puede tener un origen diferente al que suponemos (árbol petrificado, amonita, etc.).

Bettina Pell despliega una reflexión formal y sensible, lúdica y rigurosa en torno a las plantas. En su obra se implementan diferentes técnicas al servicio de un extenso herbario iniciado en 2018, en el que imaginación y realidad se cruzan e hibridan en una ficción científica donde cianotipos, pinturas botánicas, semillas inventadas y conservatorios cerámicos alegóricos.

Brenda Hoffman tiene el mundo vegetal en el centro de su práctica. Los ciclos de la naturaleza, ejemplares en extinción, plantas que viajan, están en sus reflexiones diarias. Para “3 artistas / Fotosíntesis”, presenta algunas piezas de su serie LUMEN BOTANICA y Migrations #1, cianotipia grande sobre seda.

Hace exactamente diez años toda Francia se estremecía al conocer la noticia del atentado yihadista en la sede de la revista satírica Charlie Hebdo en represalia por la publicación de caricaturas del profeta Mahoma.  

Nuestro invitado de hoy, el escritor argentino Javier Leibiusky, aborda los límites de la libertad de expresión en El invitado de RFI con Jordi Batallé.

Javier Leibiusky nació en Buenos Aires, Argentina en 1975. En 1982, en plena guerra de las Malvinas, sus padres deciden dejar Argentina e instalarse en Israel. En 1993 regresa a Argentina donde empieza a hacer música y escribir. En Argentina, 2007, publica su primer libro 'Llueven Uñas' junto al diseñador gráfico Ariel Brandolini. Ese mismo año se instala en París donde realiza un master en estudios hebraicos en el Instituto Nacional de Lenguas y Culturas Orientales (INALCO) estudiando la migración de los judíos otomanos hacia Argentina (publicado en forma de libro en 2019). Ahora está terminando un doctorado en lingüística (hebreo y judeo-español).

En el 2019 publica su primer libro de cuentos en francés, ‘La conspiration des Riobambas’ y un año después un libro de poesía acompañado por el guitarrista Nir Popliker. También ha publicado un libro artesanal junto al pintor uruguayo, residente en Paris, Sergio Schmidt Iglesias. Colaboró durante algunos años con la revista "El café latino", donde formó parte del comité de redacción y ahora esta presentando su último libro, ‘Pan demonio, Pan de moño’ que contiene textos escritos en Argentina en la década de los 90 y otros en Paris hacia principios de los años 2000, junto a tres músicos y un bailarín.