Aujourd’hui mode singulière et inclusive avec Emmanuelle Lessita et sa marque de vêtements Nicol Emms. Des collections conçues en petites séries et en précommande. La créatrice de Nicol Emms place chaque personne au centre de sa vision afin que chacun se sente libre et unique dans ses habits. Une recherche de simplicité, d’expression de soi à travers les pièces portées. Emmanuelle Lessita fait le pont entre l’Afrique où elle est née et l’Europe où elle vit depuis ses 10 ans.

Cette créatrice de mode est une femme libre qui ne veut pas coller aux standards de la beauté. Curieuse de tout ce qui l’entoure. La mode est selon elle une attitude. Sa première collection a été présentée au Togocom FIMO228. Un festival de mode au Togo qui se clôture ce dimanche à Lomé.

Je me considère comme un esprit assez libre et je laisse cet esprit libre dans ma création. Je ne me mets pas de standards ou de façons de faire. Je veux que l’on perçoive une certaine âme dans mes créations et je sais que j'ai réussi.

Emmanuelle Lessita, créatrice et fondatrice de Nicol Emms.

« C'est mes deux prénoms. Je m'appelle Nicole, Emmanuelle. Nicol Emms, parce que mon entourage m'appelle comme cela. »

Emmanuelle Lessita est née au Congo à Pointe-Noire. Elle arrive en France à 10 ans. Son parcours est atypique, elle a longtemps cherché sa voie entre une formation administrative puis une faculté de langues, suivie d’une formation commerciale. Finalement, elle décide de se focaliser sur ce qu’elle aime : la mode. Encore étudiante en conseil en image, c’est un peu par hasard qu’elle s’est lancée comme créatrice de mode.

Emmanuelle Lessita aime avoir un style personnel et original à mettre en avant. Elle apprend la couture en autodidacte, d’abord pour elle-même. Et très vite, elle lance sa marque en 2022. Une marque qui célèbre la singularité et l'inclusion.

« Je ne dirais pas que mon message passera forcément dans les coupes ou même dans les couleurs, explique la créatrice. Après, la signature de ma marque se verra, mais ce que je mettrai en avant finalement, c’est la personne, être soi, cela veut dire que si tu choisis mes pièces, ce qui fera la beauté même de la pièce que tu porteras, c'est toi. Je veux que chacune des personnes, lorsqu'elle porte un vêtement de ma marque, se dise : cette pièce-là, cela me représente bien. Si j'ai pris ce pantalon, ce haut, je trouve que cela me ressemble mieux. C'est plutôt comme cela que je fais passer le message au travers de ma marque. »

« Lorsque je fais du sur-mesure pour des personnes, je regarde cette personne, je lui dis quelle coupe, quel modèle, quels motifs lui iraient mieux. J'essaie de mettre en avant sa personnalité. En tout cas, je veux que la personne soit mise en avant au travers de ma pièce. »

Afin de réaliser ses collections, Emmanuelle Lessita, qui produit au Congo, déniche l’artisan africain dans son atelier, avec beaucoup de persévérance. « Il faut avoir beaucoup de patience, mais vraiment beaucoup de patience, et accepter d'avoir des pertes. Pour que l’artisan arrive à la vision que tu as, il faut recommencer encore et encore et encore. J'ai appris qu'il faut avoir beaucoup de patience. Je veux mettre l'essence de ce que je suis dans ma marque, tout simplement. Il y a peut-être ce côté Afrique dans les artisans, mais peut-être aussi l'Européen dans le design. J'essaie un peu de jongler. Tout dépendra de l'humeur. Je bâtis ma marque de la manière dont mon identité est bâtie. Je ne vais pas faire ce qui n'est pas ou véhiculer un message que je ne suis pas. J'essaie d'être en accord avec moi-même. »

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La Dolce Vita à la marocaine avec Veronica Pozzi, créatrice et fondatrice de Vévè Design Marrakech. Cette ancienne avocate amoureuse de Marrakech quitte Milan pour réunir ses passions et concrétiser ses rêves. Sa reconversion professionnelle trouve un écrin au Maroc où elle crée une large gamme de pièces qui symbolisent le trait d’union entre son amour du design italien et sa terre d’accueil.

Ses collections femmes, hommes, enfants ou Maison sont constituées de pièces uniques, de caractère, chatoyantes et raffinées, réalisées grâce au savoir-faire de l’artisanat marocain. 

La création me donne un ensemble d'émotions incroyables ! Pour moi, c'est la liberté de pouvoir faire ce que j'aime, de chercher des habits, des tissus. C'est la liberté de pouvoir s’exprimer.

Veronica Pozzi, fondatrice et créatrice de Vévè Design Marrakech.

Au lycée, dans la même classe, nous étions quatre Veronica, alors que ce n’est pas un prénom très courant. Nous avions chacune un petit nom et pour moi c'était Vévè. Un nom qui me rappelle la joie des années de lycée et je l’ai utilisé pour cela.

Veronica Pozzi est née en Italie. Dans sa famille, son frère est architecte et son père ingénieur, elle grandit donc entourée de design italien. Pourtant, elle suit des études de droit et exerce comme avocate, pendant 10 ans à Milan. Ensuite, elle tombe amoureuse du Maroc et de Marrakech, s’y installe avec sa famille et se forme au métier de styliste. Elle n’exclut plus aucune de ses passions : le design et la mode.Elle lance Vévè Design Marrakech fin 2019 et propose des pièces uniques pour femmes, hommes, enfants et la maison. Robe, veste, manteaux, chaussures, sacs, bijoux, accessoires ou meubles, on peut tout assortir, les chaussures au sac, au manteau ou pas.

Les combinaisons et harmonisations sont au choix. Véronica Pozzi fabrique ses collections avec les artisans et le savoir-faire marocain : « Pour les vêtements, c'est un style italien avec les pantalons, les chaussures, les vestes et le tout avec une touche africaine, une touche marocaine. Cela me distingue des autres qui font, par exemple, des caftans ou bien des kimonos, etc. Pourquoi ? Ce n’est pas un style marocain, mais c’est mon style. »

« Je ne veux pas importer des tissus, explique-t-elle. Moi, je viens de la région du lac de Côme. Nous sommes connus pour le travail de la soie, donc je pourrais ramener de la soie ici, mais je ne veux pas. Je veux être made in Marrakech à 100 %. Je m’inspire des tissus, des couleurs, je vais créer de nouvelles pièces, des tapis, des poufs, des lampes, des vêtements inspirés par les couleurs de Marrakech. C'est une ville très inspirante. C'est une ville de joie, de couleurs, de vie, plein de vie. En fonction des tissus que je trouve, quand je regarde les tissus, leurs couleurs, tout cela me donne tout de suite l'idée de la façon dont je peux l'utiliser. Faire des assortiments avec les chaussures, le sac, la veste ou bien la robe, tout coordonner. »

Des collections originales, très colorées et élégantes auxquelles Veronica Pozzi ajoute un message de tolérance : « Je me suis dit ‘pourquoi ne pas lancer un message en arabe au monde ? Un bon message ?’ C'est vrai que nous avons des fois des peurs envers le monde arabe qui ne sont pas justifiées. Le Maroc, c'est un pays très ouvert. »

« J’ai commencé faire des manteaux d'hiver avec une inscription au dos : happiness, freedom, liberté, respect, amour, etc. Après, je me suis focalisée surtout sur la parole ‘amour’ en arable. Je l’inscris au dos de tous les manteaux pour hommes, femmes et enfants. Quand je vais à l'étranger et que je mets mon manteau, les personnes qui ne connaissent pas l'arabe me demandent ce que c’est et ceux qui lisent l’arabe sont très heureux de voir un manteau avec un message positif de la part du monde arabe au reste du monde. C'est cela que je veux transmettre, un message d'amour qui va unir les pays musulmans avec les autres qui ne le sont pas, afin de faire comprendre qu'ici les Marocains sont vraiment des personnes merveilleuses », conclue la styliste italienne.

 

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Pour célébrer la Journée mondiale de la radio, nous recevons Mylène Pardoen, musicologue spécialiste des musiques militaires, ingénieure de recherche au CNRS (Centre national de la recherche scientifique) et archéologue du paysage sonore. Mylène de Pardoën avec la technologie actuelle débusque les sons du passé dans notre présent, là où ils existent encore, elle les capte et ensuite elle crée des environnements sonores pour nous faire entendre les sons du passé.

Cette experte scientifique au parcours atypique est aussi experte acoustique sur le chantier de rénovation de notre Dame. Elle a reçu de nombreux prix dont la médaille de cristal du CNRS. Une récompense qui distingue celles et ceux qui contribuent à l’avancée des savoirs et de la recherche française. 

Je vais être franche, il y a à peu près 85 % du travail qui est purement scientifique. Mais, après il y a la narration, donc même si elle n'est pas fictionnelle, cette narration-là, c'est ma part de création.

Mylène Pardoën, Ingénieure de recherche, chercheur au CNRS : 

J'ai créé ma discipline : archéologie du paysage sonore. Il fallait trouver un nom à cette activité.

Née à Tourcoing dans le nord de la France, Mylène Pardoën arrête ses études assez tôt pour trouver du travail, sans Baccalauréat, elle s’engage dans l’armée de Terre comme mécanicien sur hélicoptère. Un métier où elle travaille avec ses sens. Après un accident de parcours, elle valide ses 17 ans de services et ses diplômes de sous-officier de carrière pour rentrer à l’université où elle s’inscrit en musicologie et se spécialise en musique militaire. Son aventure avec le son commence au musée des Invalides. Son travail est à destination de la recherche scientifique et du grand public. Ses propositions de création de paysages sonores s’établissent sur un schéma scientifique, pour cela elle mène l’enquête à deux niveaux.

« Le premier niveau, c'est une enquête dans le passé, y trouver les indices sonores et une enquête en parallèle dans le présent. Quand j'ai l'indice sonore, est ce que ce son ou cette ambiance sonore est ce que je peux la retrouver dans le présent ? J'ai deux longues enquêtes. Pour faire simple, un indice de premier ordre, c'est quand nous avons une enclume et un marteau, nous savons à peu près ce que cela va donner. Si je suis sur un document administratif par exemple, où je vais retrouver tous les métiers qui seront pratiqués dans une rue, je vais dérouler un fil, le métier, je vais chercher par rapport à l'époque du document administratif, comment il était pratiqué, quels sont les outils, quelles sont les matières ? À partir de là, je retombe sur un indice qui devient du premier niveau comment cela va résonner ? »

« Ensuite c'est plus ténu, c'est par exemple la description une pièce mais dans la pièce il va manquer des éléments, c'est-à-dire que vous allez me dire " la pièce, elle peut être silencieuse ", mais vous n'allez pas penser à dire il y a le tic-tac de l'horloge, nous allons chercher, quand nous avons la possibilité, de retrouver les éléments par exemple tout ce qui est testament, puisque les actes notariés, surtout au 17ᵉ, 18ᵉ, 19ᵉ siècle, comme il y a des impôts qui sont prélevés, ils font le détail par le menu de ce qu'il y a dans la pièce et nous allons savoir s'il y a une horloge, un tapis, cela va nous donner des éléments pour savoir comment la pièce résonnait. Je fais des enquêtes à plusieurs étapes. Nous allons passer sur des captations, avec un peu d'ambiance, mais c'est relativement rare parce que ce qui nous intéresse, c'est de retrouver les ambiances du passé. Nous ne pouvons pas prendre des ambiances d'aujourd'hui. Nous, ce que nous allons chercher c'est des objets sonores. »

capter le son des objets

Dans la captation Mylène Pardoën recherche le geste et la matière sonore. « Le minimum de micros utilisé, c'est trois, le maximum, jusqu'à présent déployé, cela a été vingt-cinq. Pourquoi ? Parce que nous allons capter la transformation de la matière en mettant des micros surfaciques et puis allons suivre le geste au plus près avec d'autres types de micros pour restituer un objet sonore qui soit joufflu, en trois dimensions, bien dense. Si vous ne mettez qu'un seul micro, c'est quelque part, un aplat. Vous n'allez pas pouvoir rendre cette texture qui est riche quand elle arrive à nos oreilles. C'est riche, il y a plein d'informations, donc nous allons capter cela et ensuite nous le mixons pour avoir plein d'objets sonores bien denses ensuite nous repassons ensuite dans le studio et écrire des histoires. Cela s'appelle hétérographie. Moi, je n'écris pas comme vous, je n'écris pas du texte, je mets mon histoire en son dans le logiciel. Nous racontons notre histoire. Et ensuite nous  passons dans un autre logiciel pour spatialiser nos scènes. »

Le travail de restitution sonore est une hypothèse scientifique que Mylène Pardoen propose en créant des environnements sonores  « Je détricote les histoires du passé, qui sont un petit peu biaisées au passage, parce que nous sommes sur de la sensorialité, l'émotion est toujours présente. Quand j’ai un témoignage, quel que soit le témoignage, à part le factuel du document administratif, la part émotionnelle est toujours présente. Je suis obligée de détricoter les histoires du passé pour recréer un petit bout d'histoire du passé dans notre présent. La part créative est là. »

« Et, il reste encore une part. Je prends par exemple le chantier de Notre-Dame, en 1170, il nous manque beaucoup de données, donc, je pars sur des hypothèses. À partir du moment où nous partons sur une hypothèse, il y a une création. Moi, je pose beaucoup de questions à mes collègues archéologues, je leur pose des colles. Parfois ils me disent :  " Nous n'avons pas la réponse maintenant ", c'est normal. L'histoire évolue aussi. C'est assez dérangeant parce que nous, nous sommes dans le son, nous avons besoin, par exemple, de savoir comment, en 1170, était organisé le chantier de construction de Notre-Dame. Il n'y a pas de réponse. »    

En complément et pour connaître les travaux de Mylène Pardoën, expert scientifique pour la restauration de Notre-Dame - Co coordinateur du groupe Acoustique. Concepteur, coordinateur et responsable du projet Bretez et du projet ESPHAISTOSS. Carnet de Recherche Archéoson 

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Aujourd’hui, deux sœurs : Aminata et Binta Diallo, une fondation, une école de couture et des métiers de la mode pour des jeunes filles en Guinée ainsi que fête de la mode guinéenne. À travers la mode, Aminata et Binta Diallo souhaitent révéler les richesses culturelles de la Guinée et du continent africain tout en participant activement à l’émancipation des femmes et à la scolarisation des jeunes filles en Guinée et dans toute l’Afrique. 

Les deux sœurs allient la mode à la collecte de fonds pour l’éducation des jeunes filles et ont toujours eu à cœur d’œuvrer pour l’émancipation des femmes : lutte contre le mariage forcé, l’excision, toutes les violences faites aux femmes et pour le développement de l’enseignement des jeunes filles et l’emploi des femmes. Nous les avons rencontrées lors du dernier Festival International de Mode Africaine, le FIMA, à Rabat.

Nous voulons avoir un impact positif au niveau des femmes guinéennes.

  Aminata Diallo

Ce que j'aime beaucoup dans les activités que nous faisons c’est par exemple quand nous ramenons du tissu guinéen, tout le monde est intéressé. C'est quoi ? C’est une fierté de ramener ce que la Guinée produit au niveau national sur un plan international .

Binta Diallo

Aminata Diallo est née en Guinée, après son bac, elle part en France pour poursuivre ses études que malheureusement, elle ne peut pas continuer. En 1998, elle immigre aux États-Unis, elle y travaille comme nounou et rencontre une famille qui change complètement sa vie. Tout commence par la fondation Mina Foundation Guinea, qu’elle a créée aux États-Unis en 2002 pour aider les femmes.

« J'ai commencé par la fondation Mina parce que, quand je suis partie de chez moi, il y avait tellement de carences, il y avait tellement de choses qui manquaient. J'ai rencontré une famille qui a été tellement merveilleuse avec moi. C'est comme ma famille d’adoption. Ils ont commencé à me donner des affaires pour ramener en Guinée. Chaque année, cela faisait plus »,explique Aminata Diallo. « Dans le quartier où je travaillais, tout le monde me connaissait, donc, chaque personne me ramenait des choses. Je redonnais en Guinée, ma mère partageait avec tout le village, tout le monde, mais cela venait directement de ma poche. Après quelques années, je me suis dit, mais pourquoi ne pas faire une organisation ? Cela prenait de l’ampleur. Du village, cela est devenu plus grand, donc l'histoire a commencé là. »

Valoriser la mode guinéenne

Riche de l’expérience de son parcours de mannequin international, Binta Diallo avec sa sœur Aminata, fondent en 2016, la Guinean Fashion Fest, la Fête de la Mode Guinéenne, afin de valoriser la mode et de promouvoir la créativité des stylistes guinéens au niveau national, régional et international. Binta Diallo. « J'ai fait Miss Guinée, North America, je suis allée aussi au Mexique pour participer à Miss Piel Dorada, à Paris Miss Union Africaine. En 2013, j’ai défilé à la fashion week de Dakar. »

« Une fois rentrée, j’ai expliqué à ma sœur l’importance d’organiser un événement en Guinée pour accompagner tous les stylistes locaux du pays et en même temps international. Bien que les stylistes guinéens soient talentueux, il y avait toujours quelque chose qui manquait, donc, ma sœur avec la mise en place de l’école a pu les aider au niveau de la finition, au niveau des coupes. Moi, je savais qu'un jour, j’allais créer ma propre marque, faire connaître ma marque qui s'appelle Kade Collection, qui est confectionnée à l'école KPAAF par nos étudiantes. »

Avec sa sœur Binta Diallo, Aminata ouvre en 2018 la KPAAF Guinée, un centre de formation professionnelle de couture et des métiers de la mode. Ces militantes de la cause des femmes s’engagent dans l’apprentissage avec cette école qui forme chaque année plus d’une centaine de jeunes filles. « Il y a des formations de neuf mois pour le renforcement de capacités. Il y en a aussi qui durent trois ans. Nous enseignerons l'entrepreneuriat dans la mode, l'informatique, le digital dans la mode et plein d'autres formations que nous allons proposer et qui englobe la mode »,précise Aminata Diallo.

« J'ai décidé de faire une école 100% jeunes filles, parce que ces jeunes femmes sont laissées à l'abandon. Ces jeunes filles sont mariées très jeunes. Moi, j'ai souffert de cela, j'ai souffert d’avoir eu un enfant à 18 ans et de la réaction de mes parents pour qui c’était la fin du monde. Il m'a fallu me cacher, pendant trois ans. Mais j'avoue que maintenant les mentalités sont en train de changer », ajoute la créatrice.« À travers cette école, je peux vous dire que même si nous n’avons pas atteint le but, les résultats sont vraiment formidables. Nous accompagnons ces femmes pour qu'elles-mêmes créent leur propre entreprise. Nous avons 25 femmes en fin de cursus, qui en sortant de l’école depuis que nous avons ouvert, ont été accompagnées jusqu'à la création de leur propre atelier. Elles ont maintenant leur propre apprenti. Elles sont autonomes maintenant. »

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À écouter aussiMode africaine : nouvelle génération et transmission

Aujourd’hui cuirs exotiques, broderie et bijoux avec Myriam Moszkowicz et Bijoux MZ.  Elle aime les couleurs, les perles et les cuirs.  Myriam Moszkowicz chine tout ce qui est ancien, tout ce qui a une histoire, une âme, et y apporte une touche de modernité en utilisant la broderie. Elle travaille sur des cuirs exotiques comme le cuir de crapaud-buffle, le galuchat, une peau de poisson, la peau de serpent ou de saumon au tannage dépourvu de chimie et de produit toxique.

Bagues, boucles d’oreille, bracelets ou colliers, chaque petit morceau de cuir exotique est mis en valeur dans les collections capsules de bijoux. Myriam Moszkowicz est maître artisan en métiers d’art. Nous l’avons rencontrée lors du salon Révélations, la biennale internationale des métiers d’art et création.

La création fait partie de ma vie. J’ai toujours créé. C’est ma bulle de bonheur, un passeport pour le bonheur, mon univers.

Myriam Moszkowicz, créatrice de bijoux et fondatrice de Bijoux MZ.

« Le M. Z. En fait, à l’époque, je m’étais dit qu’il y en avait un qui avait très bien réussi, qui s’appelait YSL [Yves Saint Laurent, ndlr], donc, j’ai pris la première lettre et la dernière lettre de mon nom de famille et c’est devenu M. Z, tout simplement. »

Née à Bruxelles, elle passe son enfance à Kinshasa et y vit jusqu’à ses 18 ans. De retour à Bruxelles, elle étudie à l’École des beaux-arts. Elle devient actrice à Paris, mais Myriam Moszkowicz crée des bijoux depuis toujours, elle suit, donc, une formation de broderies perlées haute couture et lance, en 2010, sa marque de bijoux. Myriam Moszkowicz mélange les techniques, les matières. Aujourd’hui, elle se dirige vers l’écoconception. Elle brode des perles chinées sur des cuirs exotiques, des matières peu connues, comme la peau de saumon, le cuir de crapaud-buffle ou le galuchat.

« C’est un matériau noble, très utilisé dans les années 1920 pour recouvrir le mobilier Art déco et même avant, la Pompadour, en était déjà raide dingue. Elle se faisait faire des petits coffrets en galuchat, d’ailleurs par Monsieur Galuchat. C’est Monsieur Galuchat qui a été le premier artisan à le travailler, son nom est resté. »

« C’est, donc, de la peau de raie ou de requin. Moi, je travaille uniquement la peau de raie. C’est un matériau extraordinaire, envoûtant. La peau de raie qui s’appelle galuchat est recouverte naturellement d’une couche de minéral. C’est très difficile à travailler et moi, je pousse le masochisme plus loin, je brode dessus. Cela fait 25 ans que je chine les perles anciennes et je leur donne une seconde vie. C’est du recyclage de luxe. »

Dans les collections de Bijoux MZ, on retrouve une touche de l’histoire de Myriam Moszkowicz avec l’Afrique. Pièces uniques ou petites séries, Myriam Moszkowicz récupère, recycle principalement des perles anciennes qu’elle chine depuis plus de deux décennies.

« C’était Porte de Vanves. Il y avait des brocanteurs qui avaient racheté une usine de perles anciennes pour en faire une habitation et ils se défaisaient du stock. Ils avaient des trésors, j’ai trouvé mes plus belles perles des années 1900 grâce à eux. Mais cela n’arrive une fois dans une vie ! Puis, il y a des gens qui me connaissent et quand ils ont une information “tiens, il y a quelqu’un qui a retrouvé dans un grenier des choses intéressantes. Viens voir.” C’est aussi une filière, puis il y a les salles des ventes, les antiquaires, enfin, il y a plein de filières. Ici, ce sont des pâtes de verre africaines. Ce qui m’inspire : la couleur, la gaieté, la joie, la danse, l’énergie. Il y a beaucoup d’énergie en Afrique. L’énergie, oui, mais vous voyez, cela me vient en vous le disant. Je n’y ai jamais trop pensé. Je continue à faire de la danse africaine, mais je n’ai jamais fait la relation avec mes bijoux. C’est drôle. C’est un hommage quand même. Le plus beau compliment qu’on m’ait fait, c’est de me dire que mes bijoux me ressemblent. »

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Aujourd’hui mobilier, décoration aux deux matières : le bois et la laine avec Claire Salin, sculpteur sur bois. Attiré par le textile et le bois, elle décide de les mettre ensemble et les fait dialoguer. Similitudes et contrastes, ses créations de pièces uniques et sur-mesure aux matières naturelles relient la nature aux objets du quotidien. Engagée vis-à-vis de la nature, Claire Salin souhaite lui redonner sa place dans notre quotidien, nos intérieurs.

Horloges, paravents, canapés, tabourets et meubles de rangement sont fabriqués de façon artisanale, avec des matières pures et naturelles. Ses meubles et objets sont durables, rassurants et invitent à la rêverie. 

La vie c'est comme une pelote de laine dont nous tirons le fil par le milieu et nous ne savons pas, le fil nous ne le voyons pas, pour voir comment il est, après, il faut continuer de tirer.

Claire Salin, sculpteur sur bois

« J'ai longuement cherché un nom pour mon atelier parce que je voulais mettre en avant mon travail plutôt que mon nom. Mon travail, c'est toujours ce fil que je tire. Il évolue et finalement, chaque nom figeait les choses. Alors, j'ai gardé juste mon nom. »

Originaire du Berry dans le centre de la France, Claire Salin est formée à Paris à l’école Boule comme sculptrice sur bois. Avant d’ouvrir son propre atelier, elle travaille à Paris dans un atelier où elle réalise des sculptures à visée scientifique, mais le bois lui manque, la campagne aussi. Elle revient donc au contact avec la nature et installe son atelier dans un petit village du centre de la France. Elle sélectionne la laine et le bois qu’elle travaille au plus près en faisant ressortir leurs ressemblances et différences.

« Pour ce qui est des contrastes avec la laine, je travaille avec la technique de la maille du tricot aux aiguilles avec un très gros fil. Avec cette technique, je vais avoir quelque chose de très gonflant, de très moelleux et de très mat. Cela va venir en contraste avec le bois que je vais travailler avec des finitions cirées qui vont avoir une brillance, un satin. Nous avons, donc, ce contraste entre la brillance et la matité de la laine. Et puis évidemment, le contraste entre le moelleux et cette matière dure qui est le bois. Par contre, elles se rejoignent sur le côté chaleureux. Ce sont deux matières qui ont du caractère, qui ne sont jamais exactement pareilles, qui sont uniques et qui ont ce côté chaleureux. »

« Sur un plan plus émotionnel, et je pense que c'est celui-là qui m'a guidée au départ. Ce que je viens de vous dire finalement, était une observation des productions a posteriori, mais ce qui m'a guidée, je pense, c'est plutôt la symbolique et tout ce que portent ces matières, la laine et le bois, c'est ce qui m'entoure. Là où je vis, c'est le bois des haies, des forêts et c'est la laine des brebis qu'il y a dans les prés autour de chez moi. Pour moi, cela parle aussi d'une notion d'écosystème et des liens qu'il y a entre les éléments du monde vivant. Finalement, en les travaillant ensemble, j'apporte le travail humain et dans le fond, je questionne notre place à nous en tant qu'humains dans le monde vivant, celui des animaux et des végétaux."

Claire Salin continue son travail jusque dans la tonte des brebis et la récolte de leur laine qu’elle file et tricote. « Je veux parler d'un fil en particulier qui est le fil que j'utilise le plus, qui provient de la ferme d'Alice et Jacques qui sont éleveurs à Vesdun, dans mon village. Ils élèvent des brebis qui ont une laine très longue et très solide, et c'est une des raisons pour lesquelles je l'ai choisie, parce qu'elle est très adaptée à l'utilisation que j'en fais dans le mobilier où j'ai besoin d'une laine qui ait ses caractéristiques de solidité et de résistance."

« La particularité de la récolte chez Alice et Jacques, c'est que je tondais les bêtes. Je partage mon temps entre mon activité à l'atelier et la tonte des moutons. Il y a un gros travail le jour de la tonte pour bien sélectionner les toisons qui vont être adaptées à la réalisation du fil. Cette réalisation de fil est confiée à la filature Fonty, en Creuse. Avant, il y a l'étape de lavage qui se passe en Haute-Loire et ensuite le fil revient à l'atelier et c'est moi qui le tricote aux aiguilles. »

 

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Aujourd’hui, accessoires de mode, décoration, cosmétiques naturels, tous fabriqués de manière artisanale sur le continent africain avec Amina Eltmali, fondatrice de Kilym. Objets tissés à la main ou sculptés dans le bois, ils sont le fruit d’un travail minutieux et passionné perpétué par des artisans locaux. Chacun a une histoire à raconter, comme le produit iconique de la marque : un tapis unique qui témoigne du métissage entre l'artisanat berbère et l'histoire culturelle du Mali.

C'est un domaine qui m'a toujours plu : l'artisanat, la création, l'art. C'est un métier de passion et de patience, et comme je suis passionné par l'artisanat africain et que je suis quelqu'un de très patiente, donc allons-y !

 Amina Eltmali, fondatrice de Kilym

« J'ai fait des recherches sur le tapis Kilim et j'ai découvert que c'était un tapis qui avait voyagé dans le temps et dans l'espace. Il est parti de Turquie en passant par l'Inde, l'Iran, l'Irak, le Maroc et que nous retrouvons aussi en Amérique du Sud, au Mexique. Je voulais une marque qui parle d'ouverture et de tolérance, étant au Maroc, je me suis dit que c'était parfait. Nous parlons de voyage, d'ouverture, de tolérance et aussi d'artisanat et pour moi cela m'allait très bien. »

Née à Amiens, Amina Eltmali fait des études de droit. Cette entrepreneuse franco-marocaine est une passionnée de la création africaine. Spécialiste en marketing digital, professeure et journaliste, elle met toutes ses connaissances en jeu afin de promouvoir l’artisanat africain. Elle séjourne en Guinée Conakry, Sénégal et à son retour en France, riche de ses expériences et rencontres, elle lance sa plateforme Kilym en 2019. Depuis, Kilym est devenue une marque.

Aujourd’hui installée entre Marrakech et Rabat, cette grande voyageuse milite pour la valorisation des matières et la découverte des produits africains. En passant par des coopératives d’artisans ou directement avec les artisans eux-mêmes, Amina Eltmali, fondatrice de Kilym, va du local à l’international. « Je me suis rendu compte que les produits faits par les artisans sont beaucoup plus valorisés par les étrangers et moins localement. Il y a un contraste assez saisissant, par exemple au Maroc, entre le savoir-faire de ces artisans et le choix des consommateurs. Les consommateurs marocains préfèrent acheter des produits qui viennent de l'extérieur, par exemple : Espagne, France, États-Unis. Localement, ils ne voient pas la valeur du produit alors que ces produits sont plus valorisés par les étrangers. À Marrakech, les trois quarts des acheteurs sont des étrangers. »

« Quand vous allez dans le souk, vous croisez à la fois un Japonais, un Russe, un Chinois. Les premiers acheteurs de cet artisanat-là sont des étrangers et au Sénégal, je pense que c'est la même chose. J'ai vécu pendant un an au Sénégal. Actuellement, ce qui marche bien, ce sont les produits qui viennent de Turquie, alors que localement, je pense qu’il y a aussi des savoir-faire à valoriser. C'est dommage que ce soit les étrangers qui reconnaissent la valeur de ces objets et de ce savoir-faire. Même si localement, les Marocains, les Sénégalais, les Ivoiriens, enfin les Africains en général utilisent ces objets, mais ils ont envie d'avoir plus, toujours plus. Et plus, c'est ce qui vient de l'extérieur. »

La démarche d’Amina Eltmali établit les spécificités locales de l’artisanat africain. « Je pensais trouver de tout partout en Afrique, mais il y a des spécificités dans certaines régions, comme la vannerie africaine. Ce n'est pas une spécialité marocaine, malheureusement pour moi, je l'ai constaté, mais c'est une spécialité ouest-africaine. Au Sénégal, au Kenya, en Afrique du Sud, au Rwanda, au Burundi aussi, ils sont spécialisés dans cet art. Au Maroc, c'est beaucoup plus le tapis, la céramique, le cuir. Ce qui s'exporte le mieux au Maroc, c'est la poterie, la céramique. Enfin, le Sénégal, je dirais, c'est la vannerie sénégalaise qui s'exporte depuis déjà des décennies. Au Sénégal, il y a 92 villages qui ne vivent que de la vannerie, dans une région autour de Thiès, ce qui fait un total de près de 10 000 femmes. Cela fait vivre des communautés entières, et cela ne fait que s’amplifier parce que la vannerie sénégalaise s'exporte aux États-Unis et un peu partout. »

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Aujourd’hui, écoresponsabilité, innovation avec Maxime Roux, Camille Callennec, Tanguy Blévin et Théo Joy, les quatre fondateurs d’Ostrea Design. Plan de travail, plateaux de mobilier, revêtement, Ostrea Design fabrique en France, un matériau constitué de 65% de coquilles de coquillages recyclés sans aucun ajout d’éléments petrosourcés. Le matériau marin en coquillages recyclés produit par Ostrea Design est similaire à du marbre ou à de la pierre naturelle.

La création, je la vois en deux points. Il y a la création d'entreprise, mais au-delà de cela, la dimension artistique d'Ostrea, c'est quelque chose qui nous plait beaucoup et qui plait beaucoup à l'équipe. C'est un choix très fort, pour nous, de développer des belles couleurs avec des pigments naturels, de trouver des coquillages qui soient jolis et de les mettre le plus en valeur possible.

Maxime Roux, l’un des quatre co-fondateurs d’Ostrea Design.

« Nous cherchions des noms liés aux coquillages et donc Ostrea : c'est la racine de l'huître, la base grammaticale d’ostréiculture. Nous avons fait plusieurs essais de noms et nous sommes partis sur ce nom-là. »

Né en région parisienne, Maxime Roux fait une école d’ingénieur en électronique et informatique. Il exerce pendant cinq ans dans le secteur de la technologie pour de grandes entreprises assez loin du monde du design ou de la décoration. Il rencontre un autre co-fondateur sur son lieu de travail : Camille Callennec. Avec Tanguy Blévin et Théo Joy, les quatre fondateurs d’Ostrea Design, en Bretagne, s’engagent afin de trouver une solution à la problématique autour du recyclage des coquilles de coquillages et leur revalorisation.

« C'est le sujet central du projet. Quand nous voyons nos parcours, à part Théo qui vient un petit peu de ce monde-là, c’est ce qui a été le fil conducteur du projet et de notre investissement avant même d'arriver au premier prototype. L'idée, c'était de se dire que nous allions avoir un projet à impact. Nous ne savions pas si ce serait dans le domaine de la décoration, ou si nous allions faire du revêtement de route ou autre chose avec ces coquillages. L'idée, vraiment, c'était d'abord d'apporter une solution à une problématique qui était d'utiliser moins de ressources en profitant de ces déchets qui sont finalement des ressources. »

« Le coquillage, c'est du carbonate de calcium, c'est un biominéral calcaire, donc, plutôt que d'aller chercher des pierres dans des carrières, nous avons 250 000 tonnes de coquilles de coquillage produites chaque année en France qui sont accessibles. Le deuxième objectif dans ce projet de la production de ce matériau, c’était d’avoir un procédé de fabrication qui ne va utiliser aucune résine pétrosourcés, et donc qui va avoir un impact sur l'écologie qui soit le plus faible possible. La finalité : avoir un produit esthétique avec lequel nous faisons des plans de travail, des plateaux de mobilier, cela 'est vraiment arrivé dans un second temps, après avoir testé plein de choses. L'éco sensibilité est vraiment le point central à la fois de l'équipe et du projet. »

Ostrea Design a trois secteurs d’application : mobilier, plan de travail et revêtement de sol par le biais de la recherche et développement avec la stabilisation des formulations brevetés.

« Nous avons des formulations pour chaque coquillage, pour chaque granulométrie de coquillage. Nous avons beaucoup de formulations différentes. Ces formulations-là, nous les avons travaillées avec des laboratoires de recherche qui sont partenaires, des chercheurs aussi, qui travaillent à temps partiel chez Ostrea et qui continuent de le faire de plus en plus, puisque nous avons un important programme de R&D (recherche et développement) sur les deux ans à venir. »

« Il y a tout le savoir-faire de Théo, d'abord, qui a une vraie connaissance des matériaux, qui a fait la base et ensuite des chercheurs très pointus sur les matériaux et les biomatériaux qui nous ont apporté leur expertise et qui nous permettaient de faire évoluer le travail de base que nous avions fait, qui était un travail, je dirais semi-professionnel, pour arriver à quelque chose de très professionnel. »

Table basse, plateau de mobilier, plan de travail, la version de base du matériau d’Ostrea est blanche, elle est très légèrement pigmentée par la coquille du coquillage. Moule, huître ou Saint-Jacques apportent une différence de teinte assez légère.

« Chaque coquillage va avoir un univers très différent en terme de rendu visuel. Les références esthétiques Ostrea s’appuient le coquillage. Nous avons fait des tests de recyclage de palourdes d'ormeaux, de bigorneaux qui sont de nouveaux univers qui s'ouvrent en terme de rendu. La première contrainte, c'est l’utilisation de pigments naturels, nous allons donc être limité par ce que la nature peut nous donner en terme de couleur et surtout de tenue dans le temps, parce que certains pigments naturels peuvent évoluer au soleil. Après, pour ce qui est du mélange d'un coquillage avec un pigment, nous avons peu de limites. C'est plus, je dirais, les codes du design et de l'architecture d'intérieur qui vont définir les associations que nous allons travailler en priorité. »

« Théo est moteur pour tester beaucoup de choses de cette partie créative, soit par les tailles des paillettes, les coquillages qui vont être choisis pour développer des nouvelles références et les pigments. Nous utilisons des pigments verts, des pigments bleus, des pigments noirs et des pigments que j'appelle terracotta. Avec ces quatre pigments-là, les quatre couleurs en référence : une terracotta, qui est un peu couleur brique, une référence noire, nous avons deux références de vert, un vert qui est plus un vert intense, un vert forêt, vert irlandais et un vert plus pâle qui va être une sorte de vert d'eau, vert gris. Et ce sont les quatre couleurs que nous avons standardisées. »

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Aujourd’hui, parfum, purification et harmonie avec Joséphine Busquère et les bouquets de fumigation de Totem Nature. La technique de fumigation est ancienne, elle consiste à brûler des herbes ou des plantes et à diffuser la fumée pour purifier l'air et chasser les mauvaises énergies de la maison. Sauge, thym, romarin, bois de cèdre, bois de figuier, lavande, fougère ou coquelicot, les bouquets de Totem Nature sont composés de plantes certifiées agriculture biologique aux vertus purifiantes.

Chacun peut les utiliser selon ses envies, croyances ou objectifs. Selon la fondatrice de Totem Nature, cette pratique simple et apaisante nous fait reprendre contact avec la nature.

J'aime la création dans l'ordinaire. Je ne suis pas touchée par les très grandes choses. Je suis touchée par les petites choses de l'ordinaire que nous arrivons à magnifier parce que c'est 90 % de notre temps. J'ai envie que l'ordinaire soit plus agréable, plus attentionné. Plus d'attention dans l'ordinaire.

Joséphine Busquère, fondatrice de Totem Nature : « Totem est arrivé parce que je voulais, à mon petit niveau, remettre de l'ordre et de l'harmonie entre le haut et le bas. Le totem, c'est une alliance entre le monde d'en haut et le monde d'en bas. C'est un mot riche et qui parle d'unité végétale, animale et humaine. C'est nous remettre dans notre univers en accord et non pas en lutte ou en exploitation. Faire avec les choses et pas contre ou en force ».

Née à Paris, Joséphine Busquère a une relation à la nature chargée d’histoire et de transmission orale. Graphiste de formation, elle a toujours eu envie de créer. Elle exerce son métier pendant deux décennies. La période du Covid et la perte de contact avec la matière l’entraîne vers une reconversion professionnelle. Elle cherche, alors, un projet sincère afin d’élargir sa recherche artistique et de proposer un bel objet odorant. Joséphine Busquère lance Totem Nature, une gamme de six bouquets de fumigation, en 2021. L’association de plantes pour le plaisir de l’odeur, le choix des plantes pour la ligne forte du bouquet détermine l’objectif de bien-être de chaque composition. Ses bouquets, Joséphine Busquère les a créés pour avoir une connexion avec la nature en s’engageant avec des partenaires certifiés agriculture biologique.

« C'était un objet nouveau. Ils ne connaissaient pas. Il y avait une dimension de changement dans le travail, la composition plus travaillée que ce qu'ils faisaient. Nous allions faire un objet et transmettre du bien-être. Nous avons fait des essais ensemble. Il fallait pouvoir produire une certaine quantité tout en conservant la qualité, évidemment complètement artisanale, mais sans que le bouquet coûte cinquante euros parce que cela prend du temps. Dans le développement du projet, c'est comme si je n'étais qu'un vecteur de cet aboutissement. Ils m'apportaient autant que je les servais et je ne sais plus qui a fait qui, mais en tout cas, nous nous sommes fait du bien. Le but, c'est de transmettre ce bien. »

Chaque bouquet a un objectif de bien-être et de connexion avec la nature, l’humain et les animaux totems qui désignent les bouquets de fumigation : la chouette, le lièvre, le hérisson, le loup, l’ours et le cerf.

« J'ai cherché loin et je suis revenue à la chose la plus évidente et la plus simple : le bouquet de la chouette, le bouquet de l'ours. Et ce nom leur convient parfaitement. C'est comme un parfum, c'est un tout. Ils ont un nom qui les porte. Les choix des animaux a été d'abord réfléchi, puis après expérimenté. Ce ne sont que des animaux de nos forêts et pas des animaux, des indiens ou je ne sais quoi. Chaque animal a son énergie qui allait dans la même direction que les plantes et il vient apporter son petit pouvoir au bouquet. »

« Je les classerai en deux parties. Il y a ceux qui sont plus doux et il y a ceux qui sont plus énergisants. Les trois petits animaux : la chouette, le hérisson et le lièvre vont être plus doux tant au niveau des odeurs qu'au niveau des énergies. Alors que le loup, l'ours et le cerf seront plus dynamiques. Chaque plante a ses vertus. Tous les pins sont des plantes, des arbres qui vont travailler sur les poumons, qui vont purifier les poumons. La sauge, c'est une plante magique. Le cèdre, c'est un antiviral. Nous allons choisir vers où aller. »

Joséphine Busquère avec Totem Nature propose une gamme d’objets olfactifs pour purifier ou parfumer son espace, mais qui s’apprivoisent avec le temps.

« Il y a un moment où nous n'osons pas parce que nous ne connaissons pas et que nous ne savons pas comment nous en servir. Puis quand nous dépassons la phase du "c'est joli", "c'est bizarre" ou "c'est un truc de magie, je ne suis pas magicien", nous le prenons, nous le faisons brûler, nous soufflons et c'est terminé. Après, nous nous déplaçons avec notre petit bouquet et nous nous habituons et nous allons voir que c'est très agréable à faire. »

« Soit nous connaissons les plantes et nous savons laquelle il nous faut, soit nous ne nous posons pas la question, il y en a une qui vous fait de l'œil, nous la prenons et ce sera bon. Donc, chacun va rentrer par son biais et il faut se faire confiance parce que c'est un objet naturel et l'attirance que nous avons pour ce genre de chose, elle va avec nos besoins. Celui qui l'utilise choisit selon le besoin du moment, qui ne sera pas forcément le même demain ou après-demain. »

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Chris Schwagga est un artiste rwandais multidisciplinaire : designer, sculpteur, photographe, vidéaste. Il propose un voyage dans le temps et transforme l’objet usuel, mais qui n’est plus utilisé, en objet d’art.  Présent lors de la 6ᵉ édition de la Biennale internationale des métiers d’art et de la création, Chris Schwagga expose ses œuvres d’art issues du patrimoine rwandais afin de diffuser une vision esthétique, longtemps méconnue, tout en y apportant un design contemporain.

Son inspiration provient du voyage, des éléments de cultures des pays qu’il a traversé, du passé et du présent.  

J'essaie de créer juste avant de m'endormir. La première chose que je fais, en me réveillant le matin, j'essaie de créer. Créer, c'est aussi important que de respirer.  

 Chris Schwagga artiste rwandais  

J'ai appris avec le temps que je dois sortir les choses parce que cette envie de créer me saisit tellement fort que parfois je ne me repose pas assez parfois. Maintenant, avec le temps, avec l'expérience, j'arrive à exprimer mes idées et à me reposer, mais créer, c'est indispensable. Même quand il n'y a rien de physiquement créé, dans la tête, je planifie les choses, je crée, je mets des éléments ensemble donc dans mon esprit je suis déjà en train de mettre en œuvre une idée. 

Chris Schwagga est né au Burundi, il a grandi à Kinshasa et vit aujourd’hui au Rwanda. Électricien de formation, il a toujours eu la curiosité de faire des objets de ses mains, dans son quartier, l’atelier du travail du bois l’attire. Un peu de mécanique, de bois, tout cela le conduit vers la création de prototypes. Il commence la photographie à 21 ans.  

En 2015, il arrive à Kigali comme réfugié en espérant rentrer chez lui ou aller ailleurs, mais le Rwanda lui ouvre ses portes avec des opportunités artistiques. Dans son travail, il n’oublie pas d’où il vient, il se souvient de son parcours, il sait exactement où il est dans le temps et dans sa carrière.  

"Il y a d’abord la partie création en elle-même. Mais ce qui est très satisfaisant, c'est aussi de voir comment les gens utilisent la chose ou la voient. C'est beau et en premier, il y a ce côté égoïste de vouloir créer. Mais, une fois que la pièce sort, elle ne m’appartient plus, elle est devenue ma création, elle est mise dans un espace. Je vois comment les gens regardent la pièce et la prenne ou l'utilisent. C'est incroyable ! C'est comme prendre un morceau de moi et le donner à quelqu'un. Quand je parle d'un morceau, c'est une partie de moi. Cet échange, je ne le prends pas pour acquis."  

Comme photographe, designer ou sculpteur, Chris Schwagga, raconte des histoires et son fil rouge créatif est la culture africaine qu’il veut faire connaître au plus grand nombre.  

« Avec le temps, la culture bouge. Je vis dans un pays, le Rwanda, qui est très fier de sa culture, extrêmement fier de sa culture. Nous le voyons dans les danses traditionnelles, les chants, même visuellement un peu partout, dans les tissus et tout. C'est très, c'est très, c'est très présent. C'est aussi quelque chose qui rajoute à cette fierté du Rwanda, mais aussi du continent, de pouvoir partager notre culture."

« Je pense que c'est essentiel parce que pendant longtemps, nous ne l'avons pas fait et donc du coup, nous n'avons pas contribué comme il le fallait et nous n'avons pas raconté notre histoire, nous n'en avons pas fait notre part. Nous avons beaucoup pris de l'extérieur, de l'Occident et d'ailleurs, sans pour autant y apporter notre contribution. Je pense que parler de soi, parler de son expérience, parler de son contexte permet d’exprimer les choses. Et c'est cette mission, celle de pouvoir faire notre part. C'est nous, notre culture et c'est comme cela que nous nous en parlons."   

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