100 % création

La Cité internationale universitaire de Paris, créée en 1925, est un campus unique au monde. Elle accueille, chaque année, 12 000 étudiants, chercheurs et artistes de 150 nationalités. Pour célébrer son centenaire : arts numériques, expositions, conférences, projections et visites guidées, concerts sont ouverts au public. À l’occasion de la programmation off du centenaire de la Cité internationale, nous recevons Sared Ramirez, ancienne résidente.

Cette artiste investit l’intimité des chambres étudiantes du campus avec une exposition intitulée « Nos chambres ». Pour cette cinéaste-photographe mexicaine, installée à Paris, la Cité est un véritable creuset de créativité, d’échanges et d’inspiration. Un espace catalyseur de projets artistiques et de rencontres humaines.

Je pense que la création est une pratique essentielle pour moi. Je l'ai confirmé ici.

Sared Ramirez, cinéaste-photographe.

J’avais vraiment besoin de faire autre chose à côté. Je faisais des études théoriques, j’avais besoin, pour survivre, de faire quelque chose, même si c’était du dessin ou de la photographie. Pour moi, la création, c’est une chose dont j’ai besoin pour vivre, car c’est le canal par lequel je peux déposer mes émotions et me libérer.

Sared Ramirez est née dans une petite ville près de Guadalajara au Mexique. Après ses études en communication et arts audiovisuels, elle travaille dans la publicité et la postproduction, tout en explorant la création cinématographique à travers des courts métrages. Elle décide de venir en France pour approfondir ses connaissances théoriques du cinéma. « Je suis venue en France pour faire mon master. En tant que créatrice, cela a été difficile d’arriver dans un contexte académique, c’était à la Sorbonne Nouvelle, donc la Cité était un espace où je pouvais revenir chez moi, entourée de personnes qui m’inspiraient beaucoup. Parce qu’en fait, cela, c’est un autre aspect de la Cité : les gens que l’on peut y rencontrer, les profils variés, qui excellent dans leur domaine, qui inspirent. Pour moi, partager les Maisons avec des personnes qui, peut-être, n’étaient pas liées à ma discipline, était enrichissant. J’ai parlé avec des gens qui étaient dans la science, l’architecture, le droit, mais qui, d’une manière ou d’une autre, pouvaient m’apporter une vision plus riche de la vie et ainsi influencer mon travail aussi, en tant que créatrice. Je pense que cela donne à la création un aspect complètement différent, parce que tu sors de ta vision initiale, que ce soit à l’université ou avec tes amis, qui font du cinéma ou de la photographie, et tu deviens plus sensible et plus empathique envers les autres. »

Pour Sared Ramirez, la Cité est un lieu chargé d’histoire, où ont vécu des étudiants devenus des personnalités. « Dès mon arrivée, j’ai été étonnée par le nombre de personnes célèbres qui sont passées ici, à la Cité. Un des photographes que je connais bien, comme Sebastião Salgado, habitait la Maison du Brésil. Il a commencé à faire de la photo à la Cité, et il est venu pour étudier l’économie, il a réalisé ses projets photo. Ensuite, il a changé de voie. Des écrivains comme Julio Cortázar ont aussi résidé ici, à la Maison d’Argentine, tout comme Jean-Paul Sartre. Beaucoup d’architectes sont aussi passés par la Cité. »

La richesse des rencontres avec des personnes de différentes nationalités, disciplines et cultures a permis à Sared Ramirez de développer encore plus sa fibre artistique. « J’étais à la Maison du Mexique lors de ma première année. À la Cité, il y a cette notion de brassage. Toutes les Maisons doivent envoyer des résidents dans d’autres Maisons pour favoriser le mélange culturel. Il y a 60 % des résidents de la nationalité de la Maison et 30 % d’une autre nationalité. Cela crée une dynamique très intéressante, car ce n’est pas simplement une division par nationalités, mais un véritable melting-pot. J’ai été à la Fondation suisse, puis à la Maison Fondation Biermans-Lapôtre, et enfin, en dernière année, à la Fondation hellénique. C’est comme changer de pays, mais rester dans la même ville. J’ai eu la chance d’avoir fréquenté quatre Maisons différentes. C’est à la Fondation suisse que j’ai commencé mon projet photographique. C’est une Maison incroyable, conçue par Le Corbusier. Les chambres, notamment, m’ont beaucoup inspirée. Les couleurs, l’atmosphère, tout cela donne une sensation de bâtiment très artistique. C’est là que j’ai lancé mon projet photographique. »

La Cité Universitaire est un espace de création. Pour Sared Ramirez, il existe de nombreux moyens, comme des ateliers, des laboratoires photo, et des opportunités de projets collaboratifs, qui lui ont permis de monter plusieurs expositions. « Je fais beaucoup de choses en tant qu’artiste. J’ai expérimenté la sculpture, la photographie, le cinéma. Je suis aussi assistante réalisatrice. Je pense que je ne commence pas par la forme, mais par une idée que je souhaite exprimer. Ensuite, je cherche la forme, en laissant parfois faire le destin, avec les outils que j’ai sur le moment. À la Cité, j’avais un laboratoire photo et j’étais passionnée déjà de photo. Avec la photographie, c’était plus simple, je savais que faire du cinéma était plus compliqué, car cela nécessite une équipe. Je savais aussi que je n’avais pas beaucoup de temps, mais je voulais tout de même raconter des histoires. Pour moi, c’est essentiel. Même dans la photographie ou la sculpture, je veux toujours transmettre quelque chose. Mon processus consiste à être attentif à ce que la vie me donne sur le moment, et à faire avec. J’avais un laboratoire photo, ce bâtiment de Le Corbusier, et des personnes très intéressantes autour de moi. J’ai décidé de faire un portrait, et j’ai raconté des histoires à travers la photographie, en laissant parler mon instinct. »

Sared Ramirez participe à la célébration du centenaire de la Cité. En s’inspirant de l’esthétique des premières photos prises sur ce campus atypique, l'artiste mexicaine a documenté les chambres des résidents. « J’ai photographié beaucoup de personnes cette année : 95 en tout, réparties dans 43 Maisons. C’est un travail intensif. J’ai passé beaucoup de temps avec chacun pour réaliser ces photos. Tous ces gens que je ne connaissais pas, je leur écrivais dans les groupes WhatsApp de chaque Maison : "Je suis photographe, je réalise un projet. Qui veut être photographié ?" La première personne qui répondait, je la choisissais et je me rendais dans sa chambre. Elle savait que je passerais. Cela créait déjà une certaine familiarité. Je commençais par un petit entretien enregistré, car c’est aussi un projet audiovisuel. En fin de compte, il ne s’agit pas seulement de photos, mais aussi de témoignages sonores. Je posais trois questions : nom, âge, origine, pourquoi Paris, puis la résidence, la chambre, et enfin ce qu’il pensait de la Cité. Avec ces réponses, je pouvais mieux connaître la personne et préparer la séance photo. »

« Pour la prise de vue, je demandais à la personne d’être en action, de se mettre en scène. Par exemple, si elle aimait lire dans sa chambre, je lui demandais où elle lisait, ce qu’elle lisait. Je voulais que la photo reflète ce qu’elle faisait ou ressentait. Comme c’était de l’argentique, je ne pouvais prendre que quinze photos par chambre, donc je prenais mon temps. Parfois, les gens me proposaient de boire un café, et on discutait longtemps avant de faire la photo, pour que ce soit le plus naturel possible. »

La résidence de Sared Ramirez à la Cité U lui a permis de valoriser ses échanges avec d’autres étudiants d’horizons variés. Elle a aussi pu s’initier à d’autres formes d’art. « C’est vrai qu’en arrivant à la Cité universitaire, j’ai rencontré beaucoup de personnes qui faisaient de l’art, dans des disciplines très diverses. C’est pour cela que j’ai commencé à faire de la sculpture, même si je n’y avais jamais pensé auparavant. Quand j’ai rencontré des architectes intéressés par la sculpture, j’ai trouvé cela très enrichissant. Le mélange des profils, des disciplines, est extrêmement stimulant. Il y a une sélection très exigeante à la Cité : chaque Maison choisit ses résidents de manière rigoureuse. Parmi eux, un ami a été nommé aux Oscars l’année dernière pour son court-métrage. Ce sont vraiment des personnes très intéressantes. On est dans un environnement où l’on doit constamment apprendre et évoluer. »

Au-delà de sa démarche artistique, Sared Ramirez souhaite laisser une trace de sa génération et de son attachement à la Cité internationale universitaire de Paris. « Je viens de terminer mon master. Mon prochain projet est de réaliser un livre pour laisser une trace, une archive de ce que j’ai fait. J’ai photographié les 43 Maisons, inspirée par les photos des années 1930. Je pense qu’il faudrait faire un documentaire sur notre génération. Ce sera peut-être mon prochain projet. Je veux créer un livre imprimé, car cela restera une archive. Peut-être que, dans le futur, cela sera utile pour comprendre comment on a vécu la Cité en 2025. Je pourrais retourner au Mexique, mais pour l’instant je suis heureuse d’être ici, artiste. La France valorise beaucoup les arts, et je peux le ressentir. J’aime cette énergie. »

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Alexandre Helwani nous invite à percevoir le parfum comme une passerelle vers l’invisible, vers une mémoire olfactive de l’humanité. Son parcours, sa passion et sa créativité nous rappellent que derrière chaque senteur se cache une histoire, une culture, une mémoire et des recherches. Cet autodidacte devenu historien du parfum est capable de faire revivre des formules du passé. Il souhaite transmettre des sensations, des émotions, et rendre plus accessible l’art du parfum.

Je pense que la création, c'est d'être témoin de quelque chose. Ce n’est pas moi qui le dis, c'est Olivier Debré qui disait que créer, c'est être témoin d'un événement et en témoigner par notre art. J'aime cette capacité. C'est essentiel. Je ne pourrais pas vivre autrement. Aujourd'hui, c'est du parfum, mais il y a aussi de la poésie, de la musique. Chaque médium, permet d'accéder à une part de soi-même, à dire quelque chose qu'on ne pourrait pas dire autrement.

Alexandre Helwani, créateur de parfum.

« Il n'y a pas d'historien du parfum à proprement parler. Il y a des historiens du commerce, de l'alimentation, de la médecine et qui tous, à un moment, vont parler de parfum ou vont sortir des recettes parfumées sans pour autant s'y intéresser », rappelle-t-il.

Né à Orléans, Alexandre Helwani a grandi entre la France et Dubaï. Après des études de théâtre, de massage, un passage à la Sorbonne, il a parcouru différents chemins, sans jamais oublier sa passion pour l’olfaction.

« J'ai passé mon bac à 16 ans. De 16 à 26 ans, à peu près, j'étais dans l'errance totale. Tous mes amis, ma famille s'inquiétaient pour moi. Ils disaient : "Mais qu'est-ce que tu fais de ta vie ? Tu as fait du théâtre, tu as écrit des pièces, c'est super, tu as arrêté, tu fais des massages, tu arrêtes, tu fais du vin, tu arrêtes, tu fais de l'édition, tu arrêtes. À quel moment tu te poses ?" Et tous ces moments, cette longue attente, s'est cristallisée dans le parfum. J'ai appris à travailler des naturels quand j'avais 13 ans et que j'ai travaillé avec, parce que tous les parfums anciens, forcément tout ce qui est avant le XIXᵉ siècle, c'est 100 % naturel. Cela m'a appris à formuler en naturel et c'est arrivé au bon moment. En 2020, le consommateur et l'industrie se sont dit : "On aimerait bien avoir des parfums 100 % naturels qui sont autre chose qu'un mélange aroma-thérapeutique." Cela s'est fait graduellement. J'ai eu cette première marque, puis la deuxième, puis le projet Odyssée, et le parfum de la Bible, en ce moment. C'est une niche de la niche dans la niche, j'ai envie de dire, que j'ai un peu ouverte malgré moi et que j'occupe aujourd'hui. Je suis très content de l'occuper. Voilà, tout fleurit un peu comme cela », raconte-t-il.

L’intérêt pour les matières naturelles d’Alexandre Helwani s’est approfondi lors de ses voyages, notamment au souk de Dubaï, ainsi qu’à travers ses rencontres avec des artisans. Il connaît en détail l’encens, les résines, les huiles essentielles, bref les matières naturelles.

« Cela s'est construit depuis ce moment à Dubaï, puisque j'y avais rencontré un parfumeur indien qui faisait des zaatar, des parfums en huile typiquement utilisés en Inde, au Moyen-Orient. Je me souviens, quand j'y allais, et que je m'ennuyais un peu, j'entrais dans sa petite échoppe avec toutes ces matières premières, avec des noms qui étaient pour moi très exotiques : le vétiver, le henné, etc. Je sentais tout, je lui posais des questions sur tout. Il m'a un peu appris sur les matières naturelles, puisqu'il ne travaillait qu'avec du naturel, ce qui est assez rare aujourd'hui de travailler en 100 % naturel. Ma formation, j'ai envie de dire techniques sur les matières a commencé là, puis elle a continué de manière empirique. » 

« À chaque fois que je trouvais une recette du XVᵉ siècle, du XIIIᵉ siècle, je la faisais à la maison. Cela a été empirique jusqu'à ce moment où je me suis dit : "Je vais consacrer toute mon énergie à la parfumerie !". J'ai lancé ce site (The Perfume Chronicles ) et puis six mois plus tard, il y a Virginie Roux, qui avait une marque de parfum et une galerie à Paris, qui me contacte. Elle avait aimé mon approche historique et un peu mystique, et elle me dit : "Est-ce que tu aimerais une exposition pendant trois mois autour des parfums orientaux ?" Alors je lui dis : "Il n'y a pas un Orient, il y en a plusieurs, mais allons-y." »

Retrouver des recettes anciennes, souvent oubliées ou méconnues, ayant traversé les siècles est une quête pour Alexandre Helwani. Avec patience et rigueur, il explore traités, thèses, livres anciens, manuscrits, archives archéologiques, pour comprendre les formes du parfum. Et en 2020, il donne naissance à sa première création. « Makeda, la reine de Saba, qui était éthiopienne, qui avait apporté tous ses parfums au roi Salomon. Je sais que c'est un bon point de départ pour un parfum. Moi, je n'avais jamais créé pour une marque commerciale, jusque-là, je pensais que c'était une blague totale. Puis deux mois après, il me rappelle et me dit : "Où est ton parfum ? Parce que j'ai reçu les soumissions de tout le monde sauf les tiennes." Je lui ai dit : "Oui, ça arrive, c’est en macération." J'appelle un autre ami pour m’aider à produire le parfum, je ne sais pas comment faire, je sais que je ne peux pas calculer le prix, je sais qu'il y a des contraintes réglementaires, etc. Il me faut un logiciel. Je ne sais absolument pas quoi faire. Il me répond : "Je te donne mon logiciel et on y va." Cela m'a permis de voir ce que c'était le travail de parfumeur, qui n'est pas juste être dans son laboratoire et puis de faire ses petits mélanges et on est content ! La première formule que j'avais faite pour ce parfum coûtait 8 000 € le kilo, ce qui est complètement exorbitant. C'est là où on travaille vraiment sur l'ordinateur, on travaille ses qualités, la réglementation cosmétique pour être sûr que le parfum soit dans les clous. C'est là que j'ai lancé mon premier parfum, en 2020, pour cette marque qui s'appelle Makeda, le parfum 100 % naturel. »

En expérimentant en laboratoire ou en atelier, Alexandre Helwani établit des liens concrets entre histoire, culture et olfaction. Il est alors en mesure de recréer des parfums comme le parfum de la Bible ou celui de l’Odyssée. « La plus grande difficulté dans un parfum historique, c'est de s'assurer de la matière. Parce qu'il y a 2 000 ans, le mot cannelle ne voulait pas nécessairement dire cannelle. D'autant plus qu'il y avait aussi chez certains parfumeurs de l'époque une volonté de cacher. On publiait une formule où on vous dit cannelle, alors que ce n'est pas du tout de la cannelle. Quand on parle de la Bible, le mot nard dans la Bible, à l'époque de l’écriture du Nouveau Testament, cela pouvait dire ce qu'on appelle le nard, aujourd'hui nard jatamansi, qui est une racine qu'on trouve dans l'Himalaya, mais cela pouvait aussi être une variété de lavande ou de la citronnelle. Il faut donc comprendre déjà de quelle matière on parle. Et pour faire ça, il faut se remettre dans le contexte d'écriture de l'époque. Après, de manière empirique, on va comparer et voir ce qui fait sens. En refaisant la recette, on comprend que non, ce n'était pas de la cannelle parce que j'ai senti un parfum qui en est très proche puisque les recettes étaient assez similaires et ça ne sentait pas ça, donc c'était autre chose. Il y a vraiment quelque chose d'empirique et d'historique. Il y a tout ce travail de botanique, d'histoire de la botanique et d'histoire de la pratique, tout simplement. »

« Mais la bascule, elle s'est vraiment faite, j'ai envie de dire, avec Makeda. C'était pour une marque qui s'appelle Parfumeurs du monde, qui est distribuée partout dans le monde, qui est chez Jovoy, l’une des plus grandes, belles parfumeries de Paris. Puis la deuxième bascule, c'était Tong Ren que j'ai fait pour cette petite maison qui s'appelle Elementals, pour lequel j’ai reçu un Art and Olfaction Award, on va dire un petit César du parfum. Moi, mon approche est toujours restée la même mais les projets sont devenus plus grands. Il y a eu le parfum de l'Odyssée juste après et ça a été mon plus beau projet, en termes de processus avec tout l'équipage. Un équipage de chanteurs, de poètes, d'artistes. Ils sont allés sur les traces du voyage d'Ulysse in situ. Sur chaque lieu de chaque chant pour récolter les graines des plantes qui sont mentionnées dans l'Odyssée. Il y avait une volonté de faire un jardin d'Odyssée et donc ils sont venus me voir. Ils m'ont raconté leur démarche et demandé de faire un parfum avec les 44 plantes de l'Odyssée. J’ai aussi mon travail de sourceur parce que j'ai des contacts un peu partout. Je connais aussi des sourceurs de matières premières, donc j'ai trouvé pour ce parfum un absolu de datte, ce qui n'est pas utilisé en parfumerie et notamment dans le chant pour Polyphème, on parlait de laine, alors ce n'est pas un végétal, mais c'est tout de même une odeur, puisque c'est le moment où Ulysse et son équipage se cachent sous les moutons pour passer sous le Cyclope. Et il se trouve que j'ai un ami qui avait déménagé en Écosse. Il a ouvert une bergerie. Je lui ai dit : "Est-ce que tu peux me faire un absolu de laine ?" Il me dit "Qu'est-ce que c'est ? J'ai répondu : "Je t'envoie de l'alcool, je te dis comment ça se passe et tu m'en fais." Et il m'en a fait. Je l'ai mis dans le parfum et cela a eu un gros retentissement dans la sphère du parfum et la sphère un peu littéraire. Ensuite, le parfum de la Bible avec l'École biblique et archéologique française de Jérusalem. Les projets sont devenus de plus en plus importants parce que je pense qu'il y a un intérêt sur l'histoire du parfum. »

Alexandre Helwani peut reconstituer un parfum de l’Antiquité ou du Moyen Âge, permettant ainsi de faire revivre des odeurs disparues, et d’offrir une expérience olfactive à la croisée de l’histoire et de l’artisanat. Mais son approche est sans pareille. « Mine de rien, cela fait dix-sept ans que je me consacre à l'étude, à la recréation de recettes anciennes, huit heures par jour. Je travaillais, puis le soir, vu que j'étais insomniaque, je passais mes nuits à étudier des traités de pharmacopée. J'appelais des profs pour me retraduire des tablettes anciennes pour être sûr de savoir de quelle matière il s’agissait. Dès que j'avais un peu d'argent de poche, ça allait dans le parfum. J'ai consacré, on va dire, quatorze ans de ma vie à ça. Et cette approche historique, c'est un travail de fond, c'est-à-dire que les historiens ne sont pas parfumeurs, les parfumeurs ne sont pas historiens. Il n'y en a aucun des deux qui est botaniste. Il faut quelqu'un qui puisse servir de pont. C'est ça qui me permet de pouvoir lire un texte comme la Bible et de trouver cette formule dans le Cantique des cantiques et de dire : "Je sais que c'est une formule parce que les matières de ce parfum vont trop bien ensemble pour avoir été posées là par hasard. C'est un travail de parfumeur, ça, c'est sûr, mais ça, je peux le dire parce que j'ai lu des formules antiques, parce que j'ai pesé des formules antiques et que je peux dire, oui, en fait, quand il y a de la grenade, je sais que c'est de la grenade qui est cuite, que ça c'est un parfum qui était liquide. Parce que ça me rappelle des formules que j'ai refaites". »

« Premièrement parce que j'ai travaillé sur des livres comme l'Odyssée ou autre, ou des recettes un peu symboliques. Il y a plein de traités magiques du Moyen-Âge qui avaient des formules de parfums. Et là, je vois cette formule et je me dis : " Mais ça me rappelle des formules contemporaines de l'écriture de ce texte !" Ça a l'air d'être une formule de parfum. Tout va trop bien ensemble. C'est une formule de parfum. Une formule, c'est des chiffres. C'est un texte hébraïque. Je contacte un rabbin et c'est comme ça que, au bout de trois ans de travail, on découvre qu'il y avait une formule cachée dans le texte. Je la refais et ça sent bon. Je pense que le fait que j'aie un parcours justement éclectique, en plus l'expérience avec les matières naturelles. Et ce temps à manger ces formules, à les mâcher et à les laisser pénétrer par leur matière. Je pense que cette approche-là, elle est unique. »

L’industrie du parfum est un secteur hermétique où la transparence et la reconnaissance des créateurs restent limitées, selon Alexandre Helwani. Son savoir empirique lui a permis d’y avoir sa place sans être parfumeur de formation. « C'est une industrie qui est très hermétique, donc y entrer, ça n'a pas été facile. Après, c'est vrai que mon angle, ça n'a jamais été de vouloir être parfumeur ou travailler dans cette industrie. Je me suis juste dit : "Je vais au moins partager ce que j'ai découvert et que je connais sur l'histoire des matières et que je sais être juste et vrai et pas continuer de perpétuer des mensonges, etc." À cette ère du numérique, on a accès à des ressources assez formidables. Il suffit de vouloir et de savoir où chercher. Cela demande beaucoup de persévérance. C'est vrai que quand j'ai commencé ma méthode, c'était dès que je lisais un brief de parfum, ou que j'écoutais un parfumeur parler, ou que je lisais une matière que je ne connaissais pas, j'allais l'acheter. À l'époque, il y avait quelques sites qui revendaient les matières premières en petites quantités. Qui venaient tous de Californie. Ça coûtait des fortunes. Je me souviens de dire à des amis que je ne pouvais pas aller boire des verres avec eux, parce que je venais de commander trois grammes d'iris et que c'était super important. Aujourd'hui, c'est vraiment beaucoup plus facile d'entrer dans cette industrie qui commence tout de même à s'ouvrir. Il y a un besoin de transparence de la part du consommateur. Il y a une mise en avant des parfumeurs, donc ça commence à se démocratiser, à s'ouvrir. »

Pour Alexandre Helwani, le parfum est une expression poétique, une manière de témoigner de notre humanité. « Mais mon Dieu, si seulement on pouvait être plus sensibles au Parfum ! Avec un grand P. Et se dire que ce n’est pas juste quelque chose qu'on achète pour sentir bon, ça va bien plus loin. Ça fait plus de 15 000 ans qu'on fait du parfum. 15 000 ans qu'on brûle des choses parce qu'elles sentent bon. 15 000 ans qu'il y a des gens qui se sont dit : "mais cet arbre, on ne va pas le brûler, alors qu'on en a besoin parce qu'il fait froid, mais on va le garder parce que sa sève sent très bon". Et là, il y a un mystère de l'humanité qui se déploie et que je ne peux pas expliquer. Et de voir toutes ces formes anciennes et de voir cette même fascination, cette même recherche que je vis. Parce que cette incapacité à laquelle je suis confronté. Je pense que Tapputi Belet-ekalle qui est la première parfumeuse citée dans l'histoire, elle l'a vécu aussi avant de mettre sa formule sur le papier. Elle aussi s'est dit : "Non ce n’est pas ça, non ce n’est pas ça". On a une expérience qui est pareille et là en le sentant on peut se dire : "Je sais ce que tu ressens, je ne te connais pas, je ne pourrai jamais entendre ta voix, je ne pourrai jamais me concevoir ton visage. Mais là, ce que je sens, ce que mon corps sent, toi aussi, tu l'as ressenti il y a 4 000 ans". Et le parfum, c'est cela. Le parfum, c'est vraiment une manière de se rendre au monde. »

Selon Alexandre Helwani, le parfum est une porte vers l’invisible, un langage symbolique capable de transmettre des émotions, des souvenirs ou des messages spirituels, une expérience sensorielle reliant passé et présent. « C'est une autre forme de perception du monde. La beauté du parfum, c'est que ça ouvre une porte d'appréciation du monde qui est assez folle. Quand vous vous baladez, une fois qu'on connaît les molécules, qu'on a appris à les reconnaître, on les sent partout. C'est incroyable d'avoir une immédiateté au monde, de se dire : "Il est minuit et demi, il y a la glycine du voisin qui vient de fleurir. Je ne la vois pas, mais je la sens." Ce que j'essaie de faire, dans le parfum, c'est de le sortir de son flacon. Inventer une nouvelle forme du parfum. La beauté du mot parfum, c'est que le parfum ne désigne pas le contenu parfum per fumum, par la fumée, donc ça désignait ce qui restait après que l'encens a été consumé. Chez les Égyptiens et dans beaucoup de religions antiques, le parfum était un moyen de nous mettre en présence de l'invisible. On faisait ces sacrifices aux idoles, aux dieux. Le prêtre consomme tout et on rentre dans le temple 4,5 ou 6 heures après, on n'a plus rien, on n'a plus ces sacrifices, mais on a encore une odeur. C'est bien qu'il y a quelque chose qu'on ne peut pas voir, toucher, entendre, ressentir. Mais en tout cas, quelque chose est là qui nous dépasse. Et cela, c'est le parfum. C'est un mot qui désigne ce qu'il fait advenir. Quand je prends un flacon de parfum et que je mets du parfum, je me mets en présence ou je mets quelqu'un en présence d'autre chose. »

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Alia Baré, créatrice de mode nigérienne, incarne une démarche authentique et engagée. Des bijoux aux vêtements, Alia Baré aime concevoir une silhouette jusqu’aux moindres détails. À travers ses collections inspirées de la mythologie, la nature et de ses expériences personnelles, elle tisse un pont entre tradition et modernité, tout en valorisant le savoir-faire artisanal africain.

Alia Baré privilégie la production en petites séries et le sur-mesure pour limiter le gaspillage et garantir une fabrication soignée, tout en mettant en avant une mode respectueuse de l’environnement et des personnes. En 2025, elle fête les 10 ans de sa marque éponyme. 

« Je suis à fleur de peau, je ressens souvent les choses très fortement. Le fait de pouvoir créer, de pouvoir donner un sens à travers les couleurs, le défilé, la musique, les paroles même de la chanson ont une signification. Au début, de mes premiers défilés, je pleurais comme une madeleine parce qu'il y avait un effet de catharsis où tout sortait et je guérissais aussi. » 

Artiste et entrepreneure née au Niger, à Niamey, avec un père diplomate, Alia Baré a grandi entre la France et l’Algérie. Elle a poursuit des études dans une école de commerce à Paris : « J'ai toujours été très timide quand j'étais plus jeune et ce passage dans cette école de commerce m'a permis de m'ouvrir, de m'épanouir, d'être dans un environnement différent en France. J'ai pu affirmer ma personnalité dans la mesure où je suis la deuxième d'une fratrie de cinq enfants et chacun a une forte personnalité. J'avais tendance à me mettre plutôt en retrait par rapport à mes autres frères et sœurs, et là, cela m'a permis de développer mon individualité. Par la suite, je me suis mariée et j'ai suivi mon mari en expatriation, d'abord en Inde, puis à Singapour. »

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Alia Baré débute sa carrière en tant que conseillère, cliente et gestionnaire de patrimoine dans le milieu bancaire. Puis, elle suit son mari en Inde et cette période d'expatriation la transforme. Elle explore la création en bijouterie et en textile.

 « J'ai toujours aimé créer, manipuler, faire des dessins, des coloriages, des bricolages et je touchais à tout. J'avais une petite machine à coudre et j’effectuais des travaux à la maison, décoration d'intérieur, sinon, c'était de la peinture... J'ai fait le design de bijoux, pendant deux ans. Cela m'a plu, j'ai passé plusieurs diplômes dont un en gemmologie et j'ai créé ma marque de bijoux sur mesure. Ce sont des bijoux en or, diamants, ou pierres semi-précieuses. J'ai commencé à les vendre quand je venais à Paris ou en Afrique et j’ai rencontré un franc succès. Cet amour des bijoux et des pierres se retrouve souvent dans mes tenues et dans mon choix de couleurs, parce que j'aime les couleurs. J'appelle ça les couleurs "pierres précieuses", comme le vert émeraude, rouge rubis, ou le bleu saphir. Ce sont des couleurs qui sont intemporelles, très élégantes. En cas de doute, avec ces couleurs, vous ne pouvez pas vous tromper. Cela fait partie de mes codes couleurs qui reviennent régulièrement. C'est pour cela que j'aime beaucoup le milieu de la mode, parce qu'on arrive à concilier tous les domaines artistiques et les mettre ensemble. Je cherche vraiment à transmettre une émotion, une sensation. »

Après l’Inde, Alia Baré, s’installe à Singapour, ne pouvant plus assurer le suivi de la production de ses bijoux, elle se forme aux métiers de la mode. Avec son engagement éthique, elle valorise les artisans locaux et aspire à faire rayonner la richesse de l’Afrique à l’échelle mondiale. En 2015, elle y lance sa marque éponyme.

 « Bien qu'étant du Niger, Dakar, c'est un peu ma seconde maison et c'est là où je suis venue. J'y ai tout de suite ouvert mon atelier. En 2015, je saute dans le grand bain à peine diplômée. Je n'ai pas fait de stage long, j'ai fait mon stage d'école à Singapour, mais je n'ai pas fait de stage dans une maison de couture. Là, pour moi, il n'y avait pas de temps à perdre. Il fallait foncer et me jeter à l'eau. Le plus difficile était de constituer une équipe. Mais il se trouve qu'une de mes amies connaissait un chef d'atelier, qui très doué, et j'ai dû le démarcher, le convaincre. Je lui ai dit : "C'est une aventure que je commence. Crois-moi, si tu me suis, si tu me fais confiance, on fera de belles choses ensemble, on sera une équipe à part entière". Et jusqu'à aujourd'hui, il est avec moi et on travaille ensemble. Tout ce travail, je n'y serais pas arrivée sans lui non plus. Il y a donc aussi cette gratitude par rapport à ce que certains appellent les petites mains. Les petites mains, c'est souvent associé aux techniques de perlage, aux petits détails. Mais il y a aussi des personnes comme les chefs d'atelier, les coupeurs et autres, qui font un travail extraordinaire et qui permettent de donner vie à nos envies, à nos rêves. »

La mode transforme la douleur ou la joie. Pour Alia Baré, c’est une forme de guérison. « Enfant, j'étais quelqu'un d'assez introvertie et la création est devenue une manière d'exprimer tout ce que je ressens. Je ressens très intensément, je suis une hypersensible. J'ai perdu mon père à 17 ans, et c'est quelque chose qui m'a beaucoup affectée. La création me permettait de sortir toute cette douleur sans avoir à parler. C'est une thérapie. Au fur et à mesure, mes collections ont évoluées. Si on regarde rétrospectivement, mes premières collections étaient très noires. C'était du noir, du cuir. C'était torturé, et au fur et à mesure, c’est devenu plus léger. »

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La sensibilité d’Alia Baré aux couleurs et aux matières nourrit ses collections. Son processus créatif, sensible et flexible, puise dans la mythologie, la nature et son vécu.

« Mes amis se moquent de moi parce que je dis que la matière est poétique. J'ai l'inspiration du poète. Par exemple, il y a un an, j'ai fait une collection inspirée par le tableau "Les nénuphars" de Claude Monet, que j'adore. J'ai pris les feuilles de nénuphars, mais j'ai décliné un peu en abstrait. J'ai décliné les couleurs, le turquoise, certaines petites pointes de bordeaux et autres, et j'en ai fait toute une collection sur le côté nymphéas avec des femmes en fleurs dans un jardin. Cela peut partir de l'amour. Si je ressens énormément d'amour, si je tombe amoureuse, les gens qui me connaissent le savent parce qu'il y a une légèreté qui se dégage, dans les couleurs aussi. C'est également le cas quand je suis triste. J'ai connu une rupture très douloureuse et j'ai fait une collection qui s'appelait Narcisse et Écho. J'adore la mythologie grecque, donc la nymphe Écho qui devient un écho par rapport à l'amour non partagé de Narcisse, qui lui aussi meurt de son amour-propre, parce que cette personne était narcissique. J’ai guéri de cette relation à travers cette collection. »

Pour ses créations, Alia Baré utilise des matériaux durables, de qualité qui témoignent aussi de la richesse de son héritage, tout en adoptant une esthétique contemporaine.

« En ce moment, je suis complètement in love de l'Aso Oke, un pagne tissé du Nigeria. Il y a quelque temps, c'était le batik. J'aime beaucoup. Ces matériaux arrivent à donner une intensité, c'est-à-dire qu'il y a une qualité beaucoup plus importante que ce qu'on va retrouver parfois au Sénégal. Parce que le problème, c'est que parfois, dans le travail de l'artisanat, il y a une perte de qualité. Les artisans bâclent un peu le travail. C'est dur à dire, mais souvent, on perd en qualité de certaines matières. Il y a deux ans, j'étais complètement dans le bogolan, c'était incroyable. J'adore aussi la soie, la vraie soie naturelle. Le vrai batik d'Indonésie sur soie, c'est d'une poésie extraordinaire, aussi dans l'intensité des couleurs. La dentelle de Calais ou de Chantilly par exemple, j'adore. Je suis une fan de tissus. En ce moment, je suis à fond dans ce qu'on appelle Aso Oke, c'est yoruba, avec des grandes intensités de couleurs, qui tournent aussi des rayures, donc on a une possibilité de s'amuser sur ces rayures. J'adore les fleurs, j'aime beaucoup le côté cursif et instinctif naturel des fleurs, mais j'aime beaucoup aussi la rectitude des lignes. L’un n'empêche pas l'autre. »

La préservation des métiers d’art traditionnels africains, souvent menacés par la mondialisation, est essentielle aux yeux d’Alia Baré.

« Pouvoir déjà obliger ces artisans à maintenir des standards de qualité... En règle générale, pour des petits détails qui ne vont pas sauter aux yeux de prime abord, disons une tenue même, on passe d'un temps simple à un temps doublé, voir triplé, quand certaines étapes doivent être respectées. L'enjeu, c’est comment le faire comprendre aux tailleurs. Moi, je les paye pour qu’ils n’aient pas cette pression. Quand il y a un défaut sur une tenue, il faut qu'ils aient le temps de défaire et refaire sans que cela n’ait un impact sur leurs revenus. C'est très important qu'on puisse leur donner le temps de bien travailler dans des conditions correctes. Ensuite, les artisans, les tisserands, il faut leur donner des débouchés. Le principal, à travers l'amour du métier, c'est de ré-insuffler cet amour. Il y a des initiatives avec des maisons qui créent des écoles où on enseigne ce savoir-faire. L’État commence au fur et à mesure à investir. En dehors de l'État, il y a également des organismes qui permettent de former les jeunes générations sur ces standards, et c'est notre pierre à l'édifice d'assurer à ces artisans que nous continuons à travailler leur matière et que nous les rémunérons correctement. En Afrique, ce qui est important, c'est cette cohésion sociale qui maintient un équilibre. Et cela, quoiqu'il arrive, peu importe notre niveau de développement, c'est quelque chose qu'on ne doit pas perdre. C'est ce qui fait notre beauté, c'est ce qui fait notre singularité.  »

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Designer franco-togolaise, Nadiya Rauscher a grandi entre le Togo et le Gabon. Formée à la mode à Libreville, elle s'installe en France et plus précisément en Alsace. Ce parcours biculturel lui permet de fusionner dans ses créations authenticité et modernité en faisant de son identité un véritable atout. Son enfance a été marquée par la diversité culturelle, la musique, la danse, et l'artisanat local.

Ces premières années ont forgé sa sensibilité esthétique, qui se retrouve dans ses collections. Nous l'avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé. « Créer, coudre, c'est ma vie. J'adore. C'est ce que je sais faire de mieux. Une joie de vivre, nous a confié Nadiya Rauscher, fondatrice de la marque éponyme. Je couds, je dessine tout le temps. Je travaille aux heures normales et après, je suis tout le temps à l'atelier, je travaille, je crée, je chine aussi pour trouver des tissus en coupons, ce qui me permet de faire des pièces uniques. »

Nadiya Rauscher est née à Sokodé, au Togo, dans une famille de couturières et couturiers. Dès son enfance, elle a été bercée par le tissu, la couture et l'artisanat. Elle a donc grandi dans un environnement où la créativité était une évidence :

« Quand on est enfant, être dans un atelier de couture avec les chutes de tissu par terre, pour une petite fille, c'est une manière de faire des petites robes pour sa poupée. C'est comme cela que cela a commencé. Puis, au fur et à mesure, à force de traîner dans les ateliers, on nous envoyait aller acheter des boutons, des fermetures. Pour moi, c'était un jeu d'enfant. J'aimais bien, mais je n'avais pas ce métier comme rêve. À 14 ans, mon rêve, c'était de devenir architecte. Mais la mode était en moi sans que je le sache, parce que je commençais à faire mes vêtements moi-même. À 16 ans, je suis allée vivre au Gabon, à Libreville. Chez nous, les Kotocoli, quand il y a un mariage ou un baptême, il y a toujours l'uniforme, le pagne. Tout le monde doit porter le même pagne. Et moi, j'aimais bien avoir un style particulier. Je me faisais mes propres vêtements cousus à la main. Je travaillais dans une famille comme nounou, et il y a une dame qui m'a repérée en train de coudre. Elle m'a posé la question : "Qu'est-ce que tu fais ici, pourquoi es-tu nounou ?". J'ai dit : "Bon, il faut bien que je gagne ma vie." C'est elle qui m'a encouragée à aller apprendre la couture dans un atelier. Elle m'a envoyée chez un de ses amis couturier. J'ai travaillé dans cet atelier six mois. Et un an après, j'ai décidé de m'inscrire dans une école de design de mode. »

Au Gabon, Nadiya Rauscher étudie la mode, participe à des concours, expose ses créations. Elle connaît la théorie aussi bien que la pratique : « À l'école, nous commençons tout doucement. Alors que dans un atelier de couture, avec un couturier sur place, ce n'est pas la même chose. C'est tout de suite dans la couture. Après, les deux se combinent très bien. Je trouve que c'est génial si on arrive à combiner les deux, parce que quand on devient créateur, on en a besoin surtout pour transmettre. Aussi, on a besoin de la théorie. Il faut expliquer pourquoi on fait ci, pourquoi et comment il faut travailler telle matière, il faut tel thermocollant, tel bouton, il faut expliquer... Dans un atelier, ce n'est pas tout à fait la même chose, mais je pense que le travail final revient au même. »

Lorsque Nadiya Rauscher s'installe en France, en Alsace, pour suivre l'amour et ses rêves, son arrivée lui offre la possibilité de s'ouvrir à la mode internationale tout en conservant ses racines, son histoire. Elle crée, en 2017, sa marque éponyme, puis ouvre sa boutique quelques années après. « J'ai rencontré mon mari à Libreville. C'est l'amour qui m'a fait partir de Libreville et me retrouver en France, en Alsace. J'ai dû tout recommencer, arriver dans un pays où je ne maîtrisais pas encore la culture et les mœurs. Ce n'était pas évident, mais je croyais en moi, et la passion qui m'animait m'a permis d'arriver où je suis aujourd'hui. J'ai d'abord travaillé dans le prêt-à-porter hommes et femmes, et quelques années plus tard, j'ai créé ma marque. Quand j'ai créé ma marque, je n'ai pas ouvert la boutique tout de suite. Je me suis mise à mon compte. J'ai ouvert la boutique en 2021. Au début, quand je suis arrivée en France, j'avais ce rêve-là d'avoir ma boutique, de créer ma marque, mais je ne savais pas par où commencer. Je ne maîtrisais pas les codes du pays. C'est arrivé au fur et à mesure, et le fait d'avoir travaillé dans des magasins de prêt-à-porter pour femmes et hommes m'a beaucoup apporté. Quand j'ai ouvert ma boutique, j'avais fait quelques formations, donc cela m'a facilité aussi la tâche. Ce n'était pas évident mais je croyais en mon rêve. »

Nadiya Rauscher propose des pièces qui s'adaptent à toutes les morphologies, genres et styles de vie. La personnalisation est un pilier de sa démarche : « Je prône la mode inclusive parce que je n'ai pas envie de me mettre dans une case, je n'ai pas envie d'avoir du style. Mon style, c'est de ne pas en avoir parce que j'ai envie de donner la possibilité à toutes les femmes, peu importe leur morphologie, leur style, leur genre, d'affirmer leur personnalité. »

La passion qui l'anime se traduit dans chaque pièce que Nadiya Raucher conçoit. S'y mêlent émotion, savoir-faire traditionnel et une touche personnelle qui reflète sa vision artistique. La créatrice de mode suit son intuition dans le choix du tissu : « De loin, on peut voir le textile. Il y a les motifs, les couleurs, mais ça ne suffit pas, parce que c'est au toucher que l'idée peut naître. C'est le toucher qui définit. Ensuite, si on prend ce tissu, on sait ce qu'on va faire avec. Quand je vais dans un magasin de tissus, j'ai l'impression d'être comme un enfant qui arrive à Disney. Je ne sais pas où donner de la tête, je prends ce que je peux prendre. Et il y a aussi un tissu que j'ai envie d'utiliser, mais je n'ai pas encore commencé, parce que dans mon village natal, on a un tissu traditionnel qui y est fabriqué. Le coton est cultivé, filé et tissé dans mon village. Le tissu s'appelle tem. C'est un tissu qui est porté pendant les grandes cérémonies et j'ai envie de travailler avec, de l'associer avec la toile denim pour essayer d'apporter une touche d'originalité à ce tissu traditionnel et à la toile denim aussi. Je me dis que c'est dommage de sacrifier ces tissus traditionnels parce qu'ils ne sont vus que pendant de grandes cérémonies. »

La conception d'une collection passe par plusieurs étapes : esquisses, choix des matériaux, travail sur la coupe, et réalisation. Nadiya Raucher aime expérimenter avec les textures, les couleurs, et les formes pour créer des collections originales. Mais elle aimerait aussi valoriser un peu plus les tissus traditionnels africains dans ses créations : « Nous, créateurs africains ou d'origine africaine, nous ne mettons pas assez en valeur notre tissu traditionnel. On peut faire mieux. Il y en a certains qui le font et on peut tous faire mieux. C'est un peu compliqué parce qu'il y a aussi l'influence de la mode internationale, alors qu'en Afrique, on a tellement eu de tissus traditionnels qu'on peut mixer entre les tissus traditionnels occidentaux et nos tissus traditionnels. La mode, on en fait ce qu'on veut. Les tissus, quand on les a, il n'y a pas de limites. On peut se permettre d'associer tout ce qu'on veut et faire des propositions. Souvent, quand on lance une tendance, tout le monde est là-dessus : ''Ah oui, c'est la tendance cette année, telle coupe, telle matière, telle couleur...'' Oui, c'est parce qu'il y a certaines personnes qui ont décidé de lancer cette tendance. Mais malheureusement en Afrique, on n'a pas de tendances. Je ne sais pas si on n'a pas d'idées ou si on n'ose pas. La tendance vient toujours de l'Occident, alors qu'en Afrique, il y a de quoi faire. Nous avons la matière première. »

Nadiya Raucher rêve de revenir au Togo pour partager son savoir-faire, valoriser les tissus traditionnels, et encourager la nouvelle génération de créateurs africains à oser, à innover, et à faire rayonner leur culture : « La mode n'a pas de frontières, mais en Afrique, nous avons de quoi faire. En tant que créateurs d'origine africaine, c'est vrai que je ne vis plus à Lomé ni à Libreville. Je suis maintenant en France. Mais je suis ravie de revenir et de participer aux FIMO228. C'est aussi une manière d'apporter le savoir-faire que j'ai et de transmettre à la nouvelle génération. Il y a quelques jours, j'étais dans un centre des métiers d'art et d'artisanat. J'avais vu la responsable de cette école, j'ai proposé mes services pour faire une demi-journée d'atelier sur le cours de moulage. Je fais partie des personnes inspirantes parce que nous, nous sommes des exemples. J'ai donc été ravie. Les étudiants aussi, ils étaient captivés. J'ai travaillé à peu près 6 heures avec eux et cela a été un grand moment d'émotion pour moi, parce que je trouve que la nouvelle génération de créateurs togolais est douée et ce sont des passionnés. Mon objectif final, c'est de revenir à Lomé et de transmettre. C'est mon rêve. »

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Yann Lagoutte, maître brodeur, directeur de l’école de broderie d’art de Quimper, passionné par la transmission d’un savoir-faire ancestral et la création, est un artisan d’exception. Formé initialement en bijouterie, il a évolué vers la broderie d’art, obtenant le titre prestigieux de meilleur ouvrier de France en 2011.

Son engagement dans la passation de savoir-faire, à travers la création, la formation et la direction d’école, témoigne de sa passion pour la préservation et la valorisation des techniques artisanales bretonnes. Il représente le renouveau de l'école de broderie d'art de Quimper, alliant tradition, innovation et ouverture sur le monde. « En broderie, on fait des gestes qui sont répétés, qui doivent être précis. On se met dans sa bulle. », explique Yann Lagoutte, artiste, enseignant et directeur de l'école de broderie d'art de Quimper.

On va venir se concentrer sur deux centimètres carrés et on va venir faire des mouvements qui vont être précis, qui vont nous permettre d'être dans un autre monde. On peut y passer des heures et des heures sans se rendre compte du temps qui passe.

Yann Lagoutte est né en région Rhône Alpes, dans le sud-est de la France, mais il a toujours eu un lien très fort avec sa culture bretonne grâce à sa mère. C’est avec elle qu’il commence à broder à l’âge de 16 ans. « Dans un premier temps, c'était pour essayer de refaire la reproduction de costumes traditionnels. Et dans cette optique-là, lors de mes études, j'ai voulu faire un stage au sein de l'école de broderie. Je suivais à l'époque des études en bijouterie joaillerie, qui est aussi un métier artisanal et artistique, c'est comme cela que j'ai rencontré l'entreprise. Un stage d'un mois ici, cela a été vraiment une révélation, au niveau du savoir-faire, au niveau du geste. J'ai continué à broder pour mon plaisir, suite au stage. J'ai fini mes études. J'ai commencé à être bijoutier-joaillier en entreprise. En 2003, Monsieur Jaouen, qui a créé l'entreprise en 1995, m'a contacté pour me proposer un poste. C'était un peu particulier parce que je venais juste de commencer ma vie professionnelle. J'ai pris un virage à 90 degrés en acceptant le poste, rapidement. En 2003, je me retrouve au sein de l'entreprise École de broderie, où je fais une formation de moins d'un an pour maîtriser toutes les techniques enseignées au sein de l'école. L’été 2024, je commence mon travail en tant que formateur. »

Artisan d’exception reconnu comme meilleur ouvrier de France, en 2011, aujourd’hui, directeur de l’école de broderie d’art, Yann Lagoutte est un passeur de savoir. Son école de broderie forme chaque année plus de deux mille élèves. « Nous choisissons nos propres programmes orientés en fonction aussi d'une mode ou d'une volonté de certains élèves, quand nous avons des retours. Nous avons un panel d'un peu plus de quinze techniques de broderie différentes qu'on peut enseigner, tous les ans. Les formateurs ont une formation en interne pour faire soit de la remise à niveau, soit un apprentissage complet d'une nouvelle technique par exemple, qui va être présentée. Ensuite, on va l'enseigner à ces personnes pour leurs loisirs. »

Avec un peu plus d’une dizaine de techniques issues du territoire breton, comme la broderie Glazig ou Bigoudène, l’école fait vivre un patrimoine riche tout en le rendant accessible à un public amoureux de la broderie. « Celle qui nous tient vraiment à cœur, c'est la broderie Glazig. La broderie Glazig qui prend son nom du pays de Quimper. Quand on parle de pays en Bretagne, il faut imaginer que c'est plutôt une communauté de communes. Le pays de Quimper comprend 28 communes où la mode traditionnelle vestimentaire était la même dans ces 28 communes et sur ces costumes traditionnels, il y avait une broderie spécifique qui a pris le nom du territoire Glazig. Elle nous tient à cœur parce que c'est une broderie très colorée, réalisée avec un fil luxueux, un fil de soie. Le relief est donné à la broderie, mais sans faire un travail de rembourrage ou de bourrage dessous. Dans le sud Finistère, on va venir broder plusieurs épaisseurs de tissu en même temps pour donner le relief, ce sont les spécificités de cette broderie-là. Elle nous a tenu à cœur parce que c'est la broderie de l'entreprise. »

« Il va y en avoir d'autres. La broderie Bigoudène la plus connue des personnes s'intéresse à cette culture bretonne. C'est une broderie imposante sur les costumes traditionnels femmes et hommes, et qui est très voyante puisqu'elle est sur les dernières modes, soit orangé, soit jaune. Il y a des broderies beaucoup plus discrètes, comme la broderie Léonarde de la région du nord de Brest. Vous avez dans le Morbihan des techniques de broderie sur velours, incluant le piétement. Et puis quand on va se concentrer sur le travail de broderie qui se fait sur les coiffes, là, on va avoir des broderies sur tulle, la broderie Richelieu à la mode bretonne ou de la broderie blanche. »

Maintenir en vie la broderie bretonne, c'est aussi pouvoir réinterpréter les motifs traditionnels selon Yann Lagoutte. « Pour faire rêver les gens, leur donner l'idée ou l'envie de vouloir refaire un peu la même chose, pour être fiers de manipuler et de créer de ses mains. Il était important pour nous de l'extraire de cette forme traditionnelle. On a un fond très riche et ce que l'on fait, c'est piocher dans ce fond-là. On prend, par exemple, une forme d'un costume traditionnel qui nous interpelle, on prend le motif de la broderie, la technique, puis les matières et que l'on extrait de cette forme traditionnelle tout en gardant le style. On la retravaille un peu dans les mêmes motifs, peut-être dans les mêmes matières, mais avec un style plus contemporain. Et dans un premier temps, ce qu'on a fait, c'est qu'on l'a représenté sur des tenues que l'on peut définir " haute couture ", bien que ce ne soit pas de la haute couture, mais en tout cas un vêtement unique brodé à la main et qui n'a plus a priori de rapport avec la forme traditionnelle. Puis quand on va s'approcher, on va retrouver des éléments qui peuvent être multiples ou qui ne peuvent être que petits éléments et donner l'idée à la personne qui voit ces pièces-là que c'est quelque chose d'aujourd'hui, qu'on n'est pas sûr du "ringard" ou du "vieillot". Les gens vont savoir que c'est une culture vivante, qu'elle est actuelle et qu'on peut se l'approprier. »

La broderie, pour Yann Lagoutte, n’est pas seulement un art, c’est une façon de transmettre une identité et surtout une passion. Un attachement qu’il souhaite partager encore longtemps, pour que le fil de ce savoir-faire ancestral ne se brise pas. « Cette culture, elle peut mourir à tout moment. Je vais prendre l'exemple du point de Beauvais. Le point de Beauvais. En professionnel, on est six à le maîtriser encore aujourd'hui, dont deux à l'école. Donc, c'est vraiment impératif qu'on continue à l'enseigner autrement. Ce point de Beauvais, il peut se perdre, il peut être enseigné d'une façon aléatoire et ce n'est pas forcément ce que l'on souhaite. C'est vraiment quelque chose qui me tient à cœur. La deuxième chose qui me tient à cœur, c'est de continuer à créer de ses mains. Aujourd'hui, on se rend compte qu'il y a plein de choses qui vont peut-être nous aider dans un futur avec, avec l'IA, avec les impressions 3D, avec les découpes laser. Ce sont des choses qui sont beaucoup plus mécanisées. J'aime continuer à faire du travail à la main. Pour moi, c'est important quand on est concentré sur un élément. Quand on est concentré sur une broderie, on va passer beaucoup de temps sur une petite surface et ça, ça me fait énormément de bien. Ça me fait du bien dans ma tête. »

Yann Lagoutte et son école participe à des collaborations internationales avec des brodeuses ou d’autres artisans pour montrer que le savoir-faire breton peut s’inscrire dans une démarche globale, contemporaine et inventive. « Celle qui m'a beaucoup touché, ça a été une collaboration avec des brodeuses, mais des brodeuses du Canada, une ethnie qui s'appelle les Métis, une ethnie, on va dire, de commerçants. C'étaient des Métisses entre les autochtones et les Européens. Ils avaient une technique de broderie un peu spécifique, où ils récupéraient des pics de porc-épic pour pouvoir faire une broderie qui s'apparente à du perlage. Et on a fait une collaboration avec ces brodeuses canadiennes. Ça, c'est assez touchant parce qu'il y a toute une histoire aussi de leur côté. On se retrouve avec deux histoires qui peuvent être un peu similaires par certains points. On avait beaucoup de choses en commun avec des personnes extraordinaires. Et là, on a un projet mis en place pour cette fin d'année et l'année prochaine, parce que l'entreprise a 30 ans cette année et il faut marquer un peu cet anniversaire-là avec Sophie Ambroise qui est Quimpéroise. Sophie fait de l'impression sur papier, en sérigraphie et donc on va proposer des projets en commun et on va proposer l'été prochain un stage. C'est-à-dire que les stagiaires qui souhaiteraient venir vont faire sur une première partie de semaine la sérigraphie. Elles vont faire de A à Z le motif, l'impression sur tissu et ensuite la deuxième partie de semaine, on va nous leur apprendre à rebroder cette sérigraphie. »

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Aujourd’hui la mode, la mode et encore la mode avec Boubacar AG Midaye, styliste designer malien et fondateur de Mida Style. Ce jeune créateur n’a jamais renoncé à sa passion : la mode. Il propose des collections unisexe, d’inspiration Touareg, un design du nord du Mali sur des tissus du sud du pays afin de promouvoir la paix et d’unifier son pays. Cet autodidacte est porté par l’amour, l’originalité et la joie qu’il infuse dans ses collections.

Rediffusion de la chronique du 29 janvier 2023

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Aujourd’hui, 100% création est dédiée à l'univers mystérieux et fascinant de la parfumerie avec Amandine Clerc Marie. Pour cette parfumeuse, le métier est un subtil mélange de science, d'art, d'émotion et de transmission. Une passion qui ne s'épuise jamais, une quête constante de nouveautés, de sensations. Une manière de vivre, une façon d'apporter du bien-être aussi selon Amandine Clerc Marie.

Nous l'avons rencontrée lors de la Paris Design Week, dans la cour de l'hôtel de Sully, où elle a participé à la signature olfactive de l'installation « Folie olfactive », pensée pour influencer positivement les émotions. Une parenthèse bien-être parfumée à Paris pour Amandine Clerc Marie : « La création, c'est toute ma vie, parce que je crée des parfums, mais cela ne s'arrête pas là. C'est un état d'esprit, une manière de vivre. Cela ne s'arrête jamais. Je suis tout le temps en train de créer, que ce soit des parfums ou des ambiances chez moi, je ne peux pas m'en empêcher. Cela bouillonne à l'intérieur et cela ne s'arrête jamais. »

Parfumeuse principale chez DSM Firmenich, elle confie : « Parfumeur, avant tout, c'est traduire des histoires, des émotions en parfums. C'est se servir des matières premières qui sont à la disposition dans la palette du parfumeur pour provoquer des émotions et raconter des histoires olfactives. »

Née à Colombes, en région parisienne, Amandine Clerc Marie, après un baccalauréat scientifique, commence des études en médecine. Mais rapidement, son cœur la pousse vers un autre univers : celui du parfum. « C'est un domaine que je connaissais parce que ma maman travaillait chez Givaudan, une autre société de parfumerie. Elle n'était pas du tout parfumeuse, mais j'ai pu aller visiter les locaux et découvrir les labos de parfumerie. Là, j'ai compris qu'on pouvait créer des odeurs, les garder avec soi et les enfermer dans des petites bouteilles. J'ai trouvé cela magique. Depuis toute petite, je faisais des mixtures dans mon jardin, je mélange des pétales de fleurs, des épices, de la terre... Bref, j'ai toujours fait des mélanges et je me suis dit : "mais c'est un métier ". Cela a été une révélation », affirme-t-elle.

Pour Amandine Clerc Marie, la parfumerie est un art qui repose d'un côté sur la connaissance scientifique, avec la compréhension de la chimie des molécules, les techniques d'extraction, la stabilité des compositions, et de l'autre, la créativité, essentielle pour imaginer des fragrances uniques, évoquer des émotions et raconter des histoires. Amandine Clerc Marie maîtrise donc, avant tout, ses matières premières. « J'utilise des huiles essentielles comme la lavande, le patchouli, la rose, mais je suis obligée de travailler également avec des molécules. Les molécules, c'est ce qui va faire que le parfum dure dans le temps, la puissance, la modernité, le confort, tout le côté moderne. L'un ne marche sans l'autre. La recherche avance. Maintenant, nous avons accès à une nouvelle technologie chez DSM Firmenich qui s'appelle le Firgood. Cela nous permet d'extraire des matières premières naturelles comme la lavande ou la rose, comme avant, mais avec les méthodes traditionnelles d'extraction, on ne pouvait pas extraire les matériaux qui contenaient beaucoup d'eau, comme les fruits. Grâce à la technologie du Firgood, on arrive maintenant à avoir une essence de poire, de fraise et on peut même traiter les matières premières classiques de la parfumerie d'une manière différente, comme la vanille. Maintenant, nous avons une vanille Firgood qui nous amène des nouvelles facettes à la vanille. Cela nous permet aussi de faire parler les fleurs qui étaient dites ''muettes en parfum'', comme le muguet », explique-t-elle.

Pour la création d'une senteur, Amandine Clerc Marie pense, avant tout, à la formule : « Je n'ai pas forcément dans mon esprit la personne qui va porter le parfum. Ce serait trop réducteur. Je pense au parfum, à ses qualités techniques, aux volumes, au plaisir, à la puissance. Je suis, donc, vraiment axée sur mon parfum. Après, il trouve son public ou pas. Je pense vraiment le parfum d'une manière indépendante des personnes qui vont le porter. Je suis axée sur le côté technique, innovation, création, volume, diffusion et d'essayer de trouver toujours de nouvelles choses à dire, essayer de trouver de nouvelles associations. J'essaie, à chaque fois que je commence un projet ou un parfum, d'avoir une association inédite ou d'avoir un propos très fort, un accord très fort, olfactif. Ensuite, je travaille autour de l'esthétique, la diffusion. Mais je suis très centrée sur mon parfum. »

Amandine Clerc Marie commence souvent par des directives précises, pour définir l'univers, l'émotion ou le message à transmettre. La collaboration en équipe est essentielle pour affiner la composition, tester sa stabilité et l'ajuster, jusqu'à sa perfection. Le processus peut durer plusieurs mois, voire des années : « Il n'y a pas de règle. Cela peut commencer par un brief très classique, un brief marketing. On nous donne des images, ou cela peut aussi être uniquement travailler sur des associations inédites de matières premières jamais senties. Cela peut aussi être une rencontre, par exemple pour la marque Sisley. Madame d'Ornano m'avait fait envoyer un bouquet des roses de son jardin, et c'était le point de départ du projet. Il fallait recréer l'odeur de ces roses. C'est très varié. À partir du moment où je respecte les contraintes, parce qu'il y a des contraintes techniques, évidemment de couleur, de stabilité. Mais surtout des contraintes de conformité parce qu'on s'assure toujours que le parfum ne soit pas dangereux, évidemment. C'est mon cadre technique et à l'intérieur, j'ai une totale liberté. C'est au minimum deux ans pour créer un parfum. Le parfumeur, pendant ces deux ans, n'est pas seul. Il travaille en équipe. Nous sommes accompagnés d'évaluatrices, de commerciaux. Cela passe très vite, cela peut même être plus long quelques fois. Pour les parfums de niche, normalement, cela va plus vite. Mais pour les parfums où on nous demande des tests consommateurs, c'est au minimum deux ans. »

Quand Amandine Clerc Marie cherche à créer des compositions qui racontent une histoire, qui évoquent une atmosphère ou qui suscitent une émotion précise, elle doit, malgré la constitution de la formule, vérifier olfactivement le résultat. « C'est un métier de transmission, donc on apprend avec des maîtres parfumeurs et après, c'est selon ses goûts. On choisit ses matières premières préférées, mais il faut toujours essayer, parce que c'est très difficile de prévoir le résultat que vont donner les matières premières entre elles. C'est un métier empirique : on essaye, on fait peser la formule, après, on la sent. On ne peut pas se couper de ce côté empirique de la réalité. Quand on est parfumeur et qu'on commence à avoir de l'expérience, dans notre tête, évidemment, on imagine l'odeur de la formule qu'on est en train d'écrire, on le visualise dans notre tête. On essaie aussi de visualiser les volumes. Il y a plein de choses qui rentrent en jeu, mais on est obligé de vérifier olfactivement, de tremper la mouillette et de sentir, parce qu'il y a beaucoup de composés qui entrent en jeu dans la formule. Même si on essaye, tous, de faire des formules assez courtes, justement pour maîtriser les effets des matières premières, on ne peut jamais être sûr à 100% du résultat, même si avec l'expérience, on a de moins en moins de surprises. Mais c'est quelque chose qu'on est obligé de faire. »

La richesse du métier de parfumeur réside dans sa diversité. Pour Amandine Clerc Marie, il est important de se démarquer tout en restant cohérente avec l'identité de la marque ou du projet, à l'instar de l'installation de la Paris Design Week intitulée « Folie olfactive ».  « Pour créer ces parfums avec émotion, c'est un système, un outil informatique qui nous permet d'équilibrer notre formule, donc d'équilibrer les matières premières de manière à générer des émotions. Là, on est sur les émotions comme la sérénité et l'apaisement, ce sont vraiment des émotions positives. Et les neuroscientifiques ont constaté que selon l'équilibre qu'on mettait dans la formule, donc les dosages de matières premières entre elles, on arrivait à créer des émotions qui sont prouvées et qui sont analysées scientifiquement. L'idée, c'était de travailler l'équilibre de la formule, en plus des vertus très connues de certaines huiles essentielles. J'ai travaillé, dans ma formule, l'équilibre de mon parfum, les dosages de mes matières premières de manière à générer encore plus d'émotions de sérénité et de bien-être. »

Dans le métier de parfumeur, la maîtrise des techniques, la connaissance des matières premières, et la sensibilité olfactive se transmettent dans un processus de mentorat. Amandine Clerc Marie s'inscrit pleinement dans cette passation de connaissances et savoir-faire. « La transmission, pour moi, c'est essentiel parce que j'ai eu la chance d'avoir été formée par un maître parfumeur. Je considère qu'il est très important pour moi aussi de former les générations futures. C'est un métier, qui était à l'origine basé sur la transmission de père en fils, il s'est ouvert avec les écoles et donc c'est aussi à nous de garder ce côté transmission. On apprend les bases à l'école, mais après, il faut bien une dizaine d'années, après l'école, pour devenir parfumeur. Être accompagné, pour moi, c'est essentiel. Pour l'instant, j'ai eu une apprentie, nous sommes plusieurs à prendre des apprentis, on tourne comme cela, ils n'ont pas le même regard et le même apprentissage. C'est quelque chose qui se répète dans le temps. Je vais continuer » conclut-elle.

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Emmanuelle Jodan Adjovi est une créatrice de mode béninoise installée au Sénégal depuis 1996. Elle y a fondé sa maison de mode Emma Style. Passionnée, résiliente et engagée, elle a su transformer sa passion en entreprise florissante, créant ainsi des emplois. Elle est également active dans le coaching et l'accompagnement des femmes, notamment via le réseau « Fiers d'Elles », qu'elle a contribué à développer.

Le parcours d'Emmanuelle Jodan Adjovi est une déclaration d'amour à la mode, mais aussi un engagement pour l'émancipation des femmes africaines. Nous l'avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé. « C'est mon défouloir, mon exutoire. J'adore créer. J'adore créer des vêtements, vous voir, avoir envie de vous créer quelque chose en fonction de votre travail, de vos activités, quelque chose de pratique, et aussi les relations clients. Mais créer, cela m'apaise », nous dit-elle.

Elle nous explique la genèse de son projet : « J'ai lancé la marque parce que les gens me complimentaient sur ce que je portais. Alors je me suis dit ''comment je vais nommer la marque ?''. Étant du marketing, je trouvais qu'Emmanuelle Style, cela faisait très long. J'ai coupé Emmanuelle en Emma, donc, Emma Style. »

Née à Cotonou, au Bénin, Emmanuelle Jodan Adjovi a grandi et vécu son enfance en France. Elle suit tout d'abord des études en pharmacie avant d'être rattrapée par sa passion pour la mode. En 2006, cette autodidacte lance officiellement son atelier et sa marque Emma Style. Elle raconte : « J'avais 24 ans, j'ai commencé par le marketing et la communication. C'était génial. De plus, j'aime tout ce qui est métiers de contact. J'ai commencé ma carrière professionnelle par la communication et j'aimais m'habiller un peu différemment. J'aimais porter le tissu autrement parce que c'est simple. Les copines avec qui j'avais les mêmes goûts, nous nous retrouvions à avoir les mêmes hauts, c'était marrant. Suite aux compliments des gens que je rencontrais, je me suis dit ''tiens, pourquoi je ne lancerais pas ma marque de vêtements ?'', comme un jeu. J'ai travaillé comme déléguée médicale dans un laboratoire pharmaceutique au Sénégal, et quand j'ai décidé de me lancer, j'ai pris une disponibilité, puis j'ai créé ma société. Aujourd'hui, la maison de mode est toujours rue Carnot. Et avant, j'avais créé mon agence de communication. »

C'est au Sénégal, un pays qu'Emmanuelle Jodan Adjovi aime profondément, qu'elle trouve sa voie. Agence de communication, coaching, maison de mode... La créatrice béninoise lance également son édition du Emma Style Show. « Tout ce que j'ai appris dans la mode, je l'ai appris avec mes tailleurs. J'ai gardé mon agence de communication, les clientes que je rencontrais dans le cadre de mon travail faisaient des tenues chez moi. Au fur et à mesure, j'ai appris les codes de la mode. Après, j'ai lancé mon dîner de gala Emma Style Show parce que je voulais me faire connaître. Mais j'ai eu le syndrome de l'imposteur. Je me disais ''mais comment je vais venir dire que je suis styliste ? Les gens me connaissent déléguée médicale''. J'ai appris comment faire des collections, qu'il fallait avoir un fil conducteur. Au bout de la quatrième édition, les autres créateurs, dont Gilles Touré, qui était la personne qui m'inspirait le plus, ont voulu participer à cet événement. Puis, c'est devenu un dîner de gala international. Aujourd'hui, c'est un dîner caritatif, et chaque créateur vient montrer ce qu'il sait faire. Quand je me suis lancée dans la mode, je ne l'ai pas dit à mes parents. À la cinquième édition du Emma Style Show, le président Wade, en son temps, m'a reçu en audience et a été le parrain de l'événement. Là, j'ai invité mes parents. Et quand ils sont venus, vous imaginez tout le protocole. Mon père m'a dit "Tu fais quoi déjà au Sénégal ?". Il a vu tout le monde, un dîner de 350 personnes. Il a dit à ma mère ''Tu es sûre que ta fille fait de la couture et que cela rapporte ?''J'ai dit ''Mais papa, la mode c'est une entreprise". »

Née d'une envie d'habiller différemment, de casser les codes, de valoriser la culture africaine à travers des tissus comme le wax ou le pagne tissé, Emmanuelle Jodan Adjovi voit la mode comme un outil d'engagement social, à l'instar de la collection qu'elle a présentée au Yas Fimo228, placée sous le thème « La mode pour un monde sans cancer ». 

« Cela part un peu du noir et du doré, parce que la thématique du cancer, c'est quelque chose d'assez lourd. Et puis, cela passe à des couleurs un peu plus joyeuses et d'espoir pour dire ''oui, c'est vrai, cela existe, on va se sensibiliser, on va essayer de porter la voix à travers la mode pour cela''. Et la collection finit avec du rouge bordeaux, de la broderie. Aujourd'hui, ce qui fait la particularité d'Emma Style au Sénégal, c'est le mélange de cultures. Parce que j'ai décidé d'être sénégalaise. Mes enfants sont nés au Sénégal. Je pense que j'ai vécu la majorité de ma vie là-bas, même si on bouge beaucoup. Pouvoir mélanger toutes ces cultures pour pouvoir offrir une mode engagée. On a mis des cristaux pour donner cet éclat, parce que même malade, on reste une femme. On voit de beaux témoignages. Je me dis que cela donne espoir et c'est motivant », explique-t-elle. 

Pour Emmanuelle Jodan Adjovi, la mode et le textile sont des moyens d'expression. Elle incarne une femme africaine qui ose, innove, qui valorise ses talents et sa culture. Un message clair : tout est possible avec force et résilience.

« À Dakar, on m'appelle ''Madame tout est grâce'', parce que je dis tout le temps ''tout est grâce''. Je me dis que tout est opportunité, je pars de ma propre histoire. Aujourd'hui, j'ai plaisir à dire aux jeunes ou aux étrangers qui viennent au Sénégal que mes sociétés, je les ai créées avec mon passeport béninois. Il faut avoir la force d'y croire. On a eu à créer le réseau "Fiers d'elles" au Sénégal pour dire aux femmes qu'elles sont fortes. Ce n'est pas être féministe du tout, mais on est dans des environnements où la femme manque de confiance en elle, où elle fait des actions extraordinaires, mais elle ne le sait pas. Petit à petit, on va y arriver. C'est une manière d'impacter la génération montante et de dire "oui, tout n'est pas si noir". Dire aux autres femmes qu'être une femme de pouvoir, ce n'est pas d'avoir à jouer des coudes ou une promotion canapé. Nous rencontrons plein de dames qui sont de vraies success story. Elles vous racontent leur histoire, vous vous dites ''waouh !'', de la vendeuse de beignets à une petite couturière. C'est une de mes passions », s'exclame la femme d'affaires. 

La mode d'Emmanuelle Jodan Adjovi est un véritable outil de sensibilisation et d'engagement social. Elle ne se contente pas de créer des vêtements ; elle permet aux femmes de s'affirmer, de sortir de leur zone de confort. Elle explique : « J'ai appris dans la mode qu'il fallait avoir son empreinte. C'est en côtoyant les podiums que j'ai appris qu'il faut que, quand on voit une tenue, on sache que c'est du Emma Style. Je ne le savais pas, au début. Quand on voit une tenue Gilles Touré, on sait que c'est du Gilles Touré. Quand tu le travailles, cela se développe bien. Par exemple, on a une collection impératrice qui marche tellement que, des fois, je dis ''je ne veux plus faire des impératrices !''. Les clientes me disent ''on s'en fiche, on en veut'' ! En travaillant un peu le wax différemment, en le découpant différemment. Je réalise des tenues pratiques, des tenues de ville à 70%, des tenues pour le travail. Durant le Covid, c'était un peu compliqué. À un moment, on s'est dit qu'on allait fermer et les clientes me disaient ''non, nous on va soutenir la structure. On va faire des tenues''. Mais il y avait nulle part où aller. Vraiment je les remercie, c'est grâce à elles que nous avons tenu bon. »

La transmission des savoirs, notamment auprès des jeunes générations, est essentielle pour assurer la pérennité de cette industrie en pleine croissance. Emmanuelle Jodan Adjovi milite pour une meilleure structuration du secteur.

« Malheureusement, les PME et les TPE s'éteignent avec le créateur. Je pense à cela parce que il faudrait que cela puisse nous survivre. C'est une question que je travaille, j'essaie de renforcer les systèmes au niveau de la société pour que cela tourne sans moi et pouvoir gérer la transmission. J'aurais aimé que ma fille reprenne, mais apparemment, cela ne lui dit rien. Je voulais un business, mais faire de la mode, c'est une manière de se définir. Pour moi, développer l'industrie de la mode, c'est très important. Il faudrait que tout suive, parce que c'est un domaine pourvoyeur d'emplois. On a des gros chiffres, et aujourd'hui, je pense que c'est un domaine qui devrait être développé. Parce qu'aujourd'hui, entre mes trois sociétés, je pense que la maison de mode, c'est ma vache à lait. Et quand ça ne va pas bien là-bas, je le sens tout de suite. Nous devrions encourager les jeunes vers ce métier, mais en se structurant. Je suis dans le collectif des designers sénégalais, je suis la vice-présidente. Je suis vice-présidente de l'association des Fashion Week africaines avec Jacques Logoh. Nous faisons la promotion des métiers de la mode en disant "'c'est une entreprise". Quand les jeunes rentrent dans la mode, ils doivent savoir que c'est une entreprise et qu'il faut la gérer avec le cash-flow, le chiffre d'affaires, tout ce qui va avec. Et dès qu'on en en pris conscience, cela change la donne », raconte la créatrice. 

Pour assurer la pérennité et la croissance de ses projets, Emmanuelle Jodan Adjovi mise sur une communication efficace auprès de son réseau et des réseaux sociaux. « Internet aide beaucoup, même si moi, je dis souvent je suis de l'âge de la pierre, donc j'ai eu du mal à démarrer sur internet et les réseaux sociaux. L'erreur que j'avais commise au lancement d'Emma Style à Dakar, c'était que beaucoup de femmes ne portaient pas le wax. Et quand j'ai commencé à proposer mes offres, la clientèle venait à moi. J'étais bloquée au moins sur quatre mois. J'étais sur mes acquis. Aujourd'hui, nous sommes à l'ère où Beyoncé, les stars américaines portent du pagne et du coup, tout va très vite. Et il y a plein de jeunes qui se sont lancés dedans. Il m'a fallu réinventer la stratégie, se réinventer et aussi réinventer l'approche client. Aujourd'hui, l'approche, c'est d'aller vers la cliente, faire des collections, car ma clientèle a mûri avec moi, parce que cela fait 25 ans. Maintenant, il faut créer pour les jeunes, donc, les filles de mes clientes », déclare-t-elle. 

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Le salon du made in France aura lieu, à Paris, du 6 au 9 novembre prochain. Cette 13ᵉ édition du MIF Expo célèbre la fabrication française. Une belle occasion de découvrir un homme qui incarne la tradition bretonne et le savoir-faire français : François Le Goff, propriétaire de la faïencerie Henriot. Nous avons visité cette Faïencerie installée à Quimper depuis un tiers de millénaire avec son bol emblématique breton au prénom du destinataire. 

François Le Goff nous raconte comment derrière chaque objet fait main, il y a une histoire, une passion, une tradition. Son parcours témoigne d’un attachement profond à ses racines bretonnes, aux techniques artisanales, et à la transmission de ce savoir-faire aux générations futures. « Tout est fait dans un même bâtiment. Nous n’avons rien d'autre à l'extérieur. Le stockage et la transformation de la matière première pour faire ce que nous fabriquons. Nous façonnons tout. On sèche, cuit, stocke le produit fini et on le vend dans notre magasin d'usine qui est au même endroit », détaille François Le Goff, directeur et propriétaire de la faïencerie Henriot. 

« Les trois grands postes : la terre, les émaux et les pigments de couleur, parce que la terre, nous sommes obligés de l'acheter à l'extérieur parce que nous sommes en plein centre-ville. Historiquement, c'est ici que la faïence a commencé. Les bâtiments extérieurement sont tous un peu différents au niveau de la structure parce qu’ils ont été construits au fur et à mesure. La faïencerie s'est agrandie dans l'enclave du bâtiment, ils ont rajouté des bâtiments successifs et nous avons six bâtiments de styles différents, parce que c'est au fur et à mesure qu'ils aménageaient un bâtiment, plus un bâtiment, plus un bâtiment. », décrit François Le Goff

Né à Paris, mais Breton d’origine, François Le Goff a vécu toute son enfance à Nantes. Cet ingénieur, en 2011, décide de racheter la faïencerie Henriot, alors en liquidation.  « C'est quand même bizarre qu'un fleuron de fabrication française s'arrête, c'était dommage et donc nous avons fait une proposition et nous étions les seuls à proposer de continuer l'activité en France. Nous étions, peut-être, un peu naïfs parce que nous n’étions pas du tout du milieu. Je suis de formation ingénieur en électronique, donc rien à voir avec la faïence, rien à voir avec la technique de la faïence. Mais par contre, à partir du moment où on s'intéresse au fonctionnement et qu'on met les mains dedans, ça reste un procédé de fabrication ancestral. Nous n’avons pas des machines ultra-sophistiquées, nous sommes sur des tours qui ont une cinquantaine ou centaines d'années. Cela reste de la mécanique pure. En réfléchissant pour essayer de comprendre comment à l'époque les gens avaient conçu ces machines-là, on arrive à les entretenir, les réparer et potentiellement améliorer quelques systèmes pour que cela fonctionne aujourd'hui. »

La démarche de François Le Goff est motivée par un attachement sentimental, mais aussi par la volonté de préserver un patrimoine régional et national. « Mes parents sont bretons à l'origine, mes grands-parents également. Nous venions en maison de vacances, il y avait du Henriot chez nous parce que, en gros, tout Breton a forcément dans sa maison quelque chose en Henriot. Avant les années 2000, on avait besoin d'une assiette, d'un bol, c'était forcément du Henriot parce qu'il n'y avait pas Internet. On ne faisait pas 50 kilomètres pour aller visiter une fabrique de faïence ou autre chose. Cela a vraiment changé. C’est à partir des années 2000, qu’il y a eu le déclin de la faïence, parce que les gens pouvaient acheter à distance. Ils ont pu se rendre compte qu'il y avait d'autres formes, d'autres choses qui se faisaient, la diversité de l'offre fait que, forcément, les Bretons se sont inspirés et sont allés chercher des pièces ailleurs. Ce qui est logique. Et inversement. Et c'est pour ça qu'on a des commandes qui viennent des États-Unis, d'Australie, de Nouvelle-Zélande, parce que les Français expatriés là-bas veulent ramener un petit bout de leur patrimoine."

La faïencerie Henriot avec ses 335 ans d’existence fait partie des dix plus anciennes entreprises de France, elle a su traverser les siècles en conservant ses méthodes de fabrication. Installée en plein cœur de Quimper, ses ateliers sont remplis d’un savoir-faire notamment dans la maîtrise des formes et la décoration à la main, comme celui de son bol iconique en céramique blanche au motif folklorique et prénom du destinataire. Un souvenir incontournable de la Bretagne. « Le bol, il y en a partout ! Mais, il faut bien différencier le bol qui est 100 % fabriqué à Quimper, à la main, du bol fabriqué à la chaîne à la fois en Chine, au Portugal et même maintenant en France. Il y a des usines qui se sont implantées en France parce que les coûts de transport et la main d'œuvre à l'étranger sont devenus plus cher. C'est très bien qu'il y ait une demande. Le seul souci, c'est que nous, ce qui nous dérange le plus, c'est quand les gens pensent acheter du Henriot, donc du fait main, du personnalisé et faire vraiment tourner l'artisanat local et que finalement, ils achètent un bol qui vient d'une usine où l'humain est très peu présent et au final tout le monde a le même bol. Il y a des gens qui venaient pour acheter un bol en pensant l'acheter 10 € qui finalement l'achètent à 50 parce qu'ils ont compris. Ils voient qu'il y a l'usine qui est à Quimper qui se visite alors que les autres usines ne se visitent pas. Faire des visites, des ateliers, montre bien que tout est fabriqué ici et à la main. Nous leur expliquons qu’au lieu d'en acheter quatre, peut-être en acheter un neutre à utiliser au quotidien, mais il ne sera pas personnalisé parce qu'on préfère en acheter un seul plutôt que quatre ‘touristiques. »

Fondée il y a plus de trois siècles, à Quimper, en Bretagne, la faïencerie Henriot incarne longévité et résilience, symbole de l’excellence artisanale et de l’identité culturelle de la région. « Dans un monde où on robotise tout et on automatise tout, garder le style ancien et la façon de fabriquer à l'ancienne, c'est ça qui est le plus difficile aujourd'hui et c'est pour cela que nous nous battons. On fabrique aujourd'hui en 2025, comme les gens fabriquaient dans les années 1800, à part le Tour qu'on a automatisé avec un moteur pour qu'il tourne plus facilement, au lieu de pédaler comme ils le faisaient avant. Aujourd'hui, on a un moteur qui le fait, mais c'est la seule chose qu'on ait faite pour simplifier le travail. Sinon, tout est de la mécanique, pure et dure. Le leitmotiv d'Henriot, c'est de tout faire à la main, à la fois la fabrication des formes, c'est-à-dire qu'on est propriétaire de l'ensemble de nos formes, des choses que l'on fabrique, des dessins. Tout appartient à Henriot, donc c'est pour cela que nous sommes capables, 20 ans ou 30 ans après, de continuer à faire les mêmes formes, les mêmes décors, étant donné qu'on a tout cela est en stock. »

Aujourd’hui, la faïencerie Henriot compte neuf salariés, mais leur savoir-faire est précieux. La décoration, par exemple, est réalisée par des artisans qui ont plus de 20 ans d’expérience. « Sans décoration, Henriot n'est rien. C'est-à-dire qu'on a des formes, mais les formes, on peut en trouver un peu à droite à gauche. Le procédé d'émaillage, ça se fait habituellement pour des assiettes blanches qu'on peut trouver. Par contre, pour nous aujourd'hui, la force d'Henriot, c'est le décor peint main. Sur les neuf personnes, il y en a cinq qui sont dédiées à la peinture. C'est le poste important d'Henriot et ce sont les personnes qui ont toutes 20 à 25 ans d'ancienneté afin de pouvoir garantir les décors sur 20/30 ans. Et quand on a une demande particulière pour un bateau ou une personnalisation particulière, on ne se pose pas la question de savoir est-ce qu'on va réussir à le faire ? Nous savons qu'avec ces personnes et leur savoir-faire, on sait qu'elles vont être capables de dessiner du premier coup quelque chose de parfait. »

Le plus difficile pour François Le Goff c’est le maintien des outils de production de la faïencerie Henriot. « On utilise des machines de 1960, les fours sont de 1984. Il faut maintenir en état les fours d'époque parce qu'ils avaient une technicité, une forme et un fonctionnement qui étaient très intelligentes, à l’époque, comme les fours navettes. C'est le four qui se déplace au-dessus des pièces avant cuisson. L’avantage, c'est qu'on pouvait déplacer le four, du coup, on était capable de cuire le soir et de charger le lendemain à un autre endroit. À l'époque où il y avait énormément de demandes, cela permettait avec un seul four d'avoir une cuisson tous les soirs parce qu'il fallait normalement laisser un peu de temps pour refroidir. Aujourd'hui, il y a très peu de faïencerie qui aurait l'utilité d'avoir ces fours-là, mais nous, on a du matériel qui nous reste d'une usine qui avait 250 personnes à la décoration et à la fabrication. Nous gardons de vieilles machines qui gardent nos formes et on essaie de les faire fonctionner de la meilleure façon, comme quand elles fonctionnaient il y a cinquante ans. »

La fabrication d’objets personnalisés ou sur-mesure permet aussi de répondre aux demandes actuelles tout en respectant la tradition, selon François Le Goff. « Nous avons une clientèle fidèle et nous avons créé "une gamme naissance" à la demande de notre clientèle se plaignant de ne pas avoir d'idées de cadeau à chaque naissance. Au final, les gens ne se posent plus la question. Il y a une naissance, ils passent, ils nous appellent à la boutique, ou bien, ils passent commande sur le site internet, ils font livrer directement chez la personne. Nous mettons une petite carte qui indique la personne qui a offert la vaisselle avec le petit message et, au final, c'est quelque chose de personnalisé, un peu comme le bol que les gens vont pouvoir garder tout le temps. »

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Aujourd’hui, nous vous emmenons à la rencontre d’une femme passionnée, Jacquie Atandji, créatrice togolaise. Son travail incarne la richesse de l’artisanat africain. Bijoux, accessoires et vêtements à travers ses créations, elle veut contribuer à moderniser la mode africaine tout en valorisant son histoire. Son parcours voit la beauté dans la tradition, tout en la rendant moderne et accessible à tous. 

Nous l’avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé, un évènement mode organisé par Jacques Logoh. 

C'est une bouffée d'oxygène, une thérapie. La création, je crois que cela prend tout mon temps, enfin 90% de mon temps. Mais comme c'est une passion, je n'ai pas l'impression de travailler. Cela fait partie de moi, je ne me pose pas de questions !

Jacquie Atandji, fondatrice de Jacquie Créations. 

Je me lève, je me mets au travail. Ce que j'ai rêvé la nuit, j'essaye de le créer ou ce à quoi j'ai pensé dans la semaine ou la veille parce que j'ai vu une forme ou une couleur, ou j'ai vu passer quelqu'un qui a un joli tissu. Enfin, j'essaie de mettre mes inspirations en forme.

Jacquie Atandji est une créatrice togolaise reconnue pour ses bijoux et accessoires en matériaux locaux. Autodidacte, elle a lancé sa marque dans les années 2000. D’abord en façonnant des bijoux, puis des sacs, des vêtements et enfin des objets de décoration intérieure. Elle combine son amour de l’artisanat africain et sa vision contemporaine de la mode. Son parcours est marqué par une détermination sans faille qui incarne la force créative de l’Afrique. Ses collections sont dédiées à ses matières préférées.

« Je voulais montrer la diversité des tissus qui se trouvent en Afrique en passant par le tissé main, le batik en passant par des tissus plus soyeux, plus luxueux, rajouter une touche de maroquinerie et de bijoux. Il faut que je montre ce que je fais avec la matière qu'on trouve en Afrique, parce qu'on a vraiment de belles matières premières pour la création. J'aime toutes les matières que j'utilise. Je n'aime pas les matières synthétiques. Ma préférence va aux tissés main de différents pays où je vais. Donc, je travaille pas mal les tissés. Mais j'aime aussi le cuir pour le côté luxueux que cela donne aux créations de sacs et de pochettes que je propose. J'aime aussi le bronze parce que je trouve qu'on peut le travailler, le moduler comme on veut. Ce sont mes trois matières de prédilection », souligne-t-elle. 

Jacquie Atandji a commencé son aventure dans un contexte où la mode africaine était encore perçue comme traditionnelle ou peu adaptée à la vie moderne. Elle a su faire évoluer cette perception en créant des bijoux, sacs et vêtements ainsi que des objets de décoration intérieure qui mêlent savoir-faire ancestral et design contemporain.

« Cela s'est fait naturellement parce qu'au début, quand je faisais les bijoux, j'avais toujours des pantalons en wax et j'avais toujours des bouts de tissus qui traînaient. Je ne savais pas quoi en faire, mais je ne voulais pas jeter. À l'époque, j'étais très économe et donc je gardais tous les morceaux. Quand j'ai ouvert ma boutique, j'ai commencé à faire les premiers accessoires en wax parce que j'avais des restants de mes vêtements. Évidemment, au Togo, le wax se porte coupé à la madame et tout le monde me disait : "Qui va acheter ?" Mes amies me disaient : "Jacquie, on veut bien te soutenir, on va acheter des bijoux, mais on ne va pas acheter des sacs et des pochettes en wax." Curieusement, les Occidentales venaient acheter mes sacs en wax, pas les Togolais au départ. Maintenant, cela a changé. Tout le monde porte le wax ! Tout le monde le porte de toutes les façons possibles. Et je pense que c'est aussi parce que nous avons modernisé la façon de couper, de coudre et de le porter. Avant, cela se portait en jupe pagne, plus le haut, plus le troisième pagne que tu mets par-dessus. Maintenant, en wax, il y a des combinaisons, jupes, pantalons, des vêtements modernes, contemporains », explique-t-elle.

Son processus créatif est spontané. Jacquie Atandji s’inspire de ses balades sur les marchés, des couleurs, des formes, et de ses voyages, d’une silhouette qui passe. « Je peux très bien tomber sur de la matière première qui me plaît par la forme, la couleur, et puis j'achète. Je me dis : "Ah, tiens, ça, je peux en faire quelque chose." Quelquefois, c'est juste une odeur ou une balade dans un marché qui m’inspire. J'imagine quelque chose que je dessine à l'avance et je sais ce que je veux faire. Mais souvent, je change d'avis en cours de création parce que je peux commencer, donner une autre forme, surtout pour les bijoux. Finalement, je me retrouve avec cinq modèles différents qui deviennent tous des pièces uniques, alors que je voulais faire un collier et la même chose pour les vêtements. Je pars sur une idée et puis, parfois, je pars, je finalise presque et puis à l'atelier, je le change. Imaginez quelque chose, vous rêvez de quelque chose et arrivez à vraiment le créer de mes mains. Entre le dessin, ce que j'ai imaginé, quand cela prend forme, c'est l'aspect qui me plaît le plus. Je pourrais créer tous les jours, tous les jours et ne pas vendre ce que je crée, mais je ne pourrais pas vivre sans créer. C'est le côté créatif qui me plait le plus. »

Jacquie Atandji implique dans sa démarche des artisans locaux, valorisant des matières comme le wax, le cuir, le bronze, et le bois, pour donner vie à ses collections. « Oui, je travaille avec des artisans. Pour les bijoux, j'y intègre beaucoup de matières, par exemple de la corde, de l'os, du bois et bien d’autres matières. Pour cela, j'ai deux ébénistes qui travaillent pour la marque quasiment à temps plein et qui font toutes les formes de pièces que je pourrais imaginer et que j'intègre dans mes bijoux. Pareil pour le bronze, il y a des formes que je fais faire, donc il y a une dizaine d'artisans qui travaillent pour la marque et ils sont choisis comme d'habitude, cela passe par le coup de cœur. Après, on voit si professionnellement la personne a la technique. Nous avançons ensemble et la plupart sont avec la marque depuis le début. C'est toujours les mêmes. On va dire qu'on s'accompagne mutuellement depuis le départ. »

Du travail, de la discipline et de la transmission des savoir-faire. Malgré les défis financiers, le succès a souri à Jacquie Atandji. « Les gens pensent que c'est très facile de se lever et de créer ! En fait, non. Si on veut le succès, il faut travailler dur. Le succès, ce n’est pas le loto ! J'aimerais bien que les gens comprennent qu'il faut se lever tous les jours, même si on n'est pas en forme, même si ça va mal et se mettre au travail. Il n'y a que comme cela qu'on évolue, qu'on est autonome, qu'on peut faire progresser l'Afrique. Mon métier exige beaucoup de discipline et de sacrifices. Financièrement, au départ, c'était très difficile, démarrer quelque chose avec des fonds, pour cela, il faut faire des économies. Moi, j'ai commencé avec moins de 300€, mais c'était beaucoup d'argent à l'époque. Pourtant, entre la construction du local pour présenter mes bijoux et les produits, les pièces à créer, c'était très difficile. Il y a toujours beaucoup de contraintes, mais quand on aime, rien n'est difficile. »

Consciente que préserver ces métiers manuels est essentiel pour l’avenir de l’artisanat africain, Jacquie Atandji transmet ses techniques à son équipe. « Faire des bijoux, c'est très manuel et très physique. Au début, j'avais quelques filles qui venaient travailler avec moi pour apprendre un peu, mais elles sont toutes parties parce que c'est trop difficile pour le dos, les reins, c’est physique. Je comprends, mais dans la vie, rien n'est simple, rien n'est facile. Maintenant, je transmets mon savoir, ce que je sais puisqu'on fait un mix entre beaucoup de choses. Je transmets à des ouvrières qui ont déjà une base, à qui j’explique le travail, les finitions, les techniques, les petites astuces pour réaliser mes créations. Les chefs d'atelier restent même si quelques ouvrières et ouvriers quittent le nid. À leur tour, ils font et retransmettent à d'autres ou créent leur propre atelier. »

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