Crónica Cultural

En medio del océano Índico, la Isla de La Reunión —territorio francés de herencia criolla— se convierte en un punto de encuentro entre tradición y modernidad con el festival ElectroTropicales, una celebración que reúne lo mejor de la música electrónica y los sonidos ancestrales del Maloya, patrimonio cultural inmaterial de la UNESCO.

Este evento internacional ubicado en los bordes del mar propone una reflexión cultural : sobre cómo se puede reinventar la música tradicional mestiza. 

Uno de los artistas que encarna esta fusión es Aleksand Saya, músico que inventó su propio género  "M-BASS".  Como lo explicó a RFI “La ‘M’ es por Maloya, la música tradicional. Empecé con el hip-hop y el sound system, influenciado por modelos estadounidenses y jamaicanos. Pero un día me di cuenta de que conocía más sobre las músicas extranjeras que sobre la de mi propia isla: el Maloya y el Sega. Entonces me hice una pregunta fundamental: ¿cómo reconectar con mi cultura criolla, esa que de alguna manera me fue arrebatada?”. 

Esa búsqueda personal lo llevó a experimentar con los ritmos del océano Índico, combinándolos con las posibilidades tecnológicas de la música electrónica.

Su proyecto propone es el uso  de instrumentos tradicionales. Aleksand Saya reinterpreta el bob o Bobre, un instrumento que originalmente se fabricaba con calabaza, utilizando una lata metálica como caja de resonancia. 

“Aquí se dice que los espíritus hablan a través del bob. Y con una lata la amplitud de los ancestros es aún más fuerte”, explica que le permite samplear el sonido del instrumento en vivo, añadir efectos y crear nuevas texturas, sin perder el vínculo espiritual y simbólico con sus raíces. 

El festival ElectroTropicales pone en escena esta fusión cultural asi como 25 grandes nombres de la escena electro-pop francesa, como Kompromat, Nyna Curtis y Théodora.

La organización de solidaridad internacional Tierra Solidaria anunció en París a los ganadores de su concurso de fotografía. Entre los premiados se encuentra el colombiano Federico Ríos Escobar, por un fotorreportaje sobre los migrantes en la selva de Darién.

Federico Ríos Escobar lleva años documentando las migraciones entre Colombia y Panamá, por la inhóspita selva del Darién. Estas fotos fueron premiadas en 2023 en el prestigioso Festival de Fotoperiodismo “Visa pour l’image”, en Perpiñán (Francia). Pero Ríos Escobar ha seguido plasmando a los migrantes. Sus imágenes recibieron el vierne en París el premio de la ONG CCFD-Terre Solidaire y son un testimonio de los cambios recientes en las rutas migratorias.

“Lo que ha sucedido en los meses más recientes, después de la posesión de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos, es que no hay más personas viajando hacia el norte. Algunas personas incluso están viajando hacia el sur desde Centroamérica o desde Estados Unidos: Están regresándose, huyendo del miedo de ser separados de sus familias”, aseveró Federico Ríos Escobar.

El fotógrafo colombiano estuvo esta semana en París, recibiendo el premio y presentando sus fotos más recientes, siempre dedicadas a los migrantes en la región inhóspita y peligrosa del Darién.

“Las fotos que hice en los años más recientes dan muestra de la continuidad de las crisis alrededor del mundo. Más de 100 nacionalidades atravesaron la selva del Darién en los últimos cuatro años. Yo creo que eso lo que muestra es cómo hay tantas personas que están sufriendo injusticias y sobre todo, hambre”, agregó.

Federico Ríos Escobar contó a RFI que las modalidades de la migración también han cambiado. Los migrantes, “ya no viajan a través de la selva. La forma de regresar es usando unos botes que el gobierno panameño ha autorizado desde Colón, en el Caribe, hasta La Miel, cerca de Puerto Obaldía, también en el Caribe, y de ahí hacen un transbordo para llegar a Colombia. Entonces, pues cambia el escenario geográfico, hay un montón de presiones políticas también y de presiones de grupos criminales que se lucran de la migración. Pero para mí, lo más importante sigue siendo poner el foco en estas personas que están decidiendo moverse de un país a otro, buscando su bienestar y buscando unos mínimos de vida que deberían estar garantizados para todos”.

Las fotos de Ríos Escobar captaron las enormes dificultades y peligros a los que se enfrentan los migrantes: ríos, lodo, cansancio. Sin embargo, incluso en esas situaciones extremas, hay solidaridad y humanidad.

“Hay una foto de noviembre del año pasado, que es este hombre. Le apodaron Rambo porque el chico que tiene en sus hombros no es su hijo. Rambo era un hombre joven y fuerte, migrando solo. Y Rambo lo que hacía era correr hacia adelante y hacia atrás cargando niños, llevándolos de un lugar a otro, poniéndolos siempre en lugares seguros en donde ellos pudieran esperar a sus familias. Esto para mí muestra cómo incluso en las condiciones más difíciles había individuos como entregando toda su solidaridad. Rambo no tenía nada más que compartir que su fuerza y estaba compartiéndola, ayudando a otras personas y a otras familias. Y para mí es como una enseñanza muy grande de la humanidad”, dijo.

Los trabajos de la fotógrafa española Lys Arango en Guatemala y el brasileño Lalo de Almeida en la selva amazónica, también fueron premiados por CCFD-Terre Solidaire.

La cinta boliviana “La hija cóndor” se alzó el jueves con la estatuilla para la Mejor película. Esta película cautivó al jurado y al público de Biarritz con una historia de mujeres que viven al pie de los Andes, entre tradición y deseos de modernidad.

El premio más importante del Festival de Biarritz, El Abrazo a la Mejor película fue para la imponente cinta boliviana “La hija cóndor”, de Álvaro Olmos Torrico. Un largometraje filmado en el corazón de la región de los Valles, al pie de los Andes. Sus protagonistas son una madre y una hija adoptiva de habla quechua, que deben encontrar un equilibrio entre tradición y deseos de modernidad.

“Para mí es un orgullo enorme ser un cineasta boliviano que muestra que muestra su país al mundo. Lo hago con mucho cariño, tanto por lo que amo hacer, que es hacer películas, como por mi gente, mi tierra, por mi cultura y mi continente”, declaró emocionado el cochabambino Olmos Torrico, luego de recibir el galardón.

“La hija cóndor” se filmó en los Valles, en Bolivia, region que Alvaro Olmos Torrijo conoce bien. Trabajó durante varios meses con las comunidades indígenas, para contar esta historia sobre una madre, Ana, quien se ocupa de recibir a los bebés de su comunidad, y su hija adoptiva, Clara, aprendiz de partera, pero que sueña con mudarse a la ciudad para tener una carrera como cantante.

Durante la semana en Biarritz se destacó la presencia de esta película venida de Bolivia, un país que ha tenido poca representación en el certamen en los últimos años.

Otro país que estuvo muy presente fue República Dominicana con “Bajo el mismo sol”, de Ulises Porra, cinta que se llevó los premios de la crítica, de los habitantes de Biarritz y el Jurado. Se trata de una impresionante película de época sobre un heredero español que intenta fundar una fábrica de seda en la isla caribeña.

El premio estudiantil fue para "Si vas para Chile" de Sebastián González, documental que explora el tema complejo de la inmigración venezolana hacia territorio chileno.

Por su parte, el director de cine francés, Claude Lelouch, estuvo presente en la ceremonia de premios junto a estudiantes de cine para entregar el primer premio de la sección de cortometrajes filmados con teléfonos celulares, galardón que se fue a manos de “La bestia” del también boliviano Alejandro Cervantes.

La actriz y directora argentina Dolores Fonzi subió al escenario para recibir el premio del público por “Belén”, película que reconstituye un caso emblemático que tuvo lugar en Tucumán, en 2014, y que desencadenó una multitudinaria protesta feminista. La cinta cuenta la defensa del caso por la abogada Soledad Deza, interpretada por la propia Dolores Fonzi, quien logró que la justicia argentina reevaluara el caso y pusiera a Belén en libertad.

El Festival de Biarritz cerrará el viernes por la noche con  la proyección del musical "La Ola" del chileno Sebastián Lelio.

El afamado director de cine francés estuvo en el Festival de Biarritz apadrinando una sección de cortometrajes hechos con celulares. Ante los micrófonos de RFI, Claude Lelouch hizo una ardiente defensa del cine como arte popular, y de las nuevas tecnologías como una herramienta de democratización del arte.

Su sola presencia es de por sí todo un evento. A sus 87 años el reconocido director de cine francés Claude Lelouch sigue explorando las posibilidades del cine. En su repertorio, más de 60 cintas, muchas de las cuales se han convertido en películas de culto, como su inolvidable Un hombre y una mujer (1966), que le valió la Palma de Oro en Cannes, y los Oscar a la Mejor película de habla no inglesa y el Mejor guion. 

Pero también es el fundador de “Les Ateliers du cinéma”, una academia de escritura y de concepción cinematográfica en la ciudad de Beaune.

Lelouch aceptó ser el padrino de una nueva sección de películas filmadas con celulares, inaugurada este año en el Festival Biarritz América Latina.

RFI: ¿Qué siente al estar en un festival de cine latinoamericano? ¿Le interesa el cine de América Latina?

Claude Lelouch: Primero que todo, me gustan todos los festivales. Es el lugar donde se aprende a amar el cine, todos los cines, y todos los cines son formidables cuando hablan de temas que conocen. A mí me gustan todas las cinematografías del mundo cuando hablan de su propio país. Me encanta Fellini cuando habla de Italia, me encanta Claude Lelouch cuando habla de Francia… Y me encantan todos los cineastas que hablan de temas que conocen. Si queremos aprender sobre México, si queremos aprender sobre Brasil, si queremos aprender sobre Colombia, hay que ver las películas de estos cineastas, que son los que nos dan ganas de viajar e ir a visitarlos.

Tuve la suerte de ir a menudo a América Latina, sobre todo a Brasil, donde con mi amigo Pierre Barouh creamos la Samba Saravah de Un hombre y una mujer (1966), le tengo un cariño loco. Siento un cariño loco por sus maravillosos países.

RFI: Usted aceptó patrocinar esta sección de cortometrajes hechos con teléfono móvil. ¿Le gusta esta nueva forma de hacer cine?

C.L. He soñado con una cámara así toda mi vida. Yo comencé con una cámara de 8mm. Luego pasamos a 16, a 35, a 70. Las cámaras se volvieron muy pesadas y costaban muchísimo dinero.

Hoy en día, hay 8 mil millones de personas filmando en la Tierra. Hay 8 mil millones de personas a las que hay que enseñar a filmar.

Las cámaras de celular permitirán descubrir a los apasionados del cine que andan por la calle. Los grandes cineastas del mañana no están necesariamente en las escuelas de cine. El cine es un arte popular, muy sencillo, que llega al mayor número de personas. Los celulares harán que descubramos cineastas que nunca habríamos podido descubrir. Hoy en día, con una pequeña cámara y 3 o 4 amigos, se puede hacer una película que no cuesta nada.

RFI: ¿Puede cualquiera convertirse en cineasta solo por tener un teléfono móvil?

C.L.: No, todo el mundo escribe y no todo el mundo es Victor Hugo. Siempre habrá gente que filme mejor que los otros. A esa gente hay que encontrarla. ¿Dónde están los cineastas hoy? Pues en las redes sociales. Allí hay películas absolutamente increíbles, hechos por aficionados. Es alucinante. Eso despierta la imaginación. La restricción estimula la imaginación. Nunca, nunca, nunca hay que rechazar la modernidad. Ella siempre tiene razón. Siempre habrá “nouvelles vagues” mientras haya nuevas invenciones. 

RFI: ¿Ha trabajado alguna vez con la cámara de un teléfono móvil?

C.L.: Pero, por supuesto, no solo trabajé, sino que hice un largometraje que se llama La virtud de lo imponderable con mis alumnos de “Les Ateliers”, en Beaune. Quise mostrarles que se podía hacer un largometraje con una cámara de móvil. Así que, si estoy aquí, es para dar ganas a todos los que aman el cine de atreverse. Antes, el cine estaba reservado para los ricos. Pero hoy, el cine es de todos.

Es divertido ver las posibilidades del cine, que son cada vez más increíbles. Con las nuevas tecnologías, se pueden hacer películas que antes no se podían hacer. Esta progresión hará que filmemos cada vez mejor la risa, las lágrimas o la piel de gallina, que es la crema y nata del cine.

RFI: ¿Hacer cine con celulares es una revolución para usted?

C.L.: Es más que una pequeña revolución. Y tampoco hay que olvidar que existe la inteligencia artificial. Eso también es todo un viaje. Es algo absolutamente increíble. Lo que me sorprende es que sea un viejo idiota como yo el que se interese por estas cosas nuevas. Me gustaría mucho que los jóvenes se interesaran por esto. Porque ellos sueñan con cámaras grandes, sillones con su nombre en la espalda y grandes reflectores. No, eso no es el cine hoy en día. Ya no se necesita todo eso. Si quieres hacer reír o llorar a la gente, o ponerles la carne de gallina, es muy fácil.

El festival internacional de teatro de Aviñón alzó el telón de su edición número 79, celebrando la creación artística en lengua árabe de ayer y de hoy. RFI entrevistó su director, Tiago Rodrigues, quien explicó las implicaciones artísticas, pero también políticas, de la elección de está lengua para la cita. 

El Festival de Aviñón prosigue su exploración de las culturas del mundo, esta vez poniendo de relieve las artes escénicas en lengua árabe. Este año, la programación del festival incluye una docena de espectáculos en esta lengua milenaria. El dramaturgo portugués Tiago Rodrigues es el director del Festival de Aviñón.

Tiago Rodrigues, director del Festival de Aviñón: "La lengua árabe es la quinta lengua más hablada en el mundo, de una enorme riqueza patrimonial, pero también de una enorme diversidad contemporánea. Es una lengua que es practicada por gente de todas las convicciones, confesiones y sobre todo la lengua de muchos artistas.

Teníamos ganas de compartir con el público de Aviñón este año la lengua árabe, que también es la segunda más hablada en Francia. Mucho de nuestro público está más cerca de sí mismo y de su historia. Hay ese doble viaje. Hay público que viene para descubrir lo que está lejos y hay público que viene a descubrir la lengua árabe porque está cerca de su historia". 

María Carolina Piña, RFI: Me imagino que no es una coincidencia esa escogencia del árabe en este contexto político pesado en el que se desarrolla el festival de Aviñón este año. Hay artistas de Palestina, de Marruecos, de Egipto. El festival es una fiesta de las artes escénicas, pero también que dice algo de nuestro momento actual. 

Tiago Rodrigues, director del Festival de Aviñón: "El festival de Aviñón tiene una responsabilidad histórica desde 1947 de hacer lo que hacemos muy bien en teatro desde los griegos: compartir la belleza, la poesía de la invención artística, con una implicación con los problemas del mundo, las injusticias del mundo".

Es nuestra ambición hablar del mundo compartiendo belleza, pero jamás ciegos a los problemas e injusticias del mundo. 

"Es nuestra ambición todavía hoy. Hablar del mundo compartiendo belleza, con placer también, pero jamás ciegos a los problemas y las injusticias del mundo. Nos moviliza la injusticia de las masacres en Gaza, porque es una violación de los derechos humanos y del Derecho internacional.

Pero también estamos comprometidos con hablar de eso en un espacio de diálogo, con escucha, donde no tengamos que sufrir, ser víctimas del extremismo ciego que prefiere el odio y no puede dialogar. Queremos discutirlo todo como gesto de democracia, de paz, de invención, de nuevos caminos hacia el diálogo". 

El Festival de Aviñón abrió con “NOT”, espectáculo de danza inspirado en las “Mil y una noches” y representada en el Patio de honor del Palacio de los Papas.

El Parque del Chiribiquete, en la selva amazónica de Colombia, guarda un tesoro milenario que los científicos apenas empiezan a estudiar. Enigmáticos murales rupestres se extienden sobre cientos de metros cuadrados rocosos. Juan José Lozano ha llevado al cine la historia de esta memoria pintada para narrar de otra manera a la Amazonia y sus habitantes. Una coproducción del canal público europeo Arte y el audiovisual público colombiano RTVC Señal Colombia.

Juan José Lozano es colombiano de nacimiento y convertido en suizo por errancia. Autor de películas de ficción, de animación y documentales. Una filmografía que indaga en la memoria, la individual y la colectiva. Sus películas han sido presentadas en varios festivales internacionales y en una cincuentena de países.

Su último documental es Chiribiquete, filmado en un parque inmenso del mismo nombre, anclado al sur de la selva amazónica colombiana, entre los departamentos del Guaviare y Caquetá

Juan José Lozano: “Es un territorio de 42.000 kilómetros cuadrados, articulado alrededor de la Serranía del Chiribiquete, que es una cadena montañosa de unos 350 kilómetros de larga”  

RFI: Del tamaño de Cuba o Suiza.  

Juan José Lozano: “Exactamente. Treinta veces Bogotá, ese fue el dato que me dio un investigador”.

RFI: En ese trozo inmenso de selva abrazado por los ríos Guaviare y Caquetá se levantan unas montañas majestuosas y milenarias. Sobre sus rocas escarpadas se extiende unos murales gigantescos con miles de pinturas rupestres de pigmento rojo que podrían datar de 19.500 años atrás. ¿Cómo llegas tú a esta historia tan fascinante como inédita?

Juan José Lozano: “Yo me entero de la existencia de ese sitio en el 2018, cuando es declarado Patrimonio Mixto de la Humanidad por su valor natural y cultural. Y fue fascinante ver las imágenes. ¿Yo decía cómo es posible que hoy en día sigamos descubriendo cosas de esta dimensión y de esta belleza y que no haya sido visto por la ciencia antes? Y una de las respuestas es que durante años nos ocupamos esencialmente del conflicto armado interno y era una zona de difícil acceso”.

“El cine que yo hago  trabaja con la memoria y me dije quiero contar qué es Chiribiquete como otra manera de acercarse y descubrir un país diferente. Empecé a documentarme y a contactar a los investigadores que trabajan allí. Y fui armando un proyecto que presenté a la productora francesa Film à la Patte, especializada en documentales científicos, sobre todo arqueológicos, y gracias a ella el proyecto se convirtió en película”.

 

Chiribiquete, un documental de primeras veces

El documental Chiribiquete es en sí mismo una primicia. Esta es la primera vez que se descubren en Colombia este tipo de vestigios en esa selva vasta, llena de secretos, de mitos, de pueblos escondidos, de culturas arrasadas. Y es la primera vez que un documental nos permite conocer el hallazgo.

RFI: ¿Por qué se ha tardado tanto?  Antes era difícil, dices. ¿Hay también una negligencia frente al estudio del arte rupestre?   

 Juan José Lozano: “Primero, el conflicto armado interno nos alejó de esa región. La primera expedición que hubo en el Chiribiquete fue en el año 1991. Desde entonces hasta el 2016, los científicos no pudieron volver allí. Segundo,  tradicionalmente hemos sido negligentes y no hemos visto que Colombia va mucho más allá de Bogotá, de Cali, de Medellín, de las ciudades que están en el eje andino y no hemos sabido mirar la Amazonía. Pero también hay científicos que han dedicado su vida a trabajar allí.  Lo que no ha habido es un acompañamiento sólido institucional importante de parte del Estado. Solo hasta ahora estamos descubriendo que eso es medio país de un valor incalculable y que hay que ponerle cuidado a lo que hay allí”.

RFI: O sea que hay que darle gracias a la paz. Por que es a partir del proceso de paz firmado en 2016 que se puede ir a estos lugares y apostar en este tipo de inversión científica, no?

Juan José Lozano: “Claro! Pero, ojo, al Parque Chiribiquete no se puede ir porque tiene el acceso restringido”.

RFI: ¿Pueden ir los científicos?

Juan José Lozano: “Sí, claro, pero no es un sitio abierto al turismo. La salvaguarda de este parque está en manos del ICANH, el Instituto Colombiano de Antropología e Historia y ellos desarrollaron una zona tampón al norte del Parque de Chiribiquete, pegada a la ciudad de San José del Guaviare, donde hay una cadena montañosa chiquita llamada La Serranía de la Lindosa y que cuenta con unos diez o 12 frescos murales inmensos con pictografías muy parecidas a las de Chiribiquete. Ahí la gente sí puede hacer turismo. Es un sitio absolutamente hermoso y hay que ir”.

 RFI: Un sitio que también aparece en tu película, cercano a la comunidad de los llamados Huitotos. En diferentes momentos y por fenómenos diversos, estos pueblos han sido diezmados. Al punto que en esta parte de la Amazonia colombiana no hay indígenas. ¿Cuántas familias quedan?

Juan José Lozano: “Se calcula que apenas hay unas cinco o seis familias en aislamiento voluntario. Son pueblos que decidieron hace 100 años, huyendo de las guerras del caucho del sur, refugiarse en la Serranía del Chiribiquete. Hay otras familias, dos o tres, que nunca han tenido contacto con la sociedad mayoritaria”.

RFI: Lo que les ha permitido sobrevivir.

Juan José Lozano: “Sí”.

RFI: Un hallazgo de este tipo podría contribuir a una nueva narrativa sobre la llegada del hombre al continente americano. Un relato que otros descubrimientos similares en Suramérica ya han empezado a tejer: el relato que desmiente que los hombres llegaron por el Estrecho de Bering.

Juan José Lozano:: “Hace 13.000 años... Esa es la pregunta del millón que se hace la arqueología hoy: ¿Cuándo llegó Homo Sapiens a América y por dónde entró? Hasta los años 1990 existía el Dogma Clovis, desarrollado y avanzado por universidades de Estados Unidos, que decía que hubo solo una ruta de migración. Familias que venían de Siberia, atravesaron el estrecho de Bering, bajaron por lo que hoy es Estados Unidos y se establecieron en un sitio que se llama Clovis, en Nuevo México, donde hay unas evidencias líticas, unas piedras que servían para hacer flechas, datadas en 13.500 años. Todo lo que fuera anterior a esa fecha era negado por el dogma norteamericano hasta comienzos de los años 90, cuando investigaciones muy serias en Chile, Brasil, Perú, mostraron otras evidencias más antiguas y, desde entonces, se empieza a hablar de diferentes rutas de migración en distintos momentos de la historia: 17.000, 18.000, 35.000 años atrás”.

“Y es en ese contexto donde aparece la primera datación de científicos colombianos en el Chiribiquete, que es la expedición del 1991-1992 que mencionaba, adelantada por Carlos Castaño Uribe y por Thomas Van der Hammen. Ellos encontraron pedazos de piedra que se habían caído de los paredones pintados. Las enviaron a un laboratorio en la Universidad de Gröningen. Hay dos evidencias una de 22.000 años y otra de 19.500 años. Desafortunadamente, esas fechas no pudieron ser validadas después por otras excavaciones en el lugar. Entonces, la fecha más antigua validada por la ciencia en el Parque de Chiribiquete es de 12.500 años”.   

“Lo que quiero decir es que sí hay investigaciones serias apoyadas por con un músculo financiero importante, podríamos escribir páginas importantes de la historia de la arqueología en América”.

RFI: También de la identidad de los colombianos porque tu película muestra como la Amazonia está lejos de corresponder a ese estigma de selva virgen poblada por pueblos salvajes. Esta sería la primera vez que un documental le mueve el piso a esa negación racista que hay en Colombia sobre el origen indígena y lo que han sido los indígenas.

 Juan José Lozano: “Sin duda, ha habido una mirada colonialista de siglos, una mirada negacionista que se ha concentrado solamente en el eje andino; es decir, en las culturas andinas y de los valles interandinos. Los orfebres siguen siendo el centro de la preocupación de arqueólogos y antropólogos en Colombia. Pero lo que estamos descubriendo, gracias al trabajo de investigadores en Colombia y, sobre todo, en Brasil es que, tal vez, las primeras civilizaciones de lo que llamamos amerindios se establecieron en la Amazonía y que, en algún momento de la historia, por presión demográfica, tal vez, - no se sabe exactamente por qué- esas civilizaciones emigraron y colonizaron la Cordillera de los Andes y crearon las grandes ciudades y los grandes imperios que conocemos”.

“Lo que pasa es que en la Amazonía no hay piedra para construir. Entonces no se construyeron pirámides. Pero hoy sabemos que hubo grandes ciudades de más de mil personas. Hubo complejos urbanísticos importantes en donde se sabía utilizar todos los recursos de la tierra, con canalización de agua, y que eso desapareció muy rápidamente con la llegada allí de los europeos en el siglo XVI”.

RFI: Y volvemos a las primeras veces. Es también la primera vez que con este documental se logra que se asocien la televisión europea, el excelente canal público franco alemán Arte, con un medio colombiano, RTVC, el audiovisual público. Cuéntanos un poco de esta importante alianza inédita .

Juan José Lozano: “Yo llevo 25 años haciendo cine y televisión, trabajando con empresas como Arte o la radiotelevisión suiza, siempre sobre temas de Colombia y es la primera vez que puedo montar una coproducción con un canal colombiano. Aunque desde el comienzo, hace cinco años, nos acercamos con la casa de producción a Señal Colombia, no fue posible que entendieran la importancia de este documental por el valor que tiene el sitio Chiribiquete”

‘Y esa coproducción solo fue posible el año pasado con la llegada de Hollman Morris a la gerencia del canal. Hollman entendió que es una  importante trabajar aliados con el canal de televisión pública por excelencia en Europa, que es Arte, y que Chiribiquete es un sitio importante para los colombianos porque nos permite entender la Amazonía de otra manera, una de las preocupaciones del presidente Gustavo Petro”.

“El documental es una coproducción financiera entre esos dos canales. El equipo es franco colombiano, mitad y mitad, y desde el año pasado hacen parte juntos de la aventura”.

 RFI: Una aventura que permite que los dos medios públicos, Arte de Europa y RTVC de Colombia, lo difundan al mismo tiempo y, además, desde un lugar inédito: San José del Guaviare que hasta el 2016 era impenetrable. Zona roja, por excelencia.

Juan José Lozano: Sí. Las cosas están cambiando en ese país y en los territorios, sobre todo. Esa fue una idea muy bella que surgió en las discusiones con RTVC. Dijimos, no hagamos el lanzamiento del documental en Bogotá, descentralicemos ese tipo de eventos y, además, porque se trata de una historia que viene del territorio. Y, por qué no, desde San José del Guaviare, con la comunidad, con los guías y con las personas que trabajaron con nosotros y nos abrieron la puerta de sus casas para poder hacer el documental”.

RFI: ¿Cuándo va a ocurrir eso?

Juan José Lozano: Eso va a ser el sábado 14 de junio, Día Europeo de la Arqueología. El documental va a ser difundido también por el canal Arte en su horario de las 21h00 (9 p.m) y al mimo tiempo, (2 p.m. hora de Colombia), por Señal Colombia”.   

“Durante el día vamos a tener una serie de eventos en San José del Guaviare, organizados por el Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH). Un conversatorio desde el parque de la ciudad con algunos de los investigadores que participaron en el documental y guías y líderes de la región. Se va a instalar una pantalla en el parque para proyectar el documental. Esto hace diez años, por supuesto, era impensable. San José del Guaviare fue durante mucho tiempo la retaguardia del de las Farc y del narcotráfico y era muy difícil entrar allá”.

El Festival de Cannes vive sus últimos días. En la competencia este año por la Palma de Oro está la película española Romería, una cinta sobre la memoria familiar y sobre los años negros del sida en España.

Marina, 18 años, hace un viaje de Cataluña a Galicia para estrechar lazos con la familia paterna que nunca conoció.

El contacto con sus abuelos, tíos y primos le hace descubrir la historia oculta de sus padres: unos jóvenes despreocupados que en los años 80 se engancharon con la heroína, murieron de SIDA y la familia optó por tapar esta tragedia.

Esa es la verdadera historia de los padres de Carla Simón, historia que la directora llevó al cine en Romería, un intento por reconstituir su rompecabezas familiar.

"Es una película sobre la memoria, intentando explorarla a través de los relatos de mis familiares", dijo RFI la cineasta.

Esta película es una ficción sin embargo porque "cuando recuerdas, no recuerdas el hecho en sí, sino la última vez que lo recordaste. Eso genera un relato cambiante en realidad, que muchas veces puedes incluso adaptar a tu conveniencia para contarte lo que tú necesitas para sobrevivir", explicó Simón.

"La heroína arrasó con todo"

La directora pone en escena la epidemia del SIDA en España y sus consecuencias en las familias. "A mi familia le ha costado digerir esa historia por todo el tabú", dijo.

"En Estados Unidos la epidemia empezó con una relación muy directa con el tema de la homosexualidad. En Gran Bretaña con la inmigración africana. Pero en España tuvo más que ver con la heroína. Después de la represión franquista, y en una sociedad pues muy conservadora, muy católica, durante la transición llegó la heroína y arrasó de una manera muy fuerte".

Romería, tercer largometraje de la española Carla Simón, es una de las 22 aspirantes a la Palma de Oro. 

Una película latinoamericana puso ritmo, baile y fuerza feminista al Festival de Cannes. El chileno Sebastián Lelio presentó en estreno mundial La ola, un musical exaltado sobre las tomas universitarias en 2018 en Chile.

¿Cómo restituir en un musical para el cine el movimiento masivo por el derecho a la integridad sexual y física de mujeres y jóvenes en Chile? Ese fue el ambicioso reto que se puso Sebastián Lelio con La ola, película llena de ritmo, euforia y sororidad, presentada en preestreno mundial en el Festival de Cannes.

Lelio trabajó en el guión durante cinco años y luego rodó en inmersión durante dos. "En total fueron siete años", explicó a RFI.

El cineasta destacó la ausencia de una tradición arraigada de cine musical en Latinoamérica. "Digamos, no tenemos nuestra 'West Side Story'," apuntó Lelio, subrayando la audacia de su empresa.

El desafío no solo radicaba en el género, sino también "pensar, concebir, filmar nuestra propia solución al problema de hacer un musical que cruza política con esplendor", admitió Lelio.

"Y por supuesto que aprendimos a porrazos y aprendimos sobre la marcha, libres de toda tradición porque no la tenemos, para bien y para mal."

Lelio también reflexionó sobre la magnitud y el impacto del movimiento real que inspira la película, describiéndolo como "masiva, fue transgeneracional, fue tremendamente influyente en la política chilena, se convirtió en un pilar ineludible de la discusión pública."

Reconoció que el fenómeno trascendió el simple eco del #MeToo, buscando entender "cómo eso cambió un poco la conciencia en general," aunque también observó que "mucha gente complotó contra el cambio para que las cosas estuvieran casi peor que antes. Las olas, van y vienen."

"Plantea nuevas preguntas"

La potencia de La ola se sustenta en las interpretaciones de sus protagonistas, entre ellas las actrices Daniela López y Lola Bravo, quienes a través de la actuación, el canto y el baile rinden homenaje al movimiento feminista chileno.

"Lo lindo de esta película es que toma esa fuerza y esa energía que ocurrió en el 2018 en Chile, y la renueva. Plantea nuevas preguntas, nuevos conflictos... que nos hacen cuestionarnos hoy en día lo que pasó ese día y lo que podría pasar hoy y en el futuro", dijo Daniela López.

"Como, estamos haciendo un musical, queremos hacer historia. Y esa era nuestra pieza fundamental en este proceso", expresó por su parte Lola Bravo.

La ola se presentó en la sección Cannes Premiere del Festival de Cine de Cannes.

Una cinta protagonizada por el mexicano Gael García Bernal se presentó en la sección Cannes Première. Magallanes, del cineasta filipino Lav Díaz, cuenta los últimos años de vida del explorador portugués del siglo XVI. RFI conversó con el actor.

El navegante portugués Fernando de Magallanes tenía una sola obsesión: cumplir con la empresa de colonización y de evangelización del Imperio español, en el siglo XVI, más allá del continente americano. 

Fue quien por primera vez cruzó el océano Pacífico para alcanzar lo que hoy se conoce como Filipinas. 

El cineasta filipino Lav Díaz pidió al mexicano Gael García Bernal dar vida al explorador.

"Sabemos acerca de la figura histórica de Magallanes, pero hay muchos vacíos. No se escribía acerca de los sentimientos, no se escribía acerca de lo que pensaban", dijo a RFI García Bernal.

"La película se arriesga con un par de cosas  y menciona cosas que son controversiales en el mejor de los sentidos. Los historiadores no han podido llegar ahí."

"Me llamaron a mí, un mestizo"

Con largas secuencias y planos fijos que a menudo recuerdan pinturas renacentistas, Magallanes cuenta el primer contacto entre portugueses y comunidades autóctonas filipinas.

"Está perfectamente documentado, fueron muy bien recibidos por los isleños", apunta. "Es muy interesante de ver que hay una curiosidad innata del ser humano de encontrarse. Quizás de ahí nace también una de las de las realidades que vivimos hoy en día: el mestizaje". 

Al actor mexicano le sorprendió que le propusieran este papel. "Me llamaron a mí, un mestizo, para interpretar el personaje. Me dije: "llamarían a un europeo para hacer de él, ¿no? Pero está bueno en realidad porque nosotros venimos de estos exploradores, conquistadores, colonizadores, venimos también de allí."

Magallanes de Lav Díaz se presentó en la sección Cannes Première, creada para las películas de alto rango que no entraron en la competencia del festival de cine.

La única película latinoamericana en la competencia del Festival de Cannes es El agente secreto del brasileño Kleber Mendonça Filho. Un thriller ambientado en el Brasil de la dictadura y protagonizado por Wagner Moura.  

La ciudad de Recife, en el nordeste brasileño, es el escenario de violencias. Intelectuales y estudiantes son asesinados, con la complicidad de las autoridades y la policia. 

El relato trascurre en 1977, en plena dictadura. "Era un momento de la historia en la que todo estaba al revés. O sea, si decías alguna evidencia como que el agua moja, te convertías en opositor", explicó a RFI el cineasta brasileño Kleber Mendonça Filho.

En El agente secreto, las ideas de Armando lo convierten en el blanco de un funcionario todopoderoso y corrupto. En medio de la temporada de  carnaval, lo acoge una comunidad de clandestinos. Se reunen en el mítico cine de San Luis, un lugar que marcó al director brasileño. 

"Es un crónica en forma de largometraje sobre un momento de la historia de Brasil que yo personalmente todavía recuerdo porque era un niño. Y los recuerdos infantiles son los que construyen quién eres. Pero al mismo tiempo, hay mucha investigación histórica y muchos relatos de personas mayores, de mi familia y de mis amigos”, aseguró.

Protagonizada por Wagner Moura

En el papel de Armando, está el actor Wagner Moura, quien se dio a conocer en el resto de Latinoamérica por su actuación en la série Narcos.

“El agente secreto es una película política diferente. Es cine de género, un cine de un género que no fue inventado en Brasil, porque es un thriller, pero sí es una película muy brasileña", declaró. 

La película compite por la Palma de Oro en esta edición 78 del Festival de cine de Cannes.