El artista chileno Francisco Sepulveda presenta su trabajo en el salón Art París que abría sus puertas este jueves en la capital francesa de la mano de la galería suiza Le salón Vert.    

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Francisco José Sepúlveda Puig nació el 24 de septiembre de 1977 en Santiago, Chile.

Desde 1994, Sepúlveda realizó cursos libres en diferentes universidades y con distintos artistas, instruyéndose en técnicas relativas a la pintura, el grabado, el dibujo y la escultura. En 1996 desarrolló estudios de arte en la Universidad Arcis en Santiago de Chile y, posteriormente, entre 1997 y 2000 asistió a talleres y cátedras en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde fue alumno de Gonzalo Cienfuegos, Klaudio Vidal, Ignacio Villegas (1955-) y Gaspar Galaz.

Paralelamente, estudió técnicas experimentales de grabado en metal (colografía) con Carlos Ayress (1957-), en el Taller Lam en Santiago. En 2010 se introdujo en los procedimientos de la litografía, primero en el atelier de Raynald Métraux (1958-) en Suiza y luego, en 2017, con Mark Attwood (1966-) en Sudáfrica. Desde 2016 ha estudiado escultura tradicional Makonde en Mozambique.

Sepúlveda ha expuesto en museos y salas de Chile, México, Francia, Alemania, Bélgica, Estados Unidos y Mozambique, entre otros. En su obra, principalmente pictórica, se dan cita personajes antropomorfos que parecen extraídos de relatos mitológicos de distintos territorios y continentes. La representación de figuras, objetos y fondos tendiente a lo bidimensional, el uso de una paleta de colores brillantes y una aplicación decorativa de la pincelada pueden ser mencionados como rasgos distintivos de su pintura.

Las realizadoras Mary Jiménez y Bénédicte Liénard presentaban este martes su película ‘Fuga’ en el Festival de Cine Peruano de París que acaba de abrir sus puertas en el cine Les 7 parnassiens.

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Mary Jiménez, nacida en Perú, estudió arquitectura en Lima antes de realizar estudios de cine en la escuela de cine INSAS en Bélgica. Durante su carrera como cineasta, también ha enseñado cine en Bélgica, Cuba y Suiza. Escritora y directora desde hace más de 30 años, la obra de Mary incluye películas como “Du Verbe Aimer”, “La Position du Lion Couché”, “Le Dictionnaire selon Marcus” y “Héros sans Visage”, todas ellas seleccionadas en numerosos festivales de todo el mundo.

Bénédicte Liénard estudió dirección de cine en el Institut des Arts de Diffusion (en Louvain-La-Neuve). Su primer largometraje, “Une Part du Ciel”, se proyectó en la sección Un Certain Regard de Cannes, así como en los festivales de Toronto, San Sebastian y Nueva York. Continuó dirigiendo numerosos documentales impactantes, ampliamente proyectados tanto en festivales como en televisión. Ella ha enseñado dirección de cine en la Escuela de Cine Belga IAD durante varios años y es artista residente en la Universidad UCL (Louvain-La-Neuve). 

Filmografía:

MARY JIMÉNEZ:

Con el nombre de Tania (2019)

Le chant des hommes (2015)

Sobre las brasas (2013)

Héros sans Visage (2012)

Le Dictionnaire selon Marcus (2009)

La Position du Lion Couché (2006)

L’air de rien (1989)

Fiestas (1988)

Du Verbe Aimer (1985)

BÉNÉDICTE LIÉNARD:

Con el nombre de Tania (2019)

Le chant des hommes (2015)

Sobre las brasas (2013)

D’arbres et de charbon (2013)

Une Part du Ciel (2002)

La artista colombiana Carlota Sandoval Lizarralde acaba de inaugurar su exposición ‘Laisse la main cueillir’ -deja la mano recolectar- en el marco del ‘Project Room’ del Plateau, Fondo Regional de Arte Contemporáneo (FRAC) de la región parisina.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.  

Nacida en 1996, de nacionalidad colombiana, Carlota Sandoval Lizarralde vive y trabaja en París. En 2021 se graduó en la ENSA de Villa Arson (Niza) y ganó el premio Pierre Cardin de escultura de la Academia de Bellas Artes. Ha realizado residencias en la Cité Internationale des Arts (2024, París), los Ateliers Médicis (2024, Aude), el Consulado Voltaire (2023, París), la Maison Artagon (2023, Loiret) y la Villa Belleville (2022, París).

Desde septiembre de 2024 es residente en Artagon Pantin. En 2025, participará al 100% en La Villette y expondrá nuevamente en Magasins Généraux y en el Centre Wallonie-Bruxelles como finalista del Prix Carré sur Seine. Presenta su segunda exposición personal “Laisse la main cuillir” en la Project Room du Plateau del Frac Ile-de-France invitada por Maëlle Dault.

Gabriela Pez, primera artista cubana en recibir el premio de pintura de la Fundación Bernard Grau - Academia de Bellas Artes de París, acaba de inaugurar su primera exposición personal en Francia en la Galería LAC,  Loukoums & Art Contemporain.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Gabriela Pez (La Habana, 1994) lleva a cabo su primera exposición individual en París en LAC (Loukoums & Art Contemporain - Colección Jean-Michel Attal), del 15 de marzo al 12 de abril de 2025, bajo el título ‘Mémoires d’un retour à Paris’ -Recuerdos de una vuelta a París-, en referencia a la colección de poesía de Aimé Césaire de 1939 ‘Cahier d’un retour au pays natal’ -Cuaderno de una vuelta al país natal- , Gabriela celebra su primera exposición individual en Francia tras convertirse en la primera artista cubana en recibir el premio de pintura Fondation Bernard Grau - Académie des Beaux-Arts x Cité Internationale des Arts en 2023. @fundacionbernardgrau

“Mémoires d’un retour à Paris” explora el concepto de retorno como punto de partida. Para la artista, este regreso no es solo geográfico, sino también formal, ya que fue en París donde su obra adquirió una nueva dimensión: el gran formato. Para su exposición en LAC, presentará una serie de retratos en acuarela creados durante el último año en su estudio de La Habana, centrados en la reafirmación de la identidad negra y la exploración de sus raíces afrodescendientes y mestizas.

LAC (Loukoums & Art Contemporain)

Colección Jean-Michel Attal

Exposición del 15 de marzo al 12 de abril

Abierto los sábados y con cita previa

80A rue Bobillot, 75013

París, Francia.

La guitarrista colombiana Irene Gómez presenta este viernes en la Maison de l’Amérique latine de París ‘Las canciones de mi vida’ su álbum más reciente.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Irene Gómez, nació en Bogotá y se convirtió en la primera persona en obtener el titulo como guitarrista (mención laureado) de la Universidad Nacional de Colombia con la guía del maestro Ramiro Isaza. Desde pequeña mostró interés por la guitarra recibiendo el apoyo de sus padres quienes buscaron como enfocar su talento en un incipiente ambiente musical de la ciudad pues aún no habían muchos programas de música con la guitarra como instrumento institucionalizado.

Hacia 1986 cuando se instauró el programa de guitarra en el Conservatorio de Música creado en el siglo XIX surgieron programas con vocación profesional en diversas universidades siendo la Universidad Nacional donde Irene es ahora profesora asociada donde ha realizado además de su vocación concertística, su vocación docente uno de los primeros en ofrecer el programa de guitarra en Bogotá.

Irene ha sido pionera también en la producción discográfica independiente. Para la época era necesario ser parte de un sello discográfico; sin embargo a raíz de un encargo navideño de un seguidor suyo en  una compañía en New York para sus empleados Irene realizó su primer disco “Sunset Guitar” con un tiraje de mil ejemplares que se replicó y obtuvo las mejores críticas de medios como Classical Guitar Magazine del Reino Unido y Soundboard de Estados Unidos. A partir de ahí Irene Gómez ha realizado cinco producciones discográficas con variados repertorios que abarcan desde el clasicismo hasta obras influenciadas por el rock como el tema con el que abre su tercer disco “Imágenes”, Homenaje a Pink Floyd del compositor francés Jacques Castérede.

Así, en su más reciente disco “Canciones de mi vida” Irene Gómez del que Irene Gómez presentará extractos, en su concierto de la Maison de l’Amérique Latine el próximo 28 de marzo a 21h se escuchará música desde Los Beatles, Schubert pasando por Gardel y una reminiscencia a la cantante francesa Barbara, y una versión  del famoso tema colombiano en variaciones para guitarra de “La gota fría” (Rafael Campo Vives/Zuleta.

Irene recibió la Medalla de Oro del Conservatorio Claude Debussy de Saint Germain en Laye donde estudio con el maestro Javier Quevedo. Años después realizó la maestría en interpretación musical en The Juilliard School en New York con la guitarrista norteamericana Sharon Isbin. Irene Gómez ha sido artista invitada a variados eventos y festivales en Francia, República Checa, Suiza, Estados Unidos, Canadá y varios países de América del Sur. También ha sido solista de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

Irene Gómez continúa su labor como concertista, docente en la Universidad Nacional de Colombia, investigadora y gestora cultural y es artista patrocinada de Strings By Mail.

La cantante francesa Mandy Lerouge acaba de publicar ‘El Cerro’ su nuevo álbum en el que nos descubre la figura de Antoinette Pepin, la mujer de Atahualpa Yupanqui, quien firmo la musica de muchas de sus canciones con el seudónimo de ‘Pablo del Cerro’.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contarnos su fascinante historia.  

¿Y si las más grandes obras musicales argentinas hubieran sido compuestas por una mujer, y además… francesa? 

Mandy Lerouge con su nuevo álbum 'Del Cerro' explora un acercamiento musical único al repertorio popular de este país esencialmente mestizo... y al mismo tiempo revela uno de sus más bellos secretos. Con Del Cerro, Mandy Lerouge conecta tanto culturas como épocas... Esta obra está íntimamente ligada al gran cantante Atahualpa Yupanqui (1908 – 1992) y a su enigmático compositor Pablo del Cerro, cuya verdadera identidad ofrece... Mandy comparte aquí con delicadeza y potencia su vertiginoso descubrimiento: esta artista argentina poco conocida es en realidad una francesa llamada Antoinette Pépin (1908 – 1990).

Nacida en Marsella, Francia en 1989, Mandy Lerouge es cantante, bailarina y organizadora de eventos relacionados con las culturas argentinas. En 2009 y 2010 fue seleccionada por el Festival Marsatac (Marsella) para participar en el proyecto Aftershock, bajo la dirección artística del compositor y productor inglés Nitin Sawhney Gènes (festival Un Mare di Donne) y en Manchester (club de jazz Band on the Wall ). De 2009 a 2017, fue la pluma y la voz del artista de trip-hop Alif Tree. Lanzaron dos EP: Social Mask (2009) y Everybody Knows (2011) para los que firma la mayoría de los textos (principalmente en inglés) y todos los arreglos vocales.

Fue en 2015 cuando la música tradicional argentina se cruzó con Mandy Lerouge, luego de un viaje a Argentina y cuando asistió a un concierto del acordeonista Chango Spasiuk en el Museo Quai Branly de París. Amor musical a primera vista. Su presencia escénica adquirida a partir de sus experiencias como solista en una orquesta, su amplio espectro vocal, bajos suaves y agudos ligeros, así como su fuerza rítmica, heredada de su experiencia en el jazz, le permiten apropiarse de esta música argentina con un toque muy personal, actual, basandose en un gran respeto por la tradición.

La cantante argentina Belén Mackinlay y el pianista Juan Esteban Cuacci presentan ‘Argentina en concierto’ este martes en la Maison de l’Argentine de la Cité Internacional Universitaria de París.

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Juan Esteban Cuacci (Buenos Aires, 1973) es pianista, compositor y arreglador, reconocido por su estilo contemporáneo dentro del tango. Autodidacta y multiinstrumentista, comenzó su carrera profesional a los 12 años y ha colaborado con figuras como Susana Rinaldi, Raphael —de quien fue pianista y director musical durante seis años— y Liza Minnelli.

Fue nombrado “Personalidad Destacada de la Cultura” por la Legislatura Porteña en 2014, reflejando su compromiso con la innovación y difusión de la música argentina. A lo largo de su trayectoria ha grabado 16 discos, entre los que destacan Acá Lejos, Pianologías del Sur, Tango Vivo y Cuacci & Cuacci. 

Continúa expandiendo los límites de la música argentina y renovando permanentemente su repertorio, consolidándose como uno de los referentes actuales del tango en la escena internacional. 

Belén Mackinlay, cantante argentina, Elige el riesgo y la potencia de la fusión entre los ritmos tradicionales de raíz folklórica, el jazz y la música clásica.

Cuenta con cuatro discos: Trébol Blanco (nominado a los Premios Gardel), Huella, Encuentro Sur y Canción de Amor, todos ampliamente elogiados por la crítica y el público. Ha llevado su música a escenarios tan destacados como el Festival de Cosquín, Teatro Nacional Cervantes, y espacios internacionales en Nueva York, Washington, Chicago, Paris, Londres, Barcelona, Malmo, Copenhague, Bruselas y Luxemburgo.

Por su labor en la difusión del folklore local, en 2015 fue nombrada Embajadora Cultural Itinerante por la Municipalidad de Ayacucho, su ciudad de origen. Actualmente lidera el ciclo “Las Cuatro Estaciones de Buenos Aires”, apoyado por Mecenazgo, y Patrimonio histórico compartiendo escenario con destacadas mujeres de la música.

La artista y diseñadora española Teresa Fernández Pello participa en la exposición 'Berserk y Pyrrhia' que se inauguraba este viernes en el ‘Plateau’ de Paris y en las ‘Réserves’ de Romainville, muestra que explora las relaciones entre arte medieval y arte contemporáneo.

Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI.

Teresa Fernández Pello es una diseñadora española residente en los Países Bajos que trabaja en la intersección del Arte Funcional y la Tecnología Creativa. Combinando la fabricación digital, las tecnologías electrónicas y la programación creativa con la estética escultórica y la instalación, investiga la relación entre el progreso tecnológico y la evolución de las narrativas espirituales en la sociedad contemporánea.

Su trabajo más reciente investiga las conexiones entre las tecnologías informáticas avanzadas y las antiguas tradiciones místicas, reimaginando cómo las sociedades digitales interactúan con el misterio y lo desconocido.

El artista catalán Antoni Taulé inaugura este viernes su exposición ‘Entropía’ en la Galería S/Beaubourg de París en la que muestra un trabajo que se puede clasificar en el realismo metafísico.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Antoni Taulé nació en 1945 en Sabadell (Barcelona). Expuso por primera vez en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell en 1966. Tras obtener el título de arquitecto en Barcelona, se dedicó definitivamente a la pintura en 1973. Posteriormente realizó escenografías para teatro. Vive y trabaja entre París y Formentera (Islas Baleares). Aunque nunca lo reclamó, la obra de Antoni Taulé debe compararse con el movimiento de la Nueva Figuración.

La obra de Antoni Taulé, que incluye sus pinturas y fotografías, tiene como hilo conductor el trabajo sobre la sombra y la luz. Este juego de contrastes permite ocultar parte de la escena, hacerla casi abstracta, intensificando así las nociones de presencia y ausencia. Interiores oscuros, vacíos, casi abandonados del hombre son atravesados por una luz deslumbrante e incontrolable, que saca a la luz lo que parecía olvidado o abandonado.

Antoni Taulé también trabaja en el mundo del teatro y la dirección, donde vuelve a centrarse en la luz y la sombra, sus verdaderas obsesiones. Entre todas sus colaboraciones en el mundo del escenario, destacó la producción de los sets de ballet para Rudolf Nureyev en el Palais Garnier de París y en el Metropolitan Opera de Nueva York. Nathalie Sarraute lo visitó para sus escenarios teatrales en París, Londres, Venecia, Madrid, Barcelona y Nueva York. Antoni Taulé expuso sus primeras obras en su pueblo natal en 1966.

Llegado a París en 1965, realizó una exposición diez años más tarde en la Galerie Mathias Fels, luego en la Galerie Beaubourg. A su obra se han dedicado varias exposiciones retrospectivas, destacando en 1979 en el Salo del Tinell de Barcelona, en 1983 en la Fundación Hastings de Nueva York, en 1986 en Japón, en 1987 en el Museo Goya de Castres, en 2006 en la Villa Tamaris en La Seyne-sur-mer y en 2010 en Barcelona en el Museo Can Framis.

Artista reconocido internacionalmente, sus obras están presentes permanentemente en Estados Unidos, en Francia en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, en España en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y en Japón.

El actor y director de teatro boliviano Marcos Malavia acaba de estrenar en Théâtre de l'Epée de Bois - Cartoucherie de Vincennes su espectáculo ‘Rapsodia para calvo, fantasía para seis clowns quánticos’.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo

Marcos Malavia nació el 20 de marzo de 1972 en Huanuni, centro minero situado en la provincia de Cercado (departamento de Oruro), en el altiplano boliviano. Montó sus primeros espectáculos teatrales mientras estudiaba Abogacía en la Facultad de Derecho de la ciudad de Oruro.

En París trabajo en la compañía del director francés Jean-Louis Barrault (1910-1994), paralelamente estudia en la Escuela Internacional de Mimodrama de París Marcel Marceau (1923-2007). Después de obtener su título, trabajó como asistente del director argentino Alfredo Arias (1944-). Es magíster de estudios teatrales egresado de la Universidad París 8.

Desde 1990, Trabaja con la compañía la SourouS que se interesan principalmente al teatro contemporáneo, creando o escenificando obras de teatro ―por ejemplo El rey se muere (de Ionesco) o Antígona (de Brecht)― y participó en muchos festivales de teatro, como Santiago a Mil (Chile) FIAZ de La Paz (Bolivia) o el Festival de Aviñón.

En 1996, Marcos Malavia, fundó el festival Auteurs en Acte, que se dedica a la creación de obras de teatro, con la participación de autores importantes como el dramaturgo argentino Rodrigo García (1964-), el escritor chino Gao Xingjian (1940-), Serge Valletti, Didier-Georges Gabily Jean-Yves Picq, Michael Gluck, Régis Hébette y muchos otros. ​Cada edición de este festival se concentra en un tema particular, una idea del teatro, como la rebelión, el mundo del trabajo, etc. Así el festival Auteurs en Acte, que tiene lugar en la comunidad de Bagneux, es bastante famoso en el mundo del teatro.

En 2002 desarrolla "Le Théâtre du Vécu" con el profesor de medicina Jean-Philippe Assal, un dispositivo que permite de acompañar a través de un taller de teatro (escritura-puesto en escena) el proceso de aceptación y expresión de la vivencia de enfermos crónicos, esta experiencia es practicada regularmente en los hospitales de París y Ginebra.

En 2004, Marcos Malavia creó ―con el apoyo de la Universidad Católica Boliviana y la Fundación Hombres Nuevos― la Escuela Nacional de Teatro, que se sitúa en el Plan 3000, uno de los barrios más pobres de Santa Cruz más de 200 000 habitantes que viven sin disponer de agua potable. El objetivo de esta escuela es primero de restablecer la imagen de este barrio y luego de profesionalizar el teatro boliviano para crear futuros actores. En efecto, en Bolivia no hay una escuela profesional de teatro. Según Marcos Malavia, en la Escuela Nacional de Teatro «no se trata solo de formar actores, se trata de construir actores y artistas de nuestra sociedad, capaces de acompañar la lucha por la construcción de un nuevo ser de una nueva sociedad, más justa, tolerante y solidaria». ​

Para Marcos Malavia, el teatro es «una manera de oponerse», «un espacio de transformación, donde se establece el contacto con los otros». Se inspiró en autores como William Shakespeare, Samuel Beckett, Ernesto Sabato, y por supuesto el mimo Marcel Marceau. Marcos Malavia crea obras cuyo objetivo es de provocar una reflexión sobre el mundo y sobre el mismo arte teatral. Así, su trabajo valora el cuerpo (particularmente en su obra CORpsTEXte) que, según el dramaturgo, «memoriza las cosas». A través de sus obras, denuncia las injusticias en las sociedades, como las diferencias de clases sociales (ver su entrevista en TV.Duende).​

El teatro es igualmente una manera de curarse, gracias a la escritura y a la escenificación. Así, escribió libros sobre la arterapía y la utilización del teatro en la medicina con el profesor Jean-Philippe Assal y Muriel Roland.

Marcos Malavia es igualmente un escritor, que escribió sobre todo en francés porque esa lengua tiene una dimensión poética y una gran libertad de escritura, gracia a las multi significaciones que puede cobrar una palabra. Según él, escribir en un idioma extranjero permite «tener una distancia con las palabras» y «crearse su estilo». La escritura es «el arte de rumiar»: el autor es solamente un instrumento del azar y de la inspiración, que debe buscar y rebuscar antes de escribir.

(Fuente : Wikipedia)