Crónica Cultural

España hizo historia este año al lograr colocar tres películas en la competencia del Festival de Cannes. Una de ellas es El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por el actor Javier Bardem.

Un reconocido director de cine intenta renovar con su hija actriz a la que no ha visto desde hace años, ofreciéndole un rol importante en su próxima película.

Durante el rodaje sale a flote el resentimiento acumulado ante un hombre que nunca ha considerado como su padre. Rodrigo Sorogoyen escribió y dirigió esta historia. El ser querido, protagonizada por un impecable Javier Bardem en los zapatos de un director colérico y autoritario.

"Es un personaje muy complejo", explica Sorogoyen a RFI. "Le hemos dado muchas vueltas a cómo mirarlo, a intentar juzgarlo. Evidentemente ha hecho cosas de las que se arrepiente, pero que ha querido olvidarlas para que no le den más dolor. Pero a la vez es una persona muy magnética, muy seductora, muy atractiva, un gran realizador, un gran director de cine, un tipo tocado con una varita mágica del talento. Ha hecho mucho daño, ha sido muy tóxico".

Su hija Emilia lo vuelve a ser después de 13 años. Le parece que ha cambiado. "La película también habla de cuánto somos capaces de cambiar. ¿Realmente estamos cambiando? Hemos cambiado o estamos escondiendo ese monstruo que siempre está ahí. Que siempre va a estar".

El ser querido explora el peso de la ausencia, pero también la masculinidad tóxica de una generación. "Es una figura que está muy de moda. La cinta intenta señalarla e intenta que se mitigue lo más posible. También está de moda porque cada vez hay otro sector de la sociedad que parece que la está reivindicando más y que la abandera sin llamarla tóxica, evidentemente", asegura el cineasta español.

"Creo que es un tema bastante de bastante actualidad. No sé si quiero poner el foco en la masculinidad tóxica, pero sí en cómo los tiempos han cambiado, y en cómo los mayores se tienen que adecuar. A veces hay un cortocircuito. A veces hay una frustración por su parte por no entenderlo y cómo las nuevas generaciones estamos o están casi obligadas a intentar cambiar lo que no está bien".

El ser querido de Rodrigo Sorogoyen es una de las 22 películas aspirantes a la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

En la sección de estrenos mundiales “Cannes Première” se presentó la cinta documental El partido, de los argentinos Juan Cabral y Santiago Franco, sobre el legendario partido de Maradona en México 86.

Un partido de futbol que desató pasiones y polémica antes, durante y después, y que casi 40 años más tarde sigue analizándose. Se trata, por supuesto, de aquel mítico Argentina vs Inglaterra en los cuartos de final del Mundial de México 86.

El Festival de Cannes recuerda ese choque con una cinta documental que explora no solo lo deportivo, sino también el contexto geopolítico que enfrentaba a estos dos países por la soberanía de las Islas Malvinas, un diferendo que también se jugó simbólicamente en el césped del Estadio Azteca.

Santiago Franco es el codirector de esta película titulada “El partido”. Para él, este encuentro forma parte del ADN argentino: “Es un evento que, para nosotros los argentinos, es parte de nuestra cultura. Revisitar esas imágenes, que fueron vistas y procesadas tantas veces, era todo un desafío”, explica.

Su llegada al proyecto se dio de la mano de Juan Cabral, el otro codirector: “Cuando Juan me invita al proyecto, al principio me regala el libro en el cual se basa la película. Nos juntamos de nuevo y dijimos: esto es fascinante. El libro es casi una especie de análisis forense de lo que ocurre alrededor del partido. Toca un poco el tema de la guerra, cuatro años antes. Nosotros expandimos eso y le damos un contexto mucho más claro de qué es lo que hace que un evento deportivo trascienda lo futbolístico y lo deportivo en sí mismo y se vuelva un evento de referencia del cual se sigue hablando 40 años después. Esa fue un poco la búsqueda que hicimos”.

“El partido” retrocede 260 años en la historia para explicar el conflicto por las Islas Malvinas. Pero no se queda en los archivos ni en las batallas diplomáticas: la cinta recoge también los testimonios de algunos de los futbolistas argentinos e ingleses que se enfrentaron en 1986: Jorge Valdano, Gary Lineker, James Barnes, Julio Olarticoechea, entre otros.

Todos revisitan los dos goles de Diego Maradona: el primero, con la famosa “mano de Dios”, y el segundo, considerado por muchos el más bonito de la historia. Lo hacen en un ejercicio casi filosófico sobre el fútbol y la vida.

Juan Cabral, codirector del documental, cuenta: "Es un personaje Bilardo, que tiene su punto de vista; está Robson, está Gildo con el suyo, está Maradona, que lo dice: ‘Si el otro no se da cuenta, el gol vale’, opina él. Es un punto de vista que para algunos puede ser políticamente incorrecto, pero es un punto de vista. Y está también el que dice: ‘Che, fue mano, ¿cómo no lo van a cobrar?’”.

Para Cabral, en esa tensión se revela la verdadera riqueza del juego: “La belleza del juego, la belleza de estar vivo, es poder solucionar esos conflictos menores o mayores desde un lugar humano, poético. La película ofrece una luz sobre todas esas pequeñas cosas, porque en el fondo es lo que nos hace coexistir, poder entendernos, poder reírnos. Todo eso está condensado en ese partido único”.

“El partido”, de Juan Cabral y Santiago Franco, se presentó en estreno mundial en el Festival de Cannes.

En las proyecciones especiales del Festival de Cannes se proyectó la última cinta del mexicano Diego Luna. Una historia de migración y de maternidad que invita a reflexionar sobre la hospitalidad y el exilio.

Ceniza en la boca sigue los sueños, las desilusiones y la dureza del desarraigo que vive Lucila, una joven mexicana que trabaja como niñera y repartidora en España.

Ella y su hermano emigraron para reunirse con su madre, Isabel, a quien no veían desde que eran pequeños.

Sin embargo, al llegar a Europa descubren que, a los ojos de muchos, el pasado de una persona migrante es casi invisible.

Con esta película, Diego Luna busca precisamente tender un puente entre esos dos mundos: el de quienes migran y el de quienes los reciben.

“El gran problema, creo yo, es la ignorancia. Si tú supieras realmente qué está detrás del que deja todo… Cuando dejas todo es porque no tienes de otra”, explica a RFI, señalando que España se ha convertido en una especie de “puerto seguro” por la creciente violencia que viven los migrantes en Norteamérica.

“Después te vas dando cuenta de que hay muchas otras capas en el análisis que hay que hacer. La película te confronta, porque si lo piensas, todos recibimos a alguien. No hay comunidad que no esté viviendo esta complejidad de tener que recibir, abrirse y mostrar quiénes somos; en ese recibir terminamos mostrando quiénes somos”, afirma.

Una vez instalada en España, la realidad se vuelve demoledora para Lucila. Anna Díaz interpreta a esta hermana mayor obligada a asumir responsabilidades de madre sustituta. “Es una mujer resiliente, con muchas ganas de vivir, pero a la que no se le permite experimentar todo lo que debería. No hay muchos proyectos donde te regalan mujeres complejas, que puedan atravesar por muchas situaciones y salir adelante. Es un regalazo interpretar a Lucila”, señala la actriz.

En el papel de Isabel, la madre que encarna la figura del abandono y la culpa, está Adriana Paz, primera actriz mexicana en haber sido galardonada con una Palma en Cannes en 2024.

Para ella, el personaje toca una herida profunda y universal. “Para mí era muy importante hablar de eso, porque creo que es muy difícil ser madre y no cometer errores. Yo migré a España cuando tenía 23 años y conocí mujeres que estaban en el lugar de Isabel, viniendo a buscar mejores oportunidades a Europa, que querían traerse a sus hijos inmediatamente y no pudieron porque tampoco se les ha permitido. Igual que a Lucila no se le ha permitido ser, y está cansada”, explica.

Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, fue presentada en las proyecciones especiales del Festival de Cannes.

La sección "Una cierta mirada" del Festival de Cannes proyectó este jueves una historia contada desde los Andes chilenos. El deshielo es el segundo largometraje de Manuela Martelli.

La historia tiene lugar en 1992 y se narra a través de los ojos de Inés, una niña de nueve años que entabla amistad con Ana, una prometedora esquiadora alemana.

Cuando Ana desaparece misteriosamente, la investigación revela secretos familiares y emociones congeladas.

En esta película, presentada en el Festival de Cannes, Martelli establece un paralelismo entre la desaparición de Ana y la de miles de chilenos durante la dictadura, pero, sobre todo, muestra un Chile glacial que ha sido poco explorado en el cine de su país.

“El hielo, la nieve de alguna manera resuenan con el silencio de una época que quedó un poco suspendida. Quedó un poco congelada por los acuerdos que se hicieron para poder recuperar la democracia. Hubo muchas concesiones que implicaron silencio y amnistía: no juzgar a los responsables de la dictadura y la sensación que era un poco estar caminando sobre estos cuerpos que no sabíamos dónde están, no sabemos todavía dónde están”, dice Martelli a RFI.

Con El deshielo, Manuela Martelli prosigue su exploración de la historia de Chile, comenzada con su ópera prima, pero esta vez en el período de la transición a la democracia, cuando el país buscaba renovar su imagen internacional.

“Algo que el mismo Chile quiso demostrar en Europa el año 92, el año de la Expo Sevilla y el año en que Chile decidió llevar un iceberg al pabellón, como una manera también de mostrar que era un país frío y lo que se asocia a un país frío. La idea de la modernidad, de desarrollo está asociada con el frío, como en oposición a esta cosa tropical de los países subdesarrollados. Quise jugar con los estereotipos y romper con eso. Pero de alguna manera también mostrar la otra cara de Chile, que se abría al mundo y quería mostrar que era un país en vías de desarrollo y, por otro lado, que había muchos asuntos pendientes”, añade Martelli.

El deshielo, de la chilena Manuela Martelli, se proyectó en la sección oficial Un certain regard del Festival de Cine de Cannes.

El Festival de Cannes arrancó anoche con la proyección fuera de la competencia de una película de época. 'La venus eléctrica' nos lleva al París de las ferias ambulantes de principios del siglo XX, con su lote de magos, adivinadores y superchería. 

Cannes subió el telón con una comedia romántica francesa, ambientada en los años 1920. 'La Vénus Électrique' cuenta la historia de Antoine Balestro, un pintor depresivo tras la muerte trágica de su esposa. Después de una noche de tragos, trata de entrar en contacto con ella a través de una adivinadora. O mejor dicho, alguien que se hace pasar por una vidente para estafarlo

Pierre Salvadori escribió y dirigió esta película llena de humor. Le preguntamos si escribir una comedia fue un ejercicio liberador en tiempos turbios.

"Escribir no es precisamente un júbilo… es infernal! Pero hubo algo en esta historia que me conmovió mucho: una falsa clarividente que concentra en ella misma muchas contradicciones. Ella quiere salir adelante, salir de la pobreza, ve a este hombre que tiene dinero, entonces al principio lo manipula, le miente, luego lentamente se enamora de él. Pero mientras más lo engaña haciéndole pensar que es su esposa muerta, más la mantiene viva. Es una paradoja fascinante", explica a RFI. 

Esta cinta nos transporta al París de los llamados “años locos”, una época de exuberancia tras la primera Guerra Mundial. Los franceses buscaban divertirse a cualquier precio, incluso pagar para recibir un beso eléctrico.

"Yo quería sobre todo contar una historia de mentiras y una historia de amor. La feria ambulante es solo el escenario de la película, pero es verdad que eran lugares llenos de historias increíbles. Mi protagonista es una joven que daba besos y que luego se hacía electrocutar. Fue un número que existió de verdad. Ese beso eléctrico era una evocación del amor a primera vista. Pero era un trabajo doloroso, y de explotación física y psicológica. Así que cuando se le presenta la ocasión de escapar de ese lugar mintiéndole a un hombre y sacándole dinero, pues lo hace", asegura el director a nuestra compañera Sophie Torlotin. 

El máximo evento editorial de Francia abrió sus puertas al público este viernes en el Grand Palais de la capital francesa. Este año la historieta es la invitada de honor del salón, con la presencia de cientos de autores y casas editoriales.

Desde su apertura el viernes por la mañana, mucha gente desfilo por los pasillos del imponente Grand Palais de la capital francesa. Bajo su techo de vidrio y hierro forjado tiene liugar el Festival del Libro de París, la feria más grande de la edición en Francia. El presidente Emmanuel Macron se paseó brevemente entre los stands este salón, lo que provocó el cierre parcial de un ala del edificio, mientras el mandatario estrechaba manos y conversaba con los profesionales y el público.

Este año, el Festival del Libro no designó a un país, sino a la Historieta como invitada de honor. Una invitación estratégica para este sector que no conoce la crisis: uno de cada cinco libros vendidos en Francia es una historieta, cómic o novela gráfica, lo que genera casi 500 millones de euros anuales.

La historieta es también, para muchos, el primer contacto con la lectura. Algo que los autores, incluso extranjeros, conocen bien.

“En estos salones durante el fin de semana viene muchas familias. Pero hoy tenemos muchos grupos escolares. Es muy bonito porque los niños se acercan, hacen muchas preguntas sobre como dibujo, que hago. A veces piden un autógrafo… El sistema educativo en Francia incita a los niños a que tengan el gusto por la lectura y por la lectura de imágenes”, aseguró la autora española de historietas Anna Aparicio, publicada por la editorial Arlequin.

En el mismo stand se encontraba el colombiano radicado en España, Canizales, quien trajo al Festival del Libro varias historietas para niños y adultos, entre ellas “Guapa” que ha sido un best seller en España, traducida a varios idiomas.

“Este lugar es encantador. Pero, además, el Festival del Libro de París esta organizado de tal forma que vienen muchos niños, lo cual no es el caso en todas ferias. En otros salones vienes con tus libros infantiles, pero solo dialogas con adultos. Y me gusta mucho la posibilidad de hacer dedicatorias personalizadas para ellos”, expresó a RFI Canizales.

La apertura del Festival del Libro de París estuvo afectada por el retiro la víspera de 115 escritores de la editorial Grasset para protestar contra su dueño, el multimillonario ultraconservador Vincent Bolloré. Pero el público firmó presente el viernes en este festival se extenderá hasta el domingo.

A unos 1.500 metros sobre el nivel del mar, los Alpes ponen la música en la cima. En el corazón del dominio franco-suizo de Les Portes du Soleil la nieve no solo cubre las pistas de esquí: también sirve de escenario para uno de los festivales más singulares de Europa, Rock The Pistes. El objetivo es ofrecer una perspectiva cultural y musical al deporte del esquí. Durante varios días, este vasto territorio alpino se transforma en un escenario gigante al aire libre, donde cada pista puede conducir a un concierto.

 

Una logística sin precedentes

Detrás de esta experiencia única hay una logística impresionante. Como nos lo explica el director del complejo de esquí Les Portes du Soleil, Fabrice Mielzarec, helicópteros, máquinas pisanieves y equipos técnicos trabajan en condiciones extremas para transportar instrumentos, escenarios y artistas hasta lo más alto de las montañas. Una movilización inédita que implica a toda la región y redefine los límites de la producción musical en vivo.

La música bajo la nieve como cohesión social La ambición del festival no es solo entretener, sino también crear cohesión. Programadores, DJs y artistas colaboran para llevar la música literalmente a las cumbres, ofreciendo al público una experiencia inmersiva donde el esquí y los conciertos se entrelazan.

Para Manon y Christelle Gagnaire, creadoras de MC Stéréo y programadoras musicales del festival Rock The Pistes, el desafío de atraer a grandes nombres de la escena francesa es grande, pero no inalcanzable, porque la experiencia para los artistas es inédita en términos de paisaje y experiencia. Así, en esta edición han aceptado la invitación grupos como Superbus, Boulevard des Airs, Trinix o Nèg’Marrons.

El desafío, sin duda, ha sido alcanzado este año. Prueba de ello es la presencia de Boulevard des Airs, uno de los grupos más populares de la escena francesa, que aceptó el reto de actuar en altura. Para el vocalista, el ambiente familiar encaja perfectamente con el espíritu del grupo, que proporciona una actitud "feel good" y familiar en su repertorio.

Entre descensos en esquí, trayectos en telecabina y paisajes nevados, la música resuena de manera diferente. Aquí, cada nota se mezcla con el viento de la montaña y cada concierto se convierte en una experiencia única.

Sale en salas de cine en Francia la película La Culebra Negra, tras estrenarse en 2025 en Cannes. El cineasta francés Aurélien Vernhes-Lermusiaux la rodó en Colombia, en el desierto de la Tatacoa, un lugar ancestral y misterioso. RFI conversó con el director.

Ciro regresa a casa, dejando atrás el ruido de Bogotá para volver al desierto de la Tatacoa. Su madre está gravemente enferma, y con su muerte se puede desvanecer toda una herencia cultural.

La Culebra Negra (La Couleuvre Noire, en francés), cinta del francés Aurélien Vernhes-Lermusiaux, explora la transmisión del conocimiento ancestral en Colombia.

El director eligió Alexis Tafur, un actor natural, para encarnar a Ciro, que vuelve a un mundo que ya no reconoce con los mismos ojos.

“Cuando uno abandona un lugar por rechazo, y luego regresa años después con otra mirada, es porque el camino personal ha evolucionado. Ciro toma conciencia que su legado cultural es importante, que el lugar donde nació se va fragilizando cada día. Él debe elegir si continúa transmitiendo ese legado a las siguientes generaciones o no", explica Vernhes-Lermusiaux a RFI.

Él mismo llegó a ese rincón del Huila en 2018. La Tatacoa fue un llamado sensorial. Hace miles de años este desierto era una selva vibrante, hoy con sus impresionantes cañones laberínticos, tiene una atmósfera de otro planeta.

“Cuando llegué a ese lugar, me sentí extremadamente turbado por sus energías, su geografía y la forma como viven sus habitantes”, dice.

En Colombia se le dice tatacoa a las serpientes ciegas. La cinta evoca este animal escondido en el desierto, que sigue siendo una creencia viva. “La culebra es la memoria del lugar y también una creencia. Aquí se mezclan creencias, sensorialidad, saberes ancestrales. La serpiente es una metáfora, además, de cuando uno le teme a algo, a un lugar, a un pasado. En fin de cuentas, al abrazar lo que nos asusta, aprendemos a ver el mundo de otra manera”.

La Culebra Negra, de Aurélien Vernhes-Lermusiaux, fue presentada por primera vez en Cannes 2025, en la selección de ACID, dedicada al cine independiente.

La 38ª edición del Festival Cinelatino de Toulouse tiene como invitada de honor a Bertha Navarro, reconocida productora mexicana con más de medio siglo de trayectoria. Ha colaborado con cineastas como Guillermo del Toro, quien la define como su “madre cinematográfica”. María Carolina Piña, enviada especial de RFI, conversó con ella sobre su carrera.

Bertha Navarro acumula más de 50 años dedicada al cine y es considerada una pionera de la producción cinematográfica en México, abriendo camino a numerosas mujeres en la industria. Ha sido productora de varias obras de Guillermo del Toro, desde Cronos, pasando por El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, películas que se proyectan en Toulouse junto a otros títulos de su filmografía.

“Mi primera película, que se va a ver hoy, fue Reed, México insurgente, que hice en el 1971 y terminé en el 1973. Ese año pudimos venir al Festival de Cannes a presentarla. Ahí se inicia una larga vida como productora. Al principio fue difícil, pero soy muy guerrera y me fui abriendo espacios”, señala.

La productora recuerda las dificultades de sus inicios en un entorno marcadamente machista: “Recuerdo que uno de los técnicos de una película se rió de mí. Dijo: ‘Ahí está esa pinche productora’. Y lo corrí. ‘Te vas’, le dije. Era un ámbito muy machista. Ahora hay muchas productoras en México, fantásticas. Se han abierto más espacios para ellas. Pero en esa época ser mujer en el cine era batallar mucho”.

Durante el festival se proyectarán siete películas producidas por Navarro. “Estoy feliz y muy agradecida con el Festival de Toulouse. Es un festival increíble y un apoyo fundamental para el cine latinoamericano. Nosotros también tenemos que luchar por la exhibición, ya que en México es mayoritariamente hollywoodense: el 90 % de las salas proyectan cine de Hollywood. Abrir espacios de exhibición es muy importante, y los festivales son fundamentales para eso”, subraya.

Bertha Navarro estará presente en las proyecciones de sus películas y participará en los conversatorios organizados en Toulouse.

Este jueves se publica en Francia la historieta de Mathieu Diez y Jibé titulada Todo menos Beirut. Un recorrido por los pasillos de la diplomacia francesa en el Líbano, un país donde la sed de cultura trasciende las guerras y las crisis económicas. 

Mathieu Diez no imaginaba que su nuevo empleo iba a cambiarle la vida. En 2020, este francés amante de la historieta aceptó el puesto de agregado literario en una de las embajadas francesas más importantes del mundo, la de Líbano. Todo menos Beirut es la historia de esa experiencia.

“Hice la lista de los países a los que podía postular. Mi madre me dijo: todo, pero no Beirut”, cuenta a RFI. Cuando llegó al país de Oriente Próximo, descubrió que la vida en el Líbano era como “páginas de cómic dibujándose ante mis ojos”. El Líbano es un país árabe, en parte francófono por haber estado bajo administración francesa durante dos décadas.

Mathieu Diez detalla los bastidores de la diplomacia cultural. “La cultura es algo que se maneja en las embajadas como el ‘softpower’. Para los Estados es una manera de ser reconocidos, diferente a la diplomacia militar, económica”, explica. En el Líbano, la cultura hace parte de la tradición, “pero el francés es un idioma que se está perdiendo, es una lucha mantenerlo vivo”.

Su llegada a Beirut ocurrió un año después de la explosión del puerto, y tras numerosas crisis tanto financieras como políticas. “Había el proyecto de hacer un festival de cómic, pero con el estado del país en ese momento me parecía muy ridículo hacerlo, cuando hay gente que pierde su dinero en el banco, con la crisis. Fueron los propios libaneses que me dijeron que necesitaban reencontrarse con la cultura que habían perdido”.

En cuatro años en Beirut, Diez y su familia experimentaron la realidad de los cortes de luz, de la crisis económica y de la guerra con Israel, que se reactivó tras el 7 de octubre de 2023. Una vez más, la cultura fue a la vez víctima y salvación. “Fue difícil hacer eventos. No recuerdo cuántas veces tuvimos que cancelar por los bombardeos o por razones políticas”, recuerda.

El Festival del Libro comenzó en 2022, luego llegó a una segunda edición en 2023, y en 2024 se canceló debido a la guerra entre Israel y Hezbolá. La historieta cuenta esa época, que resuena con eco amargo ahora que el conflicto ha vuelto a golpear el país.

“Pero me di cuenta que, a pesar de todo la gente sigue viviendo. Desde 1975 y la guerra civil, los libaneses se acostumbran a vivir al lado del caos. Un amigo libanés me dijo que las fiestas más bellas que hizo fueron durante la guerra civil. Cuanto más difícil es la vida más necesitas sentirte vivo, y eso es algo muy libanés”, concluye.  

Todo menos Beirut es una historieta del guionista Mathieu Diez dibujada por Jibé y publicada en francés este jueves 5 de marzo.