El Invitado de RFI

La trompetista española de jazz Milena Casado presenta estos martes y miércoles en la cava de jazz parisina Sunset-Sunside su primer álbum “Reflection Of Another Self”.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Milena Casado es trompetista, compositora y productora española. Descubierta y formada por Terri Lyne Carrington en el Berklee Institute of Jazz and Gender Justice, Milena lleva cinco años actuando en la escena internacional del jazz con grupos liderados por Terri Lyne Carrington, Vijay Iyer, Aaron Parks, Kris Davis, Freedom Riders y otros.

Actualmente radicada en Nueva York, es una de las artistas más destacadas de la escena estadounidense contemporánea. Líder de su propio quinteto durante los últimos dos años, ya ha triunfado en importantes festivales internacionales como el NYC Winter JazzFest, el Festival Internacional de Jazz de Montreal, el North Sea Jazz Festival y el Jazz à Vitoria-Gasteiz.

Reflection Of Another Self es su primer álbum. Un verdadero descubrimiento para la prensa, esta primera obra es una exploración profundamente personal de la identidad, el trauma, la resiliencia y el amor propio. Aborda tanto lo íntimo como lo universal de una música profundamente arraigada en la historia social y política del jazz y su capacidad para crear nuevos horizontes.

El artista mexicano Alejandro Goldberg inaugura este martes “Personajes y sus dimensiones”, su primera exposición personal en París, en la galería L’Esprit de l’escalier.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Alejandro Goldberg es un pintor nacido en Ciudad de México en 1967.

Su obra se centra en la pintura como práctica, abordando retratos, abstracciones, paisajes y naturalezas muertas, con una fuerte influencia de la pintura mexicana, del expresionismo abstracto y de la tradición italiana. Goldberg combina un enfoque gestual con una profunda atención a la observación y a la materia pictórica, buscando capturar la esencia del sujeto y el momento presente

. Con exposiciones recientes en Israel y participación en muestras y proyectos internacionales, Goldberg ha consolidado una carrera sólida y en constante crecimiento dentro del circuito internacional.

La pianista de jazz franco-rumana Ramona Horvath se presenta este jueves 29 de enero en la sala parisina Le Bal Blomet.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   

Nacida en Bucarest en una familia de músicos, de madre rumana y padre húngaro, Ramona Horvath cultivó desde pequeña una pasión por los estándares de Broadway y la música de Duke Ellington, que descubrió muy pronto gracias a los programas de Willis Connover, en particular "Jazz Hour" (en las ondas de "Voice Of America"), escuchado a escondidas por la familia.

Ramona empezó a tocar el piano de oído a los tres años y, a los seis, en la escuela de música. En casa, se sumergió en todo tipo de estilos musicales: canciones americanas, jazz, música tradicional y gitana, boleros cubanos, pero también, por supuesto, música clásica, que posteriormente estudiaría intensivamente. Obtuvo su diploma como solista de piano clásico en el CNSM de Bucarest a la edad de 23 años.

Al finalizar sus estudios, conoció a la pianista estadounidense de origen húngaro Jancy Korossy, un icono del jazz internacional de los años 50 y 60 tras el Telón de Acero. Este fue un encuentro crucial que catapultó a Ramona de lleno al mundo del jazz. Ambas pianistas también actuaron juntas en escenarios europeos durante varios años. En 2010, Ramona se mudó a París y formó un trío con Guillaume Duvignau al contrabajo y Frédéric Sicart a la batería. En 2012, conoció al contrabajista Nicolas Rageau, con quien desarrollaría varios proyectos. En 2015, Ramona grabó su primer álbum en trío con Nicolas Rageau y Frédéric Sicart, “XS Bird” (Black&Blue), dedicado a la memoria de Jancy Korossy, fallecida dos años antes (premio al mejor álbum de jazz en Rumania).

En 2017, Ramona cambió su orquesta y sonido para un nuevo álbum, más ellingtoniano, "Lotus Blossom" (Black&Blue), grabado en cuarteto con André Villéger al saxo tenor, Nicolas Rageau y Philippe Soirat a la batería. En 2019, Ramona y el bajista Nicolas Rageau grabaron "Le Sucrier Velours" (Black&Blue) a dúo, un álbum que tuvo una excelente acogida en la prensa francesa e internacional y consolidó a Ramona como figura clave de la escena jazzística parisina.

El guitarrista y compositor franco-español Andrés Roe saca al mercado el 27 de febrero su nuevo álbum “Rockumbero” fruto de sus orígenes de rockero y de rumbero.

Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. 

Andrés Roe es un cantante, guitarrista, compositor, productor y compositor que alcanzó el éxito internacional con "Soledad" en los años 90. Ha trabajado con grandes artistas del Rock ( Iggy Pop , David Gilmour), de la World Music (Tony Allen, Tomatito, Ismaël Lô) y de la Chanson francesa (Charlélie Couture, Laurent Voulzy, Stéphane Eicher) yrealizado cientos de conciertos alrededor del mundo y sus fans se encuentran en todos los continentes.

Andrés Roé nació el 29 de junio de 1953 en Barcelona, ​​bajo la jurisdicción del consulado francés, hijo de Charles Roé, fotógrafo catalán-francés, y de María del Carmen Martínez, andaluza nacida en Cádiz. Su infancia en Perpiñán, en el seno de una familia de seis hijos, estuvo marcada por la pasión por la lectura (Lorca, Borges, García Márquez), el fútbol y la música. Aprendió guitarra clásica y armonía, pero solo reconoció a un maestro: Otis Redding. Se casó a los 18 años y comenzó su carrera profesional como guitarrista en "Manolo Ruana", una orquesta de estándares afrocubanos especializada en bodas gitanas. Padre a los 19 años, se unió rápidamente a Burton, la orquesta más importante de la región, a la vez que tocaba en numerosos grupos de rock, jazz, flamenco y bossa nova, obteniendo un DEUG (diploma universitario de dos años) en inglés y una licenciatura en español por la Universidad de Perpiñán.

En 1980, se mudó a París, donde se unió a su amigo catalán Christian Banet en la banda Nightrider, que acababa de firmar un álbum de rock sinfónico con CBS. Posteriormente, formó la banda FFI con Banet, Emmanuel Booz y Jeannot Hanela, exbatería de Trust. Dos años después, la banda se disolvió. Roé se recuperó. Como a lo largo de su carrera, exploró una amplia gama de caminos musicales. Trabajó como guitarrista de estudio, director de orquesta en el Théâtre Mogador para el musical "Magic Story", acompañante de Margaux Hemingway y Enzo Enzo (entonces corista de su banda), actor en la obra "Kean" junto a Jean-Paul Belmondo, compositor para televisión (un episodio de "Navarro" y documentales para Canal+), publicidad y danza contemporánea (Marie Christine Gheorghiu). Esta última experiencia lo llevó a reconectar con sus raíces andaluzas y a viajar a Cádiz, su tierra natal, para estudiar guitarra flamenca tradicional.

En 1987 firmó con el editor y productor Max Amphoux y en 1988 publicó su primer sencillo en Carrere, "Hombre", con un sonido decididamente rock flamenco donde colaboró ​​​​con Clem Clempson (Humble Pie), luego tocó en los álbumes de Charlelie Couture "Solo Girls", "La salle de bains" así como en su álbum en vivo en Folies Bergeres y escribió la parte española de la canción "Le soleil donne" de Alain Souchon y Laurent Voulzy.

 

En 1990, Philippe Constantin catapultó a Roé del underground al éxito internacional con el lanzamiento de su primer álbum, producido por Nick Patrick. Entre los invitados se encontraban Mory Kante, David Gilmour (Pink Floyd), Tomatito y Ray Léma. En Francia, un espectacular premio a la canción "Soledad" como "favorito de TF1" la llevó a la cima de las listas de éxitos, pero eclipsó su trabajo pionero en el rock y la música del mundo. Roé abrió conciertos para David Bowie, Garland Jeffreys, The Ramones y The Pogues, y realizó giras por Europa, Canadá, el Caribe y Japón. Después trabajó con Iggy Pop en un nuevo proyecto, pero su sello discográfico le planteó un camino completamente diferente. Sin concesiones, Roé renovó su contrato, decidió emprender su propio camino y dejó Barclay en 1991.

La francesa Corinne Bally, creadora de Ethic & Tropic, presentaba en el salón parisino Maison & Objet máscaras fruto de la artesanía indígena de Panamá.  

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.

Corinne Bally posee una vida profesional rica en experiencias y basada en la literatura, la comunicación, el arte y la artesanía, una personalidad marcada por la curiosidad intelectual, la pasión y el respeto por los demás, esto es lo que caracteriza a Corinne Bally en pocas palabras.

Después de gestionar durante diez años proyectos piloto para la Comunidad Europea en Francia, apoyando a artesanos y sobre todo a artesanos, Corinne abrió una galería en España. Ocho años después de abrir esta galería, fue tanto la literatura como el arte lo que la llevó a Centroamérica.

Este viaje, decidido después de leer un libro, dará un nuevo rumbo a su vida.Rápidamente quedó cautivada por la belleza y singularidad del arte emberá, completamente desconocido. Un arte transmitido por mujeres indígenas en el corazón de la selva agreste del Darién.

La cantante española Sílvia Pérez Cruz va a celebrar sus treinta años de carrera el próximo ocho de marzo, casualmente Dia Internacional de la Mujer, en la mítica sala Olympia de París.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Sílvia Pérez Cruz (Palafrugell, Girona, 1983) es una de las voces más sobrecogedoras que ha aparecido en los últimos tiempos; en palabras de Jorge Drexler, “una voz que marca una generación”. Es compositora además de cantante, y habla el lenguaje de la música desde que tiene uso de razón: creció entre canciones populares ibéricas y latinoamericanas, se educó en el clásico y el jazz. Contagiada por el flamenco a través de una conexión que parece sobrenatural, canta de una forma que sólo es suya y estremece.

Sería imposible encuadrar a Sílvia Pérez Cruz en un solo estilo. Es versátil e inconfundiblemente personal. Dos cualidades que raramente coinciden y en cambio a ella la definen. Es fiel a los diferentes estilos que aborda sin dejar de ser, en ningún momento, ella misma.

Estudió entre los 4 y los 23 años un amplio rango de materias relacionadas con la música: solfeo, saxo y piano clásicos, cajón, armonía, canto (jazz y flamenco), improvisación, arreglos, saxo (jazz), composición… Es licenciada en canto jazz por la ESMUC.

Ha formado parte de infinidad de discos y proyectos, y ha colaborado con artistas como Gino Paoli, Stefano Bollani, Lluís Homar, Rocío Molina, Jorge Drexler, Hamilton de Holanda, Toquinho, Natalia Lafourcade, Lila Downs, Liniker, Maria Gadú, Liliana Herrero, Joan Manuel Serrat o Lluís Llach, entre otros. También ha cantado con la Orquesta Nacional de España dirigida por Josep Pons. Con el contrabajista Javier Colina rescató el filin cubano en el proyecto En la imaginación (2011), fue co-fundadora y cantante del grupo Las Migas (2004 – 2010) y formó dúo ocasional con el guitarrista Toti Soler. Debutó como compositora y solista con 11 de novembre (Universal, 2012), que aunó éxito de público y crítica y por el que recibió un disco de oro. En 2014 recibió un nuevo disco de oro por granada (Universal 2014), publicado a dúo con Raül Fernandez (Refree), con quien también coprodujo el anterior.

Sílvia ha trabajado a lo largo de su carrera en diversos montajes de teatro, dirigida por Joan Ollé o Julio Manrique. También fue la voz de la película Blancanieves de Pablo Berger, ganadora de 10 goyas en 2013, entre ellos, el de mejor canción original.

En 2014 se estrenaba el montaje de Lluís Homar de la obra de teatro Terra Baixa (Àngel Guimerà) para la que Sílvia compuso la música. En 2015 compuso y grabó la banda sonora de  Cerca de tu casa, de Eduard Cortés, una película sobre los desahucios que además protagonizó. Este proceso cristalizó en la edición de Domus (Universal Music, 2016); con el que cosechó la Biznaga de plata a mejor música original en el Festival de Cine de Málaga (2016), el Premio a mejor música original en el PÖFF (Black Nights Festival) de Tallin (2016), el Premio Gaudí a mejor música original (2017) y el Premio Goya a mejor canción original por “Ai, ai, ai” (2017); también estuvo nominada al Goya a mejor actriz revelación. En este disco se encuentra además “No hay tanto pan”, canción que se convirtió en una especie de himno y una de las más demandadas en sus conciertos hasta día de hoy junto a sus versiones de “Pequeño vals vienés” y “Gallo rojo, gallo negro”.

Vestida de nit (Universal Music, 2017; toma el nombre de la composición del mismo título de sus padres Glòria Cruz –letra– y Càstor Pérez –música–) es la obra que surge tras más de cinco años de gira junto a un quinteto de cuerda, síntesis de una profunda investigación sonora, de las dinámicas entre instrumentos y la libertad de la desaparición de la partitura en unos músicos de formación clásica, de las posibilidades de la improvisación. Es un trabajo en el que Sílvia combina clásicos de su repertorio y canciones inéditas hasta la fecha en un disco con arreglos propios y de colaboradores cercanos como Joan Antoni Pich, Javier Galiana de la Rosa o Carlos Montfort.

A principios de julio de 2018 se estrenaba en el Festival de Avignon la producción Grito Pelao (Premio Max 2019 a mejor composición musical para Sílvia y a mejor espectáculo de danza) junto a la bailaora y coreógrafa Rocío Molina, obra alrededor del deseo de ser madre soltera de Rocío y que fue el resultado de un proceso de investigación conjunta sobre la emoción previa a la forma, la emoción común, anterior al canto y al baile, la que comparten el canto y el baile. En septiembre de 2018 llegaba a las pantallas la película La noche de doce años, del director uruguayo Álvaro Brechner, protagonizada por Antonio de la Torre, en la que Sílvia interpreta dos versiones y dos composiciones propias, además de participar en un pequeño papel como actriz. También este año repetía Sílvia colaboración con Lluís Homar en el montaje de Cyrano (Edmond Rostand), para el que de nuevo escribía música original.

Durante 2019 giró en formato de dúo junto al pianista menorquín Marco Mezquida, gira que finalizó en Japón con la grabación de un disco en directo en el Blue Note de Tokyo llamado MA. Live in Tokyo. El 2 de octubre de 2020 publicó Farsa (género imposible), un proyecto que recoge la realidad compositiva de los últimos tres años de Sílvia: trece canciones originales con letras propias y algún poema prestado. Farsa (género imposible) responde a la inquietud de Sílvia en relación a la dualidad de lo que se muestra y lo que realmente somos, por cómo sobrevive la fragilidad del interior, de lo íntimo, en estos tiempos en los que la superficie es tan arrasadora, en los que lo que se ve se puede llegar a confundir con lo que se escucha. Donde lo visualmente jugoso puede estar vacío. Lo hueco. La mentira. Canta aquí Sílvia canciones que ha compuesto dialogando con otras disciplinas artísticas (el detalle en cada caso se citó anteriormente en esta biografía) como el cine, la danza, la poesía o el teatro, entre otras, que se empeñan en ensanchar la vida, recreándola. La gira de este proyecto en sus distintos formatos sumó más de 80 conciertos entre 2020 y 2022.

Sílvia creó la banda sonora y puso voz a dos personajes (uno de ellos es su rostro, además) de la película JOSEP (2020) dirigida por el ilustrador francés Aurel. La película fue premiada en Francia en los prestigiosos Prix Lumière (otorgados por la prensa internacional especializada) como mejor película de animación del año, y Sílvia obtuvo el galardón en la categoría de Mejor Música Original.

En 2022 recibió el prestigioso Premio Nacional de Músicas Actuales (otorgado por el Ministerio de Cultura) y el Premio Pop-Eye al Duende, ambos como reconocimiento a su trayectoria, además del Premio Pávez a Mejor Banda Sonora Original por su trabajo en el cortometraje Maruja (Berta García-Lacht, 2021). Participó además en el proyecto Territorios, compartido con Liliana Herrero y Maria Gadú. El 21 de abril de 2023 se publicó el nuevo trabajo discográfico de la artista catalana, Toda la vida, un día (Sony Music). Un disco de composiciones originales que reivindica el valor de todas las etapas de la vida, se fija en los ciclos de la naturaleza, hace hincapié en la amistad de calidad, la lentitud y el canto colectivo. En él cuenta con la colaboración de artistas como Salvador Sobral, Liliana Herrero, Juan Quintero, Pepe Habichuela, Carmen Linares o Natalia Lafourcade, entre otros, para rubricar uno de sus álbumes más redondos e internacionales hasta la fecha.

2023 fue así un año felizmente activo para Sílvia: además de la edición y extensa gira de presentación de su nuevo disco participó en más de veinte conciertos como invitada especial en las giras norteamericana y europea de Damien Rice, recuperó el proyecto Territorios en tres importantes y celebrados conciertos en Barcelona, Madrid y Cartagena, además de aparecer como invitada especial de Natalia Lafourcade en su concierto del 7 de noviembre en el Auditorio Nacional de Ciudad de México o actuar presentando TLVUD en la FIL de Guadalajara (México).

En 2024 siguen las exitosas presentaciones de TLVUD en una gira que incluye ya más de ochenta conciertos. Un nuevo programa con la Orquesta Sinfónica del Vallés titulado Gardel, tangos y milongas se estrenaba en enero de este año con Sílvia como solista invitada y cuatro conciertos de presentación. Se han publicado, además, sendas colaboraciones en el nuevo álbum de Residente, en las canciones “313” (que le valió una nominación al Latin Grammy como mejor co-compositora) y “Artificial Inteligente”.

Tres premios de la Academia Española de la Música, otro de la Academia Catalana, uno más de +MÚSICAS (canción del año), el Premio Aupa! (encuentros BIME) a artista del año, tres conciertos extraordinarios (con la colaboración de Damien Rice, Natalia Lafourcade o Salvador Sobral, entre muchos otros) abriendo el Festival GREC de Barcelona con cerca de 6.000 espectadores, conciertos con Zé Ibarra en España y Brasil, la publicación de su actuación en el prestigioso Tiny Desk, varias colaboraciones en la gira mundial de conciertos de Residente presentando Las letras ya no importan, la publicación de un nuevo trabajo junto al guitarrista argentino Juan Falú (Lentamente, 2024) y la presentación de este en varias fechas en España, Uruguay y Argentina dan buena cuenta de una brillante e imparable actualidad. 

La cantante argentina Sofía Levín presenta el próximo 31 de enero su trabajo “Siempre Piazzolla” en la cava de jazz parisina Sunside.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Nacida en Buenos Aires, Sofía Levín combina tradición y modernidad con un estilo personal, intenso y femenino que distingue su interpretación del tango. Desde muy joven, desarrolló una pasión por la música popular argentina y comenzó a formarse con la reconocida Virginia Dupuy. Posteriormente, continuó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, la École Nationale de Musique de Villeurbanne y el Conservatorio de Gennevilliers, mientras perfeccionaba su técnica vocal y pedagogía con Richard Cross.

Durante más de una década, ha desarrollado una carrera internacional, alternando su actividad pedagógica con conciertos en Europa y Latinoamérica. Ha participado en proyectos inspirados principalmente en el tango argentino, como el Cuarteto Levín, Viento Sur y Chanson Porteña, y se ha presentado en prestigiosos escenarios como el Théâtre de France Musique, el Musée de la Vie Romantique, la Alianza Francesa, la ENS de París y la Maison de l’Amérique Latine en Francia, así como en La Botica del Ángel, Clásica & Moderna, Notorious y Jazz Voyeur en Argentina.

Su interpretación del tango combina sensibilidad poética, intensidad expresiva y feminidad, explorando la singular fusión de letras y música característica del “tango canción”. La aproximación de Sofía al tango es respetuosa con la tradición, pero abierta a influencias de otros estilos, en particular del jazz, lo que refleja la riqueza cosmopolita del género, forjada por más de un siglo de intercambio entre Sudamérica y Europa.

Su repertorio destaca a autores que la inspiran, valorando la profundidad emocional y la narración de sus composiciones, y busca conmover a la audiencia a través de historias, emociones y experiencias musicales únicas.

El cantante cubano Issac Delgado presenta su nuevo álbum ‘Mira como vengo’ el próximo cinco de febrero en la sala parisina Le Trianon.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. 

Issac Delgado es seguramente uno de los cantantes y compositores más conocidos de la música cubana en el mundo, 1991 fue un año decisivo en la carrera musical de Issac Delgado pues decide crear su propia orquesta bajo la tutela del prestigioso pianista Gonzalo Rubalcaba. En 1992, gana premio EGREM con su primer disco « Dando la Hora ».

En 1993 sale su segundo CD « Con ganas » y obtiene nuevamente el premio EGREM al mejor disco de música popular así como el premio de la crítica. Al siguiente año (1994) participa en la producción discográfica “El Chévere de la Salsa y el Caballero del Son” y nuevamente se alza con dos lauros EGREM; al Mejor Disco de Música Bailable y Premio de la Popularidad.

Este es un gran momento para el inicio de su carrera internacional que se extenderá hasta los Estados Unidos donde se presenta en el famoso Madison Square Garden junto Celia Cruz, El Canario y Grupo Niche, entre otros. En 1998, la disquera RMM le pide instalarse en España para desarrollar su carrera artística. Ahí grabará su tercer disco « La primera Noche » donde participan como invitados la cantante española Ana Belén y el salsero boricua Cheo Feliciano.

En 1999, participa junto a Celia Cruz en los carnavales de Las Islas Canarias ante más de 250 000 espectadores. En el mismo año graba el tema « La vida es un carnaval » que tendrá un éxito planetario. El disco “Malecón” es nominado 2 veces al Grammy Latino en la categoría de « Mejor disco de música tropical « y uno de sus temas (La Fórmula) será nominada a la mejor canción. En el período 2002-2005, realiza tres producciones musicales, una de ellas dedicada a temas de la Nueva Trova Cubana (Versos en el Cielo). Así Soy y « En primera plana » serán producidos con el sello disquero “La Calle Records”. Issac multiplica las colaboraciones con grandes nombres de la música internacional, sus prestaciones se intensifican en los Estados Unidos, Puerto Rico y Japón, es un momento donde sus conciertos internacionales serán frecuentes.

En el 2012 grabara lo que será sin duda una de las mejores producciones en su carrera, Issac decide de retomar uno de los títulos de Nat King Cole « Love » donde Issac interpreta con elegancia y con el estilo de feeling que siempre lo acompaña, mezcla de jazz y caribe. (Eliane Azoulay para Télérama)2013, después de 7 años de trabajo en los Estados Unidos, Issac decide de volver a Cuba.

El tema « La Habana está de Moda » grabado a dúo con el cantante de reggaetón Baby Lores, así como “Ilusión de Amor” formaron parte de esta producción discográfica de Issac delgado, bajo el sello EGREM. Conciertos en Venezuela, Colombia, Europa y Estados Unidos fueron parte del calendario 2014-2015.

El 2016 abre paso a nuevos proyectos creativos con la grabación de su nueva producción musical “Made in Habana” que Salió al mercado bajo el sello discográfico EGREM en el territorio nacional y KOBALT MUSIC para el resto del mundo, el cual estuvo nominado al premio CUBADISCO. Feria Internacional 2017, en la categoría de Música Popular Bailable. Maestro fonograma.

El saxofonista español Luis González Garrido saca al mercado el próximo 7 de febrero “Génesis’ su primer grabado junto al pianista franco-británico Orlando Bass editado por el sello francés Klarthe.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.     

Luis González Garrido nació en Utrera (Sevilla) en 1997, donde descubrió su pasión por la música a los 8 años. Su camino lo llevó de Utrera a Sevilla y San Sebastián, y más tarde a París, donde continuó sus estudios en los conservatorios de Versalles, París y Bruselas. En estas ciudades, obtuvo másteres en Saxofón, Música de cámara y Musicología.

El viaje musical de Luis González lo ha llevado por toda Europa, actuando en escenarios emblemáticos como el Palau de la Música Catalana en Barcelona, el Auditorium del Petit Palais en París y los Teatros del Canal en Madrid. Ha participado en festivales como Las Noches en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla, el Festival Européen Jeunes Talents en París y el Festival SummerWinds de Alemania.

Curioso por naturaleza, Luis González ha explorado diversos horizontes musicales. Su repertorio es un abanico que va desde la música antigua hasta transcripciones del Romanticismo y la creación contemporánea. Para ello, ha colaborado con compositores como Joan Magrané, Félix Ibarrondo, Carmen Verdú, Álex Nante y Orlando Bass, entre otros. El flamenco, arraigado en su herencia sevillana, ha sido una constante en su vida.

Desde joven, Luis González ha colaborado con artistas locales en la grabación de CDs y conciertos, y ha trabajado con compañías de danza y música como las de David Coria, David Lagos y Úrsula López. Además, Luis González ha participado en espectáculos de danza clásica y contemporánea, performances con actores, música de cabaret y musicales. La interacción con otras disciplinas artísticas le inspira profundamente y le permite expandir su creatividad. Apasionado por la música de cámara, Luis González ha sido parte de numerosos grupos, tocando con músicos como Joë Christophe, Orlando Bass, Karen Kuronuma, Nadja Dornik, Pavel Efremov y Yakir Arbib.

Junto al guitarrista francés Antoine Guerrero, formó el Dúo Métis, cuya especial complicidad en el escenario los ha llevado a presentarse en toda Francia y España. Actualmente, Luis González se prepara para dejar una huella musical de lo recorrido hasta el momento, con dos trabajos discográficos: uno junto al pianista Orlando Bass y otro con el Dúo Métis. Transmitir su amor por la música y el saxofón es fundamental para Luis González, quien comenzó a enseñar desde muy joven y ha sido profesor de saxofón en Courdimanche (Francia) durante dos años.

Su actividad pedagógica actual incluye masterclasses en Francia, España e Italia, en festivales como el AlpenClassica Sax Festival, en conservatorios y con un selecto grupo de alumnos regulares. Para Luis González, la mediación cultural es una forma profunda de conectar con la sociedad. La comunicación con el público durante sus conciertos es crucial, participando en iniciativas dedicadas a la mediación musical. Colabora con Les Concerts de Poche, Jeunes Talents y la asociación Tournesol, llevando la música a todos los públicos y haciendo que todos se sientan partícipes del momento musical.

La escritora argentina Pola Oloixarac acaba de publicar en Francia la traducción de su novela “Bad Hombre” en las ediciones Le Cherche Midi.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnosla.

Paola Caracciolo (Buenos Aires, 13 de septiembre de 1977), conocida por su seudónimo Pola Oloixarac, es escritora, periodista, filósofa y traductora.​ Autora de cuatro novelas, su obra ha sido traducida a varias lenguas,​ y fue calificada por Ricardo Piglia como «el gran acontecimiento de la nueva narrativa argentina». Reside en Barcelona ​desde 2020.

Cursó sus estudios secundarios en Nuestra Señora de la Misericordia y el Colegio Nacional de Buenos Aires. Estudió filosofía en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires.​ Su primera novela, Las teorías salvajes, de 2008, fue un éxito internacional tanto de público, ya que se realizaron cinco ediciones de la obra, como de la crítica especializada.​ En 2010 la revista Granta la nombró una de las mejores nuevas novelistas en español,​ y recibió la beca Letras del Fondo Nacional de las Artes de su país.

Fue columnista del suplemento de Cultura de los sábados del diario Perfil y del diario La Nación. Escribió sobre arte y tecnología en The Telegraph, The New York Times International, Folha de Sao Paulo, Página 12, Revista Quimera, Etiqueta Negra, Qué Leer, Revista Alfa, AméricaEconomía y Brando. En 2010 participó del International Writers Program de Iowa con una beca del Departamento de Estado de los Estados Unidos, y posteriormente fue nombrada profesora Ida Beam 2023 del programa de Escritura Creativa en Español de la Universidad de Iowa. Fue becada por Amsterdam Writer in Residence y Dora Maar en Francia.

Fue la ganadora, junto con la escritora Imaobong Umoren, de la edición 2021 del Premio de Literatura Eccles Centre & Hay Festival, premio que consistió en un monto de libras esterlinas y un año de residencia para desarrollar un proyecto en la British Library.

En 2025, su obra Bad hombre, una novela basada en casos reales, fue nominada al premio Bienal de Novela Mario Vargas Llosa.