Carrusel de las Artes

Izamos las velas en "Escale à Sète", la fiesta de las culturas y tradiciones marítimas. En este puerto mediterráneo lleno de color se dan cita algunos de los barcos más bellos e históricos del mundo. Después, nos dirigimos a las alturas con "Rock the Pistes", un festival musical pionero en Francia y en Europa, que ofrece conciertos diarios en lo alto de los Alpes franceses.

“Escala en Sète” y es uno de los festival más grandes e importantes sobre la cultura y las tradiciones marítimas. La principal atracción de estas fiestas son los más de 120 barcos de ayer y de hoy que atracan en el puerto de Sète luego del desfile inaugural, que comienza antes del amanecer.

“Es muy típico de este tipo de festivales hacer un desfile marítimo. Todos los barcos entran juntos a puerto. Y es la ocasión para el publico de ver los barcos en movimiento”, explicó a RFI Juanjo Capó, el capitán del Pascual Flores, un barco español construido en 1917.

La máxima atracción de Escala en Sète, son precisamente los grandes veleros que el público puede visitar. Entre ellos destaca el francés “Bélem”, uno de los barcos de tres mástiles más antiguos de Europa, inscrito en la lista de Monumentos Históricos.

“Escale à Sète” reunió en 2026 barcos venidos de una decena de países y regiones de Europa. El país invitado de honor fue Italia, pero en los muelles de Sète podían visitarse veleros portugueses, indios, mauritanos, españoles, catalanes, croatas, etc.

“’Escala en Sète’ es la reunión marítima más grande del Mediterráneo. Su objetivo es la transmisión, la protección, la solidaridad en torno al patrimonio marítimo. En cada edición nos esforzamos en resaltar que ese acervo es internacional y por eso invitamos una decena de delegaciones de diferentes países”, aseguró el director de “Escala en Sète”, Wolfgang Idiri.

El festival impulsa también la defensa y transmisión del patrimonio marítimo en todos sus aspectos, material, inmaterial y natural, a través de decenas de exposiciones y conferencias.

“Que mejor ejemplo que el Bélem, que está cumpliendo 130 años. Este barco es un monumento excepcional y una escuela flotante. Es todo un modelo de transmisión y de patrimonio cultural, valores que son muy importantes para nuestro festival”, agregó Idiri.

Un galeón con historia

Entre los barcos presentes en Sète, se encontraba El Galeón Andalucía. Se trata de una réplica de un galeón español del siglo XVI de seis cubiertas, diseñado y construido por Ignacio Fernandez Vial en el siglo XXI. Actualmente es el único galeón del mundo que puede navegar y funciona como un buque-escuela.

“Es un galeón mercante típico del siglo de oro de España. En esa época se utilizaba este tipo de barcos para transportar carga desde Nuevo México hasta Filipinas. Navega tanto a vela como a motor. Aquí aprendemos todo lo que concierne la vida a bordo. Y aunque tenemos cartas digitales y radar, aprendemos a utilizar los métodos antiguos de navegación”, detallo David Herráiz Martínez, un joven marino de 20 años y estudiante de náutica.

Un repertorio vasto, pero poco conocido

“Escala en Sète” también es un festival gastronómico que pone de relieve los productos del mar y una fiesta musical. También pone en evidencia el repertorio de canciones de marinos, un patrimonio vasto y diverso, propio de las poblaciones que viven del mar.

“Como toda canción, los cantos marinos cuentan historias de amor y de lamento. También narran la vida en los puertos, las brigadas de marineros que hacen escala… Muchas canciones hablan de naufragios, pero también de rescates. De la dura vida en altamar, así como la espera de los que se quedan en tierra firme. Muchas canciones hablan de las maniobras propias a bordo de un barco”, comentó el especialista francés Michel Colleu.

El estudioso destaca que este repertorio es muy vasto. Hay canciones en diversas lenguas, incluso en Francia, y concierne muchos temas y oficios distintos.

“Un marinero de Sète no habla como alguien del norte de Francia. En Sète se canta en ‘sétois’, un dialecto típico de esta zona; en Dunkerque se usa el flamenco occidental. Yo vivo en Douarnenez, y allí se habla el bretón. Pero, además, si uno es marinero mercante o pescador de arenque, son universos totalmente distintos. Todo eso hace que haya una gran riqueza de cantos, que mucha gente no conoce”, agregó Colleu.

Rock The Pistes: cuando la montaña se convierte en escenario musical

A 1.500 metros sobre el nivel del mar, lejos del murmullo del Mediterráneo, los Alpes ofrecen un espectáculo completamente distinto. Aquí, la nieve no solo cubre las pistas de esquí: también sirve de escenario para uno de los festivales más singulares de Europa, Rock The Pistes. Un desafío a la altura del Mont Blanc.

En el corazón del dominio franco-suizo de Les Portes du Soleil, el objetivo es claro: ofrecer una perspectiva cultural y musical al deporte del esquí. Durante varios días, este vasto territorio alpino se transforma en un escenario gigante al aire libre, donde cada pista puede conducir a un concierto.

Una logística sin precedentes

Pero detrás de esta experiencia única hay una logística impresionante. Como nos lo explica el director del complejo de esquí Les Portes du Soleil, Fabrice Mielzarec, helicópteros, máquinas pisanieves y equipos técnicos trabajan en condiciones extremas para transportar instrumentos, escenarios y artistas hasta lo más alto de las montañas. Una movilización inédita que implica a toda la región y redefine los límites de la producción musical en vivo.

La música bajo la nieve como cohesión social La ambición del festival no es solo entretener, sino también crear cohesión. Programadores, DJs y artistas colaboran para llevar la música literalmente a las cumbres, ofreciendo al público una experiencia inmersiva donde el esquí y los conciertos se entrelazan.

Para Manon y Christelle Gagnaire, creadoras de MC Stereo y programadoras musicales del festival Rock The Pistes, el desafío de atraer a grandes nombres de la escena francesa es grande, pero no inalcanzable, porque la experiencia para los artistas es inédita en términos de paisaje y experiencia. Así, en esta edición han aceptado la invitación grupos como Superbus, Boulevard des Airs, Trinix o Nèg’Marrons.

El desafío, sin duda, ha sido alcanzado este año. Prueba de ello es la presencia de Boulevard des Airs, uno de los grupos más populares de la escena francesa, que aceptó el reto de actuar en altura. Para el vocalista, el ambiente familiar encaja perfectamente con el espíritu del grupo, que proporciona una actitud "feel good" y familiar en su repertorio.

Entre descensos en esquí, trayectos en telecabina y paisajes nevados, la música resuena de manera diferente. Aquí, cada nota se mezcla con el viento de la montaña y cada concierto se convierte en una experiencia única.

La reconocida directora de cine argentina conversó con RFI sobre su más reciente película. “Nuestra tierra” es un documental sobre el asesinato en 2009 de un líder indígena en Argentina, Javier Chocobar. También conversamos con el ganador del Gran Premio del Festival Cinelatino de Toulouse, Pablo Pérez Lombardini, autor de “La reserva”, una ficción sobre el combate de los defensores del medioambiente en México.

Llega a las salas de cine francesas la última película de Lucrecia Martel. “Nuestra tierra” es un largometraje documental sobre el asesinato a tiros de Javier Chocobar, líder de la comunidad indígena Chuschagasta, en la provincia de Tucumán, en el norte de Argentina. Chocobar fue asesinado en 2009 cuando intentaba oponerse a tres hombres que buscaban desalojarlos de sus tierras ancestrales. Lucrecia Martel aborda este caso y el juicio a los asesinos de Chocobar. El resultado es un documental que desentraña una larga historia de desigualdad y maltrato a los indígenas en Argentina, que se refleja actualmente en una asimetría de la justicia.

“La justicia simplemente emana lo que la sociedad es. Para la educación primaria y secundaria argentina, los indios desaparecieron en el siglo XIX. Somos capaces de citar al menos siete personajes de la Revolución Francesa. Pero de la revolución de Tupac Amaro, o de Tupac Katari, o de las comunidades y lenguas que se hablan hoy en el país, no podemos decir una palabra”, aseguró Martel.

México gana el Gran Premio de Cinelatino

De Argentina viajamos a México a través del cine para explorar otra historia de abuso y de despojo a las comunidades indígenas. Ese es el tema de “La reserva”, película que ganó el Gran Premio del Festival Cinelatino de Toulouse 2026.

La defensa de los territorios naturales es una de las luchas sociales más difíciles y peligrosas en México. “La reserva” habla precisamente de ese combate desigual entre quienes preservan los bosques y reservas naturales, y el crimen organizado. Se trata de la primera película de Pablo Pérez Lombardini, quien filmó en una reserva natural biodiversa en el estado de Chiapas.

“El origen de la historia fue aprender que México es de los países donde más defensores medioambientales son asesinados en la protección de algún territorio, especie o ecosistema. Y este es un fenónmeno que se replica muchísimo en América Latina, en Colombia, El Salvador, Honduras. Entonces esta película surje de tratar de meterme en la piel y en los zapatos de una persona dispuesta a llevar a cabo esta defensa”, explicó Pérez Lombardini.

La llamada “ciudad rosa” de Francia acoge nuevamente el festival Cinelatino. La reconocida Bertha Navarro y México son los invitados de honor de la 38ª edición de este colorido festival.

La ciudad de Toulouse es un territorio de comunión con el cine y las realidades de América Latina, en el marco del Festival Cinelatino. Para su 38ª edición los encuentros cinematográficos de Toulouse recibieron a una gran maestra, Bertha Navarro, quien ha estado presente en la proyección de todas sus películas.

Navarro suma más de 50 años haciendo cine. Es una pionera de la producción del cine mexicano, lo que abrió el camino a muchas mujeres. Guillermo del Toro la llama su “madre cinematográfica”, porque ha sido la productora de sus películas y de sus monstruos, desde “Cronos”, pasando por “El espinazo del diablo” y “El laberinto del fauno”, cintas que se muestran en pantalla grande en Toulouse, junto a otras películas de Bertha Navarro.

“Mi primera película, que se va a ver hoy, fue Reed, México insurgente, que hice en el 1971 y terminé en el 1973. Ese año pudimos venir al Festival de Cannes a presentarla. Ahí se inicia una larga vida como productora. Al principio fue difícil, pero soy muy guerrera y me fui abriendo espacios”, señala.

La productora recuerda las dificultades de sus inicios en un entorno marcadamente machista: “Recuerdo que uno de los técnicos de una película se rió de mí. Dijo: ‘Ahí está esa pinche productora’. Y lo corrí. ‘Te vas’, le dije. Era un ámbito muy machista. Ahora hay muchas productoras en México, fantásticas. Se han abierto más espacios para ellas. Pero en esa época ser mujer en el cine era batallar mucho”.

México presente

En 2026 México y Francia celebran el bicentenario de sus relaciones diplomáticas. Y en Cinelatino, México es el país invitado de honor, con una delegación de 16 artistas invitados y 36 películas mexicanas proyectadas durante el festival.

El festival abrió con “Chicas tristes” de Fernanda Tovar, cinta desarrollada junto al Colectivo Colmena. Una historia con dos protagonistas quienes son las mejores amigas del mundo. Una de ellas sufre una agresión en una fiesta, lo que pone a prueba la amistad. ¿Callarlo o buscar justicia? Con esta película Fernanda Tovar habla de la violencia sexual cuando se sufre en la adolescencia.

En la competencia, el cine mexicano también estará muy presente con varias películas en las distintas categorías. En largometrajes de ficción figura “Moscas”, la más reciente cinta del multipremiado Fernando Eimbcke, una película sobre el amor y la soledad. Un padre y su hijo alquilan un cuarto en casa de Olga, una mujer sola y amargada, mientras la madre del niño está en el hospital. La frescura de Cristian termina desarmando a la desconfiada Olga, que interpreta Teresita Sánchez.

“Cuerpo celeste”

Cinelatino es un festival con tres competencias en largometrajes, cortos y documentales. Este año compite una película filmada en el desierto costero de Atacama en Chile.

“Cuerpo Celeste” es el nombre de esta cinta dirigida por Nayra Ilic García y ambientada en el verano de 1990, un momento en el Chile transitaba hacia la democracia. Al mismo tiempo, su protagonista, Celeste, vive el paso de la adolescencia a la edad adulta tras un evento traumático. La historia de un país que cambia se cruza entonces con la de una juventud en plena mutación.

La cinta hace alusión al Caso Pisagua, donde se encontraron los cuerpos de 19 personas desaparecidas, fusiladas y arrojadas a una fosa común.

“Solaire” de Yael Naim

El nuevo disco de Yael Naim, titulado “Solaire” representa una etapa de renovación artística y personal para la cantautora franco-israelí. Naim es conocida por sus baladas pop al estilo “feel good”. Pero para “Solaire” ha adoptado un sonido más electrónico.

Publicado en 2026, el álbum se presenta como una obra íntima y luminosa, donde la artista explora temas como la libertad, la identidad y la aceptación de su propia fuerza. La artista estuvo en los estudios de RFI y France24 para hablarnos de este disco y contarnos cómo vive el conflicto israelo-palestino.

El maestro del impresionismo es el protagonista de una vasta y colorida muestra en el Museo de Orsay de la capital francesa. También en este programa conversamos con la directora y protagonista de Las corrientes, película argentina que llega a las salas de cine francesas.

El Museo de Orsay de París cumple 40 años. Para celebrarlo, presenta en sus salas una exposición doble dedicada a uno de los pintores franceses más ilustres, Auguste Renoir.

El pintor del impresionismo y artífice de la modernidad es celebrado con dos exposiciones: la primera, “Renoir y el amor”, reúne decenas de obras maestras, coloridas y etéreas. La exposición abre con un autorretrato de Renoir, para luego presentar sus escenas campestres, conversaciones íntimas y bailes galantes el siglo XIX con parejas que se enlazan tiernamente. Francia salía de la guerra civil y del caos. Pero Renoir solo tuvo ojos, pincel y color para las relaciones humanas.

“Renoir introdujo tranquilidad y delicadeza en la pintura en una época muy difícil en Francia, que fue le siglo XIX. Cuando pintó “Baile en el Molino de la Galette”, el barrio de Montmartre había sido escenario de una guerra civil. Allí los franceses se habían matado los unos a los otros. Francia había perdido la guerra y había sido invadida por Alemania. Pero Renoir entiende que la modernidad que también podía ser alegre, y no solo de sufrimiento y soledad. En sus pinturas revela una forma de felicidad a través de las relaciones humanas”, explicó a RFI el comisario de esta muestra, Paul Perrin.

La muestra revela además el carácter único en el estilo de Renoir. “No lo podemos confundir con ningún otro pintor. Inventó una nueva forma de pintar y de ver el mundo. Sus pinceladas son suaves, aterciopeladas. No hay líneas duras, los colores se mezclan entre sí. Hay una fluidez y ligereza extrema en su manera de aplicar la pintura sobre el lienzo, que da a sus cuadros una dimensión aérea y en movimiento”, agregó Perrin.

La exposición incluyó varios grandes formatos de Renoir considerados obras maestras. Entre ellos, “Baile en el molino de la Galette”, una escena icónica en Montmartre. Para ejecutarla Renoir se fundió entre los invitados de una fiesta al aire libre bajo el follaje de los árboles.

El Museo de Orsay también presenta una exposición de dibujos hechos con pastel, creyón, acuarela, carbón y sanguina, técnicas que Renoir manejaba a la perfección.

“La corrientes” llega a Francia

Llega esta semana a Francia la película “Las corrientes” de la argentina Milagros Mumenthaler. Su protagonista, Lina, una exitosa estilista argentina que viaja a Suiza a recibir un premio. Tras la ceremonia, tira el premio a la basura y luego se lanza desde un puente al río Ródano. De vuelta a Argentina, Lina es otra mujer que debe afrontar algo no resuelto en su pasado.

Toda la película gira en torno a ese hueco negro psicológico donde cae Lina. Nosotros conversamos con su protagonista, Isabel Aimé González y con la directora de esta película Milagros Mumenthaler.

Houellebecq cantante

El escritor Michel Houellebecq regresa pero no en el ámbito de la literatura, sino en el de la canción. El autor francés vivo más traducido acaba de sacar un álbum titulado “Souvennez-vous de l’homme” (Recuérdense del hombre), disco que reúne 12 poemas en forma de canciones. En este programa podrán escuchar su tema “Ils chevauchaeint le vent”.

El famoso fotógrafo británico es objeto de una exposición en el museo Jeu de Paume de París que reúne 50 años de trabajo. Las momias tomaron el Museo del Hombre con una exhibición insólita que presenta nueve ejemplares de diversas épocas y culturas. También conversamos con Mathieu Diez, autor de la novela gráfica “Todo menos Beirut”, y con Louis Faloci, líder de Pléthore, un proyecto que mezcla cine, música y arquitectura.

El museo Jeu de Paume de París dedicado a la fotografía presenta una exposición apocalíptica, pero con mucho humor. Se llama “Alerta global” y reúne 50 años de trabajo del fallecido Martin Parr. El maestro británico de la fotografía dejó una obra crítica pero divertida.

“El consumismo es un tema presente en toda su obra. El turismo masivo, que exploró en sus fotos, es otra forma de consumo a ultranza en los países del primer mundo. Parr puso su objetivo no solo a los turistas americanos o europeos, sino en cómo China o Rusia se unieron a la economía de mercado a partir de los 80. La sociedad de consumo fue un tema esencial; fue el primero en poner el foco en esa temática”, explicó a RFI el curador de la muestra, Quentin Bajac.

“Alerta global” reúne unas 180 fotografías y es una de las últimas exposiciones concebidas en colaboración con Martin Parr.

Las momias toman París

Es un tema que ha fascinado a la humanidad durante siglos. Las Momias son las protagonistas de una exposición impresionante en el Museo del Hombre de la capital francesa. Allí se exhiben varios ejemplares venidos de distintos puntos del planeta, y descubrimos por ejemplo que en América Latina se practicó la momificación mucho antes que en Egipto.

“Las más antiguas son las momias Chichorro que datan de 7000 años antes de Cristo y vienen de la frontera entre Chile y Perú. Son mucho más antiguas que las egipcias, que datan de los años 3000 antes de nuestra era. Quisimos mostrar esas momias muy antiguas y otras momias contemporáneas. Hay una gran diversidad geográfica, cronológica y de las técnicas utilizadas”, contó Pascal Sellier, uno de los responsables de la muestra.

“Todo menos Beirut”

En momentos en los que la guerra ha vuelto a Medio Oriente, una novela gráfica relata desde dentro la vida en el Líbano y los pormenores de la diplomacia francesa en ese país. “Todo menos Beirut” de Mathieu Diez y Jibé es la crónica de cuatro años vividos en la capital libanesa.

Mathieu Diez no imaginaba que su nuevo empleo iba a cambiarle la vida. En 2020, este amante de la historieta acepta el puesto de agregado literario en una de las embajadas francesas más importantes del mundo. “Todo salvo Beirut” es la historia de esa experiencia, en la que cuenta la sed de cultura de los libaneses, que trasciende las guerras y las crisis económicas.

Música, arquitectura y cine

En nuestra crónica musical conversamos con Louis Faloci, líder de “Pléthore”, un proyecto musical que mezcla arquitectura y el cine de David Lynch. En esta entrevista Pléthore nos habló de los personajes que pueblan sus canciones.

Recibimos en nuestros estudios a las autoras de este libro, fruto de casi 10 años de investigación. Ana Garriga y Carmen Urbita aseguran en estas páginas que las monjas de los siglos XVI y XVII les han dejado un gran aprendizaje y que sea cual sea el problema que enfrentan las mujeres de hoy, seguramente una monja del Barroco ya pasó por una situación similar.

Parecería insólito y alejado de nuestras preocupaciones contemporáneas. Pero después de leer y estudiar la extensa bibliografía dejada por la religiosas que vivieron hace 400 años, las españolas Ana Garriga y Carmen Urbita aseguran que la sabiduría de las monjas podría ser de mucha utilidad en el presente.

Con este convencimiento han escrito una guía más práctica que espiritual, "Instrucción de novicias" (Editorial Blackie Books) para ayudar a las féminas del siglo XXI a solventar los problemas actuales.

Este libro escrito a cuatro manos y con mucho humor explica que las religiosas del Barroco fueron mucho más que mujeres enclaustradas. Juntas hicieron comunidad, se apoyaron, y crearon profundos lazos de amistad, y a veces de amor. Un capítulo entero está dedicado a contar las relaciones sentimentales entre monjas, o entre religiosas y laicas, algunas de las cuales se saldaron en juicio. Fue el caso de Inés de Santa Cruz y Catalina Ledesma, quienes fueron procesadas por la Inquisición en el siglo XVII, en un juicio que pasó a la historia como "Las cañitas".

Los otros capítulos del libro están dedicados al trabajo, el dinero, la amistad, el cuerpo, el alma o la gloria, páginas repletas de referencias y de historias de monjas, de distintos orígenes y clase social.

Garruga y Urbita también explican que no siempre la entrada a un convento se hacía por vocación.

"Muchas entraban por devoción. Otras por que sencillamente  era lo más parecido a una vida en soledad y con cierta autonomía, un refugio para la escritura o la única manera no morir después de 10 partos a los 35 años", explica Garriga. A lo que Urbita agrega : "Era una manera de huir de un mal marido".

"Instrucción de monjas" fue publicado en francés bajo el título "La sagesse de nonnes" por la editorial JC Lattès, y pronto estará disponible en español para América Latina. Las autoras son conocidas por su exitosos podcast "Las hijas de Felipe".

Nuestros agradecimientos a la Librería Ici en París que nos permitió filmar esta entrevista en sus espacios.

Y en nuestra crónica musical, presentamos a la cantante y poetisa Clara Ysé. Su canción "Souveraines" ("Soberanas"), la compuso para todas las mujeres de su vida y se ha vuelto sin querer un himno para todas las mujeres del mundo.

Una Gaviota ha atravesado el atlántico y se ha posado en el Teatro Silvia Monfort de París. Se trata de la puesta en escena del director argentino Guillermo Cacace, quien desempolvó esta pieza en una versión femenina, exótica e inmersiva.

“La Gaviota” de Anton Tchekhov es una historia de libertad y de destrucción, de amor y odio entre una madre y un hijo, de personajes que se buscan y se destruyen. 

El director de teatro argentino Guillermo Cacace la ha traído a Francia una versión bastante inhabitual. No ha escena, no hay un elenco separado del público, sino que todos comparten el mismo espacio, entre bolsas de papitas fritas y copas de vino. No hay actores, sino cinco actrices que interpretan a todos los personajes de la pieza. Y para ponerle un toque de exotismo en tierras francesas, la obra se presenta en español en el Teatro Silvia Monfort de la capital francesa.

En esta entrevista Guillermo Cacace nos cuenta los orígenes de esta inusual versión del clásico de Techkhov, concebida en plena pandemia de covid. Cacace y sus actrices comenzaron a trabajar por zoom, lo que moldeó la pieza que presentan en París.

“Es un tipo de teatro que terminó siendo inmersivo (…) Nosotros ensayábamos, casi como un ritual de supervivencia, los domingos a las 10pm, cuando en cada casa había mucho silencio. Las actrices, el dramaturgo y yo nos comunicábamos por zoom. Teníamos un clima de muchísima intimidad y silencio. Era casi como un podcast”, explicó Cacace.

"La Gaviota" de Guillermo Cacace llegó a Francia luego de estrenarse en Argentina y de viajar por otros países europeos.

"Boss Lady"

Terminamos este programa con la gran ganadora de las Victorias de la Música 2026, los premios de la industria musical en Francia. La franco-congoleña Theodora, 22 años, se llevó cuatro recompensas: Mejor creación audiovisual, Revelación femenina, Revelación escénica y Mejor álbum.   En este programa escuchamos "Fashion Designa", uno de sus mayores éxitos y por el que la llama la "Boss Lady".

Esta película de animación francesa ha conquistado al público y a la crítica con su mensaje en defensa del medioambiente y es una de las favoritas al Oscar. También en este programa, fuimos a la exposición “Manga, todo un arte” en el Museo Guimet, y a la golpeada Cuba a través del cortometraje “Norheimsung”, que plasma el anhelo de los cubanos por salir de la isla. En nuestra crónica musical conoceremos a Afrotronix, un artista que fusiona la música de Chad y las sonoridades electrónicas.

La han catalogado como una de las cintas de animación más interesantes de los últimos años. La francesa “Arco” ha sido un éxito rotundo desde su estreno mundial en el último Festival de Cannes, recorrido que la ha llevado a ser nominada al Oscar.

La cinta cuenta las aventuras de un chico venido de un futuro lejano que aterriza en la Tierra, en 2075. Allí conoce a Iris, que tratará de ayudarlo a volver a casa. Arco descubre un planeta aquejado por incendios que destruyen la naturaleza.

“El mundo va mal en estos momentos. Así que con Arco queríamos transmitir un mensaje de esperanza. Que los espectadores vivieran una verdadera aventura y que sintieran que les hacíamos un regalo de optimismo; que salieran de la sala de cine con ideas concretas para imaginar otra realidad, y que tuvieran la fe en la humanidad”, declaró a RFI el director francés de la película, Ugo Bienvenu.

“Manga, todo un arte”

El Museo Guimet de París, dedicado a las artes asiáticas, presenta una concurrida exposición sobre el manga y su historia. Un arte conocido en el mundo entero que sigue inspirándose de la cultura ancestral de Japón. Esta conexión entre el pasado y el presente es el eje de la exposición "Manga, todo un arte", en el Museo Guimet de París.

El zorro de nueve colas.. La temida bestia que puebla el universo del manga Naruto es en realidad una divinidad venerada desde hace siglos en Japón.  

"Todos los lectores de Naruto saben que el protagonista está poseído por un zorro de nueve colas. Aquí encontrarán una estatua del animal mítico del siglo XVIII, y otro dibujado por el pintor Hiroshige”, explicó Didier Passamonik, uno de los comisarios de la muestra.

El sueño de emigrar de Cuba

El Festival del cortometraje de Clermont-Ferrand proyectó una película filmada en el corazón de La Habana: “Norheimsund” de Ana Alpizar expone sin tapujos la debacle económica y social que sufre Cuba, a través de la historia de una madre y una hija que sueñan con salir de la isla.

Afrotronix y su “Electro Sahara Blues”

En nuestra crónica musical fuimos al encuentro de Caleb Rimtobaye, alias, Afrotronix, un músico que ha modernizado la música y ritmos tradicionales de Chad, para fusionarlos con sonoridades electrónicas.

El artista pasó por París promocionando su nuevo álbum, Köde, un homenaje a los instrumentos tradicionales de su país y a los sonidos del Sahara, que él ha mezclado en un estilo musical que ha bautizado “Electro Sahara Blues”.

En esta ocasión, Carrusel de las Artes viajo a la ciudad de Clermont-Ferrand, en el llamado Macizo Central de Francia. Una región conocida por sus volcanes, pero también por un festival único y concurrido: el Festival Internacional del cortometraje. Allí conversamos con algunos de los cineastas latinoamericanos de la competencia.

Se llama "Le Court", el Festival Internacional del cortometraje de Clermont-Ferrand. Es sencillamente el festival más reconocido del mundo dedicado al cortometraje, es decir, a cintas de máximo 30 minutos de duración. Pero, aunque las películas son cortas, el festival es generoso en cantidad. Solo en 2026 se proyectan 500 cintas de venidas de 70 países.

“El cortometraje es un formato que tiene sus propias posibilidades, sus propios limites y alcances también, así como su espacio creativo. Permite a los cineastas jugar con ciertos elementos que quizás son imposibles cuando se hace un largometraje: explorar técnicas, ideas o elementos del lenguaje cinematográfico”, explicó Diana Borja, miembro del comité de selección, en exclusiva para Carrusel de las Artes.

Chile, Colombia, Argentina, presentes

El festival “Le Court” proyecta al público una oferta masiva de películas, en diversos puntos de la ciudad y por secciones. Se pueden ver desde cortos franceses en la sección Nacional, cintas venidas de todo el mundo en el segmento Internacional, y hasta una selección de películas en realidad virtural, realidad aumentada y formatos híbridos.

El festival presenta también peliculas experimentales reunidas en la competencia llamada “’Labo”. En este certamen fue seleccionada una “Lengua muerta”, película documental chilena sobre las consecuencias aun tangibles de la dictadura militar, a través de un hombre que vive aislado en una playa del sur de Chile, rodeado únicamente por una jauría de perros. Lo escuchamos contándonos una historia a medias, secreto que guardó durante 40 años.

Por su parte, en la competencia internacional compitió la colombiana “Una vez en un cuerpo” de María Cristina Pérez. Esta cinta en forma de carta de amor a una hermana mayor, habla del cuerpo femenino. Intimidad y aceptación física son los temas centrales de este trabajo de animación que ha ganado varios premios en festivales internacionales.

También en la competencia internacional, una tragicomedia de 20 minutos filmada en Buenos Aires. “El Banner” Tomás Terzano es la historia de Rafael quien debe presentar un evento importante para lo cual mandó a fabricar un banner. El problema es que el dichoso afiche salió con un error y hay que volverlo a imprimir. Rafael encarga entonces a sus hijos a que lo ayuden a salir del enredo. es el director de esta cinta.

Chris Laquièze es devorador profesional de libros. Después de leerlos los comenta en sus redes sociales. Hace siete años que se dedica a promover la lectura, y entre sus grandes pasiones destaca la literatura latinoamericana, desde los clásicos hasta los autores contemporáneos. También nos habló en este programa de su primera novela, La Rosa Perdida, que acaba de publicarse en Francia.

También los llaman “bookstagrammers”, es decir, críticos literarios que ejercen su actividad principalmente en redes sociales. Chris Laquièze es uno de los influencers literarios más seguidos de Francia. Está presente en Instagram, TikTok, Facebook y tiene su propia cadena de Youtube, contabilizando más de un millón de seguidores.

“Ha sido difícil porque hablar de literatura a veces no es muy divertido. Muchos utilizan las redes sociales para hablar de política, por ejemplo. Pero hay muchas personas que buscan recomendaciones de qué libro leer. Eso es lo que hago”, dijo Laquièze en entrevista con Carrusel de las Artes.

El influencer francés destaca por su defensa apasionada de la literatura latinoamericana. Muy frecuentemente habla de autores como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Juan Rulfo, y otros más contemporáneos como las argentinas Elsa Osorio o Mariana Enriquez, cuya obra no es muy conocida en Francia, se lamenta. “Los franceses no conocen ni la historia ni la literatura de América Latina”, asegura.

Laquièze mantiene esa conexión especial con América Latina luego de haber vivido varios años en Costa Rica, México y Panamá. Las realidades del continente lo inspiraron para escribir su primera novela, que aunque fue publicada en francés, lleva un título en español, La Rosa Perdida. La historia se desarrolla en un pueblo imaginario, en algún lugar de América Latina, azotado por una dictadura cruel. Sus protagonistas, Sofía, Mario, Chicharrón y otros más, forman parte de un movimiento revolucionario nacido en las alcobas de un burdel frecuentado por militares.

“No soy un escritor latinoamericano”, dice Laquièze, pero su novela se gestó luego de muchas lecturas de los autores latinoamericanos. En sus páginas los lectores encontrarán el calor, las frutas tropicales y los anhelos de justicia y libertad de un pueblo subyugado por la violencia.