En este programa especial fuimos a Lyon, ciudad en la que los hermanos Augusto y Luis Lumière inventaron el cinematógrafo a finales del siglo XIX. Allí también rodaron la primera película de la historia, hace ya 130 años. En la casa de los Lumière funciona en la actualidad el Museo e Instituto Lumière, dedicados a la preservación de esta historia.

 

La ciudad a orillas del Ródano es conocida por su fina gastronomía, pero también por ser el lugar donde se inventó una máquina capaz de captar las imágenes en movimiento, el cinematógrafo. Eso fue en 1895. Dos hermanos ingenieros, Augusto y Luis Lumière, eran especialistas en fotografía y habían hecho fortuna fabricando productos especiales. También fueron los creadores de numerosos inventos y técnicas fotográficas.

Los hermanos franceses trabajaron durante varios años para fabricar el primer aparato de filmación y proyección, y con él filmaron la que se considera la primera película de la historia: la Salida de los obreros de la fábrica, el 19 de marzo de 1895. Una cinta muda, en blanco y negro, de menos de un minuto, en la que se ve a los empleados de la fábrica Lumière salir luego de una jornada de trabajo. Así nació el cine.

“Antoine, el padre de Augusto y Luis Lumière, era fotógrafo con un fino talento para los negocios. De su lado, su hijo Luis, con apenas 17 años, mejoró el procedimiento para tomar instantáneas con una placa seca, que comercializaron y con la que los Lumière se volvieron una de las familias más pudientes e influyentes de la ciudad. Luego, desarrollaron el cinematógrafo con el que pasaron a la posteridad”, explicó a RFI Manon Cuny, responsable del Museo Lumière.

Una invención revolucionaria

El Museo e Instituto Lumière funcionan en la antigua mansión familiar. Allí se cuenta la historia de la dinastía Lumière y se conserva el primer cinematógrafo, utilizado por los hermanos ingenieros para filmar la primera película y muchas otras, de 1895 a 1905.

La invención de los Lumière consistía en una caja no muy pesada, dotada de una manivela, que permitía grabar imágenes en movimiento.

“El cinematógrafo es de fácil utilización y funciona a la vez como una cámara y como un proyector. La genialidad de los Lumière es que pensaron en proyectar las imágenes en una pantalla. Para ello integraron una lámpara de arco que proyectaba un halo de luz sobre la película, que se hacía correr con una manivela. Muchos lo intentaron, pero Lumière fue el único que logró un resultado impecable”, aseguró el conferencista Fabrice Calzettoni.

El éxito y el prestigio de los Lumière fue tal que la calle donde se encuentra la mansión familiar fue rebautizada como la calle de la Primera Película. Asimismo, se conserva la fachada de la antigua fábrica de productos fotográficos, frente a la cual utilizaron por primera vez su célebre cinematógrafo. Cada 19 de marzo, se recuerda a los hermanos Lumière y su célebre primera película, y se realizan “remakes” de la Salida de los obreros de la fábrica, con la participación del público.

Una vasta campaña de restauración

En el marco del 130º aniversario de la invención del cinematógrafo y del nacimiento del cine, el Instituto Lumière produjo un documental a partir de unas 120 películas que acaban de ser restauradas.

"Los Lumière produjeron unas 1500 películas de 50 segundos. La misión del Instituto Lumière es restaurar este patrimonio que no solo es francés sino también mundial. Se trata de la primera producción cinematográfica de la historia. A partir de estas restauraciones que estamos haciendo, Thierry Frémaux (delegado general del Festival de Cannes) ha compuesto un documental para difundir este patrimonio”, declaró a RFI la productora de esta cinta, Lumière, la aventura continúa, Maelle Arnaud.

Cine mudo pero con música

Aunque las primeras películas eran mudas, el cine siempre tuvo música. Los llevamos a la Fundación Seydoux-Pathé, donde se proyecta la cinta La bailarina española (1923) con la actriz Pola Negri, una película muda que da amplio espacio a la música.

El pianista Thomas Lavoine acompaña esta obra en vivo. Es un trabajo de improvización. "Esto implica que preparamos nuestro trabajo con antelación. Lo cronometramos, memorizamos la cinta a ver si funciona y poco a poco vamos creando música acorde con la película. Nos dejamos llevar por la emoción palpable del público como en todo concierto. Nos alimentamos de lo que el público puede expresar", explica Lavoine.

El Centro Pompidou de la capital francesa presenta en sus salas “Paris Noir”, una exposición y un salto en el tiempo al París de la diversidad racial y del intercambio de ideas creativas entre artistas venidos de África, Estados Unidos, Latinoamérica y el Caribe. Conversamos con la directora de cine chileno-venezolana Ximena Pereira, autora de “La diosa quebrada”, un cortometraje documental presentado en Francia sobre María Lionza, una de las principales deidades populares en Venezuela. Asistimos también a la inauguración de Clap, el festival de cine latinoamericano de París.

Se trata de la última exposición temporal presentada en el Centro Pompidou antes del cierre durante cinco años de este importantísimo museo dedicado al arte del siglo XX. “Paris Noir” o “Paris Negro” pone en evidencia la influencia fundamental de los artistas negros en la capital francesa durante 50 años, de 1950 al 2000. En esos años, París era una ciudad cosmopolita, y sobre todo de resistencia y de creación para muchos artistas negros, africanos o afrodescendientes.

La exposición aborda entre otros la creación en el emblemático barrio Latino de París, de la revista “Presencia africana”, una de las primeras publicaciones que resalto el aporte fundamental de los artistas negros. La muestra ofrece un panorama muy completo de la rica producción de 150 artistas, cuyas obras no siempre fueron expuestas o valoradas.

“París Negro” en el Centro Pompidou hace una reparación de estos artistas venidos de África o Estados Unidos, pero también de  América Latina y el Caribe, quienes trajeron nuevas estéticas y reivindicaciones a Europa. Fue el caso de los cubanos Wilfredo Lam o Agustín Cárdenas, hoy reconocidos como artífices de las vanguardias europeas y mundiales. “París Negro” estará abierta hasta el 30 de junio.

Una diosa quebrada

Carrusel de las Artes estuvo en el Festival Cinelatino de Toulouse, certamen que este año proyectó unas 130 películas. En la competencia de cortos documentales se presentó una película sobre una de las diosas populares más conocidas y veneradas en Venezuela, María Lionza.

 “La diosa quebrada” es el nombre de este corto documental, filmado en Caracas por la directora chileno-venezolana Ximena Pereira. Un trabajo que le tomó 20 años de trabajo y que aborda la figura de María Lionza a través de una escultura de esta diosa en un punto muy céntrico e inaccesible de la capital venezolana. Esta escultura se partió por la mitad en un momento de fuerte tensión política en Venezuela, lo que le permitió a la directora de esta cinta, abordar no solo la relación que tienen muchos venezolanos con la diosa sino también con el país en crisis.

Regresa el festival Clap

La primavera es una temporada de festivales y es el momento también para Clap, el único festival de cine latinoamericano de la capital francesa. Su tercera edición reúne un poco más de 20 películas, y dos secciones de competencia en largometrajes y cortos. Pero también cintas en proyecciones especiales, y hasta obras que forman parte del patrimonio cinematográfico latinoamericano. Es el caso de la película cubana “De cierta manera” de Sara Gómez (1977), que se proyectó en París en la noche inaugural del festival Clap.

“La idea era traer a París, la oferta más interesante del cine de arte y ensayo de América Latina contemporáneo. Por primera vez tenemos una competencia en cortometrajes y como de costumbre, un certamen en la categoría de largometrajes, con cintas de Argentina, Chile, Brasil, Ecuador y Costa Rica. La respuesta del público ha sido muy buena, desde la primera edición de Clap. Lo que queremos es mostrar las enormes posibilidades intelectuales, estéticas, filosóficas y cinematográficas del cine latinoamericano”, aseguró el director del festival, Carlos Tello, ante los micrófonos de RFI.

El Festival Clap se llevará a cabo en 2025 en el Espacio Saint-Michel, una sala en el emblemático Barrio Latino de París, que concentra la mayor cantidad de cines de arte y ensayo de la capital francesa.

El 37° Festival Cinelatino de Toulouse puso de relieve la producción cinematográfica indígena, con una selección especial de cortos y largometrajes. También hizo sendos homenajes, al brasileño Karim Ainouz y a la argentina Albertina Carri. Destacamos dos películas de la competencia de ficciones: “Isla Negra” que aborda el despojo en la costa chilena, y “Malta”, la historia de una joven que sueña con escapar de su familia y de Colombia. Nuestra crónica musical está dedicada al grupo de funk latino Setenta y su nuevo disco “Apollo Solar Drive”.

La ciudad de Toulouse renovó con el cine de América Latina en el marco de su popular Festival Cinelatino. Este año en la programación del festival unas 130 películas proyectadas en diferentes salas de la ciudad y de su periferia.

Cinelatino quiso hacer visible este año la producción de cineastas de origen indígena con una selección de cintas, entre largometrajes y cortos recientes, que relatan situaciones específicas de las comunidades autóctonas. Esta seccion fue bautizada “Miradas y voces indígenas” y se compone de peliculas venidas de Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Perú, México y Venezuela.

Dos maestros del cine

Este año Cinelatino puso el foco en dos grandes cineastas del continente. Por un lado, el brasileño Karim Ainouz fue el invitado de honor del festival. Se proyectaron los 11 largometrajes de su carrera, en los que Ainouz explora temáticas de género, el color de la piel, o la identidad sexual. Porque el cine es para Karim Ainouz un territorio sin fronteras, un refugio plagado de diversidad, y una puerta para escapar de la realidad.

La sección “Otra mirada” de Cinelatino puso el foco en otra forma de hacer cine y de contar historias. La de la poco convencional Albertina Carri, cineasta de lo extremo, cuyas películas van desde lo porno queer, hasta la exploración de la memoria. En Toulouse se proyectaron los cortos y largometraje de esta cineasta inclasificable, así como su mas reciente película “Caigan las rosas blancas”, un road-movie con un toque de humor, que formo parte de la competencia de ficciones.

Una mirada al certamen

El público de Cinelatino viajó hasta Isla Negra, un balneario paradisíaco donde Guillermo, un rico promotor inmobiliario, pasa un fin de semana con su asistente y amante. La casa, con vista al mar, se transforma en terreno de batalla cuando se introducen una mujer, su esposo y su padre enfermo. El director de esta cinta, Jorge Riquelme, se basó en testimonios reales para contar esta historia de despojo y desarrollo inmobiliario en la costa chilena.

De Colombia llegó la pelicula “Malta”, que cuenta la historia de una joven agresiva y rebelde, en ruptura con su familia disfuncional. Para escapar de su rutina, Mariana se dedica a coleccionar relaciones de una noche. Un día se le ocurre un plan que la obsesiona: irse del país. Esta historia fue escrita y filmada por Natalia Santa, quien quería retratar a una generación de colombianos. 

Funk latino a la francesa

En la crónica musical, Natalia Olivares fue al encuentro de un grupo francés de funk latino. Setenta suma ya seis álbumes; su ultimo trabajo se llama “Apollo Solar Drive”.

El cine francófono de duelo tras la muerte de Emilie Dequenne. La popular actriz belga había saltado a la fama a los 18 años interpretando a Rosetta, en la película del mismo nombre de los hermanos Luc y Jean Pierre Dardenne. Llega a las salas de cine francesa, la película argentina “Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” del argentino Hernán Rosselli, sobre una familia que se dedica a las apuestas clandestinas. Conversamos con la ingeniero de sonido Michelle Couttolenc, ganadora del Oscar en 2021, quien evocó con nosotros la importancia del sonido en el cine.

El mundo la descubrió con "Rosetta", película de los hermanos Dardenne, en la que Emilie Dequenne, con apenas 18 años, daba vida a una joven desempleada en lucha contra toda una sociedad. Esta cinta reposaba completamente sobre los hombros de su actriz protágonica. Era el primer rol de Emilie Dequenne en el cine, presentado en estreno mundial en el Festival de Cannes en 1999, donde ganó la Palma de oro a la mejor película y el premio a la Mejor Actriz para la adolescente.

Estas distinciones permitieron una distribución internacional para "Rosetta" y catapultó la carrera de Emilie Dequenne. En total, participó en cerca de 50 largometrajes, entre cintas de autor y películas comerciales.

En 2023, la actriz anunció sufrir de un  cáncer de la glándula suprarrenal, una enfermedad muy poco frecuente pero muy agresiva y que afecta al sistema endocrino.

Emilie Dequenne se alejó de los escenarios hasta mayo de 2024 cuando reapareció en la alfombra roja del Festival de Cannes, con el pelo corto luego de una larga quimioterapia, pero en remisión total. Poco después la actriz anunció una recaída y su vuelta a los hospitales. Emilie Dequenne falleció anoche en cuidados paliativos en un hospital en Francia, a los 43 años. Numerosas figuras del cine francófono e internacional le rindieron homenaje.

Una película de quinielas y gánsteres

En los estrenos de cine en Francia de esta semana encontramos la película “Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” del argentino Hernán Rosselli. La cinta se adentra en el oscuro mundo de las apuestas clandestinas, a través de una familia que controla este jugoso negocio. 

Los Felpeto administran desde hace varias décadas un negocio de apuestas clandestinas en un suburbio de Buenos Aires. A la muerte del padre, Maribel y su madre, Alejandra, quedaron a cargo de la compleja empresa familiar. Las conversaciones giran en torno a temas como el control del territorio, redadas de la policía e importantes sumas de dinero que hay que trasladar de un lado a otro en el barrio. La vida cotidiana de la familia se ve trastocada cuando se descubre la vida secreta que tuvo el padre del clan. 

“Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” se compuso con un material real: los videos familiares del patriarca de los Felpeto, lo que permite conocer desde adentro a esta familia en el mejor estilo de las películas de gánsteres. 

"El cine es sonido"

Michelle Couttolenc es mexicana y en su colección de premios figura nada más y nada menos que un Oscar. Lo ganó en 2021 por la ingeniería de sonido de la película “Sound of metal” que cuenta la pérdida de audición de un baterista.

Michelle Couttolenc estuvo en Francia como jurado del Festival Internacional del cortometraje. Allí conversamos con ella sobre la construcción del sonido en el cine y las emociones que transmite.

“Le monde demain”

Acaba de salir en Francia la nueva canción de “Les enfoirés”, un colectivo de 50 cantantes franceses voluntarios, que cada año se reúne para apoyar a los “Restaurantes del corazón », una asociacióncreada en 1989 para ofrecer una ayuda alimenticia a los más necesitados. Este tema se llama “Le monde demain” con el que “Les Enfoirées” han dado inicio a una gira por todo el país.

El autor del legendario “Bolero” es objeto de una serie de homenajes en el marco de 150º aniversario de su nacimiento. Carrusel de las Artes evocó su obra con el compositor franco-español Ramón Lazkano, autor de una ópera sobre los últimos años de Maurice Ravel.

Maurice Ravel (1875 – 1937) es mundialmente conocido por su “Bolero”, una pieza escrita por pedido de la bailarina Ida Rubinstein, quien le solicitó un “ballet hispánico”. Ravel respondió con esta pieza de 15 minutos de duración, inspirada en la época industrial, donde el compositor francés hizo alarde de su talento para mezclar los colores y las sonoridades de la orquesta.

Desde entonces, el Bolero de Ravel se ha convertido en un “hit” de la música académica, al ser la obra más interpretada de la historia. Un éxito inmediato que consolidó la figura de Ravel, aunque el compositor siempre se mostró sorprendido y hasta irritado al considerar que, de todo su repertorio, el Bolero era la menos “musical”.

A 150 años de su nacimiento en Ciboure, en el país vasco francés, Francia celebra a su ilustre compositor con cientos de conciertos, coloquios y exposiciones sobre su obra.

El Museo de la música Philharmonie de París presenta de su lado, una exposición dedicada al Bolero, para entender la “mecánica musical” contenida en esta obra para la que Ravel se inspiró en el desarrollo industrial.

“El Bolero planeta una nueva manera de concebir el discurso del tiempo. Algunos afirman que el Bolero es quizás la primera obra conceptual”, asegura el compositor español Ramón Lazkano, en los estudios de Carrusel de las Artes.

Lazkano, quien es vasco como el francés, prepara una ópera sobre los últimos años de vida de Ravel, aseguró que su música siempre lo ha acompañado.

“Las cartas de Ravel siempre me han acompañado. Pero, además, hay en su música una familiaridad con algunos ritmos vascos que empapan buena parte de su obra, desde el ‘Cuarteto de cuerdas’ hasta el ‘Concierto para la mano izquierda’”.

En esta entrevista, Lazcano también destacó “la perfección de la artesanía musical en Ravel, su conocimiento del lenguaje musical y de los instrumentos, del tiempo y de la forma de las músicas que inventa; y al mismo, una sensibilidad secreta, íntima, muy ligada a la infancia y a lo mágico”.

Entre las composiciones más conocidas, y mágicas, de Ravel figuran "Ma mère l’Oye", "La Valse", "Pavana para una infanta difunta", "Rapsodia española", o el "Concierto para la mano izquierda". 

Dedicamos nuestro programa a cuatro ilustres mujeres artistas que contribuyeron o siguen trabajando en el mundo de la creación. La pintura Suzanne Valadon es una desconocida para muchos, pero sus cuadros dieron un vuelco al arte del retrato y de los desnudos. La tinta y el humor son las armas de la caricaturista Coco, una sobreviviente del ataque contra Charlie Hebdo que lucha por el respeto de la libertad de expresión. Frida Kahlo es la protagonista de una nueva película de animación sobre su infancia en Coyoacán. Y en nuestra crónica musical fuimos al encuentro de Thérèse, una artista que reivindica con orgullo ser multifacética y feminista.

Suzanne Valadon fue primero modelo para otros pintores. Viéndolos trabajar aprendió a dibujar para luego hacer de la pintura su carrera, con el auspicio de Edgar Degas. Es la historia que cuenta esta muestra en el Centro Pompidou de París, donde se descubre a una artista que rompió los esquemas a finales del siglo XIX. Nathalie Ernoult, es una de las curadoras de esta exposición. 

“Esta mujer fue verdaderamente un caso especial en la historia. Cambió la manera de pensar la pintura, y sobre todo, los desnudos, que en su época eran un tema reservado a los artistas hombres. Los desnudos eran obras con un propósito muy claro: el disfrute masculino. Valadon, en cambio, pinta la realidad tal como es. Ella pinta los cuerpos con sus defectos e imperfecciones, y sobre todo, representando la esencia de cada persona. Así, los desnudos dejan de ser un objeto para el deleite de los hombres”, explicó a RFI la curadora de la muestra Nathalie Ernoult.

Coco, humor al servicio de la libertad de expresión

La francesa Coco es caricaturista en el periódico Libération, retratando con humor la actualidad mundial. Es también sobreviviente del ataque terrorista perpetrado contra el semanario satírico Charlie Hebdo y acérrima defensora de la libertad de expresión.

“Los jóvenes dicen ‘No, hay que respetar’. Consideran que si alguien se siente ofendido por un dibujo no se debe publicar. Yo explico que eso no nos conviene. La libertad de expresión y la caricatura sirven para criticar ideas, más no atacar gente. Sobre las religiones, criticamos las ideologías y no a los creyentes, aseveró Coco.

La infancia de Frida Kahlo en animación

“Hola Frida” es el título de una nueva cinta de dibujos animados hablada en francés, que cuenta con derroche de colores la historia de una niña diferente. La película aborda la infancia de Frida Kahlo en su casa de Coyoacán. Pero también, la terrible enfermedad la condenó y la creatividad desbordante que le abrió las puertas a otros mundos.

“Cuando comenzamos a escribir esta historia, leímos un libro que hablaba de Frida cuando tenía seis años. Nos pareció interesante porque fue a esa edad que todo comenzó. La vida de Frida era maravillosa hasta que la poliomielitis se manifestó y la obligó a aislarse. En ese momento desarrolló todo su mundo interior, lleno de fuerza y de momentos dolorosos también. Esa fue la idea inicial de esta película: contar cómo se las arregló para imaginar las herramientas que luego le permitieron superar las pruebas de la vida”, dijo su director André Kadi. 

De su lado, la cantante franco-española Olivia Ruiz, quien interpreta a Frida adulta y el tema musical de esta película, destacó el mensaje de respeto de las diferencias contenido en esta esta cinta.

Thérèse, una artista multifacética y feminista

En nuestra crónica musical, Natalia Olivares conversó con una artista con múltiples talentos. Thérèse es cantante, modelo, estilista y feminista. Ella nos habló de la enfermedad que la ha aquejado desde hace años, pero también de su visión del arte, multifacético y multicultural, y de su feminismo tajante.

Carrusel de las Artes los lleva a la ciudad de Clermont-Ferrand, en el centro de Francia y epicentro del festival de cortometrajes más grande e importante del mundo. Entre los galardonados figuran dos cineastas mexicanos, Esteban Arzuela y Gerardo del Razo, cuyos trabajos impactaron al jurado y al público. También conversamos con una de las responsables del festival y con el director colombiano Camilo Escobar.

Se proyectaron más de 500 películas en apenas nueve días, durante los cuales más de 170.000 personas colmaron las 14 salas asociadas a este evento. El Festival internacional del cortometraje de Clermont-Ferrand es un evento popular y concurrido, que se ha impuesto a lo largo de 47 años en esta ciudad rodeada de volcanes en el corazón de Francia.

Cada día las proyecciones comenzaban desde la mañana para satisfacer a un público ávido de descubrir las propuestas cinematográficas venidas de todo el mundo, que se presentaron en distintas secciones.

“Es el festival de cortometrajes mas importante a nivel mundial. Recibimos a cineastas y productores que han inscrito sus cortos o que vienen para el mercado del cortometraje. Es un festival que no solo tiene esta dimensión profesional, que atrae a buena parte de la industria, sino también a la población de la región”, explicó a RFI Diana Borja, miembro del comité de selección internacional del festival.

El Festival del cortometraje tiene una sección nacional, con películas francesas, otra internacional, y una sección llamada “Labo” dedicada a nuevas maneras de hacer cine. El Gran Premio de esa sección este ano fue para la película mexicana “Aferrado” de Esteban Azuela, una historia en las calles de Ciudad de México, que indaga sobre los orígenes de la violencia, pero con un tratamiento visual innovador tanto del protagonista como de los decorados que fueron levantados y animados en 3D.

“La gente todavía no ha visto cosas así. Es algo bastante bello cuando la gente se te acerca con el destello en los ojos de haber descubierto algo nuevo. Para esta película utilicé una técnica que se llama fotogrametría que utiliza escaneos 3D con sensores de proximidad, desarrollada en la industria bélica. Hace 10 años esta tecnología estaba un poco rezagada para los usuarios comunes, y mas para América Latina. Con esta película justamente quería hablar de ese rezago tecnológico en Latinoamérica y el Sur global”, expresó Azuela en entrevista con RFI, quien utilizó la fotogrametría para componer una historia de violencia en la Ciudad de México.

Otro cortometraje mexicano que impactó al público y al jurado fue “Domingo Familiar” de Gerardo del Razo, distinguido con una Mención especial. La secuencia principal de esta película es un “one shot” impresionante que comienza al pie de un edificio. Niños y adultos juegan y pasan un domingo tranquilo, hasta que aparecen dos delincuentes dispuestos a azotar y amenazar a los empleados de dos pequeños negocios.

“Quería explorar un tipo de extorsión muy frecuente en México que es la extorsión gota a gota o cobro de piso, que utilizan ciertos carteles. Y que ha hecho que la vida de los pequeños negociantes se transforme en un infierno. Muchos han tenido que dejar sus negocios o se los han quemado. (…) Es una película sobre un linchamiento, pero no es una elegia a la venganza. Yo pienso que la violencia no soluciona nada. La violencia es un circulo que genera ecos, y la idea de la película es ver como el espectador reacciona a      esos ecos”, aseveró el mexicano Gerardo del Razo.

Entre las propuestas latinoamericanas en Clermont-Ferrand encontramos “Un día de mayo” de Camilo Escobar. La cinta cuenta la intimidad de un hogar en la Colombia del año 2000, a través del niño de la casa, Joaquín. En vísperas del día de la madre, estalla una disputa entre su papá y su hermana. El director de este corto Camilo Escobar puso la mirada en un niño sensible y en una familia con un frágil equilibrio.

“Quería cuestionar el modelo binarista de educación. Si eres niño, no se te permite ser sensible. Pero Joaquín es muy cercano a su mama, observa a su hermana que es en ese momento una adolescente enamorada. Y luego está el papá, con quien hay mucha distancia porque es alguien que no sabe cómo acercarse a sus hijos. Quizás porque a partir de su propia crianza, ha sido torpe. (…) Los que crecimos en esas estructuras, me gustaría que reflexionemos sobre la manera de estar con sus hijos, y romper esos esquemas con los que crecimos”, expresó Escobar.

El Festival Mundial del circo del mañana reunió a artistas de los cinco continentes. Entre ellos, el acróbata colombiano Nicolás Teusa y su “Pendular Hoop”. Conversamos también con dos dúos latinoamericanos: los brasileños Cata y Jay hicieron reír al público con un monociclo; mientras que el dúo chileno-argentino Micaela y Matías rindió homenaje al agua en un número de cuadro aéreo. Fuimos también al Festival de la historieta en Angulema, que este año celebró al cómic venido de España.

El Festival Mundial de Circo del Mañana es una competencia internacional, donde participan artistas y compañías de todo el mundo. Como en los Juegos Olímpicos se entregan medallas de oro, plata y bronce. 

Ganar una medalla o un premio puede significar una consagración para estos jóvenes artistas, abriéndoles las puertas a los mejores circos mundiales.

Fue el caso de colombiano Nicolás Teusa, ganador de una medalla de bronce en esta edición del festival. Teusa, oriundo de Cali, desarrolló un número llamado “Pendular Hoop”, que mezcla acrobacia, magia y un aro que camina, salta, se rebela. En definitiva, un aro con personalidad. 

"Las acrobacias suponen siempre un alto impacto, mucha destreza física. Entonces pensé en algo distinto, un número con magia y que permitiera a la gente reaccionar. Este número cuenta la relación de un artista con su objeto de trabajo, ese momento de encuentro. ¿Qué pasa si a ese objeto de trabajo le damos vida? ¿Qué pasa si no es algo de plástico sino un objeto que puedo sentir, abrazar, despedir o empujar?", explicó Teusa.

Dúos latinoamericanos

También en la competencia este año, el dúo brasileño Cata y Jay, quienes presentaron un número de equilibrio sobre monociclo. Jay va montado en el monociclo, pero Cata es quien lleva el manubrio. En Brasil desarrollaron este espectáculo que habla de una pareja que se pelea por el control, pero que también se reconcilia y encuentra una manera de ir en la misma dirección.

Otro dúo desafió la gravedad, pero esta vez a varios metros de altura, en número de cuadro aéreo. Se llaman Micaela y Matías, y vienen de Argentina y Chile, respectivamente.

“’Este número se llama ‘Maroma’ y nos ha tomado siete años de trabajo. Habla de las mareas, del mar, y de nuestras mareas internas. También, de atreverse a saltar al agua y de aceptar lo que viene”, explicó Micaela Leitner.

“Quisimos traer nuestros recuerdos. Esos recuerdos con la familia, en el mar cuando éramos pequeños. Yo nací en Chile, un país con una costa muy grande. Así que mis mejores recuerdos son con mi familia, en el mar”, agregó Matías Cienfuegos.

El circo, un arte en mutación

En el Circo Phénix, donde se desarrolla el Festival Mundial del Circo del Mañana, conocimos a un especialista de la historia del circo, Pascal Jacob, quien es también el director artístico del evento. En su opinión, en el circo hay un componente físico muy importante. Pero se diferencia del deporte por una búsqueda de belleza y de emoción.

“Hoy en día hablamos de ‘artes circenses’, porque son muchas las formas de expresión dentro del circo. Por supuesto, la destreza física es un elemento fundamental, pero también es necesario que haya un sentido. En el circo no hay contrincantes, la lucha es consigo mismo, y esto lo diferencia del deporte. Pero además, la acción acrobática está al servicio de un discurso. No se trata de ejecutar un salto mortal por el simple hecho de hacerlo, sino de darle un sentido y de considerarlo dentro de una dramaturgia. Es ahí cuando se convierte en algo artístico”, aseveró Jacob.

Pascal Jacob también abordó la larga historia del circo, y de la importancia del festival de París, en donde se revelan nuevos artistas y técnicas que hacen que la disciplina evolucione y cambie.

¡Viva el cómic español!

La ciudad de Angulema se vistió en enero con los colores de España, con decenas de autores, encuentros, dedicatorias y todo un pabellón dedicado al noveno arte 100% ibérico. Amantes del comic y curiosos tuvieron este año un acceso directo a grandes nombres de la historieta española, como Juanjo Guarnido, co-creador del famosísimo Blacksad. 

300 autores españoles trabajan en mercados internacionales y cada año España cuenta con más de 4.600 novedades editoriales. "Tenemos grandes artistas que están siendo número uno en gran cantidad de series de superhéroes o de manga, y que son alabados por los fans", aseguró a Carrusel de las Artes Emilio Gonzalo, secretario general de la Sectorial del Cómic de España. 

La actriz Angelina Jolie da vida en la pantalla grande a una Maria Callas atormentada, enferma y sola, en el ocaso de su vida. A su paso por París, conversamos con el director de esta cinta, el chileno Pablo Larraín. En esta entrevista Larraín contó cómo abordó a esta figura, considerada la cantante lírica más extraordinaria de la historia de la ópera.

El cine tiene el poder de llevarnos a otras épocas, colocarnos en la piel de figuras de leyenda y de hacernos testigos de sus emociones más intimas. Es lo que ha sucedido con esta película delicada e íntima que llega este miércoles a los cines franceses.

“Maria” cuenta los últimos días de la Callas. En septiembre de 1977, Callas vivía en París, sola, apartada de los escenarios luego de haber perdido su prodigiosa voz. La actriz Angelina Jolie personifica en la pantalla grande a la célebre soprano, atormentada en el ocaso de su vida. Para este papel, Jolie aprendió la técnica del canto lirico durante siete meses y se documento sobre la vida y obra de la cantante estadounidense de origen griego, cuyo talento la llevó a cantar en los escenarios más prestigiosos del mundo.

El director de esta cinta es el chileno Pablo Larraín, quien ya se había destacado por abordar en sus películas a otras dos figuras femeninas de leyenda: Jackie Kennedy y Diana Spencer. Esta vez, aborda con sensibilidad y fantasía a una artista adulada y enigmática, que en los últimos días de su vida busco apartarse de Callas para encontrar a Maria.

“Pasa en figuras como Maria Callas, que son personas que tienen mucha presencia en los medios, que terminan viviendo una crisis de identidad, entre lo que ve o piensa de ellas, y lo que realmente son. Esta película trata de mostrar esta ambivalencia. Por eso la película se llama ‘Maria’ y no ‘Callas’”, explicó a RFI Pablo Larraín.

‘Maria’ muestra a una Callas consciente de la pérdida de su voz, adicta al mandrax (un potente sedativo con efectos hipnóticos), quien decide hacer un repaso de su vida y amores, y convertir su apartamento parisino, en el último escenario.

La cinta de Jacques Audiard arrasó en la 30ª edición de los Premios Lumières de la prensa internacional al cine francés. Cinco premios en total para esta cinta que causó polémica en México y también entre los críticos de cine en Francia. Victoria también de los actores naturales Clément Faveau, Revelación masculina por “Ving Dieux”, y el guineano Abou Sangaré, Mejor Actor por “La historia de Souleymane”. También les hablamos de las cintas premiadas con la Mejor Fotografía y Mejor Coproducción Internacional.

Como todos los años, los periodistas de la prensa internacional se reunieron en París para entregar los Premios Lumières, velada en la que se dejaron ver algunas de las estrellas del cine francés.

La industria cinematográfica francesa va viento en popa, con cerca de 250 películas inéditas que salieron en las salas de cine, y cerca de 40 millones de entradas vendidas, en 2024 en el territorio francés.

Sin sorpresas, el narco musical "Emilia Pérez" se llevó el premio Lumière a la Mejor película francesa del año, confirmando el éxito que ha tenido esta cinta no solo en Francia sino en el extranjero. La cinta también se llevó los galardones al Mejor director para Jacques Audiard, Mejor interpretación femenina para la actriz trans española Karla Sofía Gascón, Mejor guión y Mejor banda musical.

Estos premios contrastan con la viva polémica que desató en México este musical que transcurre en un país gangrenado por la violencia, el persistente drama de los desaparecidos, y que habla de un narcotraficante que cambia de sexo. La polémica se coló también entre los periodistas de la Academia de los Lumières.

 

Triunfo de los actores naturales

La Academia des Lumières entregó premios a las mejores interpretaciones. Entre los galardonados está el joven Clément Faveau, protagonista de ”Vingt Dieux”, una película que retrata la Francia del campo, la Francia rural. La cinta cuenta la historia de Totone, un adolescente a cargo de su hermana menor. Un día decide fabricar como puede el queso típico de su región, para ganar un concurso agrícola.

Un gran premio de esta velada fue el que se llevó el guineano Abou Sangaré, mejor actor del año por “La historia de Souleymane”.

La película narra la vida de un repartidor de comida en París en situación ilegal, quien prepara su entrevista para solicitar asilo. Abou Sangaré, quien vivió una experiencia similar, ha recibido elogios por su interpretación natural y profunda, que le permitió además regularizar su situación en Francia. El cine le cambió la vida. 

“Esta película cambió mi vida. Desde el día que el director y la productora fueron a la ciudad de Amiens y me seleccionaron para el rol principal. Ese día mi vida comenzó a cambiar. Ahora tengo un agente que se ocupa de mi carrera, de conseguir roles para mí. ¡Y les puedo decir que ya tengo algunas propuestas! Voy a hacer una carrera en el cine, en nombre de Souleymane y de todos los que me apoyaron y me dijeron: lánzate en el cine, tu vida tiene un sentido allí”, declaró Sangaré ante los micrófonos de RFI.

Un Montecristo moderno y un relato en el Irán contemporáneo

La superproducción francesa “El Conde de Montecristo” se llevó por su parte el Premio a la Mejor fotografía, a cargo del canadiense Nicolas Bolduc.

“La fotografía no fue una presión, fue muy interesante. Quise evitar los clichés, no vi ninguna de las versiones que ya se han hecho, no volví a leer el libro. Me concentré completamente en el guion, fue lo que me inspiró para crear imágenes muy modernas. Me gustan mucho los movimientos de cámara. Fue una coreografía visual que creé con los directores. Y fue genial. El objetivo era filmar una versión inolvidable, lo cual es bastante difícil con una obra tan clásica y que ha sido adaptada tantas veces. Estoy super orgulloso con el resultado porque es una película que quedará en la mente del público”, aseguró Bolduc.

La Academia de los Lumières entrega así mismo una estatuilla para la Mejor Coproducción Internacional. Este año la ganadora fue la película "La semilla de la higuera sagrada” de Mohammad Rasoulof.

“Hay todo tipo de directores en Irán. Los hay que tratan de filmar dentro del cuadro legal de la censura y que intentan cambiar las reglas y las restricciones. Cada quien puede elegir en qué contexto quiere trabajar. Hay directores que siguen luchando en contra de la censura. Yo por mi penúltima película tuve una condena de siete años de cárcel. Mientras tengamos este totalitario en Irán será muy difícil hacer cine independiente”, aseveró Rasoulof tras recibir el Premio Lumières.

Mohammad Rasoulof recordó las dificultades que supuso filmar esta película de forma clandestina en su país, luego de las revueltas feministas que se desataron tras el asesinato de Mahsa Amini.

“En realidad nunca habría soñado que pudiéramos terminar esta película. Entonces, pensar en lo que ha sucedido después, era inimaginable. Todo lo que hemos vivido es solo una manifestación de la voluntad colectiva que hemos tenido en la lucha por la dignidad humana y el respeto a las libertades. Esa es la mayor victoria para todos los directores y todos los artistas iraníes que siguen haciendo esfuerzos”, concluyó el director iraní.