Durante tres días, la ciudad Saintes en el suroeste de Francia, se convierte en el escenario de un intercambio entre músicos franceses y canadienses. El festival Transe Atlantique sigue escribiendo una historia de proximidad, diversidad musical y hermandad franco-quebequense. 

A primera vista, Saintes no parece una capital internacional de la música. Pero precisamente ahí reside el desafío del festival Transe Atlantique: mantener viva una larga historia y una lengua común, a través de la música.  

Cada año el festival tranforma la ciudad durante tres días con conciertos de jazz gitano, rock, French Touch, pop, disco oriental y música tradicional de Quebec. En su quinta edición, Transe Atlantique reunió todos esos géneros.

La clave de éxito reside en la historia entre Francia y Quebec. La región de Saintonge está vinculada a la historia de Quebec a través de Samuel de Champlain, originario de esta zona y fundador de la ciudad de Quebec en 1608. Cuatro siglos después, el puente entre ambos territorios vuelve a construirse, esta vez a través de la música.  

 «La idea era mantener y hacer crecer este puente cultural entre Quebec y Francia», explica Raphaëlle Chauvin, fundadora y programadora del festival. 

Sanseverino: la música como mestizaje 

Entre los artistas franceses encontramos a Sanseverino, uno de los músicos más enérgicos y singulares de la escena francesa. Su universo se mueve entre la canción francesa, el blues, el jazz manouche o gypsy jazz y la rumba gitana. Para él, la mezcla cultural es precisamente lo interesante. 

«No me molestan las lenguas extranjeras ni los extranjeros. Al contrario, me interesa la mezcla de idiomas», explica. 

Aunque sigue siendo un apasionado del blues y de la música estadounidense, Sanseverino encuentra una inspiración especial en las músicas gitanas de Europa. Búlgaros, húngaros, serbios, músicos de los antiguos territorios yugoslavos: cada tradición tiene su propia manera de cantar, de tocar y de transmitir emociones. Ahí está, según él, una de las claves de estas músicas: saber acercarse al cliché sin caer nunca en él. 

Su propio recorrido artístico funciona de una manera parecida: mezclar, deformar, jugar y provocar. También lo hace cuando se trata de política. De hecho, Sanseverino ha construido un repertorio donde el humor el humor y la mirada crítica hacia quienes gobiernan están muy presentes. Para él, el humor es más eficaz que cualquier discurso. 

«Cuando digo algo en serio, me siento como un viejo profesor de historia», bromea. “En cambio, con humor, el mensaje puede llegar más lejos”. Su conclusión es bastante radical: si los políticos no escuchan, al menos que el público pueda reírse de ellos. Presidentes, dirigentes y hasta dictadores pueden convertirse en personajes de su sátira. 

Los Hermanos Lemay: la memoria de Quebec hecha canción 

Desde Quebec llegarón a Saintes los hermanos Lemay, figuras vinculadas a la tradición musical quebequense, y dejaron su huella en Saintes con su presencia escénica y su energía. 

Su propuesta representa otra manera de abordar la identidad: a través de una música  arraigada en el territorio, en la memoria y en la cultura popular de Quebec. 

Junto a 2120, los Hermanos Lemay muestran precisamente esas dos caras de Quebec : la tradición y la creación contemporánea, la memoria y la experimentación. 

Ese contraste es un característica de Transe Atlantique: no se trata simplemente de traer artistas de Quebec a Francia, sino de mostrar la riqueza y la diversidad de una escena quebequense capaz de pasar de la tradición a las formas musicales más actuales.  

“2120”: ser quebequense y cantar en inglés 

Desde Quebec llegó otra forma de jugar con la identidad. El grupo “2120”, representado en Saintes por Maxime Blackburn, reivindica sus raíces quebequenses, pero canta en inglés y hace rock and roll. ¿Una contradicción?   

«Somos quebequenses. Nos encanta la música tradicional de Quebec y también el cine quebequense. Pero cantamos en inglés y hacemos rock and roll», explica Blackburn. Para él, el inglés forma parte de la identidad sonora del rock: la musicalidad de las palabras y la crudeza del idioma son elementos inseparables del género. 

“2120” acaba de publicar su segundo álbum, Powdery Notes, después de “2120 In Spectacular Physical Health”.

Corine: crear universos "disco" y criaturas excéntricas es parte del show 

El festival rinde homenaje a la cultura "disco" con Corine, artista que parece haber salido directamente de una película de los años 80. su vestuario, escenografía, personajes e imagen no pasan desapercibidos. 

Mientras prepara su tercer álbum, Corine presenta “Orient Express”, un EP nacido de su colaboración con Habibi Sly, músico franco-sirio con quien trabajó durante años. 

La idea surgió cuando él le hizo escuchar sus composiciones: una música disco con fuertes influencias orientales. Ella puso las letras y su voz. El resultado encaja perfectamente en el espíritu de Saintes: dos culturas, dos universos y una creación común que no pertenece completamente a ninguno de los dos.  

Cassius: mantener viva la historia de un dúo mítico de la French Touch 

Una de las figuras más esperadas de la música electrónica en Saintes es Hubert “Boombass”, miembro de Cassius, dúo mítico y uno de los nombres fundamentales de la French Touch. Después de la muerte en 2019 de Philippe Zdar, Boombass atravesó un período especialmente difícil. 

«Después de la desaparición de Philippe, ya no podía tocar», recuerda. Con el tiempo, volvió a los escenarios con su propio nombre. Pero todo el mundo seguía hablándole de Cassius. Entonces decidió recuperar ese nombre y así nació Cassius Club. Aunque la intención no era reconstruir el dúo original.  

Hubert "Boombass" es muy claro al respecto: "no habrá un nuevo álbum de Cassius".  

“Éramos un dúo”, explica. Y reproducir aquella historia con otras personas sería imposible. El Cassius Club tiene otra función: mantener vivo el nombre a través de encuentros entre generaciones. 

Artistas de su época y músicos más jóvenes comparten ahora el escenario con él. Así mismo, hay otra evolución que Boombass quiere mostrar: la presencia cada vez mayor de mujeres en el mundo del DJ. Hoy hay muchas más mujeres detrás de los platos, recuerda, y algunas son «muy, muy buenas».

Entre los grandes éxitos de Cassius, Boombass recuerda, por ejemplo, Toop Toop y I Love You So, otro tema que, con el paso del tiempo, ha adquirido una nueva lectura.  

Un festival internacional con alma local 

Raphaëlle Chauvin insiste en esa dimensión local. El lugar donde nació, la antigua maternidad de Saintes, es hoy uno de los espacios del festival y ofrece una vista panorámica de 360°. Para los habitantes, es un lugar cargado de memoria. Francia y Quebec se encuentran, pero también se cruzan el francés y otras culturas, la tradición y la modernidad, el jazz gitano y el rock, la French Touch y el disco oriental. Un pequeño territorio francés se convierte así en un punto de encuentro entre varios mundos. 

 

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Durante cuatro décadas, el Festival Nuits d’Afrique ha convertido a Montreal en un punto de encuentro entre África, el Caribe y América Latina. En su 40.º aniversario, el evento reafirma su papel como una de las principales vitrinas de las músicas del mundo en Canadá y como un espacio de diálogo entre culturas y generaciones de artistas.

Hace cuarenta años, dos apasionados decidieron crear en Montreal un festival dedicado a las músicas africanas, en una época en la que estos sonidos tenían poca visibilidad en los grandes escenarios canadienses. Desde entonces, Nuits d’Afrique se ha consolidado como una cita imprescindible del verano cultural de la ciudad, reuniendo cada año a artistas de decenas de países y a miles de espectadores. 

Más allá de los conciertos, el festival ha construido una identidad basada en el intercambio cultural. Uno de sus espacios más representativos es el Marché Tombouctou, donde artesanos, emprendedores y asociaciones presentan productos, saberes y tradiciones africanas. Un mercado que se convierte también en un lugar de encuentro entre las comunidades africanas y la sociedad canadiense. 

Para Berenice Castro, voluntaria del festival, Nuits d’Afrique ha sido una plataforma decisiva para numerosos artistas que hoy gozan de reconocimiento internacional. También destaca el compromiso de los centenares de voluntarios que, desde hace cuatro décadas, hacen posible este evento y mantienen vivo su espíritu de apertura e inclusión. 

América Latina hace vibrar Montreal 

La presencia latinoamericana volvió a ocupar un lugar destacado en esta edición. El colectivo colombiano Systema Solar, nacido en la costa Caribe, llevó a las calles de Montreal su explosiva mezcla de ritmos tradicionales, música electrónica y cultura sound system. Walter "Índigo" Hernández y Jhon Primera, conocido como "Jonpri", explican que su propuesta artística reivindica las raíces afrocaribeñas de Colombia y busca tender puentes entre diferentes culturas a través de la música y la celebración colectiva. 

El Caribe celebra su herencia africana

Entre los invitados de esta edición también destacó el artista guadalupeño Admiral T, una de las figuras más influyentes del reggae y el dancehall francófono. Inspirado por Bob Marley, Admiral T ha construido una identidad musical que fusiona reggae, gwo ka, biguine, salsa, hip hop y música electrónica. Su más reciente proyecto, You and Me, realizado junto a sus hijos, refleja además la importancia de transmitir ese legado musical y cultural a las nuevas generaciones. 

Kalabanté, un legado nacido en Montreal 

Uno de los grandes símbolos de esta edición aniversario es Kalabanté, la compañía fundada en Montreal por el artista guineano Yamoussa Bangoura. El espectáculo combina circo acrobático, danza, percusión y kora, y representa el recorrido de artistas que encontraron en Nuits d’Afrique un espacio para crecer y proyectarse internacionalmente. La compañía es considerada una de las "hijas" del festival, reflejo de su capacidad para acompañar nuevas generaciones de creadores. 

Fulu Miziki: música reciclada desde Kinshasa 

La creatividad africana estuvo representada por el colectivo congoleño Fulu Miziki, llegado desde Kinshasa con un universo artístico tan original como comprometido. Sus integrantes fabrican todos sus instrumentos y vestuarios a partir de materiales reciclados, convirtiendo sus conciertos en una propuesta que combina música, performance y conciencia ecológica. Para Pitschou Bosele y Koisomo Abadou, el reciclaje es también una forma de imaginar un futuro diferente para las ciudades africanas. 

Un festival que sigue construyendo puentes 

Cuarenta años después de su creación, el Festival Nuits d’Afrique mantiene intacta su vocación: hacer de Montreal un lugar donde África dialoga con el Caribe, América Latina y el resto del mundo. Más que un festival de música, Nuits d’Afrique se ha consolidado como un espacio de encuentro, transmisión y diversidad cultural, donde las diásporas comparten sus historias y donde nuevas generaciones de artistas continúan escribiendo una historia que comenzó hace ya cuatro décadas. 

Realización periodística y presentación: Natalia Olivares

Realización y edición de video: Laure Temperville

Coordinación del programa: Julia Courtois

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Francia se prepara para rendir homenaje a uno de sus artistas más ilustres y famosos en el mundo entero. Con motivo de los 100 años del fallecimiento de Claude Monet, el padre del impresionismo, fuimos a conocer el último gran proyecto de su vida, el Ciclo de los Nenúfares, así como su casa de Giverny, donde Monet construyó su refugio para pintar y cultivó su amor por las flores y la naturaleza.

Nuestro acercamiento a la figura de Claude Monet comienza en el Museo de l’Orangerie, en el corazón de París, donde se resguarda un conjunto de obras monumentales del pintor francés. Se trata de “Los Nenúfares” o lirios de agua, una de las pinturas de gran formato más extraordinarias de la primera mitad del siglo XX.

Este conjunto único, catalogado como la “Capilla Sixtina del Impresionismo” por el artista André Masson, está conformado por ocho composiciones dispuestas en dos salas elípticas dentro del museo, que ofrecen al visitante la "ilusión de ser un todo sin fin, una onda sin horizonte y sin orilla".

En estos ocho paneles Monet representó el estanque que albergaba los lirios de agua de su casa de Giverny, en ocho momentos del día o estaciones del año distintas.

“Estas obras que nos dejó Monet son excepcionales. Son el resultado de una vida dedicada al arte. En ese momento, Monet tenía un dominio absoluto de la pintura y de la composición. Pero también una gran libertad en cada pincelada, algo que nos fascina aún hoy. Él no se consideraba un pintor moderno, pero esa libertad de ejecución inspiró a muchos artistas del período abstracto, en la segunda mitad del siglo XX. Monet abrió el camino a la pintura que nos envuelve. Hoy lo llamaríamos una instalación. Para un pintor nacido a finales del siglo XIX, es algo muy moderno, incluso, revolucionario”, explicó a RFI Cécile Girardeau, conservadora en el Museo de l'Orangerie de París.

Luego del Armisticio de 1918 que puso fin a la Primera Guerra Mundial y como un gesto de paz, Monet donó los dos primeros cuadros de este conjunto, con la mediación de su amigo Georges Clemenceau. Años después y luego de muchas peripecias se logró que toda la instalación fuera llevada al Museo de l’Orangerie donde está expuesta de forma permanente.

La casa de Giverny, el refugio de Monet

Si Monet al final de su vida pudo crear esa obra maestra que son "Los Nenúfares" es porque además de ser un gran artista también fue un apasionado de las flores. Necesitó crearse un refugio de color y perfumes que luego plasmó en el lienzo. Ese refugio fue su casa de Giverny, en Normandía, a unos 70 km de París, que adquirió en 1890. Allí se encuentra todavía su casa, una vivienda llena de colores abierta al público siete meses al año.

Monet rediseñó todo el espacio, plantó macizos de flores, jugó con la perspectiva y los colores, para crear un jardín como ningún otro.  Hoy en Giverny se pueden admirar 100.000 especies de flores. En primavera se plantan 25.000 tulipanes de todos los colores. Monet también construyó un jardín japonés, con un pequeño puente sobre un estanque, donde se reflejan arces, bambúes, glicinas, y donde sembró sus famosos lirios de agua o nenúfares.

“El objetivo de los jardines es que los visitantes se sientan dentro de un cuadro de Monet, como si pasearan dentro de una pintura. En cada macizo sembramos las flores una a una, como Monet pintaba sus cuadros, pincelada por pincelada, como hicieron los impresionistas. Monet levantó este jardín poco a poco, poniendo una a una las flores que le gustaban”, explicó el jefe jardinero de la Casa de Monet, Jean-Marie Avisard.

Un artista de lo vital

La casa de Giverny fue un oasis multicolor y la fuente de inspiración para más 250 pinturas basadas en su Recinto Normando y el Jardín de Agua. La obra de Monet está íntimamente ligada a las flores y la naturaleza, algo que conmueve aún hoy porque conecta al ser humano con su propia esencia, en opinión de Philippe Piguet, bisnieto del pintor e historiador especialista de la obra de su bisabuelo.

“Vivimos en una época donde necesitamos reconectar con la naturaleza. La sociedad contemporánea sólo tiene ojos para lo objetivo, lo tecnológico, lo virtual… Pero al mismo tiempo sentimos la necesidad de volver a lo orgánico. Cuando vemos "Los Nenúfares" no estamos nada más frente a una bonita pintura de flores. Estamos frente a algo líquido y orgánico. Algo que se asemeja a nuestro propio cuerpo. Eso es lo más importante, es la piedra angular de la pintura de Monet”, aseveró Piguet.

En una retrospectiva en el Grand Palais de París, el artista argentino nos invita reflexionar sobre nuestro cotidiano y sociedad visitando e interactuando con su universo hecho de efectos ópticos e ilusiones. Un trabajo de 30 años. Lo entrevistamos en Carrusel de las Artes.

A través de instalaciones inmersivas, espejos, trampantojos y escenarios que evocan el universo de la magia, Leando Elrich invita al público a convertirse en protagonista de la experiencia. Su obra cuestiona nuestra percepción de la realidad y le rinde homenaje al poder transformador de la imaginación. 

EL espectador es actor de la obra 

«Mi trabajo no consiste en engañar al espectador, sino en invitarlo a cuestionar aquello que considera real.» Leandro Erlich. 

Las creaciones de Erlich se caracterizan por su capacidad para alterar nuestra percepción del espacio y de los objetos cotidianos. En esta exposición, los visitantes no son simples observadores: participan activamente en las obras, interactúan con ellas y se convierten en parte de la ilusión. 

Reconocido internacionalmente por sus intervenciones arquitectónicas y sus juegos visuales, Leandro Erlich utiliza recursos como los reflejos, las perspectivas alteradas y los edectos ópticos para construir universos donde nada es exaqctamente lo que parece. Cada instalación propone una experiencia única en la que los límites entre lo verdadero y lo falso se vuelven difusos. 

Así invita a una reflexión sobre la manera en que interpretamos el mundo que nos rodea. 

La imaginación nos permite descubrir nuevas formas de mirar la realidad  — Leandro Erlich 

Pensar la realidad con otra perspectiva  

Más allá del espectáculo visual, la retrospectiva plantea preguntas sobre la percepción y las construcciones mentales que determinan nuestra relación con el entorno. La retrospectiva en el Grand Palais tiene como objetivo demostrar  que la realidad no es una certeza absoluta, sino una experiencia. 

En un momento marcado por la sobreanbundancia de imágenes y narrativas, su trabajo recuerda la importancia de mantener una mirada crLtica sin renunciar a la capacidad de imaginar.

« Podemos alejarnos de la realidad hasta el punto de llegar a pensar que la realidad en sí también es una construcción.» Leandro Elrich.

Celebrar el poder de la imaginacion desde lo más común 

La exposición del Grand Palais confirma a Leandro Erlich como una de las figuras destacadas del arte contemporáneo internacional.  

 “El día a día es todo lo que le inspira en el arte, el día a día en el sentido de lo cotidiano, el día a día en el sentido de lo que pueden ser temas de cualquier índole, en el de índole social y de la índole política, del índole ecológica (...) Y cada obra  va a ser un reflejo de algo que detonó la necesidad de expresar algo al respecto." Leandro Elrich

Su inspiración desde las estructuras, perspectivas y arquitectura es una herencia familial 

El vínculo de Erlich con la arquitectura remonta a su infancia. Creció en una familia de arquitectos y dede niños desarollo una sensibilidad particular hacia los espacios y su influencia sbore las personas su imaginación, su percepción de la realidad.

«La arquitectura fue algo que desde muy chico formó parte de mi cotidianeidad.»  Leandro Elrich

Entre arquitectura, ficción y experiencia sensorial, Leandro Erlich continúa explorando los límites entre lo posible y lo imposible, recordándonos que cuestionar nuestras certezas puede ser una de las formas más poderosas de comprender el mundo. 

«la arquitectura construye espacios que producen emociones. Estos espacios  albergan nuestra experiencia de vida (...) Cuando a esos sitios se les quita su sentido funcional, queda un carácter simbólico y la posibilidad de construir ficciones.» Leandro Elrich

La influencia de Julio Le Parc 

Entre las figuras que marcaron su trayectoria Leandro Elrich destaca el artista argentino Julio Le Parc, referente internacional del arte óptico y cinético fallecido en junio fallecido el 30 de mayo de 2026.

Erlich descubrió su obra durante la adolescencia en Buenos Aires y reconoce que su influencia fue decisiva en su formación artística. Con el paso de los años, la admiración profesional se transformó en una relación de amistad. 

« Julio Le Parc fue una figura muy importante para mí y un artista que me inspiró muchísimo.» Leandro Elrich

Tras su fallecimiento, Erlich destacó también el papel histórico que desempeñó Le Parc en la proyección internacional de los artistas argentinos y latinoamericanos, especialmente en Francia. 

La retrospectiva de Leandro Elrich se inició el 02 de Junio y termina el 6 de septiembre del 2026.

Marjane Satrapi falleció el 4 de junio de 2026. La escritora, dibujante, cineasta y artista franco-iraní Marjane Satrapi se convirtió en una de las figuras culturales más influyentes de las últimas décadas gracias a una obra que combinó autobiografía, compromiso político y una profunda reflexión sobre la libertad, Persépolis.

Su nombre quedó asociado para siempre a Persépolis, la novela gráfica publicada entre 2000 y 2003 que narró su infancia y adolescencia durante la Revolución Islámica iraní y los primeros años de la República Islámica. Traducida a más de veinte idiomas y adaptada posteriormente al cine de animación, la obra permitió a millones de lectores descubrir una realidad iraní alejada de los estereotipos occidentales. 

A través de la mirada de una niña, Satrapi relató cómo la instauración de la República Islámica transformó la vida cotidiana de los iraníes, especialmente la de las mujeres. Con un dibujo en blanco y negro denunció la represión política, las restricciones sociales y el peso del integrismo religioso. 

Para la crítica y numerosos especialistas en cine y literatura, como Gaby Bravo, Persépolis marcó un antes y un después en la representación de Oriente Medio y de la experiencia del exilio. La adaptación cinematográfica, en 2007, obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y fue nominada al Óscar a la mejor película de animación.  

Una infancia marcada por la revolución 

Nacida en 1969 en Rasht, cerca del mar Caspio, en el seno de una familia comunista progresista e intelectual, Satrapi vivió de cerca los profundos cambios políticos que transformaron Irán a finales de los años setenta. 

Tras la llegada al poder de los ayatolás y el endurecimiento del régimen, sus padres decidieron enviarla a Europa siendo adolescente. Su experiencia de exilio marcó profundamente su obra y su visión del mundo. 

En Persépolis, la autora reconstruye no sólo su propia historia, sino también la de varias generaciones de iraníes atravesadas por la revolución, la guerra entre Irán e Irak, la represión política la intervención estadounidense y la búsqueda constante de libertad. 

Del cómic al cine 

Después del éxito internacional de Persépolis, Satrapi amplió su universo creativo con obras como Bordados, una serie de conversaciones íntimas entre mujeres iraníes, y Pollo con ciruelas, considerada una de las novelas gráficas más destacadas de su carrera. 

Con el paso de los años se alejó progresivamente del cómic para dedicarse a la pintura y al cine. Dirigió películas como The Voices (2014), Radioactive (2019), dedicada a la vida de Marie Curie, y Paradis París (2024), explorando nuevos registros narrativos y visuales. 

Una voz política y feminista 

Más allá de su trabajo artístico, Marjane Satrapi se convirtió en una de las voces más escuchadas de la diáspora iraní. 

Su compromiso feminista y democrático tuvó especial relevancia durante el movimiento «Mujer, Vida, Libertad», surgido tras la muerte de Mahsa Amini en 2022. Desde Francia, participó activamente en movilizaciones y campañas internacionales de apoyo a los manifestantes iraníes. 

Coordinó el proyecto colectivo  reuniendo a artistas e intelectuales para denunciar la represión del régimen iraní y defender los derechos fundamentales de las mujeres a través intervenciones y de una canción Barayé.

Para Satrapi, el verdadero enemigo de la democracia es la cultura patriarcal, una idea que se convirtió en uno de los ejes centrales de su pensamiento político. 

Un legado universal 

La obra de Marjane Satrapi trasciende las fronteras de Irán. Sus libros, películas y posiciones públicas contribuyeron a abrir espacios de reflexión sobre la libertad, la identidad, el exilio y los derechos de las mujeres. 

Con humor, lucidez logró acercar historias complejas a públicos de todo el mundo. Su legado permanece como una invitación a cuestionar la intolerancia y a defender la libertad de pensamiento frente a cualquier forma de autoritarismo. 

Para Gaby Bravo experta en cine francés y votante de los Golden Globes  existe un antes y un después Persépolis en América Latina, donde la historia tiene una influencia inédita en un público de continente que ha podido sentirse cercano de esa historia marcada por las dictaduras el exilio, y los atropellos a los derechos humanos” 

 

 

En 2026 se cumplen 40 años del mítico choque entre Argentina e Inglaterra, en cuartos de final del Mundial México 86. Un nuevo documental analiza no solo lo estrictamente deportivo, sino que ahonda en la historia del fútbol y en el contexto geopolítico en el que se llevó a cabo este partido, cuatro años después de la guerra por las Islas Malvinas.

El futbol es a veces mucho más que sudor y 22 hombres peleándose por el balón. En 90 minutos también entran en juego la historia de dos países o la sed de revancha. Eso fue lo que sucedió entre las selecciones de Argentina e Inglaterra, hace 40 años en el Estadio Azteca de la Ciudad de México.

El documental “El partido” de Juan Cabral y Santiago Franco rescata esa historia para traerla al presente, con una narración moderna e impecable factura visual. Esta cinta, proyectada en estreno mundial en el Festival de Cannes, se construye con testimonios, declaraciones militares, imágenes de archivo y las voces de quienes disputaron aquel choque en cuartos de final de la Copa del Mundo México 86.

 

Los directores analizan todos los elementos que convergieron en el terreno. Las dos naciones se habían enfrentado militarmente cuatro años antes por el control de las Islas Malvinas. Una guerra que se saldó con la rendición de Argentina, lo que suscitó un álgido sentimiento de injusticia en ese país que sigue reclamando su soberanía sobre estas islas.

“El partido” hace un salto de 260 años al pasado para explicar el origen del conflicto. Pero también recoge los testimonios de algunos de los futbolistas argentinos e ingleses que chocaron en el 86: Jorge Valdano, Gary Lineker, James Barnes, Julio Olarticoechea, entre otros. Todos analizan desde su perspectiva la animosidad en el terreno, el primer gol de mano de Maradona, el segundo considerado el más bonito de la historia, en un ejercicio casi filosófico sobre el fútbol y la vida.

Juan Cabral y Santiago Franco estuvieron en Carrusel de las Artes para hablar de este documental que podrá verse en julio próximo, coincidiendo con el 40 aniversario del que se considera el partido más emblemático, pero también el más polémico, de la historia.

El 79.º Festival de Cine de Cannes cerró sus puertas con la entrega de sus premios. La cinta “Fjord” del rumano Cristian Mungiu se alzó con la Palma de Oro a la mejor película, mientras que la dupla española conocida como Los Javis, Javier Ambrossi y Javier Calvo, fue distinguida con el galardón a la mejor dirección, junto al polaco Paweł Pawlikowski.

Fueron dos semanas bajo un sol brillante en Cannes durante los cuales el jurado presidido por Park Chan Wook examinó las 22 cintas de la competencia. La Palma de Oro a la mejor película del Festival de Cannes fue para la cinta “Fjord” de Cristian Mungiu; de esta forma el rumano accede al selecto grupo de directores que han ganado esta recompensa en dos ocasiones.

“Fjord” es un drama sobre las diferencias culturales entre los países de Europa. La cinta cuenta la historia de una piadosa pareja rumano-noruega que se instala con toda su familia en un fiordo. Cuando las maestras de los niños descubren moretones en sus cuerpos, la sociedad comienza a cuestionar y atacar las costumbres conservadoras de los padres evangélicos, lo que provoca un álgido debate en medio de la atmósfera glacial nórdica.

“El mundo no está viviendo su mejor momento. La verdad es que no estoy muy orgulloso del mundo que le estamos dejando a nuestros hijos. Antes de pedirles que mejoren, es importante que el cambio empiece en nosotros”, declaró Mungiu al recibir su galardón.

El director rumano es un invitado recurrente de Cannes, donde ha recibido numerosos premios, principalmente una primera Palma de Oro en 2007 por la extraordinaria “4 meses, 3 semanas, 2 días” sobre una chica que debe recurrir a un aborto clandestino en Rumania.

El jurado de Cannes decidió un doble premio a la mejor dirección: por un lado, los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo por “La bola negra” ambiciosa película inspirada en la novela homónima de Federico García Lorca, una cinta que causó sensación en Cannes, y que recibió un aplauso de 20 minutos después de su proyección.

El otro galardonado fue el polaco Pawel Pawlikowski por su increíble "Fatherland", sobre un viaje del escritor Thomas Mann y su hija por Alemania, al final de la Segunda Guerra Mundial.

El primer premio anunciado durante la velada fue el galardón al mejor cortometraje, que fue para el argentino Federico Luis, por su cinta "Para los contrincantes", que cuenta el universo de las peleas de boxeo infantil en el barrio de Tepito, en Ciudad de México.

España premiada con “La bola negra”

La película española “La bola negra” creó sensación trayendo a Cannes la figura del poeta Federico García Lorca, mezclándola con la historia de España, y de la memoria queer, en tres épocas distintas.

La cinta toma el mismo título de la novela inconclusa de Federico García Lorca, la única que escribió el poeta granadino con un protagonista abiertamente homosexual. Los directores Javier Ambrossi y Javier Calvo la hicieron suya e imaginaron un relato sobre la homosexualidad silenciada. El resultado es una cinta coral, las historias de tres hombres en tres momentos distintos en España, que cuenta con las actuaciones de Penélope Cruz, Lola Dueñas, Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González y Milo Quifes. 

Los personajes de esta cinta monumental están atravesados por un mismo dolor: la imposibilidad de asumir su condición, una constante en la sociedad española no solo al principio de la Guerra Civil Española, en los años 30, también en el siglo XXI.

“Los sobrevivientes del Che” y un animal materno

La 79ª edición del Festival de Cannes trajo al presente numerosas figuras y eventos históricos. Una película documental de la selección oficial desempolvó la increíble historia de los seis compañeros del Che Guevara que sobrevivieron en las montañas bolivianas después de su ejecución.  

Por su parte en la sección "Una cierta mirada", dedicada a las películas con visiones o estilos variados, o que exploran historias de manera poco convencional, se presentó la cinta costarricense, "Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel. La cinta cuenta la historia de Elsa quie después de haber estudiado en Bélgica vuelve a Costa Rica. Allí descubre a su hermana Amalia hundida en el ocio y el esoterismo, y a su madre, autora de poemas eróticos, aferrada a su juventud. Todo en sus modos de vida irrita a Elsa y a su raciocinio europeo.

Se trata del segundo largometraje de Valentina Maurel en el que expresa el desfase cultural de quienes regresan a su país de origen.

En la  sección paralela Semana de la crítica se proyectó una divertida comedia sobre una mujer sedienta de libertad. "Viva" es el nombre de esta cinta, dirigida por la española Aina Clotet, quien recibió el premio “Revelación” por esta película.

Carrusel de las Artes se encuentra en el festival de cine más grande del mundo para una edición especial, en la que les contaremos lo más destacado que ha sucedido en el certamen de la Riviera francesa.

 

El Festival de Cannes ha vivido al ritmo frenético de su festival de cine y de las superestrellas que desfilaron por la alfombra roja. John Travolta posó emocionado y sorprendido con una Palma de Oro de honor, antes de presentar, fuera de competencia, su primera película como director, Vuelo de noche a Los Ángeles.

“Es increíble… Realmente no me esperaba esto. Me habían dicho que iba a ser una noche especial, pero esto es mejor que un Óscar”, dijo Travolta al recibir el reconocimiento.

Cannes también recibió la visita de Scarlett Johansson y Adam Driver, protagonistas de Paper Tiger, la nueva cinta del estadounidense James Gray, quien hizo una férrea defensa del cine y de su público.

“Es mi sexta vez en Cannes y he aprendido a apreciarlo. Pero más los aprecio a ustedes, porque sin ustedes no hay cine. El cine los necesita, y hoy más que nunca”, expresó.

Sorpresas, pero también polémicas. Como la protagonizada por 600 artistas que denunciaron en la prensa el control del multimillonario conservador Vincent Bolloré sobre las obras cinematográficas y culturales, y la respuesta de la cadena Canal+, que anunció la creación de una lista negra de artistas firmantes cuyas obras no serán ni financiadas ni distribuidas por Canal+.

Cannes vio desfilar también una lluvia de divas: la australiana Cate Blanchett, la estadounidense Sharon Stone y las francesas Catherine Deneuve e Isabelle Huppert, en esta gran fiesta del cine de autor.

Este año, el cine español hizo historia al colocar tres películas en competencia por la Palma de Oro, el máximo galardón del festival.

A sus 76 años, Pedro Almodóvar subió la alfombra roja de Cannes por séptima vez en su carrera, manifestando así que hacer películas sigue siendo su pasión más intensa. Su cinta más reciente, Amarga Navidad, está en liza por la Palma de Oro a la mejor película. Almodóvar narra aquí las dudas y el camino tortuoso de la creación cinematográfica a través de un director de cine en pleno proceso de escritura.

Los actores Bárbara Lennie y Leonardo Sbaraglia dan vida a un personaje con dos caras: el director real y el que cobra vida en el guion.

El respetado actor español Javier Bardem también se dejó ver este año en Cannes, con una de las interpretaciones más espectaculares de su carrera, en la cinta El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen.

En la sección de proyecciones especiales pudimos ver Ceniza en la boca, del actor y director mexicano Diego Luna, una historia de migración y maternidad que invita a reflexionar sobre la hospitalidad y el exilio.

El Festival de Cannes está abierto a todas las propuestas cinematográficas y, por supuesto, al cine de animación. Este año, una comedia francesa para adultos de dibujos animados desató carcajadas: Jim Queen es una sátira jocosa y cruda sobre un extraño virus, la “heterosis”, que transforma a los hombres gays en heterosexuales.

Esta cinta de animación francesa fue uno de los mayores éxitos este año en Cannes, un cóctel brillante de denuncia, autocrítica, música y humor.

Entre las miles de personas que asisten cada año al Festival de Cannes, además de los profesionales del cine y de los críticos, llegan a La Croisette estudiantes del mundo entero, invitados por el festival o por convenios con las escuelas de cine. Para estos jóvenes es una oportunidad única de acercarse a las grandes firmas del cine mundial.

El sol de la Riviera francesa, el mejor cine de autor y una lluvia de estrellas: ese el programa cada año en el Festival de Cine de Cannes. En esta 79° edición, grandes firmas del séptimo arte desfilaron por la alfombra roja en la ceremonia de apertura, entre ellos Peter Jackson, Park Chan-wook y Demi Moore.

El Festival de Cannes levantó el telón para su edición número 79, una edición que promete reunir en el mítico boulevard de la Croisette lo mejor del cine de autor y a grandes artistas del séptimo arte mundial.

Como todos los años, el festival comenzó con el primer desfile de estrellas sobre la alfombra roja y una elegante ceremonia de apertura en el Palacio de los Festivales de Cannes, que siguieron de cerca cientos de aficionados al cine.

La primera velada también fue la ocasión para proyectar la película inaugural, una historia de amor y de engaño: “La Vénus Électrique”, del francés Pierre Salvadori. El Festival de Cannes arrancó así con una película de época que nos lleva al París de las ferias ambulantes de principios del siglo XX, con su lote de magos, adivinadores y superchería.

Por primera vez en su historia, el jurado de la competencia está encabezado por un artista coreano. El cineasta legendario Park Chan-wook asume como presidente del jurado encargado de examinar las 22 cintas de la competencia y entregar la Palma de Oro 2026.

Peter Jackson y Guillermo del Toro

El Festival de Cannes desplegó su alfombra roja para uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo, Peter Jackson. El director de "El Señor de los Anillos" recibió una Palma de Oro de honor en la ceremonia dde apertura. 

También pudimos ver al mexicano Guillermo del Toro, quien vino a Cannes para celebrar por todo lo alto los 20 años de “El laberinto del fauno”, película que pasó a integrar la sección Cannes Classic.

En la sección oficial “Una cierta mirada” se presentó además una historia de amor y pérdida en el corazón de los Andes chilenos. “El deshielo” es el nombre de esta cinta dirigida por Manuela Martelli.

Y cada año, el Festival de Cannes recompensa lo mejor de la creación digital, presentando en su competencia inmersiva nueve proyectos innovadores que mezclan realidad virtual, tecnología y experiencias visuales.

En una era dominada por la hiperconectividad, imaginar un mundo sin teléfonos móviles ni redes sociales puede parecer casi imposible. Sin embargo, no hace tanto tiempo, la música se escuchaba en CD o casetes, las series se veían en familia frente al televisor y los videojuegos comenzaban a instalarse en los hogares como una novedad revolucionaria.

Hoy, ese pasado reciente vuelve con fuerza. Los años 90 y 2000 han dejado de ser solo un recuerdo para convertirse en una tendencia cultural global que conecta generaciones.

París revive la nostalgia millennial

París, la capital francesa, ha visto multiplicarse eventos que recrean el ambiente de una época previa a las redes sociales. Estos encuentros están dirigidos principalmente a los llamados millennials —la generación que creció en ese período—, pero también atraen a públicos más jóvenes.

Uno de los ejemplos más representativos es el concepto de fiestas Idol, impulsado por Natacha Campana. Estas celebraciones combinan karaoke en vivo, pistas de baile y actividades colectivas que buscan reconstruir la conexión humana característica de aquellos años.

Según Campana, el objetivo es claro: reunir a distintas generaciones alrededor de una memoria común. “Era una época en la que las relaciones eran más simples. Cuando estábamos juntos, realmente lo estábamos”, explica.

La música juega un papel central en esta experiencia. Temas como Wannabe de las Spice Girls, Baby One More Time de Britney Spears o Don't Speak de No Doubt siguen siendo himnos que atraviesan generaciones.

Íconos musicales que marcaron una era

El fenómeno nostálgico no puede entenderse sin revisar el impacto de la música de la época. Las boy bands vivieron uno de sus momentos más fuertes con agrupaciones como los Backstreet Boys y New Kids on the Block.

Al mismo tiempo, figuras como Madonna revolucionaron la cultura pop con canciones como Vogue, mientras que Michael Jackson consolidaba su legado con Black or White, un mensaje global contra el racismo.

En el ámbito francófono, artistas como Manu Chao, MC Solaar, Diam's y Stromae contribuyeron a definir una identidad musical diversa y abierta al mundo.

 

Tété: la música como puente generacional

Entre los artistas que marcaron el cambio de milenio destaca Tété, cuya canción À la faveur de l'automne se convirtió en un referente para toda una generación.

Hoy, su música encuentra una nueva audiencia. “Me emociona ver que los jóvenes escuchan canciones que conocieron a través de sus padres”, señala el artista, evidenciando cómo la música trasciende el tiempo.

Su más reciente proyecto, Une semaine sur deux, explora temas contemporáneos como la separación y la vida familiar, combinando versiones acústicas y arregladas. Además, el álbum tiene un componente social: sus ingresos están destinados a organizaciones que luchan contra la violencia de género.

 

Series que definieron una generación

La televisión también vivió una transformación profunda en los años 90 y 2000. Series como Friends, Sex and the City y Buffy la cazavampiros marcaron nuevas formas de narrar historias, abordando temas como la amistad, la independencia femenina y lo sobrenatural.

Otras producciones como Los archivos X y Twin Peaks introdujeron elementos de misterio y ciencia ficción que capturaron la imaginación del público global.

Hoy, muchas de estas series han sido redescubiertas por adolescentes, impulsadas por plataformas digitales, reforzando el carácter cíclico de la cultura.

 

Videojuegos: del arcade al fenómeno global

El auge de los videojuegos fue otro de los pilares de esta era. En el Museo de Videojuegos de Arcueil, cerca de París, se conserva esta historia interactiva que abarca desde los primeros desarrollos hasta la expansión del sector en los años 2000.

Su director, Nicolas Bernardino, destaca la importancia del juego colectivo: “Antes, cuatro personas podían jugar juntas en el mismo sofá. Hoy, aunque estén en la misma habitación, cada uno mira su propia pantalla”.

Títulos como The Legend of Zelda, Sonic the Hedgehog 2 y Super Mario Bros. no solo marcaron una época, sino que se convirtieron en símbolos universales de la cultura pop.

La música, además, desempeñó un rol fundamental. Al igual que en el cine, las bandas sonoras ayudaron a construir atmósferas inolvidables, capaces de permanecer en la memoria colectiva durante décadas.

 

Un viaje al pasado que dialoga con el presente

Lejos de ser una simple moda, el regreso de los años 90 y 2000 revela una necesidad contemporánea: reconectar con experiencias más simples, colectivas y tangibles.

Este fenómeno no solo apela a la nostalgia de las generaciones X y Y, sino que también crea nuevos espacios de encuentro entre generaciones. En un mundo cada vez más digital, el pasado se convierte en refugio, inspiración y, sobre todo, en una forma de volver a estar juntos.

Como cierre simbólico de este viaje de Carrusel de las Artes, elegimos la canción Pour que tu m'aimes encore de Céline Dion, una canción que, al igual que toda una época, logró trascender fronteras y convertirse en un clásico universal.