Carrusel de las Artes

Durante seis días se proyectan unas 40 películas de Colombia y América Latina, en el marco del 14º Panorama del cine colombiano, una cita cinematográfica que ha logrado captar el interés del público parisino.

París es una de las capitales con el mayor número de salas de cine y eventos ligados a la cinematografía mundial. Esa concentración e interés ha sido fundamental en la emergencia de festivales dedicados a la producción audiovisual de América Latina.

Una de esas citas es el Panorama del cine colombiano de París, festival que desde hace 14 años presenta en dos salas de cine parisina una selecta muestra de películas colombianas, que incluye largometrajes, cortometrajes, películas para niños y una sección con cintas de otros países de la región.

En total, se proyectarán 40 películas del 13 al 18 de octubre. La programación va acompañada dos eventos musicales de apertura y cierre, con músicos y gastronomía colombianos.

“Este año está marcado por la condición híbrida de las películas que recibimos. Son películas que no se definen estrictamente como ficción o documental, drama o comedia. En ellas la idea misma de lo que debe ser una película se le da vuelta para redefinir lo que son los códigos cinematográficos”, expresó Pablo Carrizosa, uno de los responsables del festival y miembro de El Perro que ladra, asociación organizadora de la muestra.

La joven cineasta colombiana Laura Chará, quien presenta “Todas las manos que solté” en el festival parisino, destacó el carácter íntimo y personal que puede imprimirse en una película. Su cortometraje lleva a la pantalla grande un relato familiar, con tres generaciones de mujeres y un intento de conversación con alguien ya fallecido.

“La película habla de mi regreso a mi casa materna, donde viven todavía mi abuela y mi tía, después de 20 años de la muerte de mi madre. Es un intento por buscar su huella, su espíritu, en el hogar materno. Y aunque es muy personal, tiene preguntas importantes sobre cómo nos relacionamos con los seres que ya no existen”, explicó Chará.

Tanto Carrizosa como Chará platicaron así mismo sobre el momento político que vive Colombia, con la llegada del nuevo gobierno y los recortes que se ya están produciendo en el sector cultural.

“Como realizadora percibo algo de incertidumbre sobre lo que va a ser la cultura con este nuevo gobierno. El Ministerio de la Cultura está siendo desmantelado, le están quitando parte del financiamiento y algunas de las convocatorias en temas como pueblos culturales o minorías indígenas, están amenazados, o al menos esperando, porque no han abierto las convocatorias. Quizás haya libros que no se publiquen, carnavales que no se hagan. Y eso es importante para nuestro territorio”, aseveró Chará.

El Festival Biarritz-América Latina entregó sus premios en una concurrida ceremonia. La película chilena “Hangar rojo” se llevó el máximo galardón del certamen cinematográfico, el “Abrazo a la Mejor película”. En este programa conversamos con la escritora hispano-uruguaya Carmen Posadas, una de las invitadas de los encuentros literarios en los que puso de relieve la literatura de Uruguay.

El escritora Carmen Posadas nos recibió en su hotel, luego de participar en los encuentros literarios organizados por el Festival Biarritz-América Latina. Esta cita con el público y los lectores de Biarritz también permitió escuchar a algunas voces de la literatura uruguaya, como Diego Recoba, Leonor Courtoisie y Sergio Blanco.

La autora de “Pequeñas infamias”, “Cinco moscas azules” y “La leyenda de la peregrina”, entre otros, platicó con RFI sobre su oficio de escritora, su juventud tímida que la llevó a tomar lápiz y papel como un refugio, y su actual presencia en redes sociales y medios de comunicación. Posadas es autora de más de 15 libros para niños, así como una docena de novelas. En 1998 fue galardonada con el Premio Planeta. Su obra ha sido traducida a más de 30 lenguas.

“Hangar rojo”, Abrazo a la Mejor película

Chile triunfó en el Festival Biarritz, con una película sublime en blanco y negro, que pone el foco en el momento del golpe militar contra Allende, y narra cómo se vivió en el corazón de las fuerzas armadas chilenas.

“Hangar Rojo” el nombre de esta película, que explora el dilema existencia de un capitán de la aviación que recibe la orden de convertir su academia en un centro de torturas. El director chileno Juan Pablo Sallato no pudo estar en Biarritz para recibir su premio, pero envió un mensaje de agradecimiento desde Santiago.

La cinta de Sallato también fue galardonada con el premio del público de Biarritz y con la mejor interpretación para su protagonista, el actor Nicolás Zárate, impresionante en los zapatos del capitán Jorge Silva, quien falleció en 2024 en Londres.

Otra película multipremiada en Biarritz fue “Morro”, del mexicano de Rodrigo García Saiz. Este largometraje retrata el duelo y la violencia a través de un veterinario rural que debe encargarse de un perro herido en un tiroteo entre narcotraficantes. La cinta se llevó el premio de los habitantes de Biarritz y el de la crítica.

Por su parte, el premio del jurado fue para “Nunkui”, de la ecuatoriana Verenice Benítez, una oda a la naturaleza y a la cosmovisión del pueblo shuar.

A bailar

El Festival Biarritz América Latina cerró el viernes por la noche con la proyección de la película documental “El partido”, sobre aquel famoso encuentro entre Argentina e Inglaterra en cuartos de final de México 86.

Los músicos del mítico grupo Septeto Santiaguero pusieron a bailar al público de Biarritz, durante su concierto en la Gare du Midi, uno de los momentos más alegres y movidos del festival.

La 35ª edición del Festival Biarritz América Latina convierte durante una semana a esta ciudad del país vasco francés en un territorio latinoamericano. El festival desplego la alfombra roja a grandes artistas como el mexicano Diego Luna, el musico chileno Eduardo Carrasco o el escritor Leonardo Padura.

El Festival Biarritz América Latina es principalmente un certamen cinematográfico con tres competencias en largometrajes de ficción, cortos y documentales. Pero la programación es mucho más vasta con encuentro literarios, conciertos, y debates sobre la situación política y economía de países como Cuba.

Además, el festival reconoce el aporte de los artistas latinoamericanos en la cultura y la comprensión entre los pueblos, entregándoles un premio llamado el Abrazo de Honor. En 2026, uno de estos galardones fue para el músico chileno Eduardo Carrasco, líder de Quilapayún, un grupo mítico marcado por golpe militar y el exilio hacia Francia.

El segundo galardón honorífico se fue a las manos del escritor Leonardo Padura, un invitado recurrente en Biarritz, quien subió el martes al escenario del teatro Gare du Midi, para recibir su Abrazo de Honor, ante una sala que lo aplaudió ampliamente.

Diego Luna en la competencia

El de Biarritz es un festival muy concurrido, con un público fiel desde hace 35 años y jóvenes que vienen a descubrir las realidades latinoamericanas a través del cine. Una de ellas filmada por el mexicano Diego Luna, en la competencia por el premio El Abrazo a la Mejor película.

“Ceniza en la boca” habla de manera visceral de la inmigración y el desarraigo. La cinta cuenta la historia de dos hermanos mexicanos que emigran a España para reunirse con su madre, quien se fue ocho años atrás. A pesar de los esfuerzos por salir adelante, la vida en Europa les recuerda constantemente que son extranjeros, tratando de formar nuevos vínculos y raíces.

Historias extremas llevadas al cine

La competencia por el premio a la Mejor película comprende 10 largometrajes de ficción, entre los cuales destacaron dos peliculas con personajes atrapados en situaciones extremas.

“Hangar Rojo” es un thriller político basado en hechos reales. Cuando ocurre el golpe militar en Chile, el capitán Jorge Silva recibe la orden de transformar la Academia de la Fuerza Aérea en un centro de tortura. Esta cinta de Juan Pablo Sallato fue filmada en un sublime blanco y negro que refleja la vasta escala de grises de la conciencia humana. Esta pelicula debió filmarse en una base de Mendoza (Argentina) tras la negativa de la Fuerza Aérea de Chile de colaborar con la producción.

De Colombia llega la película “Cinco años, cuatro meses” de Esteban Hoyos García y Juan Miguel Gelacio. Ese es el tiempo que la protagonista Martha lleva buscando a su hijo, un desaparecido del conflicto armado. En su búsqueda conoce a otra familiar de desaparecido que le da una pista, y juntas emprenden un viaje en busca de respuestas. Para los directores de esta cinta, Martha simboliza a las madres de los más de 120.000 desaparecidos en Colombia.

Latinoamérica hace vibrar a Biarritz

Carrusel de las Artes pudo pasear por los diferentes espacios del festival, y sobre todo el “Village”, donde el publico puede admirar el trabajo de numerosos artesanos y degustar algunas de las especialidades culinarias de venidas de América Latina. Conversamos con dos chefs de Colombia y Argentina, quienes nos hablaron de sus respectivas empanadas y de la importancia de conservar sabores y tradiciones.

Biarritz es conocida por la calidad de sus olas y, por ende, por ser un punto de encuentro para los amantes del surf. Durante el festival conocimos a Bastien, quien la considera la “California francesa”, y la compara con países donde el surf es rey, como Panamá.

Este nuevo espacio cultural funcionará en una antigua central eléctrica, renovada para que el séptimo arte dialogue con otras disciplinas como la música y la danza. Conversamos con el fotógrafo francés Laurent Ballesta, un explorador de los fondos marinos y fotógrafo de especies que nunca habían sido retratadas. En nuestra crónica cultural escucharemos el rock alternativo de Pánico, una banda cuya historia se escribió entre Santiago de Chile y París.

Entrar a la Cité du Cinéma (Ciudad del cine) es como entrar a un catedral. La visita comienza con un inmenso pasillo de hierro y vidrio, de 20 metros de altura. Este nuevo centro cultural se instaló en un edificio construido en 1903 de estructura industrial y volúmenes monumentales. En sus espacios, nueve platós de rodaje, una sala de proyección, y una programación cinematográfica pero también de danza y música electrónica.

“Para entender la historia de este edificio excepcional hay que remontar en el tiempo. Primero fue la central eléctrica más grande de la capital. Después fue rebautizado Ciudad del cine y era un conjunto monumental donde se hacían películas y se enseñaba a hacer cine. Todavía funciona justo al lado de una de las escuelas de cine más importantes del país. Pero le faltaba algo: que el público general pudiera venir y tener una experiencia única del cine y de las artes”, explicó a RFI el director de la Ciudad del cine, Didier Gouband.

En esta Ciudad de cine se podrán filmar películas profesionales, pero también experiencias que el público. Es el caso del Taller de películas amateur, un programa de creación de cortometrajes diseñado por el director de cine francés Michel Gondry. También acogerá artistas de otras disciplinas. Es el caso del famoso coreógrafo francés Benjamin Millepied y su compañía “Paris Dance Projet”.

“Lejos del cielo”

El francés Laurent Ballesta es especialista de la fotografía submarina y es capaz de llegar con su cámara a más de 100 metros de profundidad. Gracias a esto ha podido fotografiar numerosas especies en su hábitat natural, e incluso a algunos animales que nunca habían sido retratados.

“Más que la belleza del fondo del mar, lo que me interesa es sus misterios; encontrar aquello que es desconocido, y que se nos revela cuando exploramos de verdad, cuando bajamos a más profundidad, con paciencia y discreción. Cuando hacemos ese esfuerzo, no hace falta ir al otro lado del mundo; aquí mismo, en Francia, hemos fotografiado seres vivos que nunca habían sido fotografiados”, aseguró Ballesta.

Una historia de rock entre Santiago y París

En su crónica musical, Natalia Olivares fue al encuentro de Pánico, una banda con una larga trayectoria. Este dúo de post-punk psicodélico conformado por Edi Pistolas y Carolina Tres Estrellas, marcó a toda una generación y a un género en ambos países.

El grupo cumple más de 30 años y ha atravesado distintas etapas de creación, pero siempre ha mantenido un vínculo entre las culturas chilena y francesa.

A lo largo de su trayectoria han publicado varios discos, entre ellos "Desert Atacama". Pánico también ha conocido un verdadero éxito de culto, llegando incluso a tener su propio club de fans: los chicos y chicas Pánicos.

 

El director de cine falleció el martes en París, dejando una obra singular y poética concebida en el exilio pero inspirada en su Chile natal y en su historia reciente. También en este programa les hablaremos del huracán Celine Dion en la capital francesa, y del homenaje en dibujo a Andy Warhol.

Patricio Guzmán tenía la costumbre de hablar con voz pausada y la tranquilidad propia de los grandes pensadores. Esa misma voz acompañaba al espectador de su obra, una quincena de películas documentales, la mayoría basada en la historia reciente de Chile.

Guzmán se radicó en Francia, país que le ofreció asilo político tras el golpe militar contra Salvador Allende, en 1973. Desde el exilio compuso una obra singular en la que reflexionó sobre las consecuencias del golpe y de la dictadura militar posterior. Inspiró a generaciones de cineastas con un estilo que mezclaba realidad, dolor y poesía.

Muy joven definió la bases de su estilo cinematográfico con la trilogía “La Batalla de Chile”, filmada entre 1972 y 1973, es decir, justo antes del golpe de Estado.

"Realidad y poesía no son incompatibles. Que Guzmán haya encontrado esa forma necesaria de captar la realidad en su violencia, forna parte de su talento artístico. Hizo comulgar tres cosas : su sensibilidad, su dolor y la realidad del país", explicó a RFI Carlos Tello, especialista del cine latinoamericano y fundador del Festival de cine latinoamericano de París (Clap).

Patricio Guzmán filmó una segunda trilogía, conformada por "Nostalgia de la luz" (2010), "El botón de nácar" (2015), y "La cordillera de los sueños" (2019), documentales en los que vínculo el Chile contemporáneo al cosmos, la geología del país y la necesaria preservación de la memoria histórica.

Como "La cordillera de la sueños", su última película "Mi país imaginario" fue presentada en 2022 en estreno mundial en Cannes, y habla del estallido social de 2019 en Chile y de la lucha feminista.

Patricio Guzmán murió en París a los 85 años de edad.

Celine Dion reconquista París

La capital francesa sufre de Celine Manía. La estrella canadiense inició su esperada residencia en la capital francesa. Serán en total 16 conciertos en la Ciudad Luz. Se trata por supuesto de Celine Dion quien reúne cada noche 40.000 personas en el Plénitude Arena. La diva quien estuvo ausente de los escenarios durante seis años cantó durante más de dos horas, RFI estuvo allí.

Andy Warhol en dibujos

El fallecido maestro de las serigrafías es objeto de una gran muestra presentada en el Museo de Luxemburgo de París.

La muestra reúne más de 150 dibujos, entre retratos de celebridades como Marilyne Monroe, James Dean o Mao, pero también dibujos eróticos y religiosos.

“La exposición busca una nueva lectura de la obra de Warhol a través de sus dibujos. Warhol fue  uno de los grandes maestros del siglo XX, capaz de trabajar la imagen y de transformarla. El dibujo tuvo una importancia decisiva en ese proceso de reinvención de la imagen. Warhol no estudió pintura, sino ilustración. Aprendió y concibió el dibujo para la publicación, la reproducción o la publicidad. Así que el dibujo fue fundamental en su concepción del arte de la reproducción” explicó a RFI el comisario de la muestra Alain Cueff.

“Si tu penses bien”

Llega a las salas de cine una película francesa, “Si tu penses bien” que habla de una relación de pareja tóxica.

Esta historia cuenta la relación de Gil y Jacques, que comienza con un amor arrebatador. Cuando Jacques le propone matrimonio, Gil acepta convertirse al judaísmo. Es el inicio de una relación asfixiante, donde Gil se siente cada vez más controlada por su marido hasta perder el sentido de la realidad. Gil es aislada de su propia familia e hija, hasta que comprende el dominio tóxico de su esposo.

En Carrusel de las Artes conversamos con la directora de esta cinta, Géraldine Nakache, y su protagonista, Niels Schneider.

Adiós Catherine Ringer

Despedimos nuestro programa recordando a la cantante francesa Catherine Ringer, la voz emblemática y excentrica de los Rita Mitsouko, quien falleció en París. Les hacemos escuchar una de las canciones más conocidas de Ringer, “Marcia Baila” (1984), tema que se convirtió en un himno para varias generaciones de melómanos.

La fotografía de prensa tiene su propio festival. Se llama “Visa pour l’image” y se realiza desde hace 38 años en la ciudad de Perpiñán. Es el único festival en el mundo dedicado exclusivamente al fotoperiodismo. La edición 2026 tuvo lugar sin su fundador y director histórico, Jean-François Leroy, quien falleció el día de su inauguración.

El Festival Internacional “Visa pour l’image” convierte a la ciudad en una gran galería, con exposiciones y proyecciones fotográficas en edificios históricos de Perpiñán. 

Se trata de un festival sobre la actualidad global: conflictos armados, crisis humanitarias, pero también hay trabajos sobre la vida animal y el medioambiente.

La manifestación se abrió este año en un clima especial, tras la muerte de su fundador, Jean-François Leroy, un férreo defensor del fotoperiodismo, cuyo retrato estuvo presente en todas las salas del festival y en la proyecciones nocturnas.

Líbano, la última guerra

“Visa pour l’image” reunió este año 23 exposiciones fotográficas, que el público puede visitar de forma gratuita. Entre los trabajos, la serie de Diego Ibarra Sánchez realizada en el Líbano, donde reside desde hace 11 años. Durante esos años, el fotoperiodista español documentó la guerra así como los períodos de frágil tregua en ese país.

Muchas de sus fotos muestran la relación entre la población libanesa y el movimiento armado Hezbolá, que algunos países consideran como un grupo terrorista. Pero lo que más destaca Ibarra Sánchez es la situación de los civiles, las principales víctimas de los conflictos que ha enfrentado el país. La gente ha centrado su interés en Gaza, pero también hay millones de personas que están muriendo en El Líbano” explicó Diego Ibarra Sánchez.

La situación de las niñas afganas

Muchas de las exposiciones se presentan en un antiguo convento en el centro histórico, fundado por la Orden de los Mínimos. Allí se muestra un impactante reportaje fotográfico de Elise Blanchard.

La francesa plasmó en imágenes un nuevo fenómeno social que emergió con el cambio climático. En la provincia afgana de Badgis, las niñas y adolescentes se han convertido en una mercancía que puede venderse para sobrevivir a la sequia y la pobreza. Blanchard pasó siete años en Afganistán y documentó los matrimonios de bebés, niñas y adolescentes, sacrificadas para salvar a sus familias de la hambruna. 

“La gente vive de la tierra y del ganado. Pero cuando no llueve durante años y que la tierra no produce lo suficiente, terminan endeudados. La solución entonces es dar a las niñas en matrimonio, o mejor dicho venderlas. La tradición en Afganistán es que el novio entrega una dote a la familia de la novia. Y eso ahora puede ocurrir cuando las niñas tienen un mes de nacidas, o 2 o 3 años, depende de cada familia. El prometido puede ser alguien al que se le debe dinero, o un hombre que busca una segunda o tercera esposa; a veces el contrato se hace con la madre del novio. La dote se paga durante varios años, y cuando se salda la deuda, la niña o adolescente debe ir a vivir con su nueva familia. Es trágico”, aseguró a RFI Elise Blanchard.

Música y tradición vudú

Nuestra especialista musical, Natalia Olivares, conversó con el músico togolés Peter Solo, líder de Vaudou Game. Este grupo fundado en Lyon se destaca por fusionar el afrofunk de los años 70 con los cantos rituales del vudú de África Occidental. 

Francia y México dan inicio a una fiesta cultural que va a durar tres meses para celebrar 200 años de relaciones diplomáticas entre los dos países. Se llama la Gran Fiesta franco-mexicana, una iniciativa multidisciplinaria que incluye decenas de eventos.

Esta celebración empezó el 1ro de septiembre en la Ciudad de México. Sin embargo, sus organizadores han previsto eventos en diferentes ciudades mexicanas. La programación ha asociado a artistas franceses y mexicanos, quienes estarán presentes en diversas instituciones y manifestaciones mexicanas, como la Biblioteca Vasconcellos, o festivales como el Cervantino de artes escénicas, el Festival de cine de Morelia, o las ferias del libro de Guadalajara y Monterrey.

En este programa conversamos con Jean-François Guéganno, el agregado cultural de la Embajada de Francia en México y director del Ifal, Instituto francés de América Latina, quien insistió en la voluntad de asociar artistas de ambos países.

“El Deshielo”

En las salas de cine francesas, un thriller filmado en el corazón de los Andes chilenos. “El deshielo” es el nombre de esta cinta que muestra a un Chile glacial, durante el periodo de la transición a la democracia.

“El deshielo” tiene lugar en 1992 en una estación de esquí en Chile. La cinta cuenta la historia de una niña de 9 años, Inés, quien entabla amistad con Hanna, una prometedora esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece misteriosamente en la montaña, Inés se entera de algo que su abuela le ordena callar.

Esta historia hace un paralelismo con la historia del país y es el segundo capítulo de una trilogía sobre Chile, como nos explicó la directora, Manuela Martelli, en entrevista con Carrusel de las Artes.

El regreso de Céline Dion

La cantante quebequense se encuentra ya en París, ciudad que ella escogió para hacer su esperado regreso a los escenarios. Serán 16 conciertos excepcionales en la capital francesa, que se vendieron como pan caliente hace meses. Celine Dion hizo una larga pausa en su carrera musical tras ser diagnosticada con el síndrome de la persona rígida. Pero en 2024 sorprendió al mundo cantando el “Himno al amor” de Edith Piaf, desde la Torre Eiffel, durante la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de París.

Durante tres días, la ciudad Saintes en el suroeste de Francia, se convierte en el escenario de un intercambio entre músicos franceses y canadienses. El festival Transe Atlantique sigue escribiendo una historia de proximidad, diversidad musical y hermandad franco-quebequense. 

A primera vista, Saintes no parece una capital internacional de la música. Pero precisamente ahí reside el desafío del festival Transe Atlantique: mantener viva una larga historia y una lengua común, a través de la música.  

Cada año el festival tranforma la ciudad durante tres días con conciertos de jazz gitano, rock, French Touch, pop, disco oriental y música tradicional de Quebec. En su quinta edición, Transe Atlantique reunió todos esos géneros.

La clave de éxito reside en la historia entre Francia y Quebec. La región de Saintonge está vinculada a la historia de Quebec a través de Samuel de Champlain, originario de esta zona y fundador de la ciudad de Quebec en 1608. Cuatro siglos después, el puente entre ambos territorios vuelve a construirse, esta vez a través de la música.  

 «La idea era mantener y hacer crecer este puente cultural entre Quebec y Francia», explica Raphaëlle Chauvin, fundadora y programadora del festival. 

Sanseverino: la música como mestizaje 

Entre los artistas franceses encontramos a Sanseverino, uno de los músicos más enérgicos y singulares de la escena francesa. Su universo se mueve entre la canción francesa, el blues, el jazz manouche o gypsy jazz y la rumba gitana. Para él, la mezcla cultural es precisamente lo interesante. 

«No me molestan las lenguas extranjeras ni los extranjeros. Al contrario, me interesa la mezcla de idiomas», explica. 

Aunque sigue siendo un apasionado del blues y de la música estadounidense, Sanseverino encuentra una inspiración especial en las músicas gitanas de Europa. Búlgaros, húngaros, serbios, músicos de los antiguos territorios yugoslavos: cada tradición tiene su propia manera de cantar, de tocar y de transmitir emociones. Ahí está, según él, una de las claves de estas músicas: saber acercarse al cliché sin caer nunca en él. 

Su propio recorrido artístico funciona de una manera parecida: mezclar, deformar, jugar y provocar. También lo hace cuando se trata de política. De hecho, Sanseverino ha construido un repertorio donde el humor el humor y la mirada crítica hacia quienes gobiernan están muy presentes. Para él, el humor es más eficaz que cualquier discurso. 

«Cuando digo algo en serio, me siento como un viejo profesor de historia», bromea. “En cambio, con humor, el mensaje puede llegar más lejos”. Su conclusión es bastante radical: si los políticos no escuchan, al menos que el público pueda reírse de ellos. Presidentes, dirigentes y hasta dictadores pueden convertirse en personajes de su sátira. 

Los Hermanos Lemay: la memoria de Quebec hecha canción 

Desde Quebec llegarón a Saintes los hermanos Lemay, figuras vinculadas a la tradición musical quebequense, y dejaron su huella en Saintes con su presencia escénica y su energía. 

Su propuesta representa otra manera de abordar la identidad: a través de una música  arraigada en el territorio, en la memoria y en la cultura popular de Quebec. 

Junto a 2120, los Hermanos Lemay muestran precisamente esas dos caras de Quebec : la tradición y la creación contemporánea, la memoria y la experimentación. 

Ese contraste es un característica de Transe Atlantique: no se trata simplemente de traer artistas de Quebec a Francia, sino de mostrar la riqueza y la diversidad de una escena quebequense capaz de pasar de la tradición a las formas musicales más actuales.  

“2120”: ser quebequense y cantar en inglés 

Desde Quebec llegó otra forma de jugar con la identidad. El grupo “2120”, representado en Saintes por Maxime Blackburn, reivindica sus raíces quebequenses, pero canta en inglés y hace rock and roll. ¿Una contradicción?   

«Somos quebequenses. Nos encanta la música tradicional de Quebec y también el cine quebequense. Pero cantamos en inglés y hacemos rock and roll», explica Blackburn. Para él, el inglés forma parte de la identidad sonora del rock: la musicalidad de las palabras y la crudeza del idioma son elementos inseparables del género. 

“2120” acaba de publicar su segundo álbum, Powdery Notes, después de “2120 In Spectacular Physical Health”.

Corine: crear universos "disco" y criaturas excéntricas es parte del show 

El festival rinde homenaje a la cultura "disco" con Corine, artista que parece haber salido directamente de una película de los años 80. su vestuario, escenografía, personajes e imagen no pasan desapercibidos. 

Mientras prepara su tercer álbum, Corine presenta “Orient Express”, un EP nacido de su colaboración con Habibi Sly, músico franco-sirio con quien trabajó durante años. 

La idea surgió cuando él le hizo escuchar sus composiciones: una música disco con fuertes influencias orientales. Ella puso las letras y su voz. El resultado encaja perfectamente en el espíritu de Saintes: dos culturas, dos universos y una creación común que no pertenece completamente a ninguno de los dos.  

Cassius: mantener viva la historia de un dúo mítico de la French Touch 

Una de las figuras más esperadas de la música electrónica en Saintes es Hubert “Boombass”, miembro de Cassius, dúo mítico y uno de los nombres fundamentales de la French Touch. Después de la muerte en 2019 de Philippe Zdar, Boombass atravesó un período especialmente difícil. 

«Después de la desaparición de Philippe, ya no podía tocar», recuerda. Con el tiempo, volvió a los escenarios con su propio nombre. Pero todo el mundo seguía hablándole de Cassius. Entonces decidió recuperar ese nombre y así nació Cassius Club. Aunque la intención no era reconstruir el dúo original.  

Hubert "Boombass" es muy claro al respecto: "no habrá un nuevo álbum de Cassius".  

“Éramos un dúo”, explica. Y reproducir aquella historia con otras personas sería imposible. El Cassius Club tiene otra función: mantener vivo el nombre a través de encuentros entre generaciones. 

Artistas de su época y músicos más jóvenes comparten ahora el escenario con él. Así mismo, hay otra evolución que Boombass quiere mostrar: la presencia cada vez mayor de mujeres en el mundo del DJ. Hoy hay muchas más mujeres detrás de los platos, recuerda, y algunas son «muy, muy buenas».

Entre los grandes éxitos de Cassius, Boombass recuerda, por ejemplo, Toop Toop y I Love You So, otro tema que, con el paso del tiempo, ha adquirido una nueva lectura.  

Un festival internacional con alma local 

Raphaëlle Chauvin insiste en esa dimensión local. El lugar donde nació, la antigua maternidad de Saintes, es hoy uno de los espacios del festival y ofrece una vista panorámica de 360°. Para los habitantes, es un lugar cargado de memoria. Francia y Quebec se encuentran, pero también se cruzan el francés y otras culturas, la tradición y la modernidad, el jazz gitano y el rock, la French Touch y el disco oriental. Un pequeño territorio francés se convierte así en un punto de encuentro entre varios mundos. 

 

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Durante cuatro décadas, el Festival Nuits d’Afrique ha convertido a Montreal en un punto de encuentro entre África, el Caribe y América Latina. En su 40.º aniversario, el evento reafirma su papel como una de las principales vitrinas de las músicas del mundo en Canadá y como un espacio de diálogo entre culturas y generaciones de artistas.

Hace cuarenta años, dos apasionados decidieron crear en Montreal un festival dedicado a las músicas africanas, en una época en la que estos sonidos tenían poca visibilidad en los grandes escenarios canadienses. Desde entonces, Nuits d’Afrique se ha consolidado como una cita imprescindible del verano cultural de la ciudad, reuniendo cada año a artistas de decenas de países y a miles de espectadores. 

Más allá de los conciertos, el festival ha construido una identidad basada en el intercambio cultural. Uno de sus espacios más representativos es el Marché Tombouctou, donde artesanos, emprendedores y asociaciones presentan productos, saberes y tradiciones africanas. Un mercado que se convierte también en un lugar de encuentro entre las comunidades africanas y la sociedad canadiense. 

Para Berenice Castro, voluntaria del festival, Nuits d’Afrique ha sido una plataforma decisiva para numerosos artistas que hoy gozan de reconocimiento internacional. También destaca el compromiso de los centenares de voluntarios que, desde hace cuatro décadas, hacen posible este evento y mantienen vivo su espíritu de apertura e inclusión. 

América Latina hace vibrar Montreal 

La presencia latinoamericana volvió a ocupar un lugar destacado en esta edición. El colectivo colombiano Systema Solar, nacido en la costa Caribe, llevó a las calles de Montreal su explosiva mezcla de ritmos tradicionales, música electrónica y cultura sound system. Walter "Índigo" Hernández y Jhon Primera, conocido como "Jonpri", explican que su propuesta artística reivindica las raíces afrocaribeñas de Colombia y busca tender puentes entre diferentes culturas a través de la música y la celebración colectiva. 

El Caribe celebra su herencia africana

Entre los invitados de esta edición también destacó el artista guadalupeño Admiral T, una de las figuras más influyentes del reggae y el dancehall francófono. Inspirado por Bob Marley, Admiral T ha construido una identidad musical que fusiona reggae, gwo ka, biguine, salsa, hip hop y música electrónica. Su más reciente proyecto, You and Me, realizado junto a sus hijos, refleja además la importancia de transmitir ese legado musical y cultural a las nuevas generaciones. 

Kalabanté, un legado nacido en Montreal 

Uno de los grandes símbolos de esta edición aniversario es Kalabanté, la compañía fundada en Montreal por el artista guineano Yamoussa Bangoura. El espectáculo combina circo acrobático, danza, percusión y kora, y representa el recorrido de artistas que encontraron en Nuits d’Afrique un espacio para crecer y proyectarse internacionalmente. La compañía es considerada una de las "hijas" del festival, reflejo de su capacidad para acompañar nuevas generaciones de creadores. 

Fulu Miziki: música reciclada desde Kinshasa 

La creatividad africana estuvo representada por el colectivo congoleño Fulu Miziki, llegado desde Kinshasa con un universo artístico tan original como comprometido. Sus integrantes fabrican todos sus instrumentos y vestuarios a partir de materiales reciclados, convirtiendo sus conciertos en una propuesta que combina música, performance y conciencia ecológica. Para Pitschou Bosele y Koisomo Abadou, el reciclaje es también una forma de imaginar un futuro diferente para las ciudades africanas. 

Un festival que sigue construyendo puentes 

Cuarenta años después de su creación, el Festival Nuits d’Afrique mantiene intacta su vocación: hacer de Montreal un lugar donde África dialoga con el Caribe, América Latina y el resto del mundo. Más que un festival de música, Nuits d’Afrique se ha consolidado como un espacio de encuentro, transmisión y diversidad cultural, donde las diásporas comparten sus historias y donde nuevas generaciones de artistas continúan escribiendo una historia que comenzó hace ya cuatro décadas. 

Realización periodística y presentación: Natalia Olivares

Realización y edición de video: Laure Temperville

Coordinación del programa: Julia Courtois

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Francia se prepara para rendir homenaje a uno de sus artistas más ilustres y famosos en el mundo entero. Con motivo de los 100 años del fallecimiento de Claude Monet, el padre del impresionismo, fuimos a conocer el último gran proyecto de su vida, el Ciclo de los Nenúfares, así como su casa de Giverny, donde Monet construyó su refugio para pintar y cultivó su amor por las flores y la naturaleza.

Nuestro acercamiento a la figura de Claude Monet comienza en el Museo de l’Orangerie, en el corazón de París, donde se resguarda un conjunto de obras monumentales del pintor francés. Se trata de “Los Nenúfares” o lirios de agua, una de las pinturas de gran formato más extraordinarias de la primera mitad del siglo XX.

Este conjunto único, catalogado como la “Capilla Sixtina del Impresionismo” por el artista André Masson, está conformado por ocho composiciones dispuestas en dos salas elípticas dentro del museo, que ofrecen al visitante la "ilusión de ser un todo sin fin, una onda sin horizonte y sin orilla".

En estos ocho paneles Monet representó el estanque que albergaba los lirios de agua de su casa de Giverny, en ocho momentos del día o estaciones del año distintas.

“Estas obras que nos dejó Monet son excepcionales. Son el resultado de una vida dedicada al arte. En ese momento, Monet tenía un dominio absoluto de la pintura y de la composición. Pero también una gran libertad en cada pincelada, algo que nos fascina aún hoy. Él no se consideraba un pintor moderno, pero esa libertad de ejecución inspiró a muchos artistas del período abstracto, en la segunda mitad del siglo XX. Monet abrió el camino a la pintura que nos envuelve. Hoy lo llamaríamos una instalación. Para un pintor nacido a finales del siglo XIX, es algo muy moderno, incluso, revolucionario”, explicó a RFI Cécile Girardeau, conservadora en el Museo de l'Orangerie de París.

Luego del Armisticio de 1918 que puso fin a la Primera Guerra Mundial y como un gesto de paz, Monet donó los dos primeros cuadros de este conjunto, con la mediación de su amigo Georges Clemenceau. Años después y luego de muchas peripecias se logró que toda la instalación fuera llevada al Museo de l’Orangerie donde está expuesta de forma permanente.

La casa de Giverny, el refugio de Monet

Si Monet al final de su vida pudo crear esa obra maestra que son "Los Nenúfares" es porque además de ser un gran artista también fue un apasionado de las flores. Necesitó crearse un refugio de color y perfumes que luego plasmó en el lienzo. Ese refugio fue su casa de Giverny, en Normandía, a unos 70 km de París, que adquirió en 1890. Allí se encuentra todavía su casa, una vivienda llena de colores abierta al público siete meses al año.

Monet rediseñó todo el espacio, plantó macizos de flores, jugó con la perspectiva y los colores, para crear un jardín como ningún otro.  Hoy en Giverny se pueden admirar 100.000 especies de flores. En primavera se plantan 25.000 tulipanes de todos los colores. Monet también construyó un jardín japonés, con un pequeño puente sobre un estanque, donde se reflejan arces, bambúes, glicinas, y donde sembró sus famosos lirios de agua o nenúfares.

“El objetivo de los jardines es que los visitantes se sientan dentro de un cuadro de Monet, como si pasearan dentro de una pintura. En cada macizo sembramos las flores una a una, como Monet pintaba sus cuadros, pincelada por pincelada, como hicieron los impresionistas. Monet levantó este jardín poco a poco, poniendo una a una las flores que le gustaban”, explicó el jefe jardinero de la Casa de Monet, Jean-Marie Avisard.

Un artista de lo vital

La casa de Giverny fue un oasis multicolor y la fuente de inspiración para más 250 pinturas basadas en su Recinto Normando y el Jardín de Agua. La obra de Monet está íntimamente ligada a las flores y la naturaleza, algo que conmueve aún hoy porque conecta al ser humano con su propia esencia, en opinión de Philippe Piguet, bisnieto del pintor e historiador especialista de la obra de su bisabuelo.

“Vivimos en una época donde necesitamos reconectar con la naturaleza. La sociedad contemporánea sólo tiene ojos para lo objetivo, lo tecnológico, lo virtual… Pero al mismo tiempo sentimos la necesidad de volver a lo orgánico. Cuando vemos "Los Nenúfares" no estamos nada más frente a una bonita pintura de flores. Estamos frente a algo líquido y orgánico. Algo que se asemeja a nuestro propio cuerpo. Eso es lo más importante, es la piedra angular de la pintura de Monet”, aseveró Piguet.