100 % création

Innovation en protection cutanée et protection de l’environnement avec French Kiss, une marque de crème solaire lancée par Yann Delplace, marin et entrepreneur. Il a voulu créer la meilleure protection solaire pour la peau et l’océan. Sa crème est adaptée à tous les membres de la famille. Pour Yann Delplace c’est important de contribuer à la préservation des écosystèmes fragiles tout en protégeant la peau des rayons UV nocifs.

L'idéal pour se protéger du soleil, c'est qu'il ne faut pas s'exposer au soleil. Lorsque vous voulez aller à la plage, il faut mettre la crème solaire parce que le taux de cancer explose. En France, la région qui a le plus de cancers c'est la Bretagne. Les UV passent à travers les nuages.  il y a la Bretagne et l'Australie, par rapport à la couche d'ozone, il faut vraiment se protéger. C'est une casquette et de la crème solaire régulièrement. 

Yann Delplace, navigateur et créateur de French Kiss

" C'est assez osé à l'époque d'appeler un bateau French Kiss. 90 % des gens ont trouvé cela drôle et l'ont retenu. Le but, c'était de communiquer sur un nom que les gens retiennent. Il y avait France, il y avait French Kiss. Cela cochait toutes les cases."

Né dans le nord de la France, Yann Delplace est un marin et un passionné de voile de haut-niveau depuis l’enfance. Tout naturellement, il est devenu régatier. Installé aujourd’hui dans le sud de la France, près de la Méditerranée pour exercer sa passion, car il aime naviguer. Ses sorties en mer quotidiennes l’ont progressivement fait prendre conscience de l’importance de la protection cutanée et celle de l’environnement. Yann Delplace crée, en 2016, French Kiss, une marque de crème solaire respectueuse de la peau et de l’environnement qui doit son nom au célèbre voilier de l’America's Cup.

" L'avantage, c'est que French Kiss est connu, mais comme un bateau. L’inconvénient, c'est que maintenant, French Kiss, c'est aussi une crème solaire. Les moins de 30 ans reconnaîtront French Kiss comme une crème solaire alors que les plus de 50 ans connaîtront French Kiss par rapport à un bateau et une crème solaire. C'est un nom qui marque les esprits. Il y a 2 000 fabricants de crèmes solaires à travers le monde. Certains ont des qualités, d'autres des défauts. Moi, je sais que le produit est bon."

« Ceux qui font de la voile, les plaisanciers sont les deuxièmes personnes les plus exposées au monde au soleil après ceux qui font de l'alpinisme. Le taux de réverbération sur un glacier est encore plus important que sur les océans. Si c’est bon pour les personnes qui font de la plaisance, de la grande plaisance, des régates où ils sont extrêmement exposés au soleil, si c’est validé, forcément c'est validé pour la personne qui va quelques heures seulement sur une plage pour se baigner ou pour bronzer. Nous sommes partis dans cette niche par rapport à l'histoire du bateau qui est absolument fantastique et pour toucher d'abord les gens qui font de la plaisance et après élargir à Monsieur tout le monde. »

Pour créer sa crème solaire French Kiss, Yann Delplace a fait un tour d’Europe et visiter de nombreux laboratoires. « J'ai fait un tour d'Europe pendant quatre ans pour trouver la crème solaire qui correspondait le plus à mon cahier des charges et je l'ai trouvée à cinq kilomètres de chez moi à Nice. Dans ce laboratoire, il y avait trois crèmes, deux crèmes avec des filtres naturels et une crème avec un mélange naturel, organique. Avec leur premier test de crème solaire, les filtres naturels tuaient 70 à 80 % des cellules souches. Leur crème solaire qui était un mélange ne tuait que 30 %. Ils se sont aperçus que ce sont des filtres naturels, en grande partie qui tuent les coraux. Pourquoi ? Parce que c'est naturel. Mais c'est naturel à terre, pas dans l'eau. Donc, les organismes comme les anémones de mer ou les coraux n'arrivent pas à les filtrer. Ils ne sont pas habitués à ces produits."

« Les crèmes solaires perturbent cet environnement. Cela tue l'algue à l'intérieur et du coup cela fait blanchir les coraux. Il faut, donc, un filtre chimique qui soit bon pour la peau parce qu'il y a des filtres chimiques qui ne sont pas bons et des filtres naturels qui soient bons pour les océans et les filtres chimiques également. Ils ont pris le meilleur de chacune ou le moins mauvais de chacune pour sortir une crème solaire. »

Fabriquée en France, la composition de la crème solaire French Kiss limite au maximum les effets sur les coraux et sur l’ensemble de l’écosystème marin. Écologique, elle est certifiée par plusieurs labels comme Skin Safety. Afin de la faire connaître au plus grand nombre, Yann Delplace a nommé des ambassadeurs. « Le premier, c'est Jean Luc Van Den Heede, VDH pour ceux qui connaissent un peu les mordus de voile. C'est ma première égérie. Ma deuxième égérie, ce sont des jeunes filles championnes du monde de voile, championne olympique. J'en ai douze autour de moi maintenant. Jean-Pierre Dick qui est Niçois devrait me rejoindre très prochainement. »

« Le but, c'est que la marque soit visible sur tous les plans d'eau, pour les auditeurs, French Kiss c'est le bateau qui a représenté la France en 1987 pour la Coupe de l'America en Australie. Il était barré par Marc Pajot. C'est un bateau français avec un nom bien français qui a défendu les couleurs de la France en Australie et qui a atteint les demi-finales, qui a réalisé le résultat le plus important en 147 ans de l’America's Cup. Nous avons repris le nom de French Kiss. Le bateau nous sert de laboratoire et de tests en conditions réelles. Et moi, je cherche des ambassadeurs, donc des jeunes qui sont sur tous les plans d'eau, pour rajeunir la marque. Un Français sur six de plus de 50 ans connaît le bateau, ce qui est énorme. Mais je pense qu'on est quasiment à zéro Français en dessous de 30 ans. Le but de ces jeunes égéries, c'est que lorsqu'elles naviguent sur les plans d'eau, elles fassent connaître la marque aux plus jeunes."

Yann Delplace souhaite améliorer le contenant de sa crème solaire. Son nouveau défi, l’emballage. « Je me suis rendu compte que le packaging n'était pas à la hauteur de la crème, nous nous améliorons d'années en années. Le but du jeu, c'est de réduire considérablement la teneur en plastique, l'énergie pour produire et ainsi que la quantité d'eau pour produire. Du coup, je me suis rapproché d'un laboratoire qui est juste à côté de Sofia-Cosmétique, donc à trois kilomètres de Carros, près de Nice. Il y a quasiment zéro empreinte carbone puisqu'il n'y a pas de trajet. »

« Le nouveau packaging est sorti au mois de mai dernier. C'est huit fois moins de plastique, c'est 70 % de consommation d'eau, 80 % d'électricité en moins. La révolution dans la révolution, c'est que son système de packaging est une reprise du système des poires en pâtisserie, lorsqu'on compresse le tube, au final, à la fin de vie du tube, il reste moins de 1 % du produit, alors qu'actuellement tous les tubes de crèmes solaires au monde et dans ce format laissent entre 23 et 24 % de crèmes solaires. »

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Olivia Yatoundé Olympio a décidé d’apprendre du passé pour construire l’avenir. Pour contenter son désir de création, elle lance en 2021 sa marque OYO. Cette créatrice propose des accessoires, sacs à mains aux formats allant du petit au plus grand, des bijoux et des vêtements sur-mesure. Des pièces en édition limitée, totalement uniques et fabriquées à la main.

Olivia Yatoundé Olympio réalise chaque pièce avec la même passion, la même attention portée au choix du cuir, aux finitions des coutures, aux assemblages et mélanges des matières ou pas. Les formes géométriques apportent une touche d’originalité et de féminité à ses accessoires. 

Quand je crée, je me sens vivante. C'est une manière de m'évader.

Olivia Yatoundé Olympio, Créatrice de la marque OYO 

Je m'appelle Olivia Yatoundé Olympio. OYO, ce sont mes initiales, tout simplement

Née à Lomé, Olivia Yatoundé Olympio quitte le Togo à 12 ans et suit sa scolarité, jusqu’au baccalauréat, dans un pensionnat à Beauvais, près de Paris. Elle poursuit par des études de droit et d’anglais. Elle exerce plusieurs métiers, mais avec OYO, elle revient au travail manuel. Sa mère, partie trop tôt, l’a sensibilisée à la mode, à l’élégance, elle lui a transmis sa passion pour le travail artisanal. « Ma maman a été adoptée par sa tante et son oncle, qui étaient Bretons, à l'âge de trois ans, raconte-t-elle. Elle n'a vécu qu'à Neuilly, à Paris. Ma maman est une Parisienne et nous a donné une éducation très française, parisienne. Elle a travaillé, a appris la haute couture chez Givenchy. »

« Elle a rencontré mon papa par hasard. Ma maman était une métisse ghanéenne, quand elle a rencontré mon papa qui était Togolais, ils se sont mariés et sont venus au Togo en 1963, juste après l'indépendance, avec mes deux sœurs aînées. Ma maman a exercé son métier de couturière styliste à Lomé. Elle avait comme clientèle tous les expatriés de l'époque, les ambassadeurs, les femmes d'ambassadeur. À la maison, moi, je voyais défiler des personnalités qui venaient commander des robes ou des vêtements à ma mère », se souvient-elle.

Installée à Nantes, dans l’ouest de la France, cette autodidacte, après une vie de mère de famille bien remplie, s’essaye au travail sur le cuir, en 2021, elle lance sa marque OYO. Elle crée des sacs à main qui lui ressemblent, avec un bijou unique. Olivia Yatoundé Olympio pense d’abord à une forme géométrique en réalisant son prototype. « Le cuir est souple, montre-t-elle. Je mets une matière entre le cuir et la doublure, une fibre rigide, qui permet au cuir souple de tenir. Si je ne mettais pas cette matière, il ne tiendrait pas debout, il n'aurait pas cette forme qui reste quand même rigide. Cette matière rigide, on ne la voit pas, elle n'est pas apparente, on la sent dans le toucher. Il y a des cuirs d'une épaisseur plus importante et le grain aussi du cuir peut faire que je n'ai pas besoin de mettre cette matière rigide. Le cuir seul avec la doublure fait tenir le sac à main comme un bijou que vous posez sur une table. »

L’inspiration qu’Olivia Yatoundé Olympio trouve à Lomé se réalise en France et inversement. Elle travaille le cuir, mais aussi, les pagnes tissés, parfois précieux et rares. Elle aime les matières nobles qui lui rappellent ses origines africaines. « Les tissus tissés, ce sont des rayures. Il y a beaucoup de rayures ou alors c'est très géométrique. J'aime ce côté géométrique un peu épuré. J'imagine déjà le vêtement, ensuite, j'imagine les couleurs qui peuvent composer ce vêtement. Je fais un dessin sur le style de tissage que je souhaite avoir. Je mets les couleurs et je l'envoie aux tisseurs et ils me font les tissus. Le concept que je veux, c'est que même dans le tissu, il ne faut pas qu'on le retrouve ailleurs. Donc, le vêtement est unique. Le sac à main est unique, et les boucles d'oreilles sont uniques. Je pense que nous sommes tous uniques et je pense que nous ne le mettons pas souvent en avant."

Sacs à mains, bijoux ou collection de vêtements, Olivia Yatoundé Olympio développe sa production. « Ce sont surtout les choses très difficiles que j'ai vécues qui aujourd'hui me poussent à me dire que nous n'avons qu'une vie, se confie-t-elle. Pendant longtemps, il me fallait faire face. Après un divorce, avec deux enfants, si je voulais créer, je l'ai mis de côté parce qu'il faut nourrir les enfants, donc j'étais prête à prendre n'importe quel travail alimentaire pour assurer le quotidien. J'ai eu ce genre de vie pendant très, très longtemps. »

« Aujourd'hui, au-delà de 50 ans, je me dis '"tu as eu faim, tu as eu soif, il ne peut plus rien t'arriver de grave, donc fait ce que tu as envie de faire et vas-y et n'ait pas de retenue", relativise-t-elle. C'est venu sur le tard, mais je suis contente que cela vienne maintenant et je ne me frustre pas en me disant bon "bah, j'aurais voulu, mais je n'ai pas osé." Je ne veux pas cela. »

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Alexandra Latour, styliste de broderie et créatrice de la Veste en jean. Avec sa jeune marque française, elle revisite une pièce iconique de nos vestiaires : la veste en jean. Pour cela, Alexandra Latour récupère d’anciens pantalons en denim, les découpent et les recomposent en fonction de la trame du textile et de ses couleurs. Ses créations de veste sont uniques, réinterprétées et sublimées grâce à la broderie, des collections originales tout en faisant du bien à la planète.

« Il n'y a pas de limite en broderie, c'est juste impressionnant. Nous pouvons tout nous permettre, tout peut se broder à partir du moment où nous pouvons fixer la matière, nous arrivons à broder. Nous pouvons broder de la nacre, des perles, des paillettes, toutes sortes de choses. Nous pouvons. Il n'y a pas de limites », raconte Alexandra Latour, styliste de broderie et créatrice de la Veste en jean.

« J'ai beaucoup aimé la petite robe noire et je me suis dit : "la veste en jean", tout simplement. » Alexandra Latour commence son parcours en architecture d’intérieur, en scénographie après avoir étudié à l’école Boulle à Paris, une école en arts appliqués. Après sa licence d’arts plastiques, elle exerce dans un bureau de style pendant deux ans. À 25 ans, elle se met à son compte et monte son atelier de broderie. Elle travaille en dessin et techniques de broderie pour la maison Lesage et d’autres maisons de haute couture. Et en 2020, elle lance sa marque la Veste en jean. Alexandra Latour est à la fois artiste, artisan d’art et entrepreneuse. Son atelier de broderie et sa marque la veste en jean grandissent ensemble.

« Cela faisait plusieurs années que je me disais "j'aimerais bien créer une marque", parce que vendre de la broderie à une clientèle de proximité, ce n'était pas possible par des échantillons. Nous travaillons plus pour de la haute couture, du prêt-à-porter et je trouvais cela intéressant de développer une marque. Cela nous permettait de broder. Quel textile utiliser ? Une matière qui est polluante à sa fabrication : le jean. »

« Je suis passionnée par le jean donc, du coup, je trouvais évident de créer une marque qui soit écoresponsable. À défaut d'utiliser des rouleaux, autant récupérer des jeans qui étaient destinés à être jetés et de les ennoblir par la broderie. Donc, nous utilisons un savoir-faire pour ennoblir notre matière principale. »

Alexandra Latour récupère des jeans usagés pour leur donner une seconde vie et les transformer en vestes uniques et brodés. Des partenariats lui permettent d’avoir une démarche écoresponsable. « Emmaüs à Trappes nous suit depuis maintenant trois ans. Ils nous vendent les jeans au poids. Nous venons sourcer la matière en amont, c'est-à-dire ils nous font une présélection de ce qu'ils vont mettre en vente, par exemple les jeans qui ne peuvent pas être vendus, qui sont troués. Nous sélectionnons la matière pour qu'elle soit 100% coton sans élasthanne et nous l'achetons au poids. Ce sourcing de matières, je ne dirais pas tout le temps, mais par moment, c'est problématique. C'est-à-dire que si nous avions plus d'Emmaüs qui pourraient nous suivre et si nous avions un espace de stockage plus important, ce problème n'existerait pas. »

« Notre problématique, pour le moment, c'est un espace qui est trop restreint pour à la fois travailler et stocker, toutes ces matières. Il y en a à profusion. Mais il faut avoir tout le process : sélectionner, nettoyer les jeans et après les stocker. Pour le moment, c'est plus la deuxième étape qui est problématique. Récupérer les matières, non, ce n'est pas du tout problématique. Et cela pourrait se faire à plus grande échelle. »

Le jean est une matière abondante et permet de broder les pièces reconstituées sur la base de pantalons en denim recyclés. Après la matière, il y a le choix de la thématique, des teintes du denim et le dessin avant de passe à la réalisation de la veste.

« Parfois, il y a des teintures particulières. Le denim a une multitude de teintes qui est assez impressionnante, des dégradés de bleu, des bleus qui sont plus rouges, des bleus qui sont plus verts ou plus grisonnants. Pour la collection, je pars toujours d'un dessin, mais parfois, je sors certains dessins sur d'autres périodes de collections pour un défilé. Je reste sur une thématique. La dernière fois, nous avons collaboré avec des artistes. Nous avons fait une veste étoile qui est assez exubérante, je dirais assez atypique. Nous avions ce qu'il fallait en matière. »

« Nous commençons à sourcer aussi des matières de cuir, des chutes de cuir avec des personnes qui travaillent dans l'ameublement, il y a des chutes assez intéressantes. Nous associons aussi le jeans et le cuir. Il y a toujours un croquis à la base, c'est quand même de l'artisanat d'art puisque nous brodons. La broderie, c'est énormément de temps. Nous ne pouvons pas nous permettre de partir à l'aveugle. »

Alexandra Latour a créé un atelier de broderie et une marque avec l’objectif de réduire, le plus possible, son impact sur l’environnement. « Pendant les périodes de collection, il y a énormément de réalisations qui sont faites à l'étranger. L'idée, c'était de créer un nouvel atelier qui soit à proximité des maisons de couture. Et quand j'ai créé la veste en jean, c'était avec l'idée de résoudre un soupçon de problème sur cette thématique de denim qui est très polluant à sa fabrication. C'était d'apporter une technique, un savoir-faire à proximité. C'est de pouvoir travailler en circuits courts, de réutiliser une matière qui était initialement vouée à être un déchet. »

« Les personnes qui m'accompagnent au sein de l'atelier sont soit formées en couture ou en broderie, parfois les deux. Nous sommes une équipe de quatre personnes. C'est aussi des valeurs que j'essaye de leur transmettre : montrer que c'est possible de travailler avec justement d'autres matières que de dérouler un simple rouleau sur une table pour pouvoir broder. »

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Kokou Gilles d’Almeida Elessessi, plus connu comme Gilles d’Almeida est un styliste togolais. En 2022, il lance sa marque G-Style et ouvre un atelier en 2023 à Lomé. Ce jeune créateur se lance dans la mode avec un objectif : la mise en valeur du perlage. Cette technique artisanale Gilles d’Almeida l’utilise pour créer ou rehausser les motifs du tissu. Perles, sequins, paillettes embellissent alors les collections de G-Style, des pièces uniques pour femmes et hommes. 

La créativité, dans toutes mes confections, c'est moi, parce que je ne peux pas la mettre à l'écart. Il faut mettre de la particularité dans chaque tenue. La création, c'est m'investir totalement.

Kokou Gilles d’Almeida Elessessi, styliste togolais, jeune talent de G-Style. 

« Les amis, les connaissances m'appelaient déjà G à cause de Gilles et quand je leur ai dit que je commençais ma formation en stylisme, ils se sont dit : "ajoute un "style" ou un "fashion" !" Je suis allé avec le "style". "G-Style", c'est plus cool. Et le nom est resté comme cela. Mais le G était toujours là, imposé par les amis et les connaissances. »

Né à Lomé, Kokou Gilles d’Almeida Elessessi, plus connu comme Gilles D’Almeida a fait tout son parcours scolaire dans la capitale du Togo. En 2017, à la fin de son cursus universitaire en communication des organisations. Il s’offre une année de césure, une année pour réfléchir à son avenir. Cet amoureux du vêtement, de la mode et du style, après cette réflexion, se lance dans une formation de styliste sur trois ans. À la fin de son apprentissage, un accident avec une longue opération et plus d’un an et demi de rééducation le coupe dans son élan. Mais en 2022, il lance sa marque G-Style. Il confectionne des vêtements sur mesure à la main en sélectionnant avec soin les tissus. « Souvent, j'ai tendance à trouver des tissus de stock limité qui font la particularité de la collection. J'accentue aussi beaucoup sur les pagnes, sur les motifs et sur le perlage, ce qui permet de faire ressortir vraiment le motif qui est dans le pagne. Parfois les clientes amènent le pagne ou d'autres me font confiance et me demandent de choisir le pagne ou le tissu pour elles. Je travaille surtout avec la dentelle, peu importe la texture, de la soie, du lin et aussi une variété de satin. »

La difficulté n’arrête pas ce jeune talent, il crée des pièces uniques avec de la dentelle, de la soie ou du satin et pour que le rendu soit élégant et luxueux, il applique la technique du perlage. « Perles, sequins, paillettes. Il y a les pierres de différentes tailles que je colle, surtout pour les robes de mariage. Pour les tissus unis, il y a des parties vraiment spécifiques, cela dépend de la coupe de l'habit. Il faut choisir un endroit particulier où mettre le perlage pour qu'il soit visible. Mais pour les tenues à motifs et autres, forcément, j'accentue sur le motif. Parce que quand vous avez un tissu, un pagne devant vous, il s'agit de voir, d’imaginer, parfois. Je peux voir le tissu et ne pas le couper sur le coup, mais pendant la nuit, j’y pense, je réfléchis, parfois j’en rêve même et cela m’inspire. Je peux faire un dessin, faire le tracé sur le tissu. Après la mise en forme de la tenue, je fais le tracé pour le perlage, je sélectionne les différentes formes de perles et je commence le perlage petit à petit. Parfois, je peux défaire pour recommencer parce que j’ai raté un petit détail. »

Gilles d’Almeida, aujourd’hui dans son atelier, transmet déjà à ses deux apprenties sa technique du perlage, celle qu’il a apprise au cours de sa formation et qu’il a perfectionné. « Il y a la technique de perlage qui diffère. Je m'en vais dire que je n'ai pas vraiment de nom, pour ces différentes techniques là, mais peut-être je vais les nommer, cela deviendra une création. Mais chaque perlage sur chaque tissu a une technique différente, des points de couture différents. »

« Certaines peuvent être faites sur mannequin, mais pour d’autres il va falloir carrément mettre l’habit sur une table, le tenir avec la main et le faire petit à petit. Au piqué, il faut faire assez attention, surtout pour les matières très sensibles pour celles-là, je m'y mets moi-même parce que je sais le rendu que je veux. Par exemple, la soie, il ne faut pas forcément la renforcer, mais il faut choisir un fil adapté pour que cela ne s'effiloche pas tout en tenant. Pour le pagne qui est un tissu plus rigide, je peux mettre des perles qui sont un peu plus lourdes, un peu plus grosses, et accentuer le perlage à certains niveaux parce que là, je suis sûr que le pagne va tenir. »

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Aurélia Westray adopte le feutre de laine, un textile non-tissé pour ses œuvres mais elle le modernise. Ce textile Aurélia Westray le met à l’épreuve en le mélangeant à d’autres matériaux et en y ajoutant des couleurs. Cette feutrière et créatrice d’objets textiles réalise ainsi des jeux de volumes ou de graphisme dans ses pièces uniques. Aurélia Westray trouve son inspiration en étant à l’écoute de ses sensations, lors de ses balades dans la nature. 

Elle se lance des défis qui se manifestent dans les objets textiles qu’elle confectionne. Coussins, plaids ou tableaux de laine, ils subliment les intérieurs. 

La création, c'est mon échappatoire. C'est une façon de me dire, de me faire plaisir, d'être aussi alignée avec moi-même. La création est partout. Nous sommes tous créatifs. Je pense que c'est en moi et que je ne pourrais pas vivre sans la création. C'est vraiment quelque chose qui m'anime chaque jour.

– Aurélia Westray, feutrière et créatrice textile de la marque Accords Feutrés.

« J'avais du mal à mettre mon nom sur mon travail parce que peut-être que je ne me sentais pas assez légitime ou pas assez experte. Avec les Accords Feutrés, puisque c'est au pluriel, il y avait cette idée de couleur, un accord de couleur. Cela me paraissait évident que je devais mettre le mot feutrer puisqu'en habillant de textile, nous allons, comme dans votre studio, rendre l'espace très doux, très confortable. C'est un peu cela aussi Accords Feutrés : se mettre dans un cocon de feutre, dans des accords de couleurs. »

Aurélia Westray, est née à Marseille, dans le sud de la France, à partir de six ans, elle vit à Évian-les-Bains, au bord du Lac Léman, à l’est de Genève en Suisse. Après un baccalauréat en arts appliqués, puis un BTS plasticien d’environnement architectural, elle enseigne les arts appliqués. Sur son temps personnel, elle peint et s’exprime à travers plusieurs médiums, mais il y a une quinzaine d’années, le besoin de créer est devenu plus intense et c’est une révélation quand elle rencontre le feutre de laine.

« Je travaille cette matière avec la main, avec le corps, avec les yeux », relate la créatrice. « J'ai eu une sorte de passion soudaine et finalement trouvé le matériau que je recherchais quand j'étais étudiante, c'est-à-dire peindre avec le textile. Alors, je me suis mise chez moi, dans ma cuisine, à faire des expériences. L'expérience était plutôt concluante. J'ai voulu me former pour développer cette activité de façon professionnelle et j'ai donc été formée au centre Lainamac, à Felletin, à Aubusson, dans la Creuse, où j'ai pu côtoyer des feutrières de renom. Feutrières, c'est un métier peu répandu parce qu'il est très peu connu. Mais là, j'ai pu vraiment faire mes armes et découvrir des techniques assez fabuleuses sur ce matériau. »

Aurélia Westray aujourd’hui installée à Lyon, travaille des laines locales. En 2019, elle lance sa marque Accords Feutrés, plaids, coussins ou tentures murales, ses objets textiles revisitent la laine feutrée.

« Moi, ce que j'essaye de donner à la laine feutrée, qui manque un peu, c'est ce côté un peu contemporain. Nous associons souvent cette matière aux beatniks, une matière qui gratte, qui n'est pas forcément noble, qui est plutôt mate. Moi, j'essaye de lui donner un côté luxueux, un côté brillant et aussi une sorte de raffinement. Parce que la laine a quelque chose de brut, elle peut être très grossière et je vais rehausser par mes tableaux de graphismes, de fibres de soie, de textile, de soieries lyonnaise, pour lui donner à la fois cet aspect luxueux, unique et aussi un aspect plus graphique, plus contemporain, en travaillant la ligne. »

« Il n'y a pas spécialement d'outils, à part avoir une table qui soit assez grande, des outils qui vont permettre d'enrouler le feutre, donc les superpositions de couches de laine dans une natte. J'ai besoin de très peu de choses, de l'eau de savon. Après, cela va être les techniques plus spécifiques que j'ai acquises justement dans ces formations où nous allons plutôt faire de la dentelle. Travailler en unies couches, cela veut dire qu'il faut un doigté, une façon de poser la laine bien particulière. Il n'y a pas d'outil particulier, c'est plus un process de création qu'il faut mettre en place et qui va donner des formes en volume, en creux, en réserve. »

Aurélia Westray a développé un univers autour du feutre artisanal en faisant intervenir la couleur.

« Mes mèches de laine sont sur ma table de travail. C'est comme une palette. J'ai des rouges, des jaunes, des bruns. Je vais les positionner sur mon plan de travail. Au départ, j'ai une laine française, je travaille avec des éleveurs locaux ou des éleveurs qui sont autour de la région lyonnaise. Je vais d'abord déposer une couche de blanc comme une feuille de papier blanc, je vais mettre ma laine blanche et ensuite, je vais appliquer de la couleur en dégradé, en motifs, à la manière d'un peintre qui mettrait des touches de couleur sur son support, sur sa toile. »

Pour concevoir ses pièces textiles, Aurélia Westray, pose d’abord les fibres de laine, organise les dégradés de couleurs, et passe ensuite au feutrage. Une technique à la fois maitrisée et incertaine sans correctifs possible.

« Quand je vais superposer ces fibres, même si j'ai connaissance de ce que cela va donner, même si je sais que certains textiles réagissent d'une certaine manière, il y a quand même toujours un peu de tension de se dire “est-ce que j'ai travaillé à la bonne échelle ? Est-ce que les couleurs contrastent bien entre elles ? Est-ce que j'ai bien obtenu le graphisme que je souhaitais ?“ Il y a une part de maîtrise et une part d'aléatoire. Et souvent, je ne peux pas revenir dessus. Il faut aussi accepter l'imperfection ou parfois accepter que ce ne soit pas exactement ce que j'avais imaginé. »

Peindre avec le feutre de laine Aurélia Westray, le fait en suivant son instinct, en faisant émerger l’idée et surtout en acceptant cette latence créative.

« Je vais me replonger dans des odeurs, des couleurs, des sensations physiques et je vais me mettre en gestation dans mon esprit, ces sensations. Ensuite, je vais coucher sur le papier quelques esquisses qui vont me permettre un peu de définir les couleurs, l'atmosphère colorée que je souhaite obtenir », explique Aurélia Westray. « Il y a une sorte de maturation, où je vais la nuit, le soir, le matin, réfléchir comment je vais mettre en œuvre si je mets du volume. Et puis, je ne sais pas, un jour, il y a une sorte d'élan où c'est le jour où tout est en place dans ma tête sur les croquis et je vais me lancer sur une œuvre. C'est assez rapide quand même. C'est une sorte de jet. Je sens cette énergie, cette spontanéité, cela a été un jet comme cela qui était pensé. Pour les commandes, c'est un peu différent. Les commandes, souvent les clients, puisque c'est très personnalisé, m'envoie des photos. Là, je suis en train de travailler justement sur une thématique de l'île de la Réunion. Les personnes m'ont envoyé des photos de leur intérieur, de l'image sur laquelle ils aimeraient que je travaille et je vais proposer une sorte de stylisation ou une impression de ce que ce paysage m'inspire. »

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ÊKÔ, dont Sarah Saint-Pol est la fondatrice, est à la fois une Maison d'Art Porté, une marque de vêtements et accessoires inspirés de l'origami et réalisés grâce à un savoir-faire d'exception : le plissage artisanal. Mais c’est aussi un bureau d’études à destination des professionnels du secteur de la mode, du design ou de la scénographie. Sarah Saint-Pol déploie la technique du plissage sans limite de matières.

Un créateur ou artisan, en général, crée tout le temps. Chaque moment de la vie, même de la vie privée, va nous donner une idée pour un autre projet. Et c’est toujours quelque part dans notre tête.

– Sarah Saint-Pol, designer et fondatrice d’ÊKÔ

« Comme je travaille beaucoup sur les savoir-faire français, je me suis dit : "Il faut un nom à la fois français qui évoque un peu le Japon aussi", parce que l’origami, c’est à la source un nom qui retrace un peu mon parcours en tant que musicienne. Et finalement, l’écho, l’écho sonore, cela fait penser aussi au travail de l’origami. Il y a une sorte d’écho, de répétition du geste. Je me dis : "Je veux quelque chose autour de l’écho, Eko avec un K, c’est le nom japonais." »

Sarah Saint-Pol est née dans le sud de la France. Elle a fait des études de musique classique à Aix-en-Provence puis en Belgique et aux Pays-Bas. Elle commence une carrière de flûtiste dans différents orchestres philharmoniques. Au cours de sa carrière, elle développe un problème à la mâchoire et elle est contrainte d’arrêter la musique. Elle se reconvertit grâce à une formation en management culturel, mais il lui manque une dimension manuelle ainsi que créative.

À ses heures perdues, elle réalise des origamis sur tissus, c’est comme cela qu’elle découvre le plissage. En 2018, elle commence par faire une collection de vêtements, et depuis, elle développe son activité autour du design. Quand elle commence une collection ou un objet, elle débute toujours par un prototype en papier. « J’aime beaucoup travailler le papier comme de l’origami. C’est la base du travail du plissé. Je fais plein de maquettes en papier. Si ce sont des vêtements, je vais les mouler autour de mon mannequin pour voir comment cela tombe. Et c’est à partir de ces maquettes que je vais construire les métiers à plisser afin de construire le vêtement autour de ce plissé-là sur le vêtement ou l’œuvre murale. »

Afin de réaliser ses pièces, Sarah Saint-Pol utilise des métiers à plisser. « Je fabrique un métier à tisser. C’est comme un moule en papier qui ressemble à de l’origami. Je fais deux épaisseurs, ensuite je l’étuve pour qu’il prenne la forme et après je le remets totalement à plat pour pouvoir mettre le tissu à l’intérieur bien à plat, sans avoir de faux plis. Je le resserre et le mets dans une étuve. Si la fibre du tissu est synthétique, cela va légèrement fondre. Si c’est une matière naturelle, cela va casser la fibre et prendre la forme du moule. Au moment où le moule est sec, après tubage, la matière est normalement indéplissable. »

« Pour du synthétique, cela va rester marqué sur la matière. Pour le cuir aussi parce que c’est très rigide. Après, quand je travaille sur du lin ou du coton, pour des objets qui ne peuvent pas être touchés ou pas lavés, comme des luminaires, on peut faire des luminaires en lin parce que cela ne va par être lavé. Si c’est lavé, la forme se perd. C’est le cas des vêtements en coton ou en soie. C’est éphémère, en fait. Les métiers à plisser sont à chaque fois faits sur mesure. Je peux avoir de très grands métiers à tisser. En ce moment, je travaille avec une créatrice de luminaires et je lui prépare un métier à tisser qui fait 7 mètres de long sur 1,50 de large. J’en ai parfois des petits. Pour faire un sac, j’ai besoin d’un tout petit métier à plisser. »

Le métier de plisseur n’existe presque plus, Sarah Saint-Pol a dû développer sa propre technique. « Il n’y a pas de formation et il n’y a pas de transmission. Moi-même, je n’ai pas pu me former parce que quand je me suis présentée aux ateliers de plissage, j’ai été un petit peu naïve et je leur ai dit : "Moi, je vais me former parce que je veux créer une marque de vêtements plissés." Et cela leur a fait peur et ils m’ont tous dit : "Non, nous formons des apprentis pour travailler chez nous, mais nous ne formons pas en dehors." J’ai dû me former toute seule, ce n’est pas forcément évident d’apprendre une technique toute seule. Il y a beaucoup de vidéos qui circulent en ligne. Petit à petit, à force de regarder, je finis par comprendre leur technique et après, j’ai développé la mienne. Ce qui est intéressant, c’est que j’ai développé ma propre technique. »

« C’est une technique qui existe depuis tellement longtemps, mais c’est protégé par le secret de fabrication, donc nous n’avons pas non plus trop le droit de tout dévoiler. Moi, j’ai vraiment à cœur de former de nouvelles générations de plisseurs, parce que pour l’instant, il n’y a pas de concurrence du tout et du coup, le savoir-faire n’évolue pas parce que quand il n'y a pas de concurrence... S’il y a de nouveaux plisseurs sur le marché du travail, cela va faire monter le niveau et de toute façon, il y a de la demande. Moi, je vois bien que depuis que j’ai ouvert mon bureau d’études, j’ai énormément de demandes, donc nous pourrions être dix de plus, 50 de plus, il y aurait toujours du travail pour nous. »

Sarah Saint-Pol aime s’aventurer en dehors du tissu et appliquer les techniques du plissage sur de nouvelles matières comme le cuir ou encore la céramique et le bois. « Depuis que j’ai ouvert le bureau d’études, beaucoup de créateurs, de maroquinier par exemple, m’ont dit : "Oh la la ! J'adorerais avoir du plissé de cuir, mais ce n’est pas possible." Beaucoup de plisseurs m’ont dit : "Nous ne pouvons pas plisser le cuir, c’est impossible." Je me suis dit "mais pourquoi ?" J’ai testé, c'est possible. J’ai eu pas mal d’échecs avant de comprendre comment faire. Le cuir de vachette fonctionne très bien, le cuir de mouton aussi, mais il reste un peu trop mou. Il faut trouver la bonne matière, le bon traitement. En ce moment, j’attends du bois très, très fin que je vais essayer de plisser. »

« J’ai beaucoup de fabricants qui m’envoient leur matière. J’investigue régulièrement, je teste de la céramique ou du feutre. Il y a une grande partie de mon travail, c’est de la recherche sur de nouvelles matières que je me fais envoyer. Ou je vais voir des fabricants. Il faut juste trouver la technique pour chaque matière, nous pouvons tout plisser. Souvent à Noël, je fais des sablés plissés ou des chocolats plissés. Nous pouvons faire ce que nous voulons, il suffit juste de pouvoir faire une feuille fine et de la mettre dans un métier à plisser pour que cela fonctionne. En trouvant la bonne température, tout fonctionne. Je pense que pour chaque matériau, il y a une façon de faire. »

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Mounir Moda, styliste sénégalais, créateur de la marque éponyme, est aussi le promoteur du festival de mode 2MDesign show à Dakar et du Salon international de la mode, le SIM. Mounir Moda a à cœur d’utiliser dans ses collections de vêtements pour homme le pagne tissé pour mettre en avant les savoir-faire de son pays et le Made in Sénégal. Il fait co-exister son héritage textile et le temps présent.

Une manière de donner à voir une mode durable et responsable. Mounir Moda a fait du tissu et de sa créativité une signature. Son événement qui a lieu du 4 au 12 mai à Dakar est là pour mettre en lumière le potentiel créatif et économique de la mode sénégalaise, africaine, mais aussi internationale. Nous l’avons rencontré lors d’une autre Fashion Week, celle de Lomé, où son défilé a été très remarqué.

Avant, je regardais les défilés des grands créateurs comme Jean-Paul Gaultier. Il y avait Adama Paris au Sénégal, Collé Sow Ardo, je me suis dit "Pourquoi je ne ferais pas comme eux ?". C'est cela qui m'a poussé à aimer la mode et à promouvoir le Made in Sénégal.

Mounir Moda, styliste et promoteur du festival de mode 2M Design à Dakar et du Salon international de mode : « Mounir, c'est la lumière, en arabe, on dit Mounir, c'est la lumière brillante. Moda, cela veut dire la mode en italien. »

Mounir Moda sait très tôt ce qu’il aime : la mode. Sans perdre de temps, il quitte l’école en seconde pour se concentrer sur sa passion avec une formation chez un tailleur pour devenir styliste. Ancré dans son temps, Mounir Moda se fait connaitre grâce aux réseaux sociaux et il lance sa marque éponyme en 2015 bien avant d’ouvrir une boutique ou un atelier à Dakar. 

« Nous sommes dans le monde digital, surtout au Sénégal. Nous sommes tout le temps sur Instagram, Facebook, TikTok, sur les réseaux sociaux. Il y a des stylistes qui ont du talent, mais leur problème, c'est qu'ils ne sont pas conseillés. Avant d'ouvrir une boutique, j’avais une page Facebook. Avant Instagram, j'avais une page Facebook. Je ne faisais que la chemise mélangée avec des pagnes tissés. J'ai commencé à avoir beaucoup de clients. Ma mère m'a conseillé d’ouvrir une boutique. C'était en 2018, mais la boutique n’est pas assez grande. J'ai ouvert une deuxième boutique, en 2020. En 2021, j'ai ouvert un grand showroom de 250 m2, il y a un appartement où il y a plus de quinze tailleurs et deux assistantes en même temps. »

Mounir Moda travaille le pagne tissé d’une manière facilement reconnaissable aussi bien dans le prêt-à-porter que dans le sur-mesure pour homme. « Je dessine. Je fais le design. Le pagne tissé, c'est mon identité. Je prends le pagne avec toutes les matières du textile, parfois du lin, parfois du super 100 (finesse de la laine). Par exemple, si je fais une collection, d'abord, je commence par réaliser trois pièces, si je fais les trois pièces, je vais appeler un mannequin pour faire l'essayage. Est-ce que cela va ? Si cela va, je vais faire encore beaucoup de pièces. Pour le shooting, le pagne tissé est un tissu qui a beaucoup de valeur, donc du coup, il ne faut pas être trop chargé. Il faut le manier seulement avec discrétion. »

Ce styliste sénégalais est également le promoteur de 2MDesign Show, dont la prochaine édition, se déroule du 4 au 12 mai à Dakar. Il est aussi le promoteur du SIM, le Salon international de la mode, un concept lancé autour de 2MDesign show en 2019 et devenu aujourd’hui un évènement à part entière. « Lors de cette quatrième édition, nous avons sélectionné 35 designers. Une sélection avec deux défilés différents. Je ne peux dire qu'il n'y a pas de jeunes créateurs. Il y a des créateurs anciens et de nouveaux créateurs et cela leur donne l'opportunité d’avoir une visibilité optimale. Nous sélectionnons aussi pour le grand défilé. Mais le grand défilé, c'est la crème de la crème. »

« Sur notre événement, le 2MDesign show, la première édition, il n'y avait pas d'exposition, lors de la deuxième édition, il y avait une exposition, mais seulement pour les stylistes qui participaient à l'événement. Lors de la troisième édition comme nous avons eu beaucoup de demandes, l'exposition est devenue le salon de la mode afin de valoriser les talents. Le salon international de la mode, nous pouvons le faire à Dakar ou en France, pourquoi pas au Togo, partout. Parce que le salon international de la mode maintenant est indépendant de l'événement. Ce n’est pas la même chose, ce n'est pas le même concept. »

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Rekiatou Daboya est guidée par la simplicité afin de créer une mode chic et élégante. La styliste Togolo-française navigue entre la France et le Togo, mais son atelier est installé à Lomé. Elle y conçoit ses tenues de prêt-à-porter en petites séries et du sur-mesure pour femmes, hommes et enfants. Elle aime de plus en plus travailler selon la technique du flou, afin de réaliser des vêtements souples et déstructurés, un peu comme des sculptures textiles.

Styliste et créatrice de la marque ERY MERA, elle a participé à la Fashion Week de Lomé. Lors de sa 11ème édition, le Festival International de la Mode, le FIMO 228, organisée par Jacques Logoh, a mis en avant sa collection audacieuse. Selon Rekiatou Daboya, chaque pièce doit avoir une histoire, une personnalité, une âme. Bref : être une pièce unique.

J'aime beaucoup voyager. Quand je trouve que l'inspiration est arrivée à saturation ou que je n'en ai plus, je m'évade quelques jours et je reviens comme quelqu'un de neuf.

Rekiatou Daboya, Styliste et créatrice de la marque ERY MERA

ERY MERA, c'est un mélange de mes initiales, celles de mon mari et de mes enfants.

Rekiatou Daboya est née à Lomé d’un père togolais et d’une mère Togolo-française. Après son baccalauréat, elle continue ses études universitaires à Paris en administration économique et sociale mais sa vraie passion, c’est la mode.

« Au début, c'était comme un jeu, ce n’était pas pour en faire mon métier. Je voulais me faire des tenues. Les gens me demandaient " Qui t'a fait ta tenue ? " et " d'ouvrir un atelier ". Je disais " Non, je n’ai pas les capacités pour, je n'ai pas, j'ai pas le niveau pour ". Et puis, de fil en aiguille, j'ai été obligée de me dire que je pouvais le faire. J'ai pris une année pour vraiment me spécialiser parce que j'avais déjà un certain parcours. Je savais faire beaucoup de choses, donc j’ai eu une validation des acquis et le niveau pour prétendre à la formation. Après ma formation, j'ai passé des examens, j'ai eu mon diplôme et j'étais l'une des meilleures de ma promotion. C'est très gratifiant parce que la couture ou le stylisme ce n'est pas facile. Mais hors de question que je quitte ce domaine. Il faut être tenace et avoir une certaine ouverture d'esprit pour pouvoir évoluer dedans. »

Après l’obtention de son diplôme à Paris, elle lance sa marque ERY MERA, en 2018, à Lomé et tout s’enchaine très vite : défilés, collections, commandes. Dessiner, appréhender les étapes pour réaliser ses idées en passant par le dessin, le patron, la couture et le tissu. Pourtant Rekiatou Daboya aime de plus en plus concevoir ses tenues selon la technique du flou afin de réaliser des vêtements souples et déstructurés.

« Je n’aime pas faire comme tout le monde, suivre le mouvement. Je n’ai pas de limitation. Par exemple, dans le choix de tissus, je peux utiliser n'importe quelle matière pour faire mes vêtements, cela dépend de ce que j'ai envie de faire. Pour le FIMO, je suis partie des couleurs, je n’ai pas fait de dessin, j'ai tout fait sur le mannequin directement. Parfois, je travaille comme cela, parfois, je fais des dessins, mais en général, je constate que je ne suis pas mes dessins. »

« Pendant la réalisation, j'ai tendance à modifier quelque chose, donc, je préfère faire sur le mannequin, voir directement ce que cela donne visuellement, sur le mannequin, c'est du moulage et je n’ai jamais fait de moulage en formation, seulement lors d’un stage. J'arrive à jongler entre les deux, selon ce que j'ai envie de faire et je ne coupe pas le tissu directement. Je travaille avec la toile et j'essaie d'avoir un visuel de l'idée que j'ai sur le mannequin. Et si cela me plait, oui, je teste avec le tissu. »

Afin de réaliser ses vêtements, Rekiatou Daboya n’a pas de limite dans le choix du tissu pour créer de nouveaux styles et designs, tout en restant intemporel.

« Je n’ai pas de préférence parce que parfois les clients qui me demandent " quel genre de tissu je peux ramener ? ", je réponds : " Tout ". Ma vision est tout autre. Même si je suis quelqu'un d'assez timide. Je suis tombé dans un métier qui n'a pas besoin de timides, donc je m'y adapte. À travers mes créations, j'essaie que cela soit élégant. Les choses les plus belles, pour moi, sont simples. »

Rekiatou Daboya complète sa vision de la mode avec un nouveau projet cosmétique en commençant par une gamme de soins capillaires.

« Je m'inspire beaucoup de grands couturiers comme Christian Dior par exemple, qui ne propose pas que des vêtements, qui propose des sacs, des accessoires et autres. Le style ne s’arrête pas juste aux vêtements, c'est un tout. Quand j'ai lancé ce produit cosmétique, j'ai vu l'engouement des gens. La femme a besoin de prendre soin de ses cheveux. Au début, j'ai commencé juste avec les crèmes qui faisaient pousser les cheveux et après, j'ai développé une gamme complète : un après-shampoing, shampoing, masque, crème pour faire pousser les cheveux et une autre pour donner du volume aux cheveux. Ce sont des recettes de grand-mère que j'ai modernisées avec quelques ingrédients supplémentaires que j'ai testés. C'est comme la couture, j'avais commencé comme un jeu et puis c'est devenu mon métier. »

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Landry Clément, dans son atelier provençal dans le sud de la France, sculpte et façonne des pièces en chêne, dorées avec des feuilles d’or. Des objets contemporains dont les surfaces sont sculptées et où les touches d’or soulignent la singularité de la pièce en bois. Artisan d’art et artiste passionné, Landry Clément travaille seul. Chaque pièce est réalisée à la main, capturant l'authenticité et la finesse du bois qui prend vie grâce à la touche de lumière apportée par la feuille d’or.

Landry Clément sculpte le bois pour obtenir des effets de matière ou créer des effets d’optique. Le bois s'harmonise avec l'or qui sublime les sculptures de Landry Clément comme des bijoux.   

La création, c'est mon moteur. C'est cela qui me fait avancer.

– Landry Clément sculpteur sur bois, doreur à la feuille.

« Parfois, je suis dans des périodes de doute. Il m'arrive quelquefois de me dire “mais tout cela n'a pas de sens !” Tout ceci n'a aucun sens pour quelqu'un de très pragmatique, linéaire ou bureaucrate. Mais c'est ma vie, c'est une ligne pour moi. C'est une ficelle que je suis. Chaque fois que j'ai terminé une pièce, je me languis de faire la continuité, de poursuivre “la famille” ou la collection, de faire la pièce d'après. Nous sommes toujours à la recherche de la pièce ultime. »

Landry Clément est né à Aix-les-Bains, en Savoie. Il fait des études d’horlogerie, puis il s’oriente vers la bijouterie. Pendant plus de 22 ans, il travaille dans le milieu du luxe et de la bijouterie en occupant différents postes : vendeur, responsable de magasin et responsable régional. À la suite d'un accident du travail, il tire malheureusement un trait sur la bijouterie. Il se forme, alors, à la sculpture-dorure.

« Moi, qui avait dirigé beaucoup de personnes, qui avait voyagé ; au début, de me retrouver dans un atelier, c'était un peu compliqué parce que je n'aimais pas me salir les mains. Je n'avais pas appréhendé l’utilisation de machines très tranchantes. La scie à ruban, les rabots, ce sont des outils qui sont très tranchants. Par mon parcours, assez rapidement, je me suis rendu compte que j'avais des facilités. »

« Le fait d'avoir été bijoutier, j'avais cette facilité de pouvoir appréhender les volumes, ce qui est la plus grande difficulté, pour devenir sculpteur. Ne pas savoir dessiner, ce n'est pas un problème. Mais c'est très complexe sans la compréhension du volume dans les trois dimensions. Cela, nous l’avons ou nous ne l’avons pas. Moi, j'avais cette faculté, cette facilité. En cours d'année, nous avons réalisé un bas-relief. C'est à ce moment-là que je me suis senti sculpteur. Je me suis dit : “Je vais devenir sculpteur et doreur”, parce que le but, c'était vraiment la dorure. Dans un premier temps, je ne jurais que par la dorure... »

En 2014, Landry Clément crée son atelier et depuis 2015, il est installé dans l’un des plus beaux villages de Provence, dans le sud de la France. Il réalise des pièces contemporaines en petites séries, sur commande, ou des pièces uniques. « Quand les gens viennent à l'atelier, parce que j'ai un atelier avec un showroom, ils sont intimidés. S’ils demandent s’ils peuvent toucher, c'est que j'ai réussi quelque chose. Pour moi, ce n’est pas, c'est pas négatif, c'est une reconnaissance. »

« Moi, j'ai imaginé des formes. Les pièces, je les ai imaginées dans des positions bien spécifiques mais malgré tout, après, chacun y voit ce qu'il veut. Je fais beaucoup de ronds, le rond m'inspire beaucoup. Quand je crée une pièce, je l'imagine dans une maison, posée sur un buffet à côté d'une cheminée. Des fois, je suis interrogé sur le message, “qu'est-ce que vous avez voulu symboliser ?” Là, je n'ai pas beaucoup de réponses. Je ne veux pas me poser la question. »

Afin de réaliser ses pièces Landry Clément sélectionne, principalement, le bois du chêne. « La première raison, c'est une question de couleur, parce que j'aime la couleur du chêne, même s'il y a d'autres bois qui se sculptent très bien : le noyer, le hêtre, le frêne. Mais la couleur du chêne est une couleur qui me plaît. »

« La couleur noire s’obtient par une oxydation du bois qui se fait avec du vinaigre et de la paille de fer. Le bois est oxydé et cela n’est possible que sur le chêne et le châtaignier qui sont des bois très tanniques. La troisième raison, c'est que physiquement, comme c'est sculpté à la main, c'est un bois qui est à ma portée. Je trouve que le mélange de l'or, de cette partie oxydée et de ce chêne clair se marient bien. »

Pour Landry Clément, ses œuvres sont inachevées sans la dorure. “La pièce n'est pas complète, tout comme chacune de mes pièces est sculptée des deux côtés. Sachant que techniquement, je pourrais me dire que la face arrière ne se verra pas. Mais quoi qu'il en soit, toutes les pièces sont sculptées des deux côtés et la dorure apporte une touche supplémentaire. Les points d'or révèlent la sculpture. Les gens qui ne savent pas que j'ai été bijoutier, souvent me disent “mais vos sculptures ressemblent à des bijoux”, ou “il y a un côté féminin” ou encore “il y a un côté africain”. C'est parce que j'ai des lignes qui sont très simples... »

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Souaad Gargari, avec sa marque SouAaG Paris, propose plus que des tailleurs féminins. Cette créatrice franco-marocaine a une vision de la mode avec une esthétique qui transcende les traditions textiles marocaines pour incarner le chic urbain d'aujourd'hui. L’art ancestral marocain de la passementerie, avec le galon de soie, est réintégré dans le vestiaire féminin.

Une fusion harmonieuse entre l'élégance intemporelle parisienne et une touche très audacieuse mettant à l’honneur le savoir-faire traditionnel marocain. Souaad Gargari utilise des matières upcyclées pour ses collections qui ont un style intemporel, inspirées par les femmes. Chics, écoresponsables et élégantes, naturellement.

La création, pour moi, c'est un moyen de jouir d'une liberté. C'est une liberté de penser, d'exprimer notre vision, notre perception du monde. C'est une liberté non palpable. La création ne se mesure pas et elle n'a pas de prix. C'est vraiment quelque chose d'immatériel, d'impalpable et de sacré.

« J'ai déposé la marque SouAaG. J'ai pris la base de mon prénom, et puis la première lettre de mon nom de famille, pour créer SouAaG », explique Souaad Gargari, styliste, fondatrice de SouAaG Paris et entrepreneure dans la mode.

Souaad Gargari est née dans le nord de la France. Elle a grandi au centre du pays, en Corrèze, dans une famille modeste, avant de suivre des études commerciales, puis d'intégrer un grand groupe en tant que responsable des ventes. Elle y a exercé pendant plus de 15 ans.

Le dessin a toujours accompagné cette créatrice franco-marocaine. Elle y revient au moment où elle a le sentiment d’avoir atteint un plafond de verre dans sa carrière. Souaad Gargari reprend donc ses fondamentaux : le dessin et l’envie de réussir par elle-même. En 2014, à 35 ans, elle fait une formation de styliste. En 2017, elle dépose sa marque. Entre 2017 et 2019, elle expose ses collections en boutiques éphémères. Ensuite, elle se consacre à temps plein à la mode comme styliste et cheffe d’entreprise. 

« Quand j'ai créé la marque, tout de suite et sans me poser de questions, j'avais une approche éthique et responsable, dans la mesure où le marché du textile est déjà le marché le plus polluant du monde et qu'il existait déjà énormément de stocks, de tissus, de stocks dormants. Lorsque j'ai créé mes premières créations, je chinais, cherchais des pièces, des tissus déjà existants dans des entrepôts qui récupèrent des tissus qui viennent de partout. Donc je travaille toujours avec des pièces qui ont été fabriquées et qui ne sont plus exploitées et exploitables. Je sélectionne les meilleures matières pour certaines de mes créations. C'est toujours du bon sens et en circuits courts. »

« Je fusionne les meilleurs savoir-faire de mes deux cultures, c'est à dire la France et le Maroc. Je suis française, j'habite en France, je travaille avec des collaborateurs français, j'ai des artisans, des couturiers français. Ma modéliste est française. Ils habitent tous à Paris. Pour moi, c'est du bon sens. Et ensuite, l'artisanat marocain, c'est toute l'âme, c'est tout l'univers, l’ADN de SouAaG, c'est-à-dire que ce sont les inspirations, ce sont mes racines aussi. Je suis d'origine marocaine, je suis d'origine berbère, donc il y a énormément de choses que j'ai vu être fabriquées depuis que je suis petite. C'est un patrimoine ancestral que je souhaite réintégrer dans notre vestiaire contemporain et c'est totalement possible. »

Souaad Gargari, avec SouAaG Paris, s’adresse aux femmes avec un message d’émancipation. « De par ma vie, mes expériences et mon passé, j'avais envie d'aider la femme, lui donner de la force pour s'émanciper et aider la femme à être indépendante, autonome. C'est une marque qui aide les femmes à gagner en confiance, en assurance, avec des pièces upcyclées qui allient des univers très forts et qui donnent le pouvoir. Elle permet aussi de donner du travail à des femmes qui vivent de cet artisanat. Par exemple à des artisanes au Maroc qui, grâce à la confection de ces galons, peuvent vivre et former des voisines, ce qui leur permet justement de travailler en collectif et de créer un réseau professionnel qui leur permette de s'émanciper. »

« Pour la France, c'est des recherches. J'essaie de m'entourer, le plus possible, d'artisans qui ont des valeurs éthiques comme les miennes. C'est important de sentir que les couturières sont bien traitées, respectées, parce que le milieu de la couture est très dur. Il y a des horaires de travail qui sont très larges. Pour moi en tout cas, c'est important qu'elles aient du travail, certes, mais pas aux dépens de leur vie familiale. »

Souaad Gargari aime travailler l’art ancestral marocain de la passementerie, les galons et boutons en fils de soie ornent ses collections et révèlent l’élégance à la française, afin de consommer autrement. « La jeune génération est beaucoup plus sensible et sensibilisée sur l'avenir de notre planète et sur ce besoin de consommer différemment, surtout sur ce qui touche le textile. Elles sont beaucoup plus sensibles que les anciennes générations. Ce que je développe comme coupe, c'est le confort. »

« J’ai travaillé deux ans dans le développement technique de mes tailleurs pour qu'ils soient très élégants et très confortables. Mes clientes ont généralement plus de 30 ou 35 ans, celles qui achètent le plus ont la cinquantaine. Elles ont atteint aussi un niveau social assez confortable. Mais c'est surtout le confort d'abord qui prime, mais il y a toujours ce besoin d'être élégante. Donc c'est important d'allier le confort à l'élégance. »

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