100 % création

Les journées européennes des métiers d'art, se terminent ce dimanche 7 avril. À cette occasion, nous vous faisons découvrir l’atelier de Pierre Salagnac, sculpteur et bronzier d’art à Paris. Pierre Salagnac maitrise les trois savoir-faire spécifiques qui composent le métier de bronzier : le montage, le tournage et la ciselure. Ses œuvres les plus emblématiques et qui l’ont fait connaitre : les bonzaïs de bronze qui voyagent aux quatre coins du monde.

Bonzaïs, mobilier, luminaires ou bijoux, ils sont dessinés, tournés, ciselés et montés par Pierre Salagnac qui est à la recherche de la forme présente dans la matière.

La création est importante parce que je peux me permettre, en dessinant, de fabriquer des choses qui correspondent à mon métier, parce que j’ai certaines contraintes et je ne peux pas tout faire. Je peux faire beaucoup, mais pas tout.

Pierre Salagnac, sculpteur et bronzier d’art.

Le fait de dessiner moi-même les pièces, m'amène à pousser un petit peu mes limites, à m'amuser un peu plus. La création, pour moi, c'est vraiment un grand, grand pas vers la liberté. Et puis, de ce fait, c'est un peu nouveau tous les jours.

Né à Rouen, Pierre Salagnac est le troisième enfant d’une fratrie de quatre. Passionné de dessin, à 14 ans, il suit le chemin de ses ainés et passe le concours de l’école Boulle, l’une des plus grandes écoles d’art et de design en Europe. Pendant ses cinq ans de formation, son attirance pour le bronze lui est transmise par un enseignant. « Quand nous arrivons à l'école Boulle, nous faisons le tour des ateliers pour découvrir les différentes techniques. Il y a l'ébénisterie, la sculpture, la ciselure, la gravure. Je suis tombé complètement en amour du professeur et j'ai remis mon avenir entre ses mains. »

« J'ai essayé de quitter plusieurs fois le bronze parce que la vie vous amène à découvrir d'autres choses et par curiosité. J’ai, donc, un peu taillé la pierre, travaillé des résines. J’ai tenté plusieurs choses et je ne saurais pas forcément l'expliquer, mais le bronze est toujours revenu à moi, ou il s'est souvent imposé à moi. Dans certaines situations où les choix devaient pouvoir me permettre de choisir une voie différente, le bronze s'est totalement imposé. À chaque fois, j'ai enchainé de nouvelles aventures, de nouvelles rencontres et le bronze qui était là et qui était là. En fait, je suis ravi et je m'y plais énormément.»

Mobilier, luminaires, bonzaïs, bijoux, Pierre Salagnac fait émerger l’objet depuis la matière. Son processus créatif prône l’abandon du geste. « Être sur l'écoute de la matière, qui elle, par sa vibration, va donner des informations aux outils. Les formes naturellement vont commencer à se sculpter. La forme qui va en sortir va être beaucoup plus naturelle que si j'avais essayé de contrôler ou essayer de maîtriser. Derrière, il y a beaucoup de techniques, parce que ce sont des pièces néanmoins compliquées à réaliser, mais il faut absolument que la technique ne soit pas le guide sur le geste et l'exécution parce que sinon nous perdons complètement le côté naturel. »

« C'est une expérimentation que j'ai commencé à faire il y a dix ans quand j'ai fait mon premier bonsaï, je me suis rendu compte que les formes qui naissaient de cette méthode m'apportaient beaucoup plus de poésie et d'élégance et même de surprise que d’autres pièces. Il y a une pièce, au fond de l'atelier, que je garde en souvenir du "n'oublie pas que ce n'est pas toi qui contrôle les formes". Les formes dans la volonté, la maîtrise ne sont pas justes, elles sont pauvres. Pour moi, c'est une voie sans issue. »

Après plus de vingt ans au sein des plus grands ateliers de bronze en France, et fort de cet apprentissage, Pierre Salagnac se lance en autonome, en 2019. Pour ce sculpteur bronzier d’art, il y a plusieurs façons de travailler le bronze. « Notre métier, c'est de faire des pièces montables-démontables, donc, pérennes puisqu'on peut les restaurer, à souhait. C'est la particularité de nos métiers, de fabriquer des objets qui puissent se démonter pour pouvoir être restaurés. Le bonsaï que je fais, toutes les feuilles sont vissées une à une avec un pas de vis type d'horlogerie qui sont des techniques plutôt délicates parce que la matière s'y prête assez difficilement. Il y a beaucoup de casse et c'est assez méticuleux. En termes de technique, les pièces sont totalement démontables, ce qui permet de faire les feuilles en or et le tronc d'une autre couleur en patine à chaud ».

« J’ai utilisé plusieurs techniques comme la ciselure pour révéler toutes les formes en sculpture. Je vais utiliser beaucoup le chalumeau pour faire des brasures, pour faire des soudures, pour faire des cintrages. Parfois, je vais utiliser des fraises qui vont me permettre d'aller sculpter dans la matière et aller chercher justement la forme qui est cachée dedans. Je vais pouvoir utiliser aussi après tous les traitements de surface comme la dépose d'or, la dépose d'argent et les patines à chaud qui vont me permettre d'avoir différentes couleurs et pouvoir jouer un petit peu sur les styles des pièces finies ».

Adepte du bronze poli, Pierre Salagnac nous dévoile cette technique. « Je n'applique pas de vernis, je n'applique pas de dorure, je ne le recouvre pas. Aujourd'hui très très dangereux parce que la fonte a beaucoup évolué d'un point de vue des normes. À une époque, il y avait du plomb dans la fonte, plus maintenant. Ce qui fait que la fonte coule beaucoup moins qu'avant, elle est moins liquide, plus visqueuse et donc elle a de ce fait beaucoup de défauts qui ressortent. Les fontes sont piquées, c'est-à-dire qu'il y a des bulles d'air emprisonné dans la fonte, cela fait comme un gruyère. Aujourd'hui, c’est rebouché et puis il y a un revêtement par-dessus, une finition qui refait une enveloppe. »

« Moi, je prends le parti du polissage, je les polis miroir et les pièces sont brutes. Le bronze a la même possibilité qu'une planche de bois non vernie, celle de prendre la lumière, de vieillir, cette couleur qui va aller vers une sorte de maturité et donner du relief, de la vie. Cela se nettoie. J’'aime beaucoup l'empreinte de la vie sur la matière. »

Il n’y a pas d’âge pour découvrir les métiers d’art, l’atelier de Pierre Salagnac participe aux journées européennes des métiers d’art, les JEMA, car former les mains de demain est essentiel pour que les savoirs faire ne tombent pas dans l’oubli. « La mission que nous avons en tant qu'artisan, en tout cas, dans nos métiers plutôt rares. Notre mission, c'est n’est pas seulement de faire bien notre travail, c'est aussi de le transmettre. L'enseignement continue à se faire à l'école. Forcément, les élèves ressortent de l'école avec des bagages que n'auront pas d'autres élèves qui viendraient sûrement après le bac ou qui auraient moins de temps pour cette formation. »

« J'ose espérer pendant les JEMA la présence de parents. J'aurai mon fils de onze ans qui sera là, qui montrera aux gens qu'il sait sculpter aussi le métal et que tout le monde peut le faire. Il suffit de s'y mettre. J'espère qu'il y aura des parents qui pourront se dire "tiens, mon enfant pourrait suivre cette formation pour apprendre à travailler de ses mains" et peut-être même des enfants. Aux JEMA, je fais passer les jeunes devant l'établi, ils essayent de sculpter. Il se passe plein de choses vu que l'enfant n'est pas du tout dans la technique. Ils font des formes superbes parce qu’ils ne peuvent qu'être à l'écoute de la matière et cela marche très bien. »

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Guillaume Millot est un véritable passionné du textile. Avec sa marque Tissage de Séquanie, il crée des rideaux, voilages, linge de table, plaids, vêtements ou panneaux muraux. La technique du damassé, qu’il maitrise parfaitement, lui permet de créer des tableaux. La matière lui dicte ses créations textiles et sa matière préférée est la laine. Ses œuvres proposent une perception différente en fonction de la distance du spectateur.

Fabriquées en France, elles s’inscrivent dans un circuit de développement durable et sont à son image : simples, élégantes et visuelles. « La création et la créativité, c’est ce qui me réveille le matin et c'est ce qui me berce le soir avant de m'endormir. La créativité fait partie de mon ADN », nous dit Guillaume Millot, artisan tisserand, artiste textile, designer textile et fondateur de Tissage de Séquanie. « La Séquanie, c’était la terre de la tribu des Séquanes ce qui correspond aujourd'hui à l'actuelle Franche-Comté. Il y a aussi ce clin d'œil au tisserand qui m'a enseigné, m'a appris les gestes de base et dont l'entreprise s'appelait “Tissage de Cornouaille”, je trouvais que c'était un petit clin d'œil sympa pour le remercier de m'avoir transmis une partie de son savoir-faire », ajoute-t-il.

Guillaume Millot est né dans une famille d’agriculteurs. Il a grandi à la ferme et a mis les mains dans la matière très jeune. La nature, les animaux ont toujours fait partie de sa vie et le gout du textile lui vient très tôt, sa fibre artistique s’affirme aussi à travers le dessin, la peinture, la gravure, la couture et le tricot. Polytechnicien de formation, ingénieur des Eaux et Forêts. Il exerce pendant 15 ans dans l’aménagement et le développement du territoire en accompagnant des projets notamment dans la valorisation des métiers d’art.

Sa reconversion comme tisserand d’art lui tombe dessus par le biais d’une rencontre : « Au départ, j'essayais d'apprendre à filer avec un rouet. La personne qui vendait des rouets vendait aussi des métiers à tisser et son mari m'a mis entre les mains un livre de tissage. Je suis reparti avec une espèce de bible sous le bras, sans métier à tisser, sans rouet, mais avec des images recueillies dans un livre où j'ai vu tout ce que l'infinie diversité qu'offrait le tissage. Et je me suis dit “si je vais dans cette voie, je ne vais pas m'ennuyer”, parce que j'arriverai à ne jamais faire deux fois la même chose." ».

Trois jours après, j’étais à la recherche d’un métier à tisser d'occasion. J'en ai trouvé un en Bretagne, à l'autre bout de la France qui m'a attendu sagement le temps que nous soyons déconfinés. La personne qui vendait ce métier à tisser en Bretagne était un tisserand professionnel, lui-même reconverti. J’ai pris une semaine de vacances en Bretagne entre deux confinements où j'ai appris à tisser. Je suis revenu avec un métier en pièces détachées dans le coffre que j'ai remonté en arrivant à la maison à 11h du soir. À minuit, il était remonté, prêt à tisser. »

Coton, lin ou laine, ce tisserand d’art explore la matière pour repousser les limites du savoir-faire et des motifs créés. Sa fibre artistique rencontre aussi une matière : la laine, qui produit différents effets et qui est l’un des fils que Guillaume Millot aime tisser. « Elle a des propriétés très nombreuses et très variées, nous pouvons créer des effets de texture, des effets de brillance assez intéressants », dit-il.

« Avec la laine, nous pouvons plus ou moins la feutrer, lui donner plus d'épaisseur, de souplesse ou de rigidité. Entre un tapis qui va être assez compact, assez dense ou une étole assez vaporeuse, je peux vraiment avoir des effets très différents avec la laine. C'est une matière qui ouvre une infinité et un champ infini de possibilités. Ce qui me convient car je suis quelqu'un de très curieux et qui n'aime pas forcément faire deux fois la même chose. Pour moi, c'est la fibre reine, comme toutes les fibres, elle a son petit tempérament. C'est une fibre qui ne supporte pas la violence. C'est une fibre qui doit être travaillé avec beaucoup de douceur, sauf dans le cas où on veut faire du tapis, auquel cas on prendra une laine un petit peu plus, un petit peu plus forte pour la tasser un peu plus fort. Mais pour garder la souplesse d’une étoffe, sa fluidité, je ne peux pas tasser la laine de manière démesurée. Il faut toujours la caresser plus que la tasser. La laine, est une fibre douce qu'il faut travailler avec douceur. »

Le métier de Guillaume Millot exige une grande discipline, c’est un travail très physique qui dépend de la taille des métiers à tisser, de la matière et de la dimension de la pièce réalisée. « Je tisse en général entre 1.20 et 1.80 mètre. Sur des grandes largeurs, cela commence à être physique. Après, sur du tapis ou sur du lin, oui, c’est un travail très physique. Pour un grand plaid, tout dépend si je le produis en petite série ou si je le fais en pièce unique. Pour un plaid de 140 cm par 180 cm, si je le fais à l'unité, il faudra à peu près 15h de travail. L'intérêt de le faire en petite série, c'est-à-dire de monter une seule chaîne sur le métier pour faire cinq ou six plaids derrière, le temps de travail passe à 5 ou 6h de travail par plaid.

Au-delà, de l'économie de temps et de proposer des pièces qui sont financièrement plus abordables, j’évite aussi énormément de gaspillage. Rapporté à un plaid, ce gaspillage est potentiellement à hauteur de 15% et je trouve que sur une pièce gaspillée, 15% de la matière, c'est ne pas respecter le travail de tous ceux qui sont passés avant, le travail de l'éleveur qui a pris soin de ses brebis, le travail des trieurs qui ont fait le tri des toisons ou encore du filateur ou du teinturier. Pour moi, c'est important de valoriser au maximum le travail de ceux qui sont avant moi dans la filière. C'est pour cela aussi que je préfère travailler par petites séries. »

L’atelier de tissage de Séquanie, est ouvert à la visite. Guillaume Millot aime créer du lien humain. Plus qu’un métier, être tisserand, c'est une philosophie, du développement durable et une fabrication française. Un artisanat local pour un développement local.« Très clairement, cela a été un choix assumé dès le lancement de mon entreprise. Mon entreprise et mon atelier pourraient être visités par les touristes de passage et contribuer aussi au rayonnement touristique de la région dans laquelle je suis implanté. Cela commence à se vérifier puisque j'ai régulièrement des appels de gens qui m'appellent en me disant “nous sommes de passage dans la région, est-ce que nous pouvons venir visiter l'atelier ? Nous ne sommes pas très loin de chez vous, est-ce que nous pouvons venir jeter un coup d'œil ?” Et puis, j'ai développé des savoir-faire très rare, unique en France, mais peut-être même unique sur la planète. Je commence à avoir des stagiaires qui viennent d'un peu loin pour se former chez moi parce qu'ils trouvent chez moi des techniques qui n'existent nulle part ailleurs. Oui, cela fait venir du monde, il y a des retombées chez les hébergeurs touristiques, il y a des retombées chez les commerces locaux parce que ce sont des gens qui, pendant une semaine, vont consommer local. »

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À Lomé, le Togocom Fimo 228, le Festival international de la mode au Togo, vient d’achever sa onzième édition. Porté par le créateur Jacques Logoh, ce festival est dédié aux talents d'Afrique, de sa diaspora et internationaux. Nous y avons rencontré Juliette Ouedraogo, styliste du Burkina Faso qui avec sa marque JL’O Design est devenue une référence dans le milieu de la mode de son pays. La créatrice transforme les tissus en œuvres d'art portées par des personnes du monde entier.

Je ne sais pas ce que je ferais si un jour j'arrêtais de travailler dans la mode, par exemple si je prenais une retraite anticipée. Je ne sais pas ce que je ferais. J'ai besoin de cela.

Juliette Ouedraogo, styliste et créatrice de JL’O Design.

« Premièrement, cela s'appelait le design de la vie. Ensuite, cela s'est transformé en JL’O Design parce que je voulais vraiment faire une marque qui porte mon nom, avec les initiales de mon nom. »

Originaire du Burkina Faso, Juliette Ouedraogo suit un cursus scientifique avec un baccalauréat option sciences biologie, mais sa passion, c’est déjà la mode. Elle bataille très fort avec son père pour qu’il accepte qu’elle s’oriente vers des études de mode. Elle arrive à Lyon où son apprentissage est intense, trois ans d’études où elle fusionne les cours de modélisme et ceux de stylisme.

Après l’obtention de son diplôme, elle enchaîne une autre formation sélective sur Paris, un Master en créateur couture. Elle rentre au Burkina Faso après une absence de six ans, et se lance dans l’industrie de la mode. Elle crée sa marque JL’O Design en 2012, en lui donnant un ADN très reconnaissable.

« Je travaille à respecter le corps de la femme, pour lui donner une certaine aisance dans le vêtement. Beaucoup de femmes, quand elles commencent à porter mes vêtements, elles se sentent beaucoup plus attirantes. Elles disent “Ah oui, quand j'arrive quelque part, j'ai confiance en moi.” Elles arrivent à avoir de l'amour pour elles-mêmes et à partir de cet amour qu'elles ont pour elles-mêmes, quand elles se voient dans le miroir, elles arrivent aussi à transmettre de l'amour, de la confiance et de la bonne humeur. »

« Je travaille vraiment sur le détail, par exemple sur ce chemisier-là, que je porte le détail du col. C'est quelque chose qui ne se fait pas tout le temps, surtout en Afrique. C'est un sourcing que j'ai fait jusqu'à Taïwan pour le ramener au Burkina pour des chemisiers mixés avec des motifs africains. Mes vêtements, quand les gens les voient dans la rue : “Ah oui, c'est du JL’O Design. C'est le détail qui m'a attiré”. Je suis prête à parcourir le monde pour aller chercher des petits accessoires qui vont justement faire la différence. »

Avec sa marque, Juliette Ouedraogo conçoit des collections pour homme, femme et enfant, mais ce qui attire surtout cette styliste burkinabè, c’est le métissage culturel et la réalisation d’une mode sans frontières et sans limites.

« La mode n'a pas de frontière. L'inspiration n'a pas de frontière. Quand j'étais étudiante, j'ai travaillé avec beaucoup de bureaux de style et j'ai parcouru beaucoup de salons. J'ai toujours été inspirée par les chasseurs de tendances qui parcourent le monde entier à la recherche souvent de petits détails pour annoncer une collection qui va se faire dans trois, quatre ans. »

« Je me dis qu'il n'y a pas à se limiter en se disant que je viens du Burkina Faso, il faut que je travaille uniquement le coco Dina, le pagne tissé. Demain, je peux travailler, par exemple, le Kente ou faire une collection purement japonaise. Je me dis que je n'ai pas le droit de me limiter parce que la mode n'a pas de frontières. Je respecte quand même un certain style que les gens arrivent à reconnaître. »

Pour le Togocom Fimo228 et sa 11e édition, Juliette Ouedraogo a présenté une collection intitulée Doll, un hommage aux femmes des temps modernes.

« C’est une collection de la femme poupée. La femme poupée et en même temps la femme active qui a ce côté combatif. Et en même temps, elle a envie d'avoir ce côté bébé, ce côté poupée, elle a envie d’être cajolée un peu, elle a envie que quand elle rentre le soir avec son sac à main, de retrouver une certaine douceur, de se retrouver dans des vêtements plus soyeux, vaporeux, douillets. »

« Parce que quand elle va en réunion, quand elle est sur le terrain, elle ne peut pas se permettre de mettre des vêtements avec des strass, des petites plumes ! Non. Sur ces vêtements, c'est une combinaison de deux univers, et en même temps, je profite de cette collection pour mettre en valeur le coco Dina du Burkina Faso. C'est une matière tissée par valeureuses femmes et je profite de mettre ces matières en valeur avec l'ajout de la couleur rose. »

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Julien Vermeulen est plumassier. Il se veut le gardien d’un patrimoine qu’il aime faire évoluer et transmettre. La Maison Vermeulen innove dans l’art de la transformation de la plume. Sa maîtrise permet son expression sur des projets en haute couture, joaillerie, mais également en décoration. Chaussures, sacs, montres, robes ou tableaux, Julien Vermeulen travaille la plume sans limites. Pour cet artiste-artisan, la plume est une matière étonnante qui fait vibrer les émotions.

Rediffusion 28/03/2021

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 L’atelier Aura ce sont les créations en verre églomisé de Marie Roux. Le verre églomisé est une technique de dorure sur verre qui date de l’Antiquité. Ces œuvres sont entièrement façonnés à la main. Marie Roux crée et sublime des objets de décoration d’intérieur ainsi que des objets du quotidien. Elle unit la lumière et l’éclat de la feuille d’or à la transparence du verre afin de créer des objets uniques.

La technique du verre églomisé permet des décors sur tout type de verre pour des portes vitrées, du mobilier, des vases, des verres à vin ou des carafes.  Animée par la passion, Marie Roux réinvente une technique ancestrale et rare. Les artisans d’art qui la maitrisent se compte sur les doigts d’une main et Marie Roux en fait partie. Elle recherche l’harmonie entre tradition et créativité. 

C'est presque un enjeu, aujourd'hui, de pouvoir s'exprimer, de pouvoir exprimer des choses qui sont importantes liées à l'environnement, etc. Puis, l'avantage de pouvoir avoir un métier qui nous permet de créer, c'est que nous avons la possibilité de pouvoir nous exprimer un peu comme nous le sentons, et c'est génial.

Marie Roux, artisane d’art en verre églomisé et fondatrice de l’atelier Aura.  « Aura, je voulais que ce soit un nom qui soit assez représentatif de quelque chose qui aille au-delà. Au-delà de ce que nous pouvons voir, de ce qui est palpable. Je voulais qu'il y ait une dimension un peu ésotérique pour montrer que finalement, la magie n'est pas que dans ce qui peut s’observer assez rapidement. »

Née à Besançon dans l’est de la France, Marie Roux grandit en Alsace. Sa sensibilité l’a conduit vers les métiers de la restauration conservation du patrimoine. Elle fait donc ses études dans une école d’art avec une spécialisation en restauration conservation des peintures. Elle se forme en parallèle chez un artisan d’art à la dorure. Marie Roux acquiert les deux aspects de la restauration : peinture et dorure. Ensuite, elle se spécialise dans le verre églomisé.

Ce savoir-faire ancestral consiste à fixer une feuille métallique : or, argent ou cuivre, sur le verre puis à la graver, le décor ainsi créé peut-être encore rehaussé avec de la peinture ou d’autres matériaux.En 2011, Marie Roux fonde son atelier Aura, un atelier spécialisé dans la restauration d’œuvres d’art et la création de verre églomisé. Une technique d’artisanat d’art avec un champ de possibilité presque infini. « Il faut savoir que c'est une technique d'artisanat d'art qui date de l'Antiquité qui est apparue dans l'art chrétien, notamment pour des objets de liturgie, elle est tombée en désuétude pendant pas mal de siècles, puis elle est réapparue en période de renaissance. Elle a été remise au goût du jour au XVIIIᵉ siècle par un Monsieur Glomy qui en a profité pour donner son nom au process. Il travaillait pour la Cour du roi et principalement pour tout ce qui était encadrement. La technique en elle-même consiste, depuis l'Antiquité en tout cas, à fixer de la feuille d'or sur le verre, à venir graver la feuille d'or pour définir un motif, quel qu'il soit, ensuite le rehausser à la peinture. »

« Maintenant, d'un point de vue plus moderne, nous allons pouvoir le mélanger avec d'autres techniques de dorure, avec de la nacre, des jeux de transparence, avec des placages d'autres couleurs de feuilles d'or, ou alors des placages de verre. Nous avons plein de possibilités. J'aime beaucoup cette technique, sa richesse qui nous permet de pouvoir travailler aussi bien de la décoration, de l'architecture, des petits objets ou des œuvres d'art. Nous avons très peu de limites et c'est cela qui est très très intéressant. »

Marie Roux avec son atelier Aura souhaite faire perdurer ce procédé traditionnel presque disparu aujourd’hui, en proposant un travail d’artisanat d’art qui se réinvente. «​​​​​​​ Moi, j'aime beaucoup les défis. Je me suis spécialisée quand j'étais restauratrice sur les tableaux du 17ᵉ et 18ᵉ siècles. J'aime beaucoup travailler l'ultra réalisme ou des choses très pointues, très pointilleuses, en mêlant des techniques, en ayant quelque chose qui prend finalement énormément de temps, mais qui me permet d'avoir un résultat qui est très fin. C'est ma marque de fabrique : la finesse de la dorure dans tous les cas, nous l’avons de par la technique. Mon idée, c'est de pouvoir arriver à donner vie aux objets que je crée, d’avoir cet effet avec des contrastes qui vont permettre de donner l'illusion qu’un oiseau puisse s'envoler, qu'un détail puisse apparaître et disparaître. »

« Nous sommes très peu à travailler la technique en France, malheureusement. Chaque produit est fait intégralement à la main, de la pose de la feuille d'or à la finition, naturellement cela le rend unique. Les défauts aussi rendent chaque produit unique et c'est cela qui me plaît et ce que j’aime dans ces techniques d'artisanat d'art, c'est que finalement, nous ne cherchons pas à avoir quelque chose de complètement lisse, complètement linéaire. Nous allons chercher à jouer avec les défauts. Cela rend les choses particulièrement intéressantes. »

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Designer de Valette Studio, Pierre-François Valette à soif de liberté et d’indépendance, il lance sa marque en 2020. Celle-ci évolue autour du tailleur. Un tailleur revisité et non-genré. Un vestiaire réinterprété qui incarne l’harmonie entre la tradition de la Haute Couture et la création contemporaine. Les vêtements de Valette Studio sont faciles à porter et dans l’air du temps. Ils s’inscrivent dans une démarche écoresponsable et sont fabriqués à Paris.

Valette Studio et son créateur sont présents au salon Première Classe, le salon de la mode de demain, au Jardin des Tuileries à Paris jusqu’au 4 mars.

C'est thérapeutique pour moi de créer. J’en ai besoin, cela m'allège, me permet de rêver. C'est comme un médicament ! Dans la création, j'ai toujours imaginé qu'il y avait quelque chose d'assez égocentrique, c'est à dire que l'idée,  je la cultive moi- même, je me fais la petite histoire, après je vais la communiquer au mannequin, je vais l’habiller et lui dire comment faire pour communiquer l'idée. Mais après l'idée, elle part. Je trouve cela agréable. Et moi j'adore avoir les retours, c'est cela aussi qui me nourrit.

Pierre-François Valette, designer et créateur de Valette Studio

« Je m'appelle Pierre-François Valette, donc je ne voulais pas faire Pierre-François Valette. Je pense que j'avais une personnalité assez forte. Déjà, les gens pensaient que je voulais tout m'accaparer. Je voyais surtout cela plutôt comme un collectif. Je voulais décrire l'idée d'un groupe. Valette Studio c'est un peu comme une maison de couture. C'est un groupe de création parce que je pense qu'il faut beaucoup d'énergie. C'était l'idée derrière le nom de la marque. »

Né en Normandie, à Caen, dans le nord de la France, d’un père normand et d’une mère italienne pied-noir, dans la maison de Pierre-François Valette le travail et la liberté sont des valeurs familiales. Enfant, il intègre la maîtrise de Caen, une chorale de jeunes garçons, il y apprend la discipline et la rigueur. C’est aussi son premier contact avec le milieu artistique. Après son baccalauréat scientifique, bon élève, Pierre-François Valette intègre la faculté de médecine, puis celle de droit et finalement il se tourne vers la mode à l’École de la chambre syndicale de la Haute Couture. Son attirance pour les costumes, sa soif d’apprendre, la chance, le temps et les rencontres lui permettent de lancer, en 2020, Valette Studio. Ce jeune créateur aime développer le tailleur en allure globale.  « C'était le tailleur décontracté pour se projeter dedans, courir dans le métro avec son portable sans regarder si nous allons rentrer dans quelqu'un. C'est la vie. Ce qui était compliqué, c'est que cela fait très vite beaucoup de tissus. Pour ne pas étouffer j'ai toujours mixé cela avec la peau des corps nus. »

« Et puis des matières très très légères, des matières floues. Je suis content parce que dans la dernière collection, nous présentions des modèles flous, des T-shirts flous. Il y avait un tailleur en laine par exemple, ou des jerseys très fins qui tombent sur l'épaule. Mais c'est quand même des basiques du vestiaire masculin. C'est contradictoire, mais finalement, de toute façon, j'ai toujours fait les choses dans les contradictions. »

Pierre-François Valette inscrit le vêtement au cœur de son processus créatif. « Nous déterminons des silhouettes en toile et ensuite, elles se déclinent en tissus. C'est vraiment l'allure qui m'intéresse. J'ai fait des collections sur David Bowie, Andy Warhol, une collection sur Françoise Sagan. Quand nous pensons à Françoise Sagan je ne pense pas que nous pensons directement à son look. Mais le look veut beaucoup dire. Quand nous nous rappelons des grandes périodes de l'histoire, nous nous souvenons comment les gens s'habillent. Si je vous dis Louis XIV, vous pensez à quoi ? Versailles, les perruques ou le talon rouge ? Je fais aussi le vêtement parce que cela incarne quelque chose. »

« Je fais beaucoup de recherches d'images. Je dessine très peu, je fais des dossiers d'images et ensuite nous développons immédiatement les toiles en 3D. Moi j'aime la mode, mais j'aime surtout le vêtement. C'est le vêtement qui m'intéresse. Alors le fashion show fait partie du vêtement parce que nous habillons les gens, présentons le vêtement. Mais je fais cela surtout pour le travail du vêtement, comment nous le développons, comment il est fait. Moi, ce que j'aime, c'est le vêtement. Tous les vêtements Valette Studio, toutes les collections sont faites à Paris. Les productions sont faites le plus possible en France, sauf les cuirs, broderies, etc... Il y a beaucoup de choses qui sont partis de France, donc c'est compliqué à un prix accessible. »

« Parfois nous sommes un peu contraints, mais moi j'essaie toujours de me battre pour ne pas être trop contraint. Le vêtement, c'est le vêtement, comment il accompagne la vie. Moi, le Valette Studio, c'est un vestiaire complet. Je n’ai pas décidé de faire une marque mono-produit de chemises, manteaus, pantalons ou de sous-vêtements. J'ai tout de suite fait un vestiaire complet. Ce qui m'intéressait, c'était l'attitude. Plus que chaque vêtement produit. »

Les collections Valette Studio sont fabriquées à Paris, écoresponsables et non-genrés mais ce qui intéresse Pierre-François Valette, c’est la construction du vêtement. « Il y a beaucoup de gens qui disent je fais du non-genré et qui font des robes. Moi, je voulais faire du non genré dans la construction du vêtement. C'est-à-dire que dans la collection, nous avons deux vestes, une pour homme et une pour femme. Pour la femme je n’ai pas fait une veste homme plus petite. Pour aller sur la femme c'est complètement différent. C'est comme un tailleur Saint Laurent, nous avons l'impression que c'est le pantalon de monsieur mais pas du tout ! Il est tracé pour avoir l'idée que c'est le pantalon de monsieur, mais c'est vraiment un pantalon pour madame. »

«​​​​​​​ Je voulais vraiment faire une collection non-genré sur la technique du vêtement et pas tomber dans la robe. Oui, les hommes peuvent mettre des robes actuellement. Moi si je mets des robes à vendre pour les hommes, je suis sûre que je ne vais pas en vendre beaucoup ! Ce que je voulais faire c'était du non genré sur la technique du vêtement. »

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Aujourd’hui mode singulière et inclusive avec Emmanuelle Lessita et sa marque de vêtements Nicol Emms. Des collections conçues en petites séries et en précommande. La créatrice de Nicol Emms place chaque personne au centre de sa vision afin que chacun se sente libre et unique dans ses habits. Une recherche de simplicité, d’expression de soi à travers les pièces portées. Emmanuelle Lessita fait le pont entre l’Afrique où elle est née et l’Europe où elle vit depuis ses 10 ans.

Cette créatrice de mode est une femme libre qui ne veut pas coller aux standards de la beauté. Curieuse de tout ce qui l’entoure. La mode est selon elle une attitude. Sa première collection a été présentée au Togocom FIMO228. Un festival de mode au Togo qui se clôture ce dimanche à Lomé.

Je me considère comme un esprit assez libre et je laisse cet esprit libre dans ma création. Je ne me mets pas de standards ou de façons de faire. Je veux que l’on perçoive une certaine âme dans mes créations et je sais que j'ai réussi.

Emmanuelle Lessita, créatrice et fondatrice de Nicol Emms.

« C'est mes deux prénoms. Je m'appelle Nicole, Emmanuelle. Nicol Emms, parce que mon entourage m'appelle comme cela. »

Emmanuelle Lessita est née au Congo à Pointe-Noire. Elle arrive en France à 10 ans. Son parcours est atypique, elle a longtemps cherché sa voie entre une formation administrative puis une faculté de langues, suivie d’une formation commerciale. Finalement, elle décide de se focaliser sur ce qu’elle aime : la mode. Encore étudiante en conseil en image, c’est un peu par hasard qu’elle s’est lancée comme créatrice de mode.

Emmanuelle Lessita aime avoir un style personnel et original à mettre en avant. Elle apprend la couture en autodidacte, d’abord pour elle-même. Et très vite, elle lance sa marque en 2022. Une marque qui célèbre la singularité et l'inclusion.

« Je ne dirais pas que mon message passera forcément dans les coupes ou même dans les couleurs, explique la créatrice. Après, la signature de ma marque se verra, mais ce que je mettrai en avant finalement, c’est la personne, être soi, cela veut dire que si tu choisis mes pièces, ce qui fera la beauté même de la pièce que tu porteras, c'est toi. Je veux que chacune des personnes, lorsqu'elle porte un vêtement de ma marque, se dise : cette pièce-là, cela me représente bien. Si j'ai pris ce pantalon, ce haut, je trouve que cela me ressemble mieux. C'est plutôt comme cela que je fais passer le message au travers de ma marque. »

« Lorsque je fais du sur-mesure pour des personnes, je regarde cette personne, je lui dis quelle coupe, quel modèle, quels motifs lui iraient mieux. J'essaie de mettre en avant sa personnalité. En tout cas, je veux que la personne soit mise en avant au travers de ma pièce. »

Afin de réaliser ses collections, Emmanuelle Lessita, qui produit au Congo, déniche l’artisan africain dans son atelier, avec beaucoup de persévérance. « Il faut avoir beaucoup de patience, mais vraiment beaucoup de patience, et accepter d'avoir des pertes. Pour que l’artisan arrive à la vision que tu as, il faut recommencer encore et encore et encore. J'ai appris qu'il faut avoir beaucoup de patience. Je veux mettre l'essence de ce que je suis dans ma marque, tout simplement. Il y a peut-être ce côté Afrique dans les artisans, mais peut-être aussi l'Européen dans le design. J'essaie un peu de jongler. Tout dépendra de l'humeur. Je bâtis ma marque de la manière dont mon identité est bâtie. Je ne vais pas faire ce qui n'est pas ou véhiculer un message que je ne suis pas. J'essaie d'être en accord avec moi-même. »

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La Dolce Vita à la marocaine avec Veronica Pozzi, créatrice et fondatrice de Vévè Design Marrakech. Cette ancienne avocate amoureuse de Marrakech quitte Milan pour réunir ses passions et concrétiser ses rêves. Sa reconversion professionnelle trouve un écrin au Maroc où elle crée une large gamme de pièces qui symbolisent le trait d’union entre son amour du design italien et sa terre d’accueil.

Ses collections femmes, hommes, enfants ou Maison sont constituées de pièces uniques, de caractère, chatoyantes et raffinées, réalisées grâce au savoir-faire de l’artisanat marocain. 

La création me donne un ensemble d'émotions incroyables ! Pour moi, c'est la liberté de pouvoir faire ce que j'aime, de chercher des habits, des tissus. C'est la liberté de pouvoir s’exprimer.

Veronica Pozzi, fondatrice et créatrice de Vévè Design Marrakech.

Au lycée, dans la même classe, nous étions quatre Veronica, alors que ce n’est pas un prénom très courant. Nous avions chacune un petit nom et pour moi c'était Vévè. Un nom qui me rappelle la joie des années de lycée et je l’ai utilisé pour cela.

Veronica Pozzi est née en Italie. Dans sa famille, son frère est architecte et son père ingénieur, elle grandit donc entourée de design italien. Pourtant, elle suit des études de droit et exerce comme avocate, pendant 10 ans à Milan. Ensuite, elle tombe amoureuse du Maroc et de Marrakech, s’y installe avec sa famille et se forme au métier de styliste. Elle n’exclut plus aucune de ses passions : le design et la mode.Elle lance Vévè Design Marrakech fin 2019 et propose des pièces uniques pour femmes, hommes, enfants et la maison. Robe, veste, manteaux, chaussures, sacs, bijoux, accessoires ou meubles, on peut tout assortir, les chaussures au sac, au manteau ou pas.

Les combinaisons et harmonisations sont au choix. Véronica Pozzi fabrique ses collections avec les artisans et le savoir-faire marocain : « Pour les vêtements, c'est un style italien avec les pantalons, les chaussures, les vestes et le tout avec une touche africaine, une touche marocaine. Cela me distingue des autres qui font, par exemple, des caftans ou bien des kimonos, etc. Pourquoi ? Ce n’est pas un style marocain, mais c’est mon style. »

« Je ne veux pas importer des tissus, explique-t-elle. Moi, je viens de la région du lac de Côme. Nous sommes connus pour le travail de la soie, donc je pourrais ramener de la soie ici, mais je ne veux pas. Je veux être made in Marrakech à 100 %. Je m’inspire des tissus, des couleurs, je vais créer de nouvelles pièces, des tapis, des poufs, des lampes, des vêtements inspirés par les couleurs de Marrakech. C'est une ville très inspirante. C'est une ville de joie, de couleurs, de vie, plein de vie. En fonction des tissus que je trouve, quand je regarde les tissus, leurs couleurs, tout cela me donne tout de suite l'idée de la façon dont je peux l'utiliser. Faire des assortiments avec les chaussures, le sac, la veste ou bien la robe, tout coordonner. »

Des collections originales, très colorées et élégantes auxquelles Veronica Pozzi ajoute un message de tolérance : « Je me suis dit ‘pourquoi ne pas lancer un message en arabe au monde ? Un bon message ?’ C'est vrai que nous avons des fois des peurs envers le monde arabe qui ne sont pas justifiées. Le Maroc, c'est un pays très ouvert. »

« J’ai commencé faire des manteaux d'hiver avec une inscription au dos : happiness, freedom, liberté, respect, amour, etc. Après, je me suis focalisée surtout sur la parole ‘amour’ en arable. Je l’inscris au dos de tous les manteaux pour hommes, femmes et enfants. Quand je vais à l'étranger et que je mets mon manteau, les personnes qui ne connaissent pas l'arabe me demandent ce que c’est et ceux qui lisent l’arabe sont très heureux de voir un manteau avec un message positif de la part du monde arabe au reste du monde. C'est cela que je veux transmettre, un message d'amour qui va unir les pays musulmans avec les autres qui ne le sont pas, afin de faire comprendre qu'ici les Marocains sont vraiment des personnes merveilleuses », conclue la styliste italienne.

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Pour célébrer la Journée mondiale de la radio, nous recevons Mylène Pardoen, musicologue spécialiste des musiques militaires, ingénieure de recherche au CNRS (Centre national de la recherche scientifique) et archéologue du paysage sonore. Mylène de Pardoën avec la technologie actuelle débusque les sons du passé dans notre présent, là où ils existent encore, elle les capte et ensuite elle crée des environnements sonores pour nous faire entendre les sons du passé.

Cette experte scientifique au parcours atypique est aussi experte acoustique sur le chantier de rénovation de notre Dame. Elle a reçu de nombreux prix dont la médaille de cristal du CNRS. Une récompense qui distingue celles et ceux qui contribuent à l’avancée des savoirs et de la recherche française. 

Je vais être franche, il y a à peu près 85 % du travail qui est purement scientifique. Mais, après il y a la narration, donc même si elle n'est pas fictionnelle, cette narration-là, c'est ma part de création.

Mylène Pardoën, Ingénieure de recherche, chercheur au CNRS : 

J'ai créé ma discipline : archéologie du paysage sonore. Il fallait trouver un nom à cette activité.

Née à Tourcoing dans le nord de la France, Mylène Pardoën arrête ses études assez tôt pour trouver du travail, sans Baccalauréat, elle s’engage dans l’armée de Terre comme mécanicien sur hélicoptère. Un métier où elle travaille avec ses sens. Après un accident de parcours, elle valide ses 17 ans de services et ses diplômes de sous-officier de carrière pour rentrer à l’université où elle s’inscrit en musicologie et se spécialise en musique militaire. Son aventure avec le son commence au musée des Invalides. Son travail est à destination de la recherche scientifique et du grand public. Ses propositions de création de paysages sonores s’établissent sur un schéma scientifique, pour cela elle mène l’enquête à deux niveaux.

« Le premier niveau, c'est une enquête dans le passé, y trouver les indices sonores et une enquête en parallèle dans le présent. Quand j'ai l'indice sonore, est ce que ce son ou cette ambiance sonore est ce que je peux la retrouver dans le présent ? J'ai deux longues enquêtes. Pour faire simple, un indice de premier ordre, c'est quand nous avons une enclume et un marteau, nous savons à peu près ce que cela va donner. Si je suis sur un document administratif par exemple, où je vais retrouver tous les métiers qui seront pratiqués dans une rue, je vais dérouler un fil, le métier, je vais chercher par rapport à l'époque du document administratif, comment il était pratiqué, quels sont les outils, quelles sont les matières ? À partir de là, je retombe sur un indice qui devient du premier niveau comment cela va résonner ? »

« Ensuite c'est plus ténu, c'est par exemple la description une pièce mais dans la pièce il va manquer des éléments, c'est-à-dire que vous allez me dire " la pièce, elle peut être silencieuse ", mais vous n'allez pas penser à dire il y a le tic-tac de l'horloge, nous allons chercher, quand nous avons la possibilité, de retrouver les éléments par exemple tout ce qui est testament, puisque les actes notariés, surtout au 17ᵉ, 18ᵉ, 19ᵉ siècle, comme il y a des impôts qui sont prélevés, ils font le détail par le menu de ce qu'il y a dans la pièce et nous allons savoir s'il y a une horloge, un tapis, cela va nous donner des éléments pour savoir comment la pièce résonnait. Je fais des enquêtes à plusieurs étapes. Nous allons passer sur des captations, avec un peu d'ambiance, mais c'est relativement rare parce que ce qui nous intéresse, c'est de retrouver les ambiances du passé. Nous ne pouvons pas prendre des ambiances d'aujourd'hui. Nous, ce que nous allons chercher c'est des objets sonores. »

Dans la captation Mylène Pardoën recherche le geste et la matière sonore. « Le minimum de micros utilisé, c'est trois, le maximum, jusqu'à présent déployé, cela a été vingt-cinq. Pourquoi ? Parce que nous allons capter la transformation de la matière en mettant des micros surfaciques et puis allons suivre le geste au plus près avec d'autres types de micros pour restituer un objet sonore qui soit joufflu, en trois dimensions, bien dense. Si vous ne mettez qu'un seul micro, c'est quelque part, un aplat. Vous n'allez pas pouvoir rendre cette texture qui est riche quand elle arrive à nos oreilles. C'est riche, il y a plein d'informations, donc nous allons capter cela et ensuite nous le mixons pour avoir plein d'objets sonores bien denses ensuite nous repassons ensuite dans le studio et écrire des histoires. Cela s'appelle hétérographie. Moi, je n'écris pas comme vous, je n'écris pas du texte, je mets mon histoire en son dans le logiciel. Nous racontons notre histoire. Et ensuite nous  passons dans un autre logiciel pour spatialiser nos scènes. »

Le travail de restitution sonore est une hypothèse scientifique que Mylène Pardoen propose en créant des environnements sonores  « Je détricote les histoires du passé, qui sont un petit peu biaisées au passage, parce que nous sommes sur de la sensorialité, l'émotion est toujours présente. Quand j’ai un témoignage, quel que soit le témoignage, à part le factuel du document administratif, la part émotionnelle est toujours présente. Je suis obligée de détricoter les histoires du passé pour recréer un petit bout d'histoire du passé dans notre présent. La part créative est là. »

« Et, il reste encore une part. Je prends par exemple le chantier de Notre-Dame, en 1170, il nous manque beaucoup de données, donc, je pars sur des hypothèses. À partir du moment où nous partons sur une hypothèse, il y a une création. Moi, je pose beaucoup de questions à mes collègues archéologues, je leur pose des colles. Parfois ils me disent :  " Nous n'avons pas la réponse maintenant ", c'est normal. L'histoire évolue aussi. C'est assez dérangeant parce que nous, nous sommes dans le son, nous avons besoin, par exemple, de savoir comment, en 1170, était organisé le chantier de construction de Notre-Dame. Il n'y a pas de réponse. »    

En complément et pour connaître les travaux de Mylène Pardoën, expert scientifique pour la restauration de Notre-Dame - Co coordinateur du groupe Acoustique. Concepteur, coordinateur et responsable du projet Bretez et du projet ESPHAISTOSS. Carnet de Recherche Archéoson 

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Aujourd’hui, deux sœurs : Aminata et Binta Diallo, une fondation, une école de couture et des métiers de la mode pour des jeunes filles en Guinée ainsi que fête de la mode guinéenne. À travers la mode, Aminata et Binta Diallo souhaitent révéler les richesses culturelles de la Guinée et du continent africain tout en participant activement à l’émancipation des femmes et à la scolarisation des jeunes filles en Guinée et dans toute l’Afrique. 

Les deux sœurs allient la mode à la collecte de fonds pour l’éducation des jeunes filles et ont toujours eu à cœur d’œuvrer pour l’émancipation des femmes : lutte contre le mariage forcé, l’excision, toutes les violences faites aux femmes et pour le développement de l’enseignement des jeunes filles et l’emploi des femmes. Nous les avons rencontrées lors du dernier Festival International de Mode Africaine, le FIMA, à Rabat.

Nous voulons avoir un impact positif au niveau des femmes guinéennes.

  Aminata Diallo

Ce que j'aime beaucoup dans les activités que nous faisons c’est par exemple quand nous ramenons du tissu guinéen, tout le monde est intéressé. C'est quoi ? C’est une fierté de ramener ce que la Guinée produit au niveau national sur un plan international .

Binta Diallo

Aminata Diallo est née en Guinée, après son bac, elle part en France pour poursuivre ses études que malheureusement, elle ne peut pas continuer. En 1998, elle immigre aux États-Unis, elle y travaille comme nounou et rencontre une famille qui change complètement sa vie. Tout commence par la fondation Mina Foundation Guinea, qu’elle a créée aux États-Unis en 2002 pour aider les femmes.

« J'ai commencé par la fondation Mina parce que, quand je suis partie de chez moi, il y avait tellement de carences, il y avait tellement de choses qui manquaient. J'ai rencontré une famille qui a été tellement merveilleuse avec moi. C'est comme ma famille d’adoption. Ils ont commencé à me donner des affaires pour ramener en Guinée. Chaque année, cela faisait plus »,explique Aminata Diallo. « Dans le quartier où je travaillais, tout le monde me connaissait, donc, chaque personne me ramenait des choses. Je redonnais en Guinée, ma mère partageait avec tout le village, tout le monde, mais cela venait directement de ma poche. Après quelques années, je me suis dit, mais pourquoi ne pas faire une organisation ? Cela prenait de l’ampleur. Du village, cela est devenu plus grand, donc l'histoire a commencé là. »

Riche de l’expérience de son parcours de mannequin international, Binta Diallo avec sa sœur Aminata, fondent en 2016, la Guinean Fashion Fest, la Fête de la Mode Guinéenne, afin de valoriser la mode et de promouvoir la créativité des stylistes guinéens au niveau national, régional et international. Binta Diallo. « J'ai fait Miss Guinée, North America, je suis allée aussi au Mexique pour participer à Miss Piel Dorada, à Paris Miss Union Africaine. En 2013, j’ai défilé à la fashion week de Dakar. »

« Une fois rentrée, j’ai expliqué à ma sœur l’importance d’organiser un événement en Guinée pour accompagner tous les stylistes locaux du pays et en même temps international. Bien que les stylistes guinéens soient talentueux, il y avait toujours quelque chose qui manquait, donc, ma sœur avec la mise en place de l’école a pu les aider au niveau de la finition, au niveau des coupes. Moi, je savais qu'un jour, j’allais créer ma propre marque, faire connaître ma marque qui s'appelle Kade Collection, qui est confectionnée à l'école KPAAF par nos étudiantes. »

Avec sa sœur Binta Diallo, Aminata ouvre en 2018 la KPAAF Guinée, un centre de formation professionnelle de couture et des métiers de la mode. Ces militantes de la cause des femmes s’engagent dans l’apprentissage avec cette école qui forme chaque année plus d’une centaine de jeunes filles. « Il y a des formations de neuf mois pour le renforcement de capacités. Il y en a aussi qui durent trois ans. Nous enseignerons l'entrepreneuriat dans la mode, l'informatique, le digital dans la mode et plein d'autres formations que nous allons proposer et qui englobe la mode »,précise Aminata Diallo.

« J'ai décidé de faire une école 100% jeunes filles, parce que ces jeunes femmes sont laissées à l'abandon. Ces jeunes filles sont mariées très jeunes. Moi, j'ai souffert de cela, j'ai souffert d’avoir eu un enfant à 18 ans et de la réaction de mes parents pour qui c’était la fin du monde. Il m'a fallu me cacher, pendant trois ans. Mais j'avoue que maintenant les mentalités sont en train de changer », ajoute la créatrice.« À travers cette école, je peux vous dire que même si nous n’avons pas atteint le but, les résultats sont vraiment formidables. Nous accompagnons ces femmes pour qu'elles-mêmes créent leur propre entreprise. Nous avons 25 femmes en fin de cursus, qui en sortant de l’école depuis que nous avons ouvert, ont été accompagnées jusqu'à la création de leur propre atelier. Elles ont maintenant leur propre apprenti. Elles sont autonomes maintenant. »

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