Reportage culture

Ce samedi soir, 12 octobre 2024, Paris fête Fela Anikulapo Kuti, le génial inventeur de l'Afrobeat. L'Association Afrobeat No Limit et le DJ Ness Afro réunissent une vingtaine de musiciens sur la scène du New Morning pour le Fela Day. Grand spectacle avec en invité Seun Kuti, le fils de Fela. L'Afrobeat est une musique vivante qui compte toujours des centaines d'adeptes et de pratiquants. Reportage avec les initiateurs et les musiciens du Fela Day

« En Occident, on peut interpréter cela comme "la Journée de Fela". Mais "Fela Day", quand on le dit en pidgin, ça veut dire que Fela existe toujours », traduit Nazaire Bello, producteur du Fela Day, initiateur d’une association Afrobeat No Limit qui, depuis près de 20 ans, travaille à la promotion de cette musique. « Heureusement, on constate aujourd’hui que l’Afrobeat résonne bien dans le monde. À Londres, à New York, à Tokyo, à Paris surtout, puisque c’est l’une des premières terres d’accueil de Fela Anikulapo Kuti. Son premier concert, c’était à l’hippodrome de Pantin en 1981. Et les Français adorent Fela Kuti. »

La France, terre d’accueil de l’Afrobeat, mais aussi de musiciens qui ont joué dans les orchestres de Fela, Africa 70 et Egypt 80. C’est le cas du guitariste Kiala Nzavotunga, en répétition toute la semaine à Bobigny avec les musiciens du Fela Day. « Fela Day, pour moi, c’est très grand, parce que moi, j’ai joué avec ce grand monsieur Fela Anikulapo Kuti, j’étais son guitariste, donc. Je suis content ! Avec Fela, j’ai enregistré l’album Original Suffered, c’est un grand souvenir, je te jure. » 

Des souvenirs de Fela, c’est ce qu’aime partager le trompettiste Muyiwa Kunnuji. Il se souvient encore du jour où il a auditionné devant le génial musicien nigérian. C’était en 1981. « Quand je suis arrivé pour l’audition, je tremblais. Et quand il m’a dit : "Joue ce que tu veux", ma tête s’est littéralement vidée ! J’ai juste mis ma trompette à la bouche, et j’ai fait de la merde. Après un moment, il m’a dit : "Arrête !" Il m’a demandé de jouer des accords en mi-mineur, des trucs comme ça, raconte le musicien. Il m’a posé une question qui m’a bluffé. Il voulait connaitre la nature de mon "son". Avec lui, on pouvait jouer à la perfection, mais si on n’avait pas de "son", il pouvait vous dire de revenir dans six mois. Et moi, j’ai eu la chance qu’il s’intéresse à mon son. »

Le Fela Day sera aussi l’occasion d’écouter les musiciens de la jeune génération. Parmi ceux-ci, le saxophoniste de jazz Benoit Crauste. Il se souvient de son premier Fela Day en 2011 : « On s’est vraiment plongé dans la musique de Fela d’une façon quasiment scientifique, c’est-à-dire qu’on l’a prise pour ce qu’elle est. C’est une grande musique classique africaine. »

Vingt-sept ans après sa disparition, Fela est toujours d’actualité. Et sa musique appartient au patrimoine mondial. 

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Pour donner une nouvelle vie à ses collections permanentes, le musée du quai Branly - Jacques Chirac à Paris vient de créer sa propre bande-son. 124 haut-parleurs et vibreurs diffusent musiques, poèmes, chants et prières, bruits urbains et ambiances naturelles. Quelque 150 éléments sonores rythment désormais le parcours à travers les arts et les civilisations d'Afrique, d'Asie, d'Océanie et des Amériques et transforment la visite muséale en voyage sensoriel.

La Corée du Sud met l'art contemporain à l'honneur. La plus grande biennale d'art contemporain d'Asie réunit plus de 70 artistes internationaux ainsi que les pavillons de 31 pays. Le commissaire d'exposition est français. Nicolas Bourriaud a été choisi pour orchestrer cet événement qui marque son 30e anniversaire, sous le thème du Pansori, une forme dramatique d'art musical coréen.

De notre envoyé spécial à Gwangju,

« Pansori », en coréen, « le son de la place publique », c’est le titre de cette 15ᵉ édition de la plus grande biennale d’art contemporain d’Asie. Référence au chant traditionnel coréen, cette exposition, organisée cette année par Nicolas Bourriaud, met à l’honneur les sons de notre environnement.

Le vent, la roche, la glace, mais aussi les bruits de notre quotidien, de la rue à nos ordinateurs, toute une symphonie qui accompagne les œuvres de plus de 70 artistes internationaux. Une balade musicale pour décrire le monde dans lequel nous vivons, d’après son créateur Nicolas Bourriaud. « À mon sens, la question centrale de cette exposition, que je vous ai posée au tout début, c’est : quel est le son du changement climatique, quel est le son de l’anthropocène ?, explique-t-il. Et j’espère qu’à travers cette exposition, on accède un peu à une connaissance de ce son. » 

Une exposition qui attire le regard de nombreuses galeries, artistes et critiques d’art à travers le monde. Park Yang-woo, président de la biennale de Gwangju, attend pas moins de 700 000 visiteurs du monde entier, de quoi réaffirmer la place désormais centrale de la Corée du Sud dans l’art contemporain en Asie.

« La Biennale de Gwangju représente en quelque sorte toutes les autres biennales asiatiques, affirme Park Yang-woo. Vous savez, la Corée est devenue une plateforme dans le marché de l’art. Je pense qu’au travers de la Biennale de Gwangju, plus d’artistes du monde entier peuvent venir ici et communiquer, échanger et enfin participer à l’histoire mondiale de l’art. »

Une tendance que la Corée du Sud entend bien maintenir. Le pays du matin frais est devenu le troisième pays au monde avec le plus de musées d’art privés. Le nombre de ventes d’œuvres d’art a bondi de plus de 400 % par rapport à la période pré-Covid, avec des clients du monde entier, notamment chinois. Avec le déclin d’Hong Kong, ancienne place forte de l’art contemporain en Asie, les acheteurs chinois se tournent vers Séoul pour enrichir leurs collections.

Si en comparaison avec le marché américain, par exemple, la Corée du Sud reste toujours mineure, les perspectives semblent bonnes. Un nouveau marché que les institutions publiques investissent par ailleurs. En 2024, le gouvernement sud-coréen a alloué près de 3,5 millions de dollars pour l’organisation de grandes expositions d’art contemporain à travers le pays. 

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Quel point commun entre Stromae, Édith Piaf, Aya Nakamura, Charles Aznavour ou le groupe guadeloupéen Kassav ? Certes, ils sont tous chanteurs ou chanteuses, mais surtout, ils font partie des artistes francophones les plus connus à l’étranger. Et c’est justement ce thème qu’a choisi pour sa première exposition temporaire la toute nouvelle Cité internationale de la langue française de Villers-Cotterêts, située dans l’Aisne, au nord de Paris. L’exposition a été baptisée Une chanson qui nous ressemble, elle est à voir jusqu'au 5 janvier 2025. 

Pour en savoir plus sur cette exposition, cliquez ici.

Revisiter « Les Quatre Saisons » de Vivaldi, l’une des partitions les plus célèbres de la musique baroque, à travers la danse hip-hop, c’est le pari de Julien Chauvin avec son ensemble Le Concert de la Loge qui ne cesse de renouveler les liens entre musique et public. À l’occasion des 300 ans de ce tube du compositeur italien, le chef d’orchestre français s’est associé au chorégraphe franco-algérien Mourad Merzouki pour une approche inédite de cet hymne universel à la nature.

Cent ans après la publication du Manifeste du surréalisme par André Breton, le Centre Pompidou célèbre cet anniversaire avec une grande exposition intitulée : Surréalisme. À travers 500 peintures, sculptures et dessins, ce sont 40 ans d'un mouvement à la longévité et à la créativité exceptionnelles qui a embrassé tous les arts.

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À mi-chemin entre théâtre et musique, l'Orchestre La Sourde part à la recherche des miracles. Cet ensemble inclassable, qui regroupe acteurs, musiciens et scénographes, a collecté une centaine de témoignages en prison, dans des Ehpad, une école primaire, des bars et des jardins pour en faire une création collective intitulée la Symphonie tombée du ciel.

« Croyez-vous au miracle ? Ce sont parfois de petites choses, des petites épiphanies qu'on n'arrive pas à expliquer et qui ne sont que pour nous, ces petits miracles un peu intimes. »

Antonin Trí Hoàng, musicien franco-vietnamien et membre de la compagnie La Sourde, est parti à la chasse aux miracles entre ciel et terre dans une société qui leur laisse peu de glace. Mais le collectif d'artistes persiste. Il entre dans des maisons d'arrêt, des écoles et des Ehpad, ouvre même un bureau des miracles à Nancy, dans l'est de la France, et va jusqu'au sud de l'Italie pour trouver des histoires miraculeuses.

« Ils sont innombrables ! On croulait sous les miracles, il y en a des très impressionnants. Il y a des très petits et très touchants. Un homme qui tombe en pâmoison devant un baba au rhum. Il fait plein de rencontres, sa vie change avec ce baba au rhum. Aussi l'histoire d'une petite fille muette. Dans un cours de musique, on lui demande d'imiter un animal. Elle reste silencieuse, bien sûr, et elle finit par dire qu'elle imite le papillon », énumère l'artiste, ému, comme touché par la grâce de ces miracles du quotidien, mais peu ordinaires.

Pour traduire ces moments en musique, les artistes s'emparent des mots pour en tisser des mélodies. « Par exemple, cette ouverture, cela a été écrit sur la voix de Philippen de Montreuil, qui tient un café, décrypte Eve Risser, pianiste, flûtiste et compositrice de la compagnie. Philippe, il a dit : "Les miracles ? cela existe !" Talada ? talada ! »

« La voix faisait la musique, raconte Antonin Trí Hoàng. Comme avec l'histoire de Domenico, un italien qui fait un pèlerinage un peu fou près de Naples. On a utilisé des musiques de cette région. » « Il y a plein de styles différents. C'est symbolisé aussi par des musiciens et des musiciennes qui viennent de plein d'univers différents. Une batterie, un piano à roulettes, des violes de gambe, du baroque, des musiques anciennes, des instruments modernes, trombones, trompettes, des saxophones de jazz et puis aussi un tambour turc pour le moment de fanfare, un peu plus populaire », énumère gaiement Eve Risser.

Ces 17 artistes aux multiples casquettes et aux multiples instruments donnent vie et corps au récit d'un survivant d'une avalanche. Entouré de haut-parleurs aux formes étranges, La Sourde fait voir et entendre un joyeux méli-mélo de mélodies et de mots, une symphonie tombée du ciel qui interroge le mystère du miracle sans jamais le révéler entièrement.

La Symphonie tombée du ciel, composée et mise en scène par l'Orchestre La Sourde, du 18 au 28 septembre 2024 à l'Athénée de Paris.

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C’est l’une des plus importantes collections de collections privées d'impressionnisme français en Europe. Rassemblées par un couple de riches industriels au début du XXe siècle, c’est la première fois que ces peintures sont exposées hors les murs. La collection du musée Langmatt de Baden s’invite à la Fondation de l’Hermitage de Lausanne, en Suisse.

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Molière et ses Masques est la dernière création de Simon Falguières, qui s'est fait connaître au Festival d'Avignon avec sa pièce fleuve Nid de Cendres, il y a deux ans. Cette fois, le metteur en scène opte pour le théâtre de tréteaux. La pièce, créée au moulin de l'Hydre, le lieu de l'artiste en Normandie, est donc à présent sur les routes pour jouer de par les villages.

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En huit éditions, le festival de musique électronique Oasis à Marrakech, a installé les beats au cœur du dancefloor marocain. Un exploit doublé d’une pertinence musicale qui atteste de l’habilité de l’évènement à se forger une solide réputation mondiale grâce à des têtes d’affiche prestigieuses. C’est encore le cas de la programmation cette année avec 34 grands DJ et producteurs internationaux. Parmi eux, Laurent Garnier, Joy Orbison ou encore Interplanetary Criminal. Alors que les cinq mille festivaliers venus du monde entier ont vécu une expérience musicale inoubliable du 6 au 8 septembre 2024, Oasis qui n’a cessé d’explorer exclusivement l’électro, se met en pause l’année prochaine pour mieux revenir dans un format plus grand et surtout éclectique en 2026.

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