Carrusel de las Artes

Carrusel de las Artes los lleva a la ciudad de Clermont-Ferrand, en el centro de Francia y epicentro del festival de cortometrajes más grande e importante del mundo. Entre los galardonados figuran dos cineastas mexicanos, Esteban Arzuela y Gerardo del Razo, cuyos trabajos impactaron al jurado y al público. También conversamos con una de las responsables del festival y con el director colombiano Camilo Escobar.

Se proyectaron más de 500 películas en apenas nueve días, durante los cuales más de 170.000 personas colmaron las 14 salas asociadas a este evento. El Festival internacional del cortometraje de Clermont-Ferrand es un evento popular y concurrido, que se ha impuesto a lo largo de 47 años en esta ciudad rodeada de volcanes en el corazón de Francia.

Cada día las proyecciones comenzaban desde la mañana para satisfacer a un público ávido de descubrir las propuestas cinematográficas venidas de todo el mundo, que se presentaron en distintas secciones.

“Es el festival de cortometrajes mas importante a nivel mundial. Recibimos a cineastas y productores que han inscrito sus cortos o que vienen para el mercado del cortometraje. Es un festival que no solo tiene esta dimensión profesional, que atrae a buena parte de la industria, sino también a la población de la región”, explicó a RFI Diana Borja, miembro del comité de selección internacional del festival.

El Festival del cortometraje tiene una sección nacional, con películas francesas, otra internacional, y una sección llamada “Labo” dedicada a nuevas maneras de hacer cine. El Gran Premio de esa sección este ano fue para la película mexicana “Aferrado” de Esteban Azuela, una historia en las calles de Ciudad de México, que indaga sobre los orígenes de la violencia, pero con un tratamiento visual innovador tanto del protagonista como de los decorados que fueron levantados y animados en 3D.

“La gente todavía no ha visto cosas así. Es algo bastante bello cuando la gente se te acerca con el destello en los ojos de haber descubierto algo nuevo. Para esta película utilicé una técnica que se llama fotogrametría que utiliza escaneos 3D con sensores de proximidad, desarrollada en la industria bélica. Hace 10 años esta tecnología estaba un poco rezagada para los usuarios comunes, y mas para América Latina. Con esta película justamente quería hablar de ese rezago tecnológico en Latinoamérica y el Sur global”, expresó Azuela en entrevista con RFI, quien utilizó la fotogrametría para componer una historia de violencia en la Ciudad de México.

Otro cortometraje mexicano que impactó al público y al jurado fue “Domingo Familiar” de Gerardo del Razo, distinguido con una Mención especial. La secuencia principal de esta película es un “one shot” impresionante que comienza al pie de un edificio. Niños y adultos juegan y pasan un domingo tranquilo, hasta que aparecen dos delincuentes dispuestos a azotar y amenazar a los empleados de dos pequeños negocios.

“Quería explorar un tipo de extorsión muy frecuente en México que es la extorsión gota a gota o cobro de piso, que utilizan ciertos carteles. Y que ha hecho que la vida de los pequeños negociantes se transforme en un infierno. Muchos han tenido que dejar sus negocios o se los han quemado. (…) Es una película sobre un linchamiento, pero no es una elegia a la venganza. Yo pienso que la violencia no soluciona nada. La violencia es un circulo que genera ecos, y la idea de la película es ver como el espectador reacciona a      esos ecos”, aseveró el mexicano Gerardo del Razo.

Entre las propuestas latinoamericanas en Clermont-Ferrand encontramos “Un día de mayo” de Camilo Escobar. La cinta cuenta la intimidad de un hogar en la Colombia del año 2000, a través del niño de la casa, Joaquín. En vísperas del día de la madre, estalla una disputa entre su papá y su hermana. El director de este corto Camilo Escobar puso la mirada en un niño sensible y en una familia con un frágil equilibrio.

“Quería cuestionar el modelo binarista de educación. Si eres niño, no se te permite ser sensible. Pero Joaquín es muy cercano a su mama, observa a su hermana que es en ese momento una adolescente enamorada. Y luego está el papá, con quien hay mucha distancia porque es alguien que no sabe cómo acercarse a sus hijos. Quizás porque a partir de su propia crianza, ha sido torpe. (…) Los que crecimos en esas estructuras, me gustaría que reflexionemos sobre la manera de estar con sus hijos, y romper esos esquemas con los que crecimos”, expresó Escobar.

El Festival Mundial del circo del mañana reunió a artistas de los cinco continentes. Entre ellos, el acróbata colombiano Nicolás Teusa y su “Pendular Hoop”. Conversamos también con dos dúos latinoamericanos: los brasileños Cata y Jay hicieron reír al público con un monociclo; mientras que el dúo chileno-argentino Micaela y Matías rindió homenaje al agua en un número de cuadro aéreo. Fuimos también al Festival de la historieta en Angulema, que este año celebró al cómic venido de España.

El Festival Mundial de Circo del Mañana es una competencia internacional, donde participan artistas y compañías de todo el mundo. Como en los Juegos Olímpicos se entregan medallas de oro, plata y bronce. 

Ganar una medalla o un premio puede significar una consagración para estos jóvenes artistas, abriéndoles las puertas a los mejores circos mundiales.

Fue el caso de colombiano Nicolás Teusa, ganador de una medalla de bronce en esta edición del festival. Teusa, oriundo de Cali, desarrolló un número llamado “Pendular Hoop”, que mezcla acrobacia, magia y un aro que camina, salta, se rebela. En definitiva, un aro con personalidad. 

"Las acrobacias suponen siempre un alto impacto, mucha destreza física. Entonces pensé en algo distinto, un número con magia y que permitiera a la gente reaccionar. Este número cuenta la relación de un artista con su objeto de trabajo, ese momento de encuentro. ¿Qué pasa si a ese objeto de trabajo le damos vida? ¿Qué pasa si no es algo de plástico sino un objeto que puedo sentir, abrazar, despedir o empujar?", explicó Teusa.

Dúos latinoamericanos

También en la competencia este año, el dúo brasileño Cata y Jay, quienes presentaron un número de equilibrio sobre monociclo. Jay va montado en el monociclo, pero Cata es quien lleva el manubrio. En Brasil desarrollaron este espectáculo que habla de una pareja que se pelea por el control, pero que también se reconcilia y encuentra una manera de ir en la misma dirección.

Otro dúo desafió la gravedad, pero esta vez a varios metros de altura, en número de cuadro aéreo. Se llaman Micaela y Matías, y vienen de Argentina y Chile, respectivamente.

“’Este número se llama ‘Maroma’ y nos ha tomado siete años de trabajo. Habla de las mareas, del mar, y de nuestras mareas internas. También, de atreverse a saltar al agua y de aceptar lo que viene”, explicó Micaela Leitner.

“Quisimos traer nuestros recuerdos. Esos recuerdos con la familia, en el mar cuando éramos pequeños. Yo nací en Chile, un país con una costa muy grande. Así que mis mejores recuerdos son con mi familia, en el mar”, agregó Matías Cienfuegos.

El circo, un arte en mutación

En el Circo Phénix, donde se desarrolla el Festival Mundial del Circo del Mañana, conocimos a un especialista de la historia del circo, Pascal Jacob, quien es también el director artístico del evento. En su opinión, en el circo hay un componente físico muy importante. Pero se diferencia del deporte por una búsqueda de belleza y de emoción.

“Hoy en día hablamos de ‘artes circenses’, porque son muchas las formas de expresión dentro del circo. Por supuesto, la destreza física es un elemento fundamental, pero también es necesario que haya un sentido. En el circo no hay contrincantes, la lucha es consigo mismo, y esto lo diferencia del deporte. Pero además, la acción acrobática está al servicio de un discurso. No se trata de ejecutar un salto mortal por el simple hecho de hacerlo, sino de darle un sentido y de considerarlo dentro de una dramaturgia. Es ahí cuando se convierte en algo artístico”, aseveró Jacob.

Pascal Jacob también abordó la larga historia del circo, y de la importancia del festival de París, en donde se revelan nuevos artistas y técnicas que hacen que la disciplina evolucione y cambie.

¡Viva el cómic español!

La ciudad de Angulema se vistió en enero con los colores de España, con decenas de autores, encuentros, dedicatorias y todo un pabellón dedicado al noveno arte 100% ibérico. Amantes del comic y curiosos tuvieron este año un acceso directo a grandes nombres de la historieta española, como Juanjo Guarnido, co-creador del famosísimo Blacksad. 

300 autores españoles trabajan en mercados internacionales y cada año España cuenta con más de 4.600 novedades editoriales. "Tenemos grandes artistas que están siendo número uno en gran cantidad de series de superhéroes o de manga, y que son alabados por los fans", aseguró a Carrusel de las Artes Emilio Gonzalo, secretario general de la Sectorial del Cómic de España. 

La actriz Angelina Jolie da vida en la pantalla grande a una Maria Callas atormentada, enferma y sola, en el ocaso de su vida. A su paso por París, conversamos con el director de esta cinta, el chileno Pablo Larraín. En esta entrevista Larraín contó cómo abordó a esta figura, considerada la cantante lírica más extraordinaria de la historia de la ópera.

El cine tiene el poder de llevarnos a otras épocas, colocarnos en la piel de figuras de leyenda y de hacernos testigos de sus emociones más intimas. Es lo que ha sucedido con esta película delicada e íntima que llega este miércoles a los cines franceses.

“Maria” cuenta los últimos días de la Callas. En septiembre de 1977, Callas vivía en París, sola, apartada de los escenarios luego de haber perdido su prodigiosa voz. La actriz Angelina Jolie personifica en la pantalla grande a la célebre soprano, atormentada en el ocaso de su vida. Para este papel, Jolie aprendió la técnica del canto lirico durante siete meses y se documento sobre la vida y obra de la cantante estadounidense de origen griego, cuyo talento la llevó a cantar en los escenarios más prestigiosos del mundo.

El director de esta cinta es el chileno Pablo Larraín, quien ya se había destacado por abordar en sus películas a otras dos figuras femeninas de leyenda: Jackie Kennedy y Diana Spencer. Esta vez, aborda con sensibilidad y fantasía a una artista adulada y enigmática, que en los últimos días de su vida busco apartarse de Callas para encontrar a Maria.

“Pasa en figuras como Maria Callas, que son personas que tienen mucha presencia en los medios, que terminan viviendo una crisis de identidad, entre lo que ve o piensa de ellas, y lo que realmente son. Esta película trata de mostrar esta ambivalencia. Por eso la película se llama ‘Maria’ y no ‘Callas’”, explicó a RFI Pablo Larraín.

‘Maria’ muestra a una Callas consciente de la pérdida de su voz, adicta al mandrax (un potente sedativo con efectos hipnóticos), quien decide hacer un repaso de su vida y amores, y convertir su apartamento parisino, en el último escenario.

La cinta de Jacques Audiard arrasó en la 30ª edición de los Premios Lumières de la prensa internacional al cine francés. Cinco premios en total para esta cinta que causó polémica en México y también entre los críticos de cine en Francia. Victoria también de los actores naturales Clément Faveau, Revelación masculina por “Ving Dieux”, y el guineano Abou Sangaré, Mejor Actor por “La historia de Souleymane”. También les hablamos de las cintas premiadas con la Mejor Fotografía y Mejor Coproducción Internacional.

Como todos los años, los periodistas de la prensa internacional se reunieron en París para entregar los Premios Lumières, velada en la que se dejaron ver algunas de las estrellas del cine francés.

La industria cinematográfica francesa va viento en popa, con cerca de 250 películas inéditas que salieron en las salas de cine, y cerca de 40 millones de entradas vendidas, en 2024 en el territorio francés.

Sin sorpresas, el narco musical "Emilia Pérez" se llevó el premio Lumière a la Mejor película francesa del año, confirmando el éxito que ha tenido esta cinta no solo en Francia sino en el extranjero. La cinta también se llevó los galardones al Mejor director para Jacques Audiard, Mejor interpretación femenina para la actriz trans española Karla Sofía Gascón, Mejor guión y Mejor banda musical.

Estos premios contrastan con la viva polémica que desató en México este musical que transcurre en un país gangrenado por la violencia, el persistente drama de los desaparecidos, y que habla de un narcotraficante que cambia de sexo. La polémica se coló también entre los periodistas de la Academia de los Lumières.

 

Triunfo de los actores naturales

La Academia des Lumières entregó premios a las mejores interpretaciones. Entre los galardonados está el joven Clément Faveau, protagonista de ”Vingt Dieux”, una película que retrata la Francia del campo, la Francia rural. La cinta cuenta la historia de Totone, un adolescente a cargo de su hermana menor. Un día decide fabricar como puede el queso típico de su región, para ganar un concurso agrícola.

Un gran premio de esta velada fue el que se llevó el guineano Abou Sangaré, mejor actor del año por “La historia de Souleymane”.

La película narra la vida de un repartidor de comida en París en situación ilegal, quien prepara su entrevista para solicitar asilo. Abou Sangaré, quien vivió una experiencia similar, ha recibido elogios por su interpretación natural y profunda, que le permitió además regularizar su situación en Francia. El cine le cambió la vida. 

“Esta película cambió mi vida. Desde el día que el director y la productora fueron a la ciudad de Amiens y me seleccionaron para el rol principal. Ese día mi vida comenzó a cambiar. Ahora tengo un agente que se ocupa de mi carrera, de conseguir roles para mí. ¡Y les puedo decir que ya tengo algunas propuestas! Voy a hacer una carrera en el cine, en nombre de Souleymane y de todos los que me apoyaron y me dijeron: lánzate en el cine, tu vida tiene un sentido allí”, declaró Sangaré ante los micrófonos de RFI.

Un Montecristo moderno y un relato en el Irán contemporáneo

La superproducción francesa “El Conde de Montecristo” se llevó por su parte el Premio a la Mejor fotografía, a cargo del canadiense Nicolas Bolduc.

“La fotografía no fue una presión, fue muy interesante. Quise evitar los clichés, no vi ninguna de las versiones que ya se han hecho, no volví a leer el libro. Me concentré completamente en el guion, fue lo que me inspiró para crear imágenes muy modernas. Me gustan mucho los movimientos de cámara. Fue una coreografía visual que creé con los directores. Y fue genial. El objetivo era filmar una versión inolvidable, lo cual es bastante difícil con una obra tan clásica y que ha sido adaptada tantas veces. Estoy super orgulloso con el resultado porque es una película que quedará en la mente del público”, aseguró Bolduc.

La Academia de los Lumières entrega así mismo una estatuilla para la Mejor Coproducción Internacional. Este año la ganadora fue la película "La semilla de la higuera sagrada” de Mohammad Rasoulof.

“Hay todo tipo de directores en Irán. Los hay que tratan de filmar dentro del cuadro legal de la censura y que intentan cambiar las reglas y las restricciones. Cada quien puede elegir en qué contexto quiere trabajar. Hay directores que siguen luchando en contra de la censura. Yo por mi penúltima película tuve una condena de siete años de cárcel. Mientras tengamos este totalitario en Irán será muy difícil hacer cine independiente”, aseveró Rasoulof tras recibir el Premio Lumières.

Mohammad Rasoulof recordó las dificultades que supuso filmar esta película de forma clandestina en su país, luego de las revueltas feministas que se desataron tras el asesinato de Mahsa Amini.

“En realidad nunca habría soñado que pudiéramos terminar esta película. Entonces, pensar en lo que ha sucedido después, era inimaginable. Todo lo que hemos vivido es solo una manifestación de la voluntad colectiva que hemos tenido en la lucha por la dignidad humana y el respeto a las libertades. Esa es la mayor victoria para todos los directores y todos los artistas iraníes que siguen haciendo esfuerzos”, concluyó el director iraní.

 

Este festival nacido hace 15 años estará disponible hasta mediados de febrero con 20 peliculas francófonas en acceso gratuito para América Latina. También en este programa conversamos con el artista cubano Carlos Garaicoa quien reflexiona en sus obras sobre la relación entre el hombre y su entorno, y escucharemos lo más reciente de la cantante francesa Camélia Jordana, quien reivindica sus raíces marroquíes.

 

Se trata del único festival de cine francés 100% en línea, completamente gratuito para América Latina y que dura todo un mes. My French Film Festival llega a sus 15 años de existencia como siempre con una programación ecléctica: 20 películas recientes que se podrán ver en “streaming” hasta el 17 de febrero en todo el mundo.

“My French Film Festival tiene un propósito muy simple: presentar largometrajes y cortometrajes franceses al público más amplio posible. Es decir, llegar a todos los países del mundo, a través de varias plataformas en cada país. Además, la selección de películas muestra al cine francés en toda su diversidad: hay ficción, animación, documentales, dramas, comedias… Damos visibilidad a películas que a veces no llegan a las salas de cine del extranjero o a las plataformas más conocidas, por muchas razones”, explicó a RFI su directora Daniela Elstner.

El festival comprende una competencia, con un jurado y un panel de periodistas internacionales. Uno de ellos es el mexicano Gonzalo Lira.

“En México hay una afinidad y un gusto especial por el cine francés. A esto ha contribuido la existencia del ‘Tour de cine francés’ que siempre han hecho un esfuerzo por traer películas francesas. También he ido mucho a la Cineteca Nacional donde se presentan películas que han hecho recorrido en festivales y sabemos que el cine francés siempre ha tenido una representación importante. Cuando me convertí en un cinéfilo medianamente educado, me enamoré de corrientes como la ‘Nouvelle Vague’ de autores como Truffaut, Godard o Agnès Varda. Por lo cual me da mucho gusto de formar parte de un festival enfocado en el cine francófono”, aseguró Lira.

La región áurea

Esta semana fuimos a la Galería Continua de París, que ha reservado un gran espacio al cubano Carlos Garaicoa. Este reconocido artista ha trabajado múltiples soportes: fotografía, pintura, instalaciones. Garaicoa preparó para su exposición de París, un conjunto de obras que hacen un recorrido por su larga carrera y que se despliegan en varias salas de la galería.

La muestra abre con dos obras que recuerdan la tragedia de Armero en Colombia, ciudad destruida por la erupción de un volcán en 1985. En esa misma sala, el público parisino podrá admirar “Toda utopía pasa por la barriga”, una instalación de grandes frascos dentro de los cuales el artista colocó, a la manera de una vitrina, maquetas de edificio y alimentos sin procesar.

“Es una representación de una urbe, tensionada y distante de su mundo material y alimenticio, y de la materia prima esencial de cualquier ciudad. Es una obra que comencé hace ya seis años. Pero nos cogió la pandemia y con ella vivimos este drama de la soledad, de la distancia, de la búsqueda de alimento. Tengo muchos años relacionándome con esta obra, y me parecía esencial traerla a París”, dijo el artista.

 

Carlos Garaicoa es un creador cuyas obras giran en torno a la relación entre el hombre y la naturaleza, y la constatación recurrente de que, a pesar de la actividad humana, la naturaleza siempre encuentra la manera de hacer respetar su espacio.

Otra de las obras clave de esta muestra es una instalación hecha de madera, que inicia en el techo y se despliega hasta el suelo.

“Es una rama que sale del techo, y de ella salen unas espinas, pero que son en realidad edificios minúsculos. Quería abordar nuevamente el tema de la arquitectura y de como construimos encima de la naturaleza, como estamos enfrentándonos a ella, como la utilizamos y como ella trata de existir a pesar de nosotros”, concluyó el artista.

Raíces marroquíes

En esta ocasión, escogimos terminar nuestro programa con la cantante Camélia Jordana, quien en su más reciente producción rinde homenaje a sus orígenes magrebíes. Camélia Jordana comenzó el ano sacando al mercado “Win Ran” un single cantado en francés, español y árabe.

 

En este programa, exploraremos el arte producido con Inteligencia artificial de la mano del artista ecuatoriano Pablo Corral Vega, quien presenta en París su obra bajo el título “FenomenIAl”. Francia conmemoró los 10 años del terrible atentado contra el periódico satírico Charlie Hebdo. Conversaremos con el caricaturista español Kap sobre este acontecimiento que sacudió al mundo. Y les hablaremos de “Emilia Pérez”, el narcomusical francés que arrasó con cuatro estatuillas en los Globos de Oro.

Se cumplieron 10 años del ataque yihadista contra la redacción de la revista satírica Charlie Hebdo. Eso fue el 7 de enero del 2015 y en ese atentado murieron ocho miembros de la redacción, entre ellos los dibujantes Cabu, Charb, Honoré, Tignous y Wolinski.

Para recordarlos, Charlie Hebdo publicó un número especial con 40 viñetas de caricaturistas de 28 países, para gritar que el estado de ánimo de sus creadores es "¡inquebrantable!".

Esa es la postura de muchos caricaturistas. Es el caso del dibujante español Jaume Capdevila, conocido como Kap, quien trabaja para medios como La Vanguardia de Barcelona y es miembro de la asociación Cartooning for Peace.

“Es indudable que el atentado contra Charlie Hebdo fue un golpe muy fuerte. Fue un atentado contra personas que eran mis colegas, pero también contra la libertad de expresión. Y 10 años después, ¿qué queda? No podemos decir que las cosas han mejorado, sino mas bien lo contrario.Queda mucho por hacer, sobre todo en el tema principal de estos ataques, que es la libertad de expresión”, aseguro Kap en entrevista con RFI.  

Conversando con un monstruo

La Inteligencia Artificial se ha convertido en una nueva herramienta de trabajo que también ha inspirado a muchos artistas, entre ellos al ecuatoriano Pablo Corral Vega, cuyas piezas son objeto de una exposición en la Galería Cyril Guernieri de París.

Las creaciones de Corral Vega se componen principalmente de retratos, personajes que no existen, generados con Inteligencia Artificial (IA), e inspirados en las realidades latinoamericanas.

“La IA es una herramienta más para crear. El arte no se resume a la herramienta, por lo tanto, no es un nuevo movimiento artístico. Incluso creo que es muy temprano para saber de qué somos capaces los seres humanos al relacionarnos o vincularnos con una máquina”, declaró Corral Vega.

El ecuatoriano es abogado de formación y fotógrafo. Sus creaciones se componen de decorados exoticos y personajes que parecen sacados de un cuento latinoamericano, o como él mismo dice “de nuestra América híbrida, mestiza, compleja e imposible de definir".

“Este (la IA) es un monstruo; es el primer monstruo con el que podemos conversar. Por eso me decidí a construir un bestiario divertido, acerca de los estereotipos de América Latina. Estos personajes, aparentemente humanos pero que en realidad son constructos de la máquina, son unos monstruos. Es una reflexión acerca de qué es la monstruosidad. En definitiva, todo lo que produce la máquina es monstruoso”, asegura Pablo Corral Vega.

Emilia Pérez triunfa en los Globos de Oro

El domingo 5 de enero se entregaron los Globos de Oro, ceremonia en la que arrasó la película francesa Emilia Pérez, con cuatro estatuillas.

Este thriller musical sobre la transición de género de un narcotraficante mexicano, se llevó cuatro premios: mejor película internacional, mejor canción, mejor musical, y mejor actriz de reparto para Zoe Saldaña, quien honró al director de esta cinta y a su actriz protagónica.

"Gracias Jacques Audiard por darme la oportunidad de interpretar a Rita. Eres tan francés, tan chic, tan amable. Y tú Karla Sofía Gascón, solo tú podías hacer Emilia Pérez”, dijo la actriz de origen dominicano, quien deslumbró por su actuación y dotes de bailarina en esta cinta.

Este musical brillante y atrevido, causó sensación desde su estreno en el Festival de Cannes, para luego conquistar al público de las salas de cine y en plataformas.

“En estos tiempos oscuros, espero que Emilia Pérez sea una luz y una caricia para las personas que sufren, para que tengan una esperanza”, declaro su director, el francés Jacques Audiard. al recibir el Globo de Oro a la Mejor Película Musical.

La estatuilla a la Mejor Película dramática fue para “El brutalista” de Brady Corbet, quien también se llevó el galardón al Mejor Director y Mejor Actor, para su protagonista Adrien Brody.

La deslumbrante Demi Moore, alzó de su lado, la estatuilla a la mejor Actriz en una comedia por su también deslumbrante actuación en “La Substancia” de la francesa Coralie Fargeat, cinta sobre una actriz que decide tomar un brebaje rejuvenecedor.

“Estoy impactada. He trabajado como actriz durante 45 años, y es la primera vez que me gano algo. Así que hoy celebro esto como un reconocimiento, como un regalo por hacer lo que me gusta”, dijo Moore.

La brasileña Fernanda Torres sorprendió al llevarse el Globo de Oro a la mejor actriz dramática para por su papel en la cinta "Sigo aquí" de Walter Salles.

Despedimos este programa con la canción ganadora del Globo de Oro al Mejor tema musical, “El Mal” compuesta por los franceses Camille y Clément Ducol.

Carrusel de las Artes los invita a una inmersión inédita en uno de los cabarets más exclusivos y secretos de París: el Crazy Horse, convertido en un templo del erotismo. El espectáculo Vertiges de Philippe Decouflé viste a sus bailarinas de luz. Como lo exige la tradición, este cabaret se llena de energía durante las fiestas de fin de año con espectáculos de danza, cuerpos y luces.

El Crazy Horse es una institución parisina desde su creación en 1951, cuando decidió romper los códigos clásicos. Su particularidad es que las bailarinas están vestidas únicamente con sombras y luces.

Para la directora de creaciones y ex bailarina del Crazy Horse, Patricia Folly, alias Psyko Tikko, el espectáculo se elabora casi exclusivamente con técnicas de iluminación colorida, haciendo que la desnudez pase a un segundo plano durante el show.

Psyko Tikko explica que la selección de las bailarinas es estricta, y la mayoría de ellas tienen una formación clásica. Al integrarse al equipo, cada bailarina recibe un nombre artístico que marcará su identidad durante toda su carrera.

Un nombre de escena e icónicas pelucas con flecos

El Cabaret Crazy Horse reivindica sus colaboraciones con íconos como Dita Von Teese, Pamela Anderson o Conchita Wurst, y con el estilismo francés, trabajando con marcas como Jean Paul Gaultier o Christian Louboutin, entre otras.

Las pelucas con flequillo también forman parte de la identidad de las bailarinas y son confeccionadas por un artesano especialista certificado y oficial del Crazy Horse. En total, son 20 bailarinas que dominan las técnicas de danza propias de este cabaret. La desnudez se viste de luces y también de accesorios hechos a la medida de cada artista.

Sin embargo, antes de ser una oda al erotismo, la directora de creaciones afirma que el Crazy Horse se destaca por adaptar sus espectáculos a las tendencias de la moda francesa, así como por promover la desnudez como una forma de emancipación para las bailarinas de cabaret.

Los cabaret forman parte del folclor francés

París cuenta con cada vez más cabarets, y estos son cada vez más diversos. Entre los más clásicos e importantes se encuentran el Moulin Rouge, el Lido y el Paradis Latin, con sus bailarinas gritonas, vestidas con trajes tradicionales (el frou-frou).

El profesor de cabaret, bailarín, coreógrafo y creador de un futuro museo sobre Josephine Baker, Brian Scott Bagley, explicó a Carrusel de las Artes que la historia de este arte popular, en sus formas más provocadoras, es uno de los cimientos de la cultura popular francesa.

Para él, quien fuera el primer afrodescendiente en asumir el rol de maestro de ceremonias del Crazy Horse, "los espectáculos han evolucionado con la sociedad y con la relación al cuerpo de las mujeres".

Si bien el Crazy Horse revolucionó el concepto del cabaret clásico con la desnudez de sus bailarinas, hoy en día hay un repunte de diferentes estilos de cabarets que están cambiando la tradición.

Uno de los géneros que mejor representa ese movimiento es el cabaret burlesco o burlón, que pone en escena los cuerpos de mujeres y hombres, como el conocido cabaret travesti Chez Michou, convertido en un ejemplo para muchas compañías.

Hay incluso un auge de diferentes tendencias de music hall o cabarets que mezclan el arte de la danza, el circo, las danzas y el erotismo, y que en general se caracterizan por su humor. Es una forma, para algunas compañías, de reivindicar los derechos LGTB.

Animar el show

La magia del mítico Crazy Horse opera desde la llegada de los primeros espectadores, quienes son recibidos por MC George Bangable, el maestro de ceremonias y único hombre de la tropa del Crazy Horse.

Su rol es ser el "crooner" del cabaret. Es un personaje que el artista creó él mismo. Explica a Carrusel de las Artes que, si bien su participación tiene un tono cómico, responde a códigos estrictos del arte del cabaret, como el de estar siempre en consonancia con el espectáculo.

La noticia le dio la vuelta al mundo: la catedral Notre-Dame de París abrió sus puertas luego de una increíble restauración que duró cinco años. Se utilizaron técnicas ancestrales y tecnología de punta para este monumento. Fuimos al Museo Cluny donde se conservan las estatuas medievales que han sobrevivido a los sobresaltos de la historia. La semana inaugural incluyó una Fiesta mexicana en honor a la Virgen de Guadalupe, cuya imagen regresó a su capilla en el corazón de la catedral.

La construcción de Notre-Dame comenzó en 1163 y tardó 182 años en completarse. Desde entonces, la catedral ha deslumbrado por sus volúmenes imponentes, su arquitectura refinada y luminosa. Se encuentra en la céntrica isla de la Cité, donde se fundó la ciudad de París. Y a través de los siglos ha sido una referencia religiosa y patrimonial.

“Notre-Dame de París representa a Francia. En primer lugar, porque es una catedral gótica, y el gótico es el arte francés por excelencia. Además, se encuentra en el centro de París y ha sido desde hace ocho siglos la iglesia de los reyes, de los presidentes franceses y de los poetas, como Victor Hugo. Se construyó en la edad media y ha sido testigo de toda la historia de Francia. Desde que se puso la primera piedra, Notre-Dame fue un proyecto colosal: 121 metros de largo, 40 de largo y 33 metros de altura. Esos volúmenes gigantescos se pensaron para que fuera la catedral de París. En ese momento, Francia era el reino más poblado de Occidente; París era la ciudad más grande y necesitaba una catedral a su medida", explicó a RFI el historiador francés Mathieu Lours, quien es especialista de la arquitectura religiosa.

Un museo de esculturas a cielo abierto

Las fachadas de Notre-Dame están repletas de elementos decorativos. Los más conocidos son quizás las gárgolas, esas criaturas extrañas que se colocaron en el siglo XIX para proteger a la catedral. Pero también hay reyes, ángeles, escenas del Antiguo y Nuevo Testamento. Muchos de estos ensambajes escultóricos sufrieron el furor vandálico durante la Revolución Francesa. El Museo Cluny, que se encuentra muy cerca de Notre-Dame, conserva y estudia este patrimonio.

“La virgen es la figura central, el hilo conductor de la catedral. Los dos portales laterales de la entrada principal están dedicados a ella. A la derecha, el portal de Santa Ana, la madre de la virgen, y a la izquierda, se representa la coronación de Maria. El portal norte también está dedicado a la virgen. En la fachada hay una serie de 28 estatuas, llamada “Galería de los Reyes”, pero en realidad no se sabe muy bien quiénes son. Quizás son los reyes de Francia: merovingios, carolingios, capetos. O tal vez, los ancestros de la Virgen, porque según la Biblia, Maria es descendiente del rey David de Judá", aseguró Damien Berné, conservador en jefe del Museo Cluny.

La 3D al rescate de Notre-Dame

La restauración de Notre-Dame necesitó el trabajo de 2000 especialistas y artesanos: carpinteros, pintores, maestros vidrieros, constructores de órganos, albañiles. Muchos utilizaron técnicas tradicionales para un resultado similar a la arquitectura gótica original.

Pero en estos últimos cinco años también se utilizó tecnología de punta, para la catedral más famosa del mundo.

“El proyecto consistió en hacer una cobertura total del edificio, tomando todas las medidas necesarias para las obras de renovación. Utilizamos escáneres 3D de última generación, que pasamos por todos los espacios del edificio, incluso el techado. Y esto fue completado con drones. Con esto obtenemos lo que llamamos una nube de puntos, sobre la cual trabajamos para elaborar los planos y maquetas 3D necesarios para la restauración”, explicó el arquitecto mexicano Alejandro Arredondo de la agencia “Art Graphique et Patrimoine”.

Fiesta y mariachis en Notre-Dame

Una de las 24 capillas de la catedral de París está reservada a la patrona de México, la Virgen de Guadalupe. Luego de cinco años de obras, el cuadro de Guadalupe volvió a Notre-Dame en su día, el 12 de diciembre. Para la ocasión, los mexicanos y latinoamericanos de la comunidad guadalupana organizaron una misa y homenaje en Notre-Dame, con la presencia de mariachis y fieles que cantaron en honor a la virgen mestiza, que según la leyenda se apareció en Tepeyac (México) en 1531.

Fiesta Guadalupana en París.

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La cinta mexicana, premiada en numerosos festivales, llega a las salas de cine francesas., mientras que el musical “Emilia Pérez” obtiene 10 nominaciones a los Globos de Oro en Hollywood. También iremos a la Casa Europea de la fotografía, para visitar una instalación audiovisual que explora el “Córtex”.

En las carteleras francesas esta semana, la película mexicana “No nos moverán”. Cinta que ha tenido un increíble ha cosechado numerosos premios en festivales internacionales.

Socorro es una abogada testaruda y cínica, obsesionada con encontrar al militar que asesino a su hermano durante la masacre estudiantil de Tlatelolco, en 1968. Después de mucho esperar, alguien le envía un dato para encontrar al asesino. Se le ocurre entonces poner en marcha un plan de venganza.

“No nos moverán” aborda entonces un capítulo trágico en la historia de México, aunque con mucho humor negro. Su director Pierre Saint Martin Castellanos conto a RFI que se inspiró en la historia de su familia para escribir este guion.

Un narco-musical que hace historia

Luego de causar sensación en el Festival de Cannes y en las salas de cine del mundo, “Emilia Pérez” del francés Jacques Audiard probará suerte en 10 categorías de los Globos de Oro, los premios que entregan los críticos de cine en Hollywood. Esta narco-musical ambientado en México y hablado en español, cuenta la historia de un importante capo de la droga, quien decide convertirse en la mujer que siempre quiso ser. Es la primera vez en la historia que un musical obtiene tantas nominaciones.

Córtex, una instalación para explorar el subconsciente

La Casa Europea de la fotografía, en Paris, presenta en sus salas, la instalación en video de la argentina Maria Silvia Esteve. “Córtex” es el nombre de esta experiencia inmersiva, construida como un laberinto. Hay que atravesar un bosque de paneles translucidos, para llegar a un paisaje sonoro y visual que evoca el subconsciente. La artista explicó a RFI que el objetivo de la instalación es que el visitante haga un viaje a su propia mente, para explorar recuerdos escondidos en la memoria, como los cuentos de hadas de nuestra infancia.

Una exposición en el Petit Palais de París coloca a los mayores artistas urbanos en medio de las colecciones permanentes del museo, para que el Street Art dialogue con las grandes corrientes artísticas del pasado, como el impresionismo y el romanticismo. En este programa también los llevamos a conocer a Louise Courvoisier, cineasta francesa que estrenó en Cannes la cinta "Vingt-Dieux", y al cantante Julien Granel, autor de canciones llenas de buen humor.

El Petit Palais de París ha abierto sus puertas a una exposición inédita que reúne a los grandes nombres del Street Art mundial. Titulada "We Are Here", es una iniciativa del galerista de Boulevard 13 Mehdi Ben Cheikh. 

Para el comisario esta muestra es una revancha de los artistas urbanos en la historia del arte. Está inspirada en el "Salón de los Rechazados", que se creó en 1863 a petición de los impresionistas, liderados por Édouard Manet, quienes reivindicaban un espacio para exponer sus obras en el Museo de la Industria. Este edificio fue posteriormente demolido y sustituido por el Grand Palais y el Petit Palais.

Ben Cheikh busca rendir homenaje a aquellos artistas que, al margen de las academias, han transformado el panorama artístico. Era necesario rendir homenaje en ese lugar a los artistas "rechazados" y que finalmente escribieron gran parte de la historia del arte francés.

Con obras de artistas como Seth, Invader o Inti, "We Are Here" - que significa "Aquí estamos" - demuestra el alcance internacional y el impacto social del Street Art, un movimiento que se originó en América Latina y que continúa creciendo en todo el mundo.

El cine francés rinde homenaje a la Francia rural olvidada 

Se destaca en Francia la película “Vingt-Dieux”, una cinta filmada en la Francia rural y que describe la dificultad de sobrevivir del trabajo del campo. “Vingt Dieux“ es una exclamación que solo se usa en el campo. La directora Louise Courvoisier quiso rendirle homenaje a la vida que conoció, una vida dura pero llena de personajes coloridos y situaciones a veces dramáticas. 

El protagonista de esta cinta es Totone, un muchacho del campo, entre vacas, maquinarias y su banda de amigos. Tras la muerte de su padre recae sobre él la responsabilidad de cuidar de su hermana de 7 años y de encontrar una manera de subsistir. Un día se le ocurre lanzarse en la fabricación del queso típico de su región, el Comté, con el que podría ganar 30.000 euros en un concurso agrícola. 

Louise Courvoisier explica a Carrusel de las Artes que el Comté forma parte de “nuestro patrimonio cultural y culinario. Así que me pareció una buena idea hablar de cómo se fabrica ese queso y la relación con el territorio".

Un rayo de color en la música pop

Julien Granel ha irrumpido en la escena musical francesa con su álbum "Cooleur", un disco lleno de energía y optimismo. Inspirado en los años 80, Granel propone una música colorida y divertida, que invita a la celebración y a la alegría. 

Carrusel de las Artes lo entrevistó en el festival Les Transatlantiques de Saintes, en el sur de Francia, durante su gira de presentación del álbum.

"Cooleur" es una contracción de "cool" y "couleur" (color). El artista explicó que escribió el álbum "en multicolor porque refleja mi estado de ánimo: la voluntad de perseguir esos sueños de la infancia, de no abandonarlos nunca y de encontrar mi niño interior. Los niños tienen una imaginación infinita y no tienen barreras, por eso es importante recuperar esa creatividad para evitar el aburrimiento y encontrarnos a nosotros mismos".