Carrusel de las Artes

El exclusivo balneario de la Riviera francesa se llena como cada año de estrellas y de glamur para su esperado Festival internacional de cine. El jurado presidido por Juliette Binoche entregará la Palma de Oro a alguna de las 22 películas candidatas. Robert De Niro fue homenajeado con una Palma de Oro honorífica por el conjunto de su carrera, ceremonia en la que envió un contundente mensaje político.

Cannes se transformó una vez más en la meca del cine de autor, la ciudad donde brillan el séptimo arte y sus estrellas internacionales. Todos se dan cita en Cannes, para desfilar por la alfombra roja y dejarse ver, lo que desata cada noche el delirio en la Croisette.

Este año, 22 películas compiten por el premio supremo del Festival de Cannes, la Palma de Oro al mejor largometraje. El galardón al que aspiran los mejores directoras y directores del mundo y que desde su creación, en 1939, ha sido el símbolo de este certamen.

Para su 78ª edición, el Festival de Cannes ha escogido a la multipremiada Juliette Binoche para presidir el jurado de la competencia de largometrajes. La actriz francesa ha sido la cara favorita de grandes cineastas y ha pisado la alfombra de roja de Cannes en nueve ocasiones. “Mi carrera nació en Cannes”, declaró la musa en la ceremonia de apertura.

Ovación para Robert De Niro

Otro premio de prestigio en Cannes es la Palma de oro de honor, que se otorga cada ano a una gran figura del cine. En 2025, el homenajeado fue nada más y nada menos que el Robert de Niro. La súper estrella de Hollywood recibió esta distinción de la mano de Leonardo Di Caprio, quien hizo una aparición sorpresa en el Gran Teatro Lumière de Cannes.

"El presidente ignorante de los Estados Unidos se ha colocado a la cabeza de nuestras instituciones culturales y ha cortado los fondos a las artes y a la educación. No podemos quedarnos mirando. Debemos actuar y debemos hacerlo ahora”, aseguro De Niro, ante el público de Cannes.

La competencia inmersiva con proyectos latinos

Cannes es también el escenario para mostrar obras que utilizan las nuevas tecnologías. El festival internacional tiene una competencia especial dedicada a la realidad virtual y al cine inmersivo. Entre los proyectos seleccionados se encuentran varias obras dirigidas por artistas latinoamericanos.

María Fernanda Ordoñez Morla dirige un documental proyectado sobre tres muros titulado "Fillos do vento: A Rapa", sobre una tradición de la región de Galicia.

Yamil Rodríguez presenta "tAxI", una experiencia en la que el público puede conversar con una inteligencia artificial convertida en taxista.

“La quimera del oro” en versión restaurada

Los grandes clásicos del cine también tienen su espacio en Cannes. Este año la sección Cannes Classics abrió con la proyección de “The Gold Rush”, una de las mejores cintas de Charlie Chaplin, en versión restaurada.

RFI conversó con Arnold Lozano, responsable de los archivos de Charlie Chaplin, quien explicó que esta restauración significo también una reconstitución de la película muda. Porque con el advenimiento del cine sonoro, Chaplin realizó una versión narrada con su propia voz. Se necesito entonces hacer una búsqueda internacional para recuperar las copias de la versión de 1925.

El movimiento del Reggaetón demoró en llegar a París de manera masiva. Pero la crisis del Covid ayudó a que, tras un periodo de confinamiento, los parisinos organizaran fiestas especiales donde escuchar y bailar esa música latinoamericana que se impuso con mayor facilidad en otros países europeos. Hoy se escucha y "se perrea" hasta en lugares míticos como La Machine du Moulin Rouge de París.

 

Francia ha sido un país reacio en introducir ese estilo en los clubes, pero varios artistas embajadores de la cultura musical latinoamericana han promovido el reggaetón y hoy viven un éxito inédito y al ritmo de la ascensión de las estrellas internacionales como Bad Bunny con su último álbum DTMF.

Es el caso del productor y creador de la Rumba Latina, Daniel Romero alias DJ El Dany, quien creció en París con raíces chilenas y puertorriqueñas. Nos cuenta con pasión cómo en los años 90, cuando de “chamaquito” iba a visitar a su familia a Puerto Rico, donde grababa en “videocasete” los hitos de lo que antes era el “spanish raggae”. Al volver a París compartía con su círculo de “amigos hijos de latinos” y en un círculo cerrado esa música que dio paso al reggaetón pero que todavía no existía en Francia.

Para Romero la entrada del reggaetón no fue natural, fue todo “un proceso”. Al principio en las fiestas latinas de Francia se tocaba sobre todo salsa y merengue, que eran los géneros de moda en ese tiempo, pero muy poco espacio para el reggaetón. Luego hubo una generación de jóvenes interesados en la música originaria de Panamá, Puerto Rico, Costa Rica, República Dominicana o Cuba.

Lo que abrió las puertas al reggaetón para entrar a París fue el concierto de Daddy Yankee en 2010 en el Zenith. Un megaconcierto que sentó un precedente en la cultura latina en Francia. Concierto en el cual DJ El Dany y su compañero DJ JimEnez compartieron el escenario bajo el sello de la productora “Barrio 68”. Ese día “hubo una energía increíble”. Fue un día de gloria según Daniel Romero “para toda la gente que amaba un género que nadie tomaba en serio”. “Ninguna sala abría para este tipo de música. Ese concierto ayudó a crear ese movimiento de reggaetón y luego poco a poco la industria musical hizo que el éxito de ese género se hiciera más global.

Divin0, un colectivo para crear un lugar seguro para "perrear"

Fuimos a conocer uno de los colectivos más movidos de París para conocer las tendencias del baile del perreo. El colectivo Divin0 milita por un baile libre, inclusivo y seguro en los clubes. Eligieron La Machine du Moulin Rouge para organizar las fiestas de perreo en el respeto y libertad, y el Rosa Bonheur para practicar y ofrecer un espacio seguro y gratuito para liberar los cuerpos y enseñar las “reglas” del respeto en el marco de un baile voluptuoso. “Bailar libre” no significa “provocar” para Anaco, artista franco-española y DJ del colectivo Divin0, que nos explicó que era necesario explicar al público que las personas deben poder bailar sin que esto sea interpretado como una señal de provocación o invitación a tocar o al abuso.

Para Anaco, el reggaetón es un proyecto político por la sexualización del cuerpo que conlleva y por cómo se sexualiza el cuerpo de las mujeres en los videos y espectáculos. Creó el colectivo Divin0 liderado por mujeres y personas queer por la necesidad de inventar un espacio “cómodo para bailar sin tener una mirada machista”.

La canción Yo Perreo Sola de Bad Bunny ha marcado un hito en ese sentido porque pone énfasis en que el baile también puede ser íntimo y solitario, no necesariamente en pareja. El hito Pa’ la Cama Voy de Ivy Queen fue aún más precursor y le puso un color feminista al reggaetón.

Para Shrekira, drag franco-colombiana y miembro de Divin0, ese colectivo existe “para que esté presente la diversidad de géneros y de la identidad queer” en el reggaetón como en otros tipos de música (...) ha sido complicado hacer cambiar la mentalidad en Francia de que nuestros cuerpos no son un objeto de comercialización y que hay otra manera de ver el reggaetón y la cultura latinoamericana”.

En momentos en los que el mundo espera la elección de un nuevo papa, exploramos tres películas que se han adentrado en los rincones del Vaticano. También en este programa, dos cintas latinoamericanas que llegan a las salas de cine francesas: “México 86” nos lleva al momento convulso de la guerra civil en Guatemala, y “Simón de la montaña”, un drama juvenil sobre las personas con hiper percepción.

El miércoles 7 de mayo próximo abrirá el cónclave encargado de elegir a un nuevo papa. Mientras, recordamos que el cine ha explorado en numerosas ocasiones a una de las instituciones más herméticas de la historia, como lo es la iglesia católica.

De hecho, dos películas recientes han estado ambientadas en el Vaticano. Como si se tratara de un vaticinio, el año pasado salió en cines “Cónclave” del director alemán Edward Berger, película que sigue la elección de un nuevo papa entre traiciones y mentiras. La cinta se entromete en las discusiones de los cardenales, previas a la elección de un nuevo Sumo Pontífice. Esta película ganó en marzo pasado el Oscar al mejor guion adaptado y promete un inesperado final.

Otra cinta, bastante reciente, fue la que protagonizaron Anthony Hopkins y Jonathan Pryce, sobre la relación amistosa entre Benedicto XVI y el recién fallecido Francisco. Se llama “Los dos papas” y se centra en la convivencia real entre estos dos líderes de la iglesia, con personalidades antagónicas, pero que lograron superar sus diferencias a través de sus respectivas pasiones: la música y el futbol.

Para aquellos que quieran profundizar más sobre el pensamiento de Francisco, Wim Wenders dedicó en 2018 un documental al fallecido papa argentino, que puede verse en plataformas. En esta película Wenders recuerda como fue la elección del primer papa latinoamericano, y aborda en una extensa entrevista con Francisco temas contemporáneos y su visión de un futuro mejor.

Dos cintas latinoamericanas en los cines de Francia

Llega a las salas oscuras, “México 86” es un drama ambientado en los años álgidos de la guerra civil en Guatemala. La película narra la historia de María, una activista rebelde cuyas actividades subversivas la obligan a huir del país, dejando a su bebé con su madre. Diez años después, su hijo se reúne con ella en México.

El director de esta cinta es el guatemalteco César Díaz quien había sorprendido con su primer largometraje “Nuestras madres”. Díaz reincide en la exploración de los lazos madre-hijo. Este segundo largometraje cuenta con la actuación de la actriz franco-argentina Bérénice Béjo, en el papel de María. César Díaz conto en entrevista con RFI que esta película está basada en la historia de su propia madre.

Los cines franceses también han acogido a la película argentina “Simón de la montaña”. Un drama que intenta dar otra mirada sobre la discapacidad.

Simón es un joven de 21 años que vive al borde de la cordillera de los Andes. Siente que sus sueños no coinciden con la realidad así que decide pasar su tiempo con chicos diferentes, lo que le permite entrar en otra realidad.

Se trata de la primera película de Federico Luis, quien reunió a personas discapacitadas, o como él prefiere llamarlas “personas con hiper percepción”. La película busca dar otra mirada sobre esta condición, incluso en el seno de los que hicieron esta cinta.

El actor Lorenzo Ferro da vida a este chico Simón, quien prefiere escaparse del mundo de los válidos para crear sus propias reglas. “Simón de la montaña” ganó el Gran Premio de la Semana de la crítica en Cannes.

Concierto récord

El rapero marsellés Jul acaba de batir un récord con su concierto en el Stade de France. Jul reunió a 97.816 personas en el emblemático estadio de la capital francesa, pulverizando así la anterior marca que habían establecido artistas como el grupo de rock francés Indochine y el fallecido Johnny Halliday.

En esta ocasión, Carrusel de las Artes da una mirada al trabajo de la fotógrafa colombiana Isabella Madrid, quien explora en sus imágenes los códigos asociados a la feminidad colombiana o latinoamericana. Su serie se expone en el Festival Circulation(s) que se presenta en el centro cultural Le Centquatre de París.

Isabella Madrid tiene 25 años y el aplomo de una artista aguerrida. Su serie “Buena, bonita y barata” se compone de autorretratos en los que la joven fotógrafa, oriunda de Pereira (Colombia), analiza las representaciones y expectativas sobre las mujeres de su país, con las cuales ella creció.

“Me interesaba confrontar esos códigos,  cuáles son las representaciones y percepciones de la mujer colombiana y cómo exportamos y vendemos lo que debería ser la imagen de la mujer colombiana”, explicó en los estudios de Radio Francia Internacional.

Este trabajo autobiográfico e introspectivo se expone actualmente en el Festival Circulation(s), una manifestación que desde hace 15 años busca mostrar la obra de jóvenes fotógrafos en Europa. Madrid es colombiana, pero estudió en la Escuela Cantonal de Arte de Lausana, donde nació este proyecto.

Sus fotos y fotomontajes la muestran en posturas o situaciones hipersexualizadas. Tal es el caso de la imagen que identifica esta serie, un autorretrato en bikini, con el rostro dorado, y un caballo en medio de un paisaje campestre. La joven fotógrafa juega con su propia imagen y con elementos que forman parte de la cultura colombiana: el oro, la naturaleza, la religión y la violencia.

“Por un lado, está esa imagen de la mujer, y por el otro, la realidad muy violenta de Colombia. Hay hombres que solo van a Colombia a buscar mujeres para tener relaciones con ellas. Y ha habido casos en los que esas mujeres han terminado muertas en maletas. Siempre vi esa situación y me pareció importante sentarme y analizar este universo de códigos que son parte fundamental de lo que significa ser mujer allá”, aseguró.

Adolescentes con "procedimientos quirúrgicos extremos"

Otro tema que aborda Madrid en sus fotos es el uso masivo y desde una temprana edad de la cirugía plástica, que muchas veces es apoyado o favorecido por el entorno social y familiar de las niñas y adolescentes.

“Cuando estaba en el colegio, muchas de mis amigas, que no tenían ni 15 años, se hicieron procedimientos quirúrgicos muy extremos. Entiendo que a veces no es tanto por decisión propia sino por presión”.

Isabella Madrid asegura que nunca sintió encajar con esos estereotipos de mujer colombiana. “Pero luego vine a estudiar a Europa, donde pude leer la situación desde otro lugar y procesar esa información a través de este proyecto”.

“Buena, bonita y barata” de Isabella Madrid forma parte de una exposición colectiva de jóvenes fotógrafos y podrá verse hasta principios de junio en el Centquatre de París.

En este programa especial fuimos a Lyon, ciudad en la que los hermanos Augusto y Luis Lumière inventaron el cinematógrafo a finales del siglo XIX. Allí también rodaron la primera película de la historia, hace ya 130 años. En la casa de los Lumière funciona en la actualidad el Museo e Instituto Lumière, dedicados a la preservación de esta historia.

 

La ciudad a orillas del Ródano es conocida por su fina gastronomía, pero también por ser el lugar donde se inventó una máquina capaz de captar las imágenes en movimiento, el cinematógrafo. Eso fue en 1895. Dos hermanos ingenieros, Augusto y Luis Lumière, eran especialistas en fotografía y habían hecho fortuna fabricando productos especiales. También fueron los creadores de numerosos inventos y técnicas fotográficas.

Los hermanos franceses trabajaron durante varios años para fabricar el primer aparato de filmación y proyección, y con él filmaron la que se considera la primera película de la historia: la Salida de los obreros de la fábrica, el 19 de marzo de 1895. Una cinta muda, en blanco y negro, de menos de un minuto, en la que se ve a los empleados de la fábrica Lumière salir luego de una jornada de trabajo. Así nació el cine.

“Antoine, el padre de Augusto y Luis Lumière, era fotógrafo con un fino talento para los negocios. De su lado, su hijo Luis, con apenas 17 años, mejoró el procedimiento para tomar instantáneas con una placa seca, que comercializaron y con la que los Lumière se volvieron una de las familias más pudientes e influyentes de la ciudad. Luego, desarrollaron el cinematógrafo con el que pasaron a la posteridad”, explicó a RFI Manon Cuny, responsable del Museo Lumière.

Una invención revolucionaria

El Museo e Instituto Lumière funcionan en la antigua mansión familiar. Allí se cuenta la historia de la dinastía Lumière y se conserva el primer cinematógrafo, utilizado por los hermanos ingenieros para filmar la primera película y muchas otras, de 1895 a 1905.

La invención de los Lumière consistía en una caja no muy pesada, dotada de una manivela, que permitía grabar imágenes en movimiento.

“El cinematógrafo es de fácil utilización y funciona a la vez como una cámara y como un proyector. La genialidad de los Lumière es que pensaron en proyectar las imágenes en una pantalla. Para ello integraron una lámpara de arco que proyectaba un halo de luz sobre la película, que se hacía correr con una manivela. Muchos lo intentaron, pero Lumière fue el único que logró un resultado impecable”, aseguró el conferencista Fabrice Calzettoni.

El éxito y el prestigio de los Lumière fue tal que la calle donde se encuentra la mansión familiar fue rebautizada como la calle de la Primera Película. Asimismo, se conserva la fachada de la antigua fábrica de productos fotográficos, frente a la cual utilizaron por primera vez su célebre cinematógrafo. Cada 19 de marzo, se recuerda a los hermanos Lumière y su célebre primera película, y se realizan “remakes” de la Salida de los obreros de la fábrica, con la participación del público.

Una vasta campaña de restauración

En el marco del 130º aniversario de la invención del cinematógrafo y del nacimiento del cine, el Instituto Lumière produjo un documental a partir de unas 120 películas que acaban de ser restauradas.

"Los Lumière produjeron unas 1500 películas de 50 segundos. La misión del Instituto Lumière es restaurar este patrimonio que no solo es francés sino también mundial. Se trata de la primera producción cinematográfica de la historia. A partir de estas restauraciones que estamos haciendo, Thierry Frémaux (delegado general del Festival de Cannes) ha compuesto un documental para difundir este patrimonio”, declaró a RFI la productora de esta cinta, Lumière, la aventura continúa, Maelle Arnaud.

Cine mudo pero con música

Aunque las primeras películas eran mudas, el cine siempre tuvo música. Los llevamos a la Fundación Seydoux-Pathé, donde se proyecta la cinta La bailarina española (1923) con la actriz Pola Negri, una película muda que da amplio espacio a la música.

El pianista Thomas Lavoine acompaña esta obra en vivo. Es un trabajo de improvización. "Esto implica que preparamos nuestro trabajo con antelación. Lo cronometramos, memorizamos la cinta a ver si funciona y poco a poco vamos creando música acorde con la película. Nos dejamos llevar por la emoción palpable del público como en todo concierto. Nos alimentamos de lo que el público puede expresar", explica Lavoine.

El Centro Pompidou de la capital francesa presenta en sus salas “Paris Noir”, una exposición y un salto en el tiempo al París de la diversidad racial y del intercambio de ideas creativas entre artistas venidos de África, Estados Unidos, Latinoamérica y el Caribe. Conversamos con la directora de cine chileno-venezolana Ximena Pereira, autora de “La diosa quebrada”, un cortometraje documental presentado en Francia sobre María Lionza, una de las principales deidades populares en Venezuela. Asistimos también a la inauguración de Clap, el festival de cine latinoamericano de París.

Se trata de la última exposición temporal presentada en el Centro Pompidou antes del cierre durante cinco años de este importantísimo museo dedicado al arte del siglo XX. “Paris Noir” o “Paris Negro” pone en evidencia la influencia fundamental de los artistas negros en la capital francesa durante 50 años, de 1950 al 2000. En esos años, París era una ciudad cosmopolita, y sobre todo de resistencia y de creación para muchos artistas negros, africanos o afrodescendientes.

La exposición aborda entre otros la creación en el emblemático barrio Latino de París, de la revista “Presencia africana”, una de las primeras publicaciones que resalto el aporte fundamental de los artistas negros. La muestra ofrece un panorama muy completo de la rica producción de 150 artistas, cuyas obras no siempre fueron expuestas o valoradas.

“París Negro” en el Centro Pompidou hace una reparación de estos artistas venidos de África o Estados Unidos, pero también de  América Latina y el Caribe, quienes trajeron nuevas estéticas y reivindicaciones a Europa. Fue el caso de los cubanos Wilfredo Lam o Agustín Cárdenas, hoy reconocidos como artífices de las vanguardias europeas y mundiales. “París Negro” estará abierta hasta el 30 de junio.

Una diosa quebrada

Carrusel de las Artes estuvo en el Festival Cinelatino de Toulouse, certamen que este año proyectó unas 130 películas. En la competencia de cortos documentales se presentó una película sobre una de las diosas populares más conocidas y veneradas en Venezuela, María Lionza.

 “La diosa quebrada” es el nombre de este corto documental, filmado en Caracas por la directora chileno-venezolana Ximena Pereira. Un trabajo que le tomó 20 años de trabajo y que aborda la figura de María Lionza a través de una escultura de esta diosa en un punto muy céntrico e inaccesible de la capital venezolana. Esta escultura se partió por la mitad en un momento de fuerte tensión política en Venezuela, lo que le permitió a la directora de esta cinta, abordar no solo la relación que tienen muchos venezolanos con la diosa sino también con el país en crisis.

Regresa el festival Clap

La primavera es una temporada de festivales y es el momento también para Clap, el único festival de cine latinoamericano de la capital francesa. Su tercera edición reúne un poco más de 20 películas, y dos secciones de competencia en largometrajes y cortos. Pero también cintas en proyecciones especiales, y hasta obras que forman parte del patrimonio cinematográfico latinoamericano. Es el caso de la película cubana “De cierta manera” de Sara Gómez (1977), que se proyectó en París en la noche inaugural del festival Clap.

“La idea era traer a París, la oferta más interesante del cine de arte y ensayo de América Latina contemporáneo. Por primera vez tenemos una competencia en cortometrajes y como de costumbre, un certamen en la categoría de largometrajes, con cintas de Argentina, Chile, Brasil, Ecuador y Costa Rica. La respuesta del público ha sido muy buena, desde la primera edición de Clap. Lo que queremos es mostrar las enormes posibilidades intelectuales, estéticas, filosóficas y cinematográficas del cine latinoamericano”, aseguró el director del festival, Carlos Tello, ante los micrófonos de RFI.

El Festival Clap se llevará a cabo en 2025 en el Espacio Saint-Michel, una sala en el emblemático Barrio Latino de París, que concentra la mayor cantidad de cines de arte y ensayo de la capital francesa.

El 37° Festival Cinelatino de Toulouse puso de relieve la producción cinematográfica indígena, con una selección especial de cortos y largometrajes. También hizo sendos homenajes, al brasileño Karim Ainouz y a la argentina Albertina Carri. Destacamos dos películas de la competencia de ficciones: “Isla Negra” que aborda el despojo en la costa chilena, y “Malta”, la historia de una joven que sueña con escapar de su familia y de Colombia. Nuestra crónica musical está dedicada al grupo de funk latino Setenta y su nuevo disco “Apollo Solar Drive”.

La ciudad de Toulouse renovó con el cine de América Latina en el marco de su popular Festival Cinelatino. Este año en la programación del festival unas 130 películas proyectadas en diferentes salas de la ciudad y de su periferia.

Cinelatino quiso hacer visible este año la producción de cineastas de origen indígena con una selección de cintas, entre largometrajes y cortos recientes, que relatan situaciones específicas de las comunidades autóctonas. Esta seccion fue bautizada “Miradas y voces indígenas” y se compone de peliculas venidas de Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Perú, México y Venezuela.

Dos maestros del cine

Este año Cinelatino puso el foco en dos grandes cineastas del continente. Por un lado, el brasileño Karim Ainouz fue el invitado de honor del festival. Se proyectaron los 11 largometrajes de su carrera, en los que Ainouz explora temáticas de género, el color de la piel, o la identidad sexual. Porque el cine es para Karim Ainouz un territorio sin fronteras, un refugio plagado de diversidad, y una puerta para escapar de la realidad.

La sección “Otra mirada” de Cinelatino puso el foco en otra forma de hacer cine y de contar historias. La de la poco convencional Albertina Carri, cineasta de lo extremo, cuyas películas van desde lo porno queer, hasta la exploración de la memoria. En Toulouse se proyectaron los cortos y largometraje de esta cineasta inclasificable, así como su mas reciente película “Caigan las rosas blancas”, un road-movie con un toque de humor, que formo parte de la competencia de ficciones.

Una mirada al certamen

El público de Cinelatino viajó hasta Isla Negra, un balneario paradisíaco donde Guillermo, un rico promotor inmobiliario, pasa un fin de semana con su asistente y amante. La casa, con vista al mar, se transforma en terreno de batalla cuando se introducen una mujer, su esposo y su padre enfermo. El director de esta cinta, Jorge Riquelme, se basó en testimonios reales para contar esta historia de despojo y desarrollo inmobiliario en la costa chilena.

De Colombia llegó la pelicula “Malta”, que cuenta la historia de una joven agresiva y rebelde, en ruptura con su familia disfuncional. Para escapar de su rutina, Mariana se dedica a coleccionar relaciones de una noche. Un día se le ocurre un plan que la obsesiona: irse del país. Esta historia fue escrita y filmada por Natalia Santa, quien quería retratar a una generación de colombianos. 

Funk latino a la francesa

En la crónica musical, Natalia Olivares fue al encuentro de un grupo francés de funk latino. Setenta suma ya seis álbumes; su ultimo trabajo se llama “Apollo Solar Drive”.

El cine francófono de duelo tras la muerte de Emilie Dequenne. La popular actriz belga había saltado a la fama a los 18 años interpretando a Rosetta, en la película del mismo nombre de los hermanos Luc y Jean Pierre Dardenne. Llega a las salas de cine francesa, la película argentina “Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” del argentino Hernán Rosselli, sobre una familia que se dedica a las apuestas clandestinas. Conversamos con la ingeniero de sonido Michelle Couttolenc, ganadora del Oscar en 2021, quien evocó con nosotros la importancia del sonido en el cine.

El mundo la descubrió con "Rosetta", película de los hermanos Dardenne, en la que Emilie Dequenne, con apenas 18 años, daba vida a una joven desempleada en lucha contra toda una sociedad. Esta cinta reposaba completamente sobre los hombros de su actriz protágonica. Era el primer rol de Emilie Dequenne en el cine, presentado en estreno mundial en el Festival de Cannes en 1999, donde ganó la Palma de oro a la mejor película y el premio a la Mejor Actriz para la adolescente.

Estas distinciones permitieron una distribución internacional para "Rosetta" y catapultó la carrera de Emilie Dequenne. En total, participó en cerca de 50 largometrajes, entre cintas de autor y películas comerciales.

En 2023, la actriz anunció sufrir de un  cáncer de la glándula suprarrenal, una enfermedad muy poco frecuente pero muy agresiva y que afecta al sistema endocrino.

Emilie Dequenne se alejó de los escenarios hasta mayo de 2024 cuando reapareció en la alfombra roja del Festival de Cannes, con el pelo corto luego de una larga quimioterapia, pero en remisión total. Poco después la actriz anunció una recaída y su vuelta a los hospitales. Emilie Dequenne falleció anoche en cuidados paliativos en un hospital en Francia, a los 43 años. Numerosas figuras del cine francófono e internacional le rindieron homenaje.

Una película de quinielas y gánsteres

En los estrenos de cine en Francia de esta semana encontramos la película “Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” del argentino Hernán Rosselli. La cinta se adentra en el oscuro mundo de las apuestas clandestinas, a través de una familia que controla este jugoso negocio. 

Los Felpeto administran desde hace varias décadas un negocio de apuestas clandestinas en un suburbio de Buenos Aires. A la muerte del padre, Maribel y su madre, Alejandra, quedaron a cargo de la compleja empresa familiar. Las conversaciones giran en torno a temas como el control del territorio, redadas de la policía e importantes sumas de dinero que hay que trasladar de un lado a otro en el barrio. La vida cotidiana de la familia se ve trastocada cuando se descubre la vida secreta que tuvo el padre del clan. 

“Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” se compuso con un material real: los videos familiares del patriarca de los Felpeto, lo que permite conocer desde adentro a esta familia en el mejor estilo de las películas de gánsteres. 

"El cine es sonido"

Michelle Couttolenc es mexicana y en su colección de premios figura nada más y nada menos que un Oscar. Lo ganó en 2021 por la ingeniería de sonido de la película “Sound of metal” que cuenta la pérdida de audición de un baterista.

Michelle Couttolenc estuvo en Francia como jurado del Festival Internacional del cortometraje. Allí conversamos con ella sobre la construcción del sonido en el cine y las emociones que transmite.

“Le monde demain”

Acaba de salir en Francia la nueva canción de “Les enfoirés”, un colectivo de 50 cantantes franceses voluntarios, que cada año se reúne para apoyar a los “Restaurantes del corazón », una asociacióncreada en 1989 para ofrecer una ayuda alimenticia a los más necesitados. Este tema se llama “Le monde demain” con el que “Les Enfoirées” han dado inicio a una gira por todo el país.

El autor del legendario “Bolero” es objeto de una serie de homenajes en el marco de 150º aniversario de su nacimiento. Carrusel de las Artes evocó su obra con el compositor franco-español Ramón Lazkano, autor de una ópera sobre los últimos años de Maurice Ravel.

Maurice Ravel (1875 – 1937) es mundialmente conocido por su “Bolero”, una pieza escrita por pedido de la bailarina Ida Rubinstein, quien le solicitó un “ballet hispánico”. Ravel respondió con esta pieza de 15 minutos de duración, inspirada en la época industrial, donde el compositor francés hizo alarde de su talento para mezclar los colores y las sonoridades de la orquesta.

Desde entonces, el Bolero de Ravel se ha convertido en un “hit” de la música académica, al ser la obra más interpretada de la historia. Un éxito inmediato que consolidó la figura de Ravel, aunque el compositor siempre se mostró sorprendido y hasta irritado al considerar que, de todo su repertorio, el Bolero era la menos “musical”.

A 150 años de su nacimiento en Ciboure, en el país vasco francés, Francia celebra a su ilustre compositor con cientos de conciertos, coloquios y exposiciones sobre su obra.

El Museo de la música Philharmonie de París presenta de su lado, una exposición dedicada al Bolero, para entender la “mecánica musical” contenida en esta obra para la que Ravel se inspiró en el desarrollo industrial.

“El Bolero planeta una nueva manera de concebir el discurso del tiempo. Algunos afirman que el Bolero es quizás la primera obra conceptual”, asegura el compositor español Ramón Lazkano, en los estudios de Carrusel de las Artes.

Lazkano, quien es vasco como el francés, prepara una ópera sobre los últimos años de vida de Ravel, aseguró que su música siempre lo ha acompañado.

“Las cartas de Ravel siempre me han acompañado. Pero, además, hay en su música una familiaridad con algunos ritmos vascos que empapan buena parte de su obra, desde el ‘Cuarteto de cuerdas’ hasta el ‘Concierto para la mano izquierda’”.

En esta entrevista, Lazcano también destacó “la perfección de la artesanía musical en Ravel, su conocimiento del lenguaje musical y de los instrumentos, del tiempo y de la forma de las músicas que inventa; y al mismo, una sensibilidad secreta, íntima, muy ligada a la infancia y a lo mágico”.

Entre las composiciones más conocidas, y mágicas, de Ravel figuran "Ma mère l’Oye", "La Valse", "Pavana para una infanta difunta", "Rapsodia española", o el "Concierto para la mano izquierda". 

Dedicamos nuestro programa a cuatro ilustres mujeres artistas que contribuyeron o siguen trabajando en el mundo de la creación. La pintura Suzanne Valadon es una desconocida para muchos, pero sus cuadros dieron un vuelco al arte del retrato y de los desnudos. La tinta y el humor son las armas de la caricaturista Coco, una sobreviviente del ataque contra Charlie Hebdo que lucha por el respeto de la libertad de expresión. Frida Kahlo es la protagonista de una nueva película de animación sobre su infancia en Coyoacán. Y en nuestra crónica musical fuimos al encuentro de Thérèse, una artista que reivindica con orgullo ser multifacética y feminista.

Suzanne Valadon fue primero modelo para otros pintores. Viéndolos trabajar aprendió a dibujar para luego hacer de la pintura su carrera, con el auspicio de Edgar Degas. Es la historia que cuenta esta muestra en el Centro Pompidou de París, donde se descubre a una artista que rompió los esquemas a finales del siglo XIX. Nathalie Ernoult, es una de las curadoras de esta exposición. 

“Esta mujer fue verdaderamente un caso especial en la historia. Cambió la manera de pensar la pintura, y sobre todo, los desnudos, que en su época eran un tema reservado a los artistas hombres. Los desnudos eran obras con un propósito muy claro: el disfrute masculino. Valadon, en cambio, pinta la realidad tal como es. Ella pinta los cuerpos con sus defectos e imperfecciones, y sobre todo, representando la esencia de cada persona. Así, los desnudos dejan de ser un objeto para el deleite de los hombres”, explicó a RFI la curadora de la muestra Nathalie Ernoult.

Coco, humor al servicio de la libertad de expresión

La francesa Coco es caricaturista en el periódico Libération, retratando con humor la actualidad mundial. Es también sobreviviente del ataque terrorista perpetrado contra el semanario satírico Charlie Hebdo y acérrima defensora de la libertad de expresión.

“Los jóvenes dicen ‘No, hay que respetar’. Consideran que si alguien se siente ofendido por un dibujo no se debe publicar. Yo explico que eso no nos conviene. La libertad de expresión y la caricatura sirven para criticar ideas, más no atacar gente. Sobre las religiones, criticamos las ideologías y no a los creyentes, aseveró Coco.

La infancia de Frida Kahlo en animación

“Hola Frida” es el título de una nueva cinta de dibujos animados hablada en francés, que cuenta con derroche de colores la historia de una niña diferente. La película aborda la infancia de Frida Kahlo en su casa de Coyoacán. Pero también, la terrible enfermedad la condenó y la creatividad desbordante que le abrió las puertas a otros mundos.

“Cuando comenzamos a escribir esta historia, leímos un libro que hablaba de Frida cuando tenía seis años. Nos pareció interesante porque fue a esa edad que todo comenzó. La vida de Frida era maravillosa hasta que la poliomielitis se manifestó y la obligó a aislarse. En ese momento desarrolló todo su mundo interior, lleno de fuerza y de momentos dolorosos también. Esa fue la idea inicial de esta película: contar cómo se las arregló para imaginar las herramientas que luego le permitieron superar las pruebas de la vida”, dijo su director André Kadi. 

De su lado, la cantante franco-española Olivia Ruiz, quien interpreta a Frida adulta y el tema musical de esta película, destacó el mensaje de respeto de las diferencias contenido en esta esta cinta.

Thérèse, una artista multifacética y feminista

En nuestra crónica musical, Natalia Olivares conversó con una artista con múltiples talentos. Thérèse es cantante, modelo, estilista y feminista. Ella nos habló de la enfermedad que la ha aquejado desde hace años, pero también de su visión del arte, multifacético y multicultural, y de su feminismo tajante.