100 % création

Anaïs Lefèvre est une maroquinière tournée vers l’éco-responsabilité. En utilisant des chutes de cuir, elle donne vie à des sacs uniques et des bijoux en cuir et argent. Elle fabrique ces objets à la main en petites séries ou en pièces uniques. Avec son passé dans la restauration d'œuvres d'art, cette maroquinière, en utilisant des matériaux récupérés et revalorisés, concilie savoir-faire artisanal et respect de l'environnement.

Être un exécutant, ce serait très réducteur. J'ai besoin de ne pas faire les mêmes tâches répétitives, quoique je le fasse quand je fais des séries, ce qui est parfois très reposant. Mais je ne pourrais pas du tout faire tout le temps la même chose ou faire ce qu'on me demande de faire, sans avoir ma part de créativité.

Anaïs Lefèvre, maroquinière 

« Cela a commencé avec les surnoms de mes enfants, Maloute et Zazouille, et j'ai eu envie de garder l'histoire de ces deux surnoms. Et donc MZ création reprend les initiales des surnoms, qui ne sont pas les noms de mes enfants. » 

Née dans les Yvelines, en Île-de-France, Anaïs Lefèvre a grandi dans un environnement artistique, avec un père architecte et un grand-père artiste peintre. Elle s’oriente vers un baccalauréat littéraire option arts, puis des études de graphisme avant d'intégrer les Beaux-Arts. Après son diplôme, elle travaille dans la restauration d'œuvres d'art, pour des musées, galeries ainsi qu’une grande maison de luxe. Touche-à-tout, elle développe un savoir-faire pointu en restauration cuir, textile, bois. En 2011, sa passion pour le cuir l'amène à fonder sa propre marque, MZ création, une marque d’accessoires à la démarche éthique.

« J’ai travaillé dans le luxe avant, et cela m'a donné envie de réutiliser ses chutes, avant même que cela soit dans l’air du temps. Mais aujourd'hui, les gens y sont de plus en plus sensibles, mais pour moi, cela a toujours été très important. Le cuir, c'est un matériau polluant dans sa transformation, je n'avais pas envie d'être un maillon de la chaîne de la fabrication. Je préférais être dans la récupération et non pas dans la commande. Cela crée des contraintes parce que des fois, je ne vais pas trouver de cuir, des contraintes de couleur, mais qui me plaisent finalement parce que c'est avec la contrainte que je suis obligée d'être plus réactive et plus créative. » 

La créatrice a su transformer ses études artistiques et son expérience professionnelle en une reconversion heureuse dans la maroquinerie. « Pour moi, cela avait du sens de retourner à la création. Dans la restauration, il y a un côté très limitant, très répétitif aussi. L’envie de créer est revenue. Ayant déjà travaillé dans le luxe, je me rendais bien compte de cette surconsommation et surproduction. Donc très vite, je me suis démarquée en travaillant avec des chutes de maisons de maroquinerie de luxe. Je trouvais intéressant de devoir se réinventer tout le temps. J'ai l'impression d'être tout le temps dans la création, même si j'ai créé des modèles et que je travaille sur différents formats. Je fais des collections en fonction d'un modèle. Mais comme je suis obligée à chaque fois de coordonner mes cuirs et mes doublures intérieures, j'ai l'impression d'être dans la création tout le temps ! Le parcours que j'ai suivi, mes études, aujourd'hui, dans les assemblages de couleurs que je vais faire, je retrouve les cours de couleurs que je faisais, ce que j'ai pu apprendre en graphisme, en design, sur les assemblages et après ce que j'ai pu apprendre aux Beaux-Arts, m'a aussi servi. J’ai l'impression d'avoir une culture générale plus assise que si je m'étais contentée d'être juste ouvrière maroquinière. J'ai l'impression que cela fait sens. »

Anaïs Lefèvre utilise des matériaux provenant d’une association qui récupère et valorise les rebuts ou chutes des maisons de maroquinerie de luxe afin de soutenir une approche durable. « Je travaille avec un groupe qui s'appelle la Réserve des Arts, c’est une association qui collecte les chutes de plein d'entreprises différentes et notamment dans le cuir. Je travaille avec eux depuis très longtemps puisque j'ai même travaillé chez eux en tant que "valoriste", j'allais collecter. Je travaillais aussi avec des mégisseries, ce sont des endroits qui récupèrent eux-mêmes des fins de séries de tannerie qui n'ont pas été vendus et qui ont donc une grande diversité de peaux. C'est compliqué de se faire un carnet d’adresses de fournisseurs, donc cela m'a demandé un peu de temps, car j'attache beaucoup d'importance à avoir du cuir de France ou d'Italie. »

Inspirée par la nature, les formes géométriques et les couleurs, Anaïs Lefèvre rejette les tendances éphémères dans ses créations. « J'essaye de ne pas du tout m'inspirer des tendances parce que ça ne m'intéresse pas. Il y a plein de gens qui font du sac à main, je n’ai pas envie de faire la même chose que les autres, donc j'essaye d'être très intemporelle et d'être juste guidée par mes envies et ce que j'aime. Cela va être les couleurs qui me plaisent du moment, beaucoup la nature et les formes géométriques, qui étaient déjà très présentes dans mes créations en tant qu’artiste aux Beaux-Arts, j'avais un côté végétal et géométrie. »

Dans un souci de respect des matières et au-delà de ses créations, la maroquinière propose des restaurations/réparations. « Je me sers de ce que j'ai fait avant, donc je répare aussi beaucoup. Cela me plaît beaucoup parce que cela a du sens pour moi. Le fait de restaurer, de réparer, je trouve cela intéressant parce que les gens ont des pièces auxquelles ils tiennent beaucoup et moi, je vais leur redonner une seconde vie. Dans la société dans laquelle nous vivons, cela me plaît d'être là-dedans. Je répare beaucoup, je restaure, cela me demande une gymnastique intellectuelle complètement différente par rapport à la création, cela me stimule ! Quand je fais de la fabrication, j’optimise au maximum ma matière première. Je vais utiliser la moindre chute pour faire un bijou, une ceinture, un accessoire. Je fais de la formation, les gens viennent fabriquer leur propre sac, mais aussi de la formation professionnelle où les gens viennent se former chez moi. Ces trois grandes lignes me plaisent et font que je suis accomplie. Peut-être qu'un jour, il y en a une des trois qui prendra le pas sur le reste. »

Aujourd'hui, Anaïs Lefèvre aspire à transmettre sa passion et son approche éco-responsable dans la maroquinerie à travers des ateliers afin de sensibiliser et inspirer la prochaine génération d’artisans. « J'aimerais beaucoup pouvoir faire des interventions dans des écoles avec des étudiants. Je fais déjà des interventions auprès de jeunes publics pour sensibiliser aux métiers d'art avec des centres de loisirs ou des écoles primaires. Je trouve que c'est très important de montrer aux enfants que ces métiers-là existent encore ! Mais j'aimerais beaucoup travailler avec des étudiants. J’ai reçu une étudiante des Beaux-Arts qui est venue pendant deux mois à l'atelier, je trouve que c'est intéressant pour eux de voir qu'il n'y a pas de limites et de leur montrer que ces métiers-là existent. J'aimerais faire des ateliers de groupe dans des écoles, sur une semaine, travailler sur des projets avec les étudiants. J'aimerais réussir à développer ce concept. Je prends des stagiaires chaque année, je fais beaucoup de salons de métiers d'art en tant qu’artisan d'art. Parfois, j'ai des stagiaires aussi parce que je réponds sur les réseaux sociaux sur des groupes de maroquiniers et je réponds en disant que je prends des stagiaires. Cela m'a toujours apporté. »

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Ibrahim Fernandez est un créateur de mode ivoirien qui a su se faire un nom sur la scène internationale. Cet autodidacte, spécialisé à la fois dans le vêtement sur-mesure et le prêt-à-porter, a su fusionner les influences africaines et internationales. Ses créations sont uniques et se distinguent par des imprimés originaux pour des tenues dans l’air du temps. Un style audacieux et engagé qui bouscule les codes de la mode, depuis Abidjan.

« Moi, je vis vraiment de mon travail, c'est-à-dire ma mode, c'est vraiment moi. Je pars, je me lève tôt le matin, je vais au travail, je rentre le soir. Quand je suis chez moi, je fais encore des croquis, je continue à parler avec des clients. C'est vraiment une partie de moi. »

Ibrahim Fernandez, fondateur de la marque éponyme.

« Au départ, la marque s'appelait Zango. Zango, en Côte d'Ivoire, cela veut dire bien habillé. Et quand j'ai décidé d'être Ibrahim Fernandez, tout de suite, mon équipe m'a dit : "Tu sais qu'en étant Ibrahim Fernandez, tu seras obligé d'être au-devant de la scène, parce que les gens vont forcément vouloir savoir qui est Ibrahim Fernandez". Je ne fais pas ce métier-là pour être célèbre. Je pense que cela crée, par rapport à ma personnalité, une sorte d'attachement avec ma communauté, cela a permis à ma carrière d'entrer dans une autre dimension. »

Ibrahim Fernandez est né à Abidjan. Après son cursus en gestion commerciale, il poursuit son parcours d’autodidacte dans la mode. Bien qu'il n'ait pas eu les moyens de suivre une école de mode, il a développé sa passion pour la création de vêtements. D’abord en créant ses propres tenues, ce qui a ensuite évolué vers la création pour une clientèle plus large. Mais l’essentiel pour ce créateur, c’est de rester authentique. 

« Mon secret, c'est d'essayer de faire ce que tout le monde ne fait pas déjà, c'est d'être moi. Mon secret, c'est ce qui me revient beaucoup, c'est le fait qu'émotionnellement, les gens, ce n'est pas qu'un vêtement qu'ils achètent. Ils sont proches de la marque. Ils sentent que je travaille vraiment avec les émotions, avec le cœur. C'est pour cela que, pour être honnête, j'ai du mal à industrialiser la marque. C'est vraiment voulu parce qu'à la minute où je veux aujourd'hui l'industrialiser, j'ai les moyens de le faire. J'ai du mal parce que j'ai peur que la marque perde un peu ce côté humain où, aujourd'hui même, nous, dans notre boutique de prêt-à-porter, il y a un service de retouche. C'est-à-dire que tu viens acheter le prêt-à-porter, mais tu peux l'ajuster. Ce n'est pas vraiment un prêt-à-porter "Tu viens, tu achètes, tu pars". Il y a le service client qui vous suit, même si, encore une fois, dans un futur proche, je passe à l'industrialisation de la marque. Mais il va toujours y avoir un volet où on va faire savoir au client qu'on est là pour eux. »

Le processus créatif d’Ibrahim Fernandez est profondément lié aux émotions et à la musique. « Je commence toujours par une émotion. Vraiment. Je pense que cela se ressent dans ce que je propose. C'est toujours par une émotion, donc en général, ça vient toujours par de la musique. Je suis très, très, très lié à la musique. Toutes mes collections ont une histoire avec la musique, donc c'est toujours une émotion et après, je tombe amoureux d'une matière aussi. Voilà, je peux aimer une matière, le toucher, le rendu, le tombé. Et c'est vraiment juste après ces deux-là que je pose un croquis. Ce n'est jamais l'inverse. C'est-à-dire que c'est vraiment après les émotions de ce que je vois, le vécu. Je peux être là, j'écoute une musique, cela me donne certaines émotions, je pense à la matière et je pose le croquis. C'est ce que je ressens, donc c'est ce que je veux transmettre. Ma plus grande satisfaction, c'est quand on arrive à percevoir ce que j'ai voulu transmettre par le vêtement. En général, c'est une émotion que je reçois, que je veux transmettre. »

Ibrahim Fernandez valorise le savoir-faire artisanal en collaborant avec des teinturières et des artistes locaux pour créer des collections qui racontent des histoires de la vie courante. « Depuis maintenant dix ans, je travaille avec des teinturières. Ce sont des dames qui font cela depuis plus de 30 ans, c'est de famille. Depuis cette année, ici, nous avons une école des Beaux-Arts. J'ai, donc, commencé à travailler avec des peintres. Je veux ramener d'autres corps de métiers de l'art dans la mode. Nous travaillons sur une collection où on va essayer d'imager des moments de vie : une dame qui a un enfant sur le dos, une dame qui est en train de piler son foufou. Des moments ruraux sur des vêtements. Rendre les vêtements un peu plus vivants. Des moments qui sont très représentatifs de ce que nous vivons dans notre quotidien. »

Créateur de mode engagé, Ibrahim Fernandez met en avant des thèmes forts dans ses collections, tels que le féminisme. Il cherche à transmettre des émotions à travers ses créations, ce qui est perceptible lors de ses défilés et notamment sa collection transition/tradition. « C'est vraiment l'une de mes collections, pour moi, les plus fortes. Je pense que je ne l'ai même pas encore bien exploité aux yeux du public parce qu'il y a une grande histoire derrière. C'est une collection très engagée. Une collection féministe. J'ai organisé un défilé pour les dix ans de la marque et vraiment, quand on est arrivé à ce tableau, j'ai vu au moins cinq personnes qui pleuraient. Avant, il y avait ce qu'on appelait les interludes. Donc, les gens ont pu comprendre de quoi il s'agissait. Il y avait des gens qui étaient émus, pleuraient. Après le défilé, beaucoup sont venus vers moi pour me dire : "La collection est très forte". Ils ont compris le sens et que ce soit la couleur, le noir, que ce soient les matériaux, que ce soient les messages, le visuel qui concernait la collection, tout est pensé, toute la musique, tout était pensé pour partager et faire comprendre l'émotion. »

Après 10 ans de mode, il est essentiel pour Ibrahim Fernandez d’organiser des événements annuels pour célébrer sa marque. Il souhaite également développer sa présence à l'international depuis Abidjan. « Les dix ans, c'était pour placer l'événement, mais c'est quelque chose qui va être maintenant annuel, Ibrahim Fernandez Xpérience. Chaque année, on m'a proposé un défilé qui est assez différent de ce qu'on a l'habitude de voir. Je suis très impatient. Donc, moi, ce sont mes projets les plus proches, car le nouveau showroom plus le défilé quand on travaille là-dessus, je m'ouvre au monde depuis Abidjan, grâce à Internet, l'année passée, on a eu beaucoup, beaucoup de clientes qui sont venues de France, du Canada, des États-Unis, de la Guinée, du Congo, juste pour venir faire des essayages chez nous. Ce sont des clientes qui partaient beaucoup en Turquie, en République tchèque qui restaient à Paris aussi. Maintenant, vraiment, ça fait plaisir de voir que ce sont des expatriés ou bien des gens de la diaspora qui viennent pour voir que nos designers, les designers africains, arrivent à faire un travail qui est à la hauteur des grandes maisons de couture. Et moi, ça me fait énormément plaisir. Même la semaine passée, on a fait une mariée qui venait des États-Unis. Je pense que sa sœur, l'année passée, avait fait sa tenue aux États-Unis, mais elle, elle a décidé de la faire à Abidjan et c'était fabuleux. »

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Annie Cicatelli est une artiste textile française, née en région parisienne, elle a grandi au Brésil. Son parcours multiculturel et ses expériences de vie variées nourrissent son travail artistique. Elle utilise des matériaux déjà existants, les réutilisant avec imagination. Son engagement pour l'environnement et son héritage culturel brésilien se reflètent dans ses œuvres.

Annie Cicatelli mêle les couleurs et les formes pour créer des pièces uniques et originales, alliant esthétique et message éthique. Sa marque, Créations Annie Cicatelli, a reçu le label « Fabriqué à Paris », qui distingue les fabrications parisiennes.

Une vie sans création, ce n'est pas une vie. On se lève pour faire une exposition, pour participer à un salon, pour rencontrer d'autres personnes, pour plein de choses ! Cela me fait voyager, cela me permet de rencontrer des gens. Par exemple, sur le stand à côté de moi, il y a une dame qui fait la même chose que moi, mais en papier. Tout cela est enrichissant, car chaque personne a une expérience très différente.

Annie Cicatelli, designer textile

« Je voulais quelque chose de simple, que les gens me reconnaissent, sachent qui je suis. Cela fait des années que j'ai cette marque, au moins depuis 1999, lorsque j'ai créé mon premier site internet, qui s'appelait déjà "Créations Annie Cicatelli" C'est plus simple. »

Annie Cicatelli est née en région parisienne et a vécu plus de 25 ans au Brésil. Son engagement pour la protection des fonds marins dans ses sculptures et objets textiles est un thème cher à son cœur hérité de son enfance au Brésil. « Mon père était menuisier, passionné de bois. Nous sommes partis en bateau pour le Brésil au début des années 60 et nous avons vécu dans un petit État entre Rio et Bahia, sur la côte atlantique, sur une île. J'ai toujours eu une source d'inspiration dans les fonds marins. »

Annie Cicatelli a exercé comme journaliste au Brésil et, à son retour en France, elle a travaillé dans des environnements internationaux, notamment à Radio France internationale (RFI). Sa carrière lui a permis de développer un sens aigu de l'observation et une curiosité pour le monde, des éléments qu'elle intègre dans son art, avec deux aspects différents, mais complémentaires.

« La première chose, c'est d'imaginer quelque chose et de voir le résultat. J'imagine, je mets des fils d'un côté et de l'autre. Les couleurs, lorsqu'elles sont ensemble, ne se marient pas de la même manière. Voir la pièce terminée, c'est une chose, mais l'autre aspect, c'est de faire des expositions pour rencontrer les gens. Parfois, on me demande si j'ai vendu quelque chose lors d'une expo. Je réponds que je n'ai rien vendu, mais que j'ai rencontré des gens. C'est un bonheur que les gens ne comprennent pas toujours. Mais nous sommes là pour cela, pour rencontrer du monde, pas seulement pour vendre. Bien sûr, il est nécessaire de vendre pour vivre, mais la dimension des rencontres est aussi très importante. C'est surtout pour écouter d'autres histoires, car chaque personne a une histoire différente. »

Annie Cicatelli crée des sculptures et objets textiles à partir de matériaux recyclés et son savoir-faire qui repose sur le crochet est un moyen d'expression artistique et non pas loisir. « Il faut savoir qu'au Brésil, le crochet est quelque chose de quotidien. On en trouve partout dans la maison. C'est culturel ! J'ai appris le crochet au Brésil, lorsque je vivais en pension. J'avais quatorze ans, donc cela fait plus de 50 ans que je pratique le crochet. J'ai commencé à réaliser des tapis et des coussins, car j'étais bloquée pendant le confinement. Puis, un jour, je me suis dit que j'avais envie de faire quelque chose de fou, quelque chose que personne n'avait jamais fait, mais en travaillant dans le recyclage. Il y a plein de gens qui font du crochet. C'est un métier d'art, car c'est très artistique. Ce sont également des pièces uniques, ce n'est pas quelque chose qui se répète. C'est en 3D. Plus il y a de volume, plus cela m'intéresse. Parfois, j'ajoute même du coton pour donner du relief aux pièces. Il faut vraiment que ce soit en volume, pas simplement quelque chose de plat. Du volume, beaucoup de volume. »

Annie Cicatelli déniche ses matériaux, comme la laine, le coton, les perles ou des dentelles, dans les vide-greniers ou les associations qui agissent pour la diminution des déchets. Annie Cicatelli utilise comme supports plateaux, égouttoirs, bref, tout ce qu'elle trouve. Chaque pièce est un reflet de son engagement envers l'écologie. « L'objet que je trouve sert de fond. Si c'est un fond mou, les pièces que je vais ajouter ne seront pas les mêmes que sur un fond dur. Par exemple, chez Emmaüs, je récupère parfois des décorations de toiles imprimées. J'aime beaucoup cela, car je peux percer des trous dans la toile et y insérer mes pièces. Cela me permet de charger avec des formes plus compactes, plus grosses. Sinon, je peux aussi faire des miniatures, des bracelets, ou n'importe quoi, selon le fil que je trouve. C'est le support et les couleurs qui dictent le type de fil. Il y a des fils qui sont très difficiles à utiliser en tant que tels, mais que je peux utiliser pour des détails, comme pour créer les pistils d’une fleur. S'il y a un fil un peu chevelu, comme je l'appelle, cela me donne un effet incroyable. Après, il y a des fils qui sont difficiles à travailler, que je peux utiliser en décor. Tout dépend du matériel que je trouve ! »

Ces matériaux et supports ont une importance dans le processus de création d'Annie Cicatelli. En utilisant des objets récupérés et des dons, son inspiration naît de l'objet trouvé plutôt que d'une idée préconçue. « Les formats et les couleurs dépendent de ce que je trouve. L'autre jour, par exemple, j'ai récupéré un sommier de berceau. Il y avait quatre morceaux de bois et une toile. Je joue avec les formats, mais il ne faut pas que cela soit trop grand non plus, car je n'ai pas d'atelier, je travaille chez moi et je n'ai pas de voiture. Tout cela a un impact énorme. Les formats dépendent donc de ce que je trouve. Je peux avoir des formats très grands, un mètre vingt par quatre-vingts, mais aussi des petits formats si je trouve une corbeille à pain. Je voulais réaliser des tapis, toute seule, sans papiers, sans rien, sans recettes, sans graphiques, sans descriptif. Quelque chose de très, très libre. »

Annie Cicatelli aime rencontrer le public lors de ses expositions, car cela fait aussi partie de son processus créatif et ces rencontres peuvent parfois déboucher sur une commande. « J'avais fait une exposition où je n'avais rien vendu, mais quelqu'un de la Chambre des métiers à laquelle je suis rattachée est passé sur le stand. Je n'étais pas présente, mais il a pris ma carte. C'était un monsieur, et il m'a dit : « Nous aimerions faire une exposition lors des JO. J'ai beaucoup aimé ce que vous faites. Avez-vous des choses concernant le sport et le mouvement ? » J'ai répondu que, comme je travaille beaucoup avec des formes rondes, je pouvais réaliser les anneaux olympiques. Il y a cinq anneaux, cinq couleurs : trois en haut, deux en bas. Voilà. Bleu, noir, rouge en haut, et jaune et vert en bas. Je peux faire cela, mais dans ce que je fais moi. Alors, je me suis mise au travail, et je lui ai envoyé une photo. Il a dit : "Parfait." »

La créativité d'Annie est sans limites, il lui est impossible de répéter l'une de ses œuvres ; chaque pièce est unique. Cette créatrice textile, à travers son art, défend des valeurs de consommation consciente, incitant les gens à réfléchir sur leurs habitudes d'achat et de gaspillage.« Il ne faut pas jeter, il faut arrêter d'acheter quand on n'en a pas besoin, car nous vivons dans une société où nous sommes constamment sollicités. Moi-même, il m'arrive parfois d'acheter des choses et de me demander pourquoi j'en ai besoin. Cela reste dans le placard pendant des années. Il faut arrêter d'acheter. Nous avons trop d'habits. Je dis aux gens de prendre leur placard : tout ce que vous n'avez pas utilisé dans l'année, donnez-le à Emmaüs. Et c'est vrai, nous avons énormément d’habits, de paires de chaussures, à quoi bon ? Quand nous mourrons, nous n'emportons rien avec nous. Alors cela ne sert à rien d'amasser. Pour quoi faire ? Pour polluer la planète ? Qu'allons-nous laisser à nos enfants, à nos petits-enfants ? Une planète où il n'y a plus d'eau, parce que nous avons cultivé trop de coton pour faire des habits que nous n'utilisons pas, parce que nous voulions aller chercher notre pain en voiture, etc… »

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Vanessa Djia, artiste, photographe et designer, propose une mode spontanée grâce à son parcours riche et atypique. Un univers coloré qui fusionne cultures africaines et mode contemporaine. Dans son travail, beaucoup d'intuition et de collaboration avec des artisans du continent africain. Avec sa marque Rovodoa, elle propose des vêtements en série limitée ou pièces uniques. Pour Vanessa Djia, la mode est un vecteur de culture.

« En tant qu'artiste, on crée en permanence. C'est un métier où nous sommes souvent seuls, même si nous sommes souvent entourés. Créer, c'est reconnecter aussi avec soi. C'est tout un univers qui m'équilibre », explique Vanessa Djia, créatrice et fondatrice de Rovodoa. Elle explique le nom de sa marque :

« Rovodoa est le nom d'un ancien bateau négrier qui transportait des esclaves pour travailler, pour la plupart, dans des champs de coton dans les Amériques. J'aime dire que je suis connectée aux vieilles âmes ou que je suis une vieille âme moi-même. J'ai eu comme une vision, une visitation. Cela m'a été insufflé et je suis allée taper sur internet et j'ai vu Rovodoa, j'ai lu l'histoire. Cela m'avait beaucoup interpellé. »

Vanessa Djia est née à Dakar. Elle grandit entre la Côte d'Ivoire et le Cameroun, avant de s'installer en France. Sa passion pour la mode est profondément enracinée dans son héritage culturel et son engagement envers l'artisanat africain. Elle a grandi dans un environnement où l'art et la culture étaient omniprésents. Son père, philanthrope engagé, accueillait de nombreux artistes à la maison. C'est cette ambiance qui a poussée Vanessa Djia à valoriser la culture africaine à travers le textile. Après des études en photographie et en école de commerce, cette créatrice cosmopolite crée sa marque Rovodoa, en 2015, en hommage à ses ancêtres. Passionnée par le textile africain, Vanessa Djia crée des pièces uniques aux associations inattendues qui allient tradition et modernité, en restant dans les codes de la mode :

« Cette année, par exemple, nous allons être sur des pantalons cigarettes, donc très près du corps. Forcément, nous sommes dans la tendance. Après, il faut ramener cette touche africaine à cette tendance mondiale parce que je ne vais pas nager à contre-courant non plus. Sur place, je vois les textiles, cela m'inspire. »

« Au début, je ne faisais que des tenues estivales, c'était beaucoup plus facile. Mais depuis deux ans, j'ai décidé de faire des manteaux. Cela a été très intéressant parce qu'il fallait trouver des textiles africains qui me permettent de les réaliser. Quand tu pars dans les pays africains, que tu parles de tes projets, il y a des gens qui sont férus justement de l'artisanat original de certains pays que tu ne connais pas toi et qui te prennent la main et qui te disent ''Si tu es disponible, dans mon village, il y a tel textile utilisé pour certaines cérémonies. Mais il est tellement rigide que je ne suis pas sûre qu'on puisse en faire un vêtement moderne. Mais toi, avec ta créativité, je pense que si je t'amène là-bas, je pense que tu peux créer la magie". »

Le processus de création de Vanessa Djia est instinctif, spirituel, guidé et inspiré par les énergies qu'elle capte lors de ses voyages. Sa démarche créative est intuitive et ludique : « Comme je travaille avec des tissus aux imprimés, c'est très saisonnier, donc, c'est important pour moi d'aller sur place pour créer. Après, ma clientèle est occidentale. J'essaie donc de ne pas aller dans tous les sens. C'est une petite conquête. Pour conquérir un territoire, il faut déjà épouser ses codes. Je reste sur des vêtements très classiques, des chemises, des pantalons. Mais j'aime les bonnes choses aussi et que je m'enquiers un peu de tout ce qui se passe sur la scène parisienne et cosmopolite internationale. Le petit plus, c'est la texture des textiles que je vais choisir. Cela va être aussi de choisir les bons artisans, parce qu'il faut des produits finis à mettre dans des boutiques avec de belles adresses. Mes créations sont en série limitée pour que chaque femme ou homme Rovodoa se sentent uniques. C'est une démarche artisanale, je produis un vêtement en dix exemplaires maximum. »

L'engagement pour l'artisanat et son souhait de valoriser les textiles africains sont au cœur du travail de Vanessa Djia. La designer collabore avec des artisans locaux, principalement au Cameroun et en Côte d'Ivoire. Elle explique : « Le seul atelier avec lequel j'ai commencé, c'est l'Atelier des femmes au Cameroun. Quand j'ai ouvert mon atelier personnel pour ce projet textile, j'ai eu l'idée de réunir six femmes. Au début, elles se connaissaient plus ou moins, et j'ai travaillé avec elles des petites robes d'été. L'intérêt pour elles, c'était qu'après, si elles avaient des projets personnels, elles puissent utiliser mes machines. C'est mon projet de cœur. Par contre, quand il a fallu commencer à travailler des pantalons à pinces, il fallait des maîtres tailleurs. Et ces maîtres tailleurs, il a fallu les chercher et les trouver. En Côte d'Ivoire, justement, j'ai commencé avec des polos, des shorts. Ça ne paraît rien, mais pour faire avec du tissu ''africain'', il faut savoir où passer. J'en ai parlé autour de moi et on m'a ramené chez un monsieur qui est un maître tailleur et qui forme aussi. Quand je viens avec des projets plus gros, lui forcément, il se charge de dispatcher mes commandes chez ses petits, comme on dit. Dès que j'ai besoin de lancer une collection, je peux compter sur eux. Et en général, c'est avec les mêmes hommes que je travaille sur Abidjan et les mêmes femmes au Cameroun. »

Également active dans l'évènementiel, Vanessa Djia organise des festivals pour soutenir les artistes africains et valoriser leur travail : « À force de prendre part à des festivals, je me rends compte qu'aujourd'hui, je suis obligée d'avoir plusieurs casquettes, comme auto-entrepreneur. Il faut savoir que toutes les activités que je monte, je les fais en fonds propres, donc je suis très économe. Le fait d'avoir fait une école de commerce aussi, cela me donne des outils chaque fois pour essayer d'aller plus loin. Les artistes africains, en général, sont dans l'informel, et donc moi, en ayant cette aptitude, aujourd'hui, je vois leurs limites, je connais leur potentiel et je me dis c'est peut-être mon sacerdoce ! J'y vais, mais je me rends compte que nous sommes nombreux à le faire. C'est comme cela, surtout nous les Camerounais, parce qu'on n'a pas forcément un État qui nous pousse, nous finance, qui comprend même là où on veut aller. Parce que nous, on veut juste vivre, exister dans cette mouvance. Et c'est vrai qu'on est des opportunistes, et quand l'opportunité se présente, on est obligé de la saisir, et c'est du freestyle. Et il y a une partie pieuse aussi. Je crois énormément en Dieu. Je me dis "c'est ma mission, il va m'aider". La preuve, cela se passe bien. »

Pour Vanessa Djia, la mode transmet les héritages culturels : « J'aime bien marier différents textiles. Comme je suis pour une culture métissée, par exemple, quand je vais utiliser un tissu traditionnel africain qui va être ultra rigide, je ne m'oblige pas à faire tout le vêtement qu'avec ce textile. C'est là que cela devient intéressant ! Voyager, voir la mode sur d'autres continents, cela donne des idées, des pistes. Je vais chercher des chutes de tissus ou des fins de rouleaux très onéreux de grandes maisons à incorporer à la création. C'est pour cela que je fais des pièces uniques qui sont très intéressantes. Parce que l'idée, c'est que la femme occidentale mette plus de couleurs, et si possible plus d'imprimés. C'est un challenge, et comme moi-même, je suis aussi mon ambassadrice, je prends le pouls. Dès que je commence à rentrer en production, je mets un vêtement pour aller à un événement. Et puis, quand tout de suite, tout le monde me demande "C'est de qui ? Tu l'as acheté où ?", là, je sais que c'est bon. »   

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L'atelier Horizon Verre, fondé par Mélanie Gracia et Justin Hemery, créateurs verriers, est un espace de création commune et individuelle. Le duo créatif fusionne passion et savoir-faire dans la conception et réalisation d'objets en verre. De la pièce unique au luminaire en passant par le mobilier ou la petite série, Mélanie Gracia et Justin Hemery proposent une large gamme d’objets. 

À l’atelier Horizon Verre, ils combinent plusieurs techniques, comme le travail du verre au chalumeau, la pâte de verre, le soufflage, la gravure et la peinture sur verre, pour créer des pièces uniques. Nous les avons rencontrés lors du Salon professionnel Maison & Objet. Un salon international qui donne le ton aux professionnels de la décoration et un incontournable pour les marques, créateurs, artisans d’art et tous les acteurs de l'art de vivre. 

Cela peut venir d'une idée, d'un mot qui m'inspire, d'une image, de quelque chose que je peux voir dans la rue, dans la nature

Mélanie Gracia, co-gérante de l'atelier Horizon Verre et créatrice verrière.

« Comme cela peut être un sentiment ressenti que j'ai envie de retranscrire dans mes œuvres. Comme cela peut être l'envie de faire un objet design et de partir de tous les éléments qui construisent cet objet, tous les archétypes qui construisent cet objet et de venir détourner tout cela pour en créer quelque chose de différent. »

Mélanie Gracia a suivi une formation en arts appliqués avant de se spécialiser dans le verre en France et au Québec. Elle s'inspire des textures et des formes naturelles pour créer des œuvres qui invitent à la réflexion sur la relation entre l'homme et son environnement. Elle utilise diverses techniques pour réaliser des œuvres poétiques et symboliques.

Moi, j'ai un axe proche de la nature, donc il y a beaucoup de choses de la nature qui vont m'inspirer

Justin Hemery, créateur verrier et co-gérant de l'atelier Horizon Verre.

« Et une envie, par le biais des œuvres et des créations, d'essayer de faire ressentir au public, qui voit l'œuvre, un peu l'humilité dont nous devrions faire preuve face à la nature et à des phénomènes de la nature. Cela va être aussi en se baladant dans la nature que je vais pouvoir être inspiré. Cela peut être avec du dessin ou sans dessin. Il y a aussi une part assez importante de sérendipité, le fait de commettre une erreur sur une pièce et puis d'en développer quelque chose derrière. »

Après un parcours académique en France et trois années d'études au Québec, Justin Hemery a co-fondé l'atelier Horizon Verre avec Mélanie Gracia. « Nous avons étudié de nombreuses techniques du verre et nous voulions, dans notre atelier, avoir beaucoup de techniques et les mélanger pour créer des pièces qui rassemblent toutes ces techniques pour tous les horizons du verre. »

« Nous rentrions du Québec, il y avait aussi les horizons de vie.  Nous venions de passer trois ans à l'étranger, il y avait aussi cet aspect par rapport à notre vie, un gros côté professionnel, et puis aussi un côté personnel. »

Mélanie Gracia et Justin Hemery partagent la passion du verre, leur processus créatif est à la fois individuel et collectif. Travaillant ensemble, ils échangent sur leurs idées et techniques, cherchant à développer des projets communs. Ils apportent chacun leur touche personnelle tout en soutenant la vision de l'autre, ce qui enrichit leur art, précise Mélanie Gracia. « Pour l'instant, nous avons chacun un peu nos gammes. Après, c'est sûr que nous nous inspirons et questionnons mutuellement. "Est-ce que ça va ? Qu'est-ce que tu en penses ?" À l'atelier, nous travaillons sur les mêmes pièces, bien évidemment. Après, l'idée fixe de base, elle part un peu de l'un et l'autre. Mais nous voudrions faire des projets ensemble et réfléchir de A à Z, ensemble, à une pièce en commun. »

L'atelier Horizon Verre est un lieu où Mélanie et Justin utilisent d'autres matériaux, comme le métal et le bois pour élargir leur champ d'expression artistique, explique Justin Hemery « C'est exaltant de travailler d'autres matériaux et puis peut-être un peu moins ennuyant que d'être tout le temps bloqué sur un seul et même matériau. Inclure d'autres matériaux, cela permet d'avoir d'autres textures, de travailler le métal. C'est-à-dire que je vais faire du verre pendant un mois, puis je vais avoir une semaine de métal, deux semaines de bois. C'est aussi quelque chose qui me plaît beaucoup. Et puis d'un point de vue visuel, ce sont les matériaux qui se mélangent, ce sont les textures, les contrastes, toutes ces choses-là. »      

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Toufik Boumehdi, céramiste algérien dont les œuvres fusionnent son héritage familial avec son exploration personnelle, a grandi au contact de la céramique. Il a su créer un style unique, alliant influences européennes et maghrébines. Ses pièces, aux lignes simples et arrondies, expriment une recherche d'harmonie et de beauté, tout en rendant hommage à ses racines.

Nous l’avons rencontré lors de son passage à Paris, où une exposition présente une partie de ses œuvres, des pièces de décoration d’intérieur colorées et chaleureuses. 

Les plus belles réalisations, je les ai faites quand j’étais libre de faire, quand il y a de la confiance. C’est une responsabilité. Mais j’y vais, je n’ai pas peur. Il faut que ce soit équilibré, beau, que cela corresponde à ma vision. Et si cela correspond à la vision du propriétaire, c’est le grand bonheur.

Toufik Boumehdi, artisan d’art, céramiste et faïencier 

Je ne crois pas avoir été souvent satisfait de mon travail. Je me dis toujours qu’il y a un petit truc à faire en plus.

Né dans le village de Berrouaghia, à 100 km d’Alger en Algérie, Toufik Boumehdi a grandi au contact de la céramique grâce à son père, Mohamed Boumehdi, surnommé « le carreleur du ciel ». Celui-ci a joué un rôle fondamental dans sa passion et son parcours professionnel. « Mon père était facteur, c’est lui qui m’a enseigné. Il a appris le métier de céramiste à Berrouaghia dans une petite usine et c’était devenu sa passion. Pendant des années, dès l’âge de 20 ans, il était facteur et céramiste en même temps. J’ai donc baigné dans la céramique depuis que je suis né. Au départ, je suis venu à la céramique par intérêt. L’intérêt, c’était de financer mes vacances, pour cela, il fallait venir à l’atelier et travailler. Après, c’est devenu une passion. Mon père a commencé en 1965 et moi, j'ai pris le relais et je continue. Nous avons la chance d’avoir un atelier assez connu en Algérie et ailleurs. Depuis qu’il a commencé à travailler, il y a des pièces au Japon, aux États-Unis, au Canada et beaucoup en Europe. »

Ses études aux Arts décoratifs à Limoges et ses voyages à travers le monde ont profondément influencé le travail de Toufik Boumehdi, lui permettant de mélanger différentes cultures et styles dans ses créations. « Mes études à Limoges, ce n’était pas pour apprendre beaucoup plus de choses, mais c’était surtout pour me dissocier un peu de [l]a façon de [mon père de] voir la céramique et donc de faire ma céramique. C’est-à-dire mon parcours personnel. C’est ce qui m’a construit. Entre ce qu’il m’a appris et ce que j’ai appris, cela a fait une céramique qui est plus ou moins personnelle. J’ai appris beaucoup avec les rencontres, avec ce que j’ai vu des autres, de ce qu’ils ont fait, d’autres réalisations. Du IXᵉ siècle jusqu’à la céramique turque en passant par la céramique espagnole, italienne, française. Après Limoges, j’ai remarqué que ma céramique avait un côté européen, un côté maghrébin. C’était ce mélange de tout ce qui m’a plu, qui m’a touché. Mon inspiration, c’est cela, c’est un peu universel. »

Toufik Boumehdi considère chaque commande comme un défi et une opportunité d’exprimer son art. « Des fois, nous avons une commande, quelqu’un qui vient me voir et me dit : "J’ai une façade, j’ai un meuble". Je regarde et je me dis : "Il n’y a pas assez de lumière, il faut quelque chose de lumineux". Si je vois qu’il y a beaucoup de couleurs, j’essaye d’en mettre moins. J’agis. C’est une recherche. Je cherche quelque chose d’adapté qui va venir agrémenter un endroit. Des fois, c’est floral parce que c’est un style qui est demandé. Quand je vois une maison mauresque, là, je me régale, c’est aussi ma spécialité. J’ai ma particularité, je ne mets pas énormément de couleurs. Je travaille beaucoup avec les bleus, les turquoises, très peu de jaune. Ce sont les couleurs de mes aïeux, de mes ancêtres dans la céramique, des oxydes métalliques. Donc, on va travailler avec du cobalt, avec du cuivre, du chrome. Mais quand les demandes ne semblent pas me correspondre, je botte en touche. Des fois, cela m’arrive. »

Dans son atelier, Toufik Boumehdi collabore avec une équipe de 10 personnes, mais c’est sa vision personnelle qui guide chaque pièce. « C’est une petite équipe, chacun a sa spécialité. Moi, je coordonne, je fais, j’oriente. J’ai ma petite partie aussi. Je suis l’homme à tout faire dans l’atelier, donc je mets tout le monde à contribution, je demande comment ils voient les choses. Je ne peux pas tout savoir, donc je demande. Je demande à ma femme aussi, qui est ma collaboratrice. »

Son style se caractérise par des formes épurées, s’éloignant de la complexité géométrique au profit de lignes douces et arrondies. « Choisir une forme et puis me dire à quel endroit cela va aller et avec quel type de décor. Un crayon, un dessin, après, je mets sur un pochoir, un calque, que nous allons retranscrire sur la forme, après le tracé avec un pinceau très fin noir et après, nous mettons les couleurs. Selon que c’est un biscuit rouge ou blanc, soit avec des argiles rouges ou blanches. L’argile blanche permet de travailler sur le biscuit directement. Nous allons travailler dessus et mettre nos couleurs, tout notre décor ensuite, suivi par un émail transparent et nous le mettons dans le four. À l’opposé, le biscuit rouge, le support, le vase en terre rouge, comme une brique, nous mettons une couche de blanc émaillé. Nous allons le travailler et puis le mettre dans le four. L’argile blanche me permet d’être plus fin. L’émail blanc sur biscuit rouge, c’est l’émail rouge. C’est comme si je travaillais sur de la farine. Deux coups de pinceau, et l’émail peut partir. L’expérience me permet d’avoir un coup de pinceau sûr. Je sais où je le pose, je finis et je ne reviens plus dessus. Sur une argile blanche, je peux bricoler, gratter, refaire. »

Toufik Boumehdi ne se limite pas à la céramique, il explore également le verre pour enrichir son œuvre et ses techniques.  « ​​​Il n’y a pas très longtemps, j’ai découvert le verre. En fait, je fais du fusing. Avec la technique du fusing, là aussi, il y a fusion, il y a cuisson, il y a émaillage, il y a les pièces en verre. Et là aussi, j’essaie d’allonger en fait ma palette avec une autre expérience. Et le verre, il a besoin de lumière. Cette transparence m’intéresse beaucoup. Donc, j’y vais aussi. On peut faire des décors, on peut faire plein de choses. C’est ouvert aussi. On peut travailler avec des poudres comme un émail, qu’on peut travailler soit au pinceau, soit à la spatule. Il y a toutes les possibilités, il faut tout faire. Le verre, c’est du sable, ce n'est pas très loin de la terre. »

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À lire aussiAvec Caussün, Philippe Aguad passe du karaté à la pantoufle bio

Philippe Aguad, ancien champion de France et d'Europe de karaté, a troqué les tatamis pour le monde des affaires, influencé par l'héritage commercial de son père. En 2020, il lance Caussün, une marque française de pantoufles totalement éco-conçues, fabriquées artisanalement au Portugal avec des matériaux naturels comme la laine vierge d'Ardèche, du liège ou de la feutrine. Avec Caussün, Philippe Aguad propose une alternative éthique et écologique afin de laisser une empreinte positive.

« L'esprit ne va pas s'arrêter. Je suis toujours dans l'optique de création. Je ne sais pas partir en vacances pour partir en vacances. Il faut toujours que j'essaie de trouver une matière première ou quelque chose qui me permettra de développer autre chose. Ce n'est pas simplement pour l'argent, c'est pour le plaisir. Honnêtement, je prends plus de plaisir à créer qu'à gagner de l'argent. J'ai le privilège de pouvoir encore développer des histoires, des nouvelles histoires, mais avec l'aide de gens qui vont vendre le produit. Moi, je suis plutôt dans la création », confie Philippe Aguad.

Le co-fondateur de Caussün développe : « ''Caussün'' veut dire ''chausson'' en provençal. Cela vient de là. Nous faisions un brainstorming avec ma fille qui travaille avec moi et qui est co-fondatrice de la marque. Nous avons choisi ''Caussün'' parce que cela veut dire ''chaussons'' en provençal. Nous sommes à Marseille et attachés à notre région. Et puis, le chausson fait partie maintenant de notre activité à 100% sur la société qui s'appelle Alternative Bio. »

Philippe Aguad est un créateur et un explorateur. Loin d'avoir emprunté un chemin classique, il a navigué entre le sport et le commerce, mêlant sa passion pour le karaté et l'apprentissage sur le terrain. Champion de France et d'Europe de karaté, ses premières expériences professionnelles l'ont contraint à grandir et à comprendre que derrière le chiffre d'affaires se cache un monde complexe de gestion :

« J'ai développé une activité commerciale, entre 20 et 30 ans, sur Marseille avec des joggings. À l'époque, ce n'était pas très commun. J'ai réussi avec des joggings sur tout le sud-est de la France. Le problème, c'est que je ne savais pas gérer. Je faisais du chiffre d'affaires, mais je ne savais pas ce que c'était que la marge ou quoi que ce soit. J'avançais ! À un moment donné, cela m'a rattrapé. À 29 ans, j'ai été confronté à un problème de liquidation judiciaire, avec tout ce que cela entraîne. Honnêtement, cela m'a fait prendre conscience de ce qu'il fallait faire ou pas, et cela m'a formé un peu dans la douleur. Cela m'a fait mûrir. J'ai pu comprendre pas mal de choses, relativiser au niveau du business, ne pas croire que c'était facile et qu'il fallait faire un peu de gestion. »

De rencontres en opportunités, c'est finalement sur une plage en Corse, jonchée de déchets plastiques, qu'il a le déclic pour une nouvelle aventure : la création de pantoufles bio. Un projet qui naît d'une prise de conscience aiguë et d'un désir de contribuer à un monde meilleur : « Sur la plage, il y avait une quinzaine de paires de tongs qui étaient là, à côté, des bouteilles en plastique. C'était une plage idyllique en Corse. Cela a été un déclencheur chez moi. Je me suis mis à la recherche de quelque chose, d'un chausson, puisque c'était mon métier. Je me suis mis dans la tête de faire un chausson qui soit bio, ou alors avec des biopolymères. Il y a treize ans, c'était complètement révolutionnaire de penser à inventer des biopolymères avec une origine végétale. C'était très compliqué. J'étais le seul à le faire. Mais je n'ai pas voulu développer en Chine parce que j'avais comme objectif déjà, il y a une dizaine d'années, de développer en Europe. »

Philippe Aguad se lance dans la fabrication de chaussons 100% d'origine végétale, avec une production au Portugal. Sa marque Caussün, lancée en 2020, s'adresse aux professionnels de l'hôtellerie, mais aussi, depuis la pandémie de Covid-19, aux particuliers :

« J'étais parti en vacances en Ardèche, en bas du mont Gerbier-de-Jonc. Il y a des vendeurs qui vendaient aussi de la feutrine de laine au mètre, pour mettre autour de vos plantes pour les protéger du froid. J'en ai acheté deux mètres pour tenter l'histoire. Je l'ai envoyé au Portugal pour faire la même forme que les pantoufles d'hôtel, en me servant de cette laine. Cela a donné un truc fabuleux, de mettre le pied à l'intérieur. C'est chaud, cela ne pique pas. Ce sont les fibres courtes de la laine qui sont utilisées, parce que vous avez les fibres courtes qui sont brûlées, jetées ou utilisées pour faire des feutrines, ou les fibres longues, avec lesquelles sont faits les pulls. Pour la laine, nous travaillons avec une SCOP en Ardèche, qui travaille sur des très vieilles machines, c'est fabuleux ! Ils se servent de l'électricité de la laine pour regrouper les fibres. C'est assez fabuleux. Nous avons fait Caussün pour le grand public avec ces laines. Nous les utilisons aussi pour l'hôtellerie. Nous travaillons avec des chalets à la montagne ou des hôtels aussi à la montagne et nous leur faisons des pantoufles en laine. C'est fabuleux, les clients mettent leurs pieds dans de la laine. C'est superbe ! »

Phillippe Aguad a la volonté de transmettre son savoir à la nouvelle génération, notamment à sa fille, Mélanie. Leur collaboration s'inscrit dans la continuité, la transmission des valeurs et de la création partagée, afin de laisser une empreinte positive. « Peut-être parce que je ne le fais pas tout seul, que je le fais avec ma fille. Il y a une symbiose sur le travail. Nous avons développé les choses simplement. Je me sers de l'expérience que j'ai. Nous avançons sur des produits, des couleurs. Nous avons trois laines en Ardèche, de la laine vierge. Ce n'est pas travaillé, il n'y a aucune teinte à l'intérieur. »

« La laine naturelle dans notre collection, c'est la laine qui vient du mouton blanc. Elle est simplement lavée. Nous avons une couleur qui s'appelle la chocolatée. C'est le mouton noir, la laine noire lavée devient chocolat. Ensuite, nous avons un mélange des deux, et la laine est grise. Nous allons chercher toujours des choses ailleurs. Je suis allé au Portugal, dans la seule montagne qui existe au Portugal. J'ai trouvé un tisseur de laine qui travaillait comme en Ardèche, avec des laines originales. Mais ils font du tissage et nous travaillons maintenant avec des laines qui viennent du Portugal et qui sont faites par des machines qui ont plus de 100 ans. J'ai toujours une recherche du produit différent, et ma fille est venue travailler avec moi. Elle s'occupe plus particulièrement de Caussün pour le particulier et participe à la création. Donc oui, la transmission, elle va se faire gentiment, progressivement, mais il faut qu'elle se fasse aussi. »

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Designer audacieuse, Mina Binebine a créé sa marque éponyme en 2018 afin de célébrer les traditions textiles marocaines tout en y apportant une touche de modernité. Son parcours international l’a conduite à promouvoir la qualité et l'authenticité à travers ses collections. Prêt-à-porter de luxe ou pièces sur-mesure, voire des robes de mariées, Mina Binebine mêle le glamour, les savoir-faire traditionnels et l’élégance.

Avec sa vision créative, elle aspire à conquérir de nouveaux marchés depuis le Maroc. Nous l’avons rencontrée lors de la dernière édition de l’Africa Fashion Up, à Paris, où son talent de styliste a été mis en avant.  

Nous ne pouvons pas toujours parler et donc en s'habillant je donne confiance aux gens, nous pouvons exprimer ce que nous voulons exprimer. J'ai des femmes qui viennent me voir et qui me disent "Mina, je ne me suis jamais sentie aussi forte en portant cette veste remplie de boutons remplie de couleur. Je me sens forte, je me sens femme, je me sens capable de surmonter tout ce que j'ai à surmonter". C'est ce qui me rend le plus fière, je pense, dans mon travail.

Mina Binebine, designer, créatrice de mode et fondatrice de la marque éponyme 

« Je m'appelle Mina Binebine et ma marque porte mon nom parce que c'est ce qui me représente le plus. Le but, c'est plus tard d'enlever Mina quand la marque sera plus connue et de garder juste Binebine une marque qui s'appelle Binebine, c'est classe. »

Mina Binebine est née à New York, elle a vécu et grandi à Marrakech. Fille d’un célèbre peintre et romancier, elle a toujours été entourée d’art et de créativité, ce qui a nourri son rêve d’enfant de devenir styliste. Après son Baccalauréat, elle poursuit donc des études de mode à Los Angeles, aux États-Unis. À la fin de son cursus, elle exerce d’abord comme stagiaire, puis assistante designer et enfin directrice artistique, pour une marque de lingerie haute couture. Ce qui lui permet de développer, ainsi, ses compétences dans l’industrie de la mode. Un travail captivant, mais aussi frustrant. 

« J'ai adoré, j'ai adoré. J'ai adoré travailler pour elle, sauf que je faisais beaucoup trop de choses et je ne recevais pas le crédit. À un moment, je me suis dit quand même, je travaille énormément pour cette personne, peut-être que je devrais le faire pour moi. Je commence ma marque Mina Binebine, fin 2018, début 2019. Je me rends compte que c'est très difficile pour une jeune fille de 23 ans, je venais de sortir de l'école, les gens ne me faisaient pas vraiment confiance », se souvient-elle.

Elle décide de compléter sa formation par un master en business administratif avant de lancer sa marque éponyme en 2018, suivi de l’ouverture d’un showroom à Los Angeles. Puis la pandémie du Covid a été un moment difficile pour Mina Binebine. « Ma marque commence à être connue aux États-Unis, à Los Angeles. Et là, Covid dès que cela commence à bien marcher. Covid, surprise ! C'était censé durer deux semaines. Je rentre au Maroc et juste après, nous sommes confinés, nous ne pouvons même pas sortir de chez nous pendant plus de deux mois. Je perds mon showroom, tout mon travail, ce que j'ai fait durant des années à Los Angeles, je perds tout. Après quelques mois, mon père me dit : "Tu veux rentrer à Los Angeles ? Tu veux faire quoi maintenant ?" Et je lui dis "Je vais rester à Marrakech, je vais ouvrir mon atelier de couture ici." », raconte-t-elle.

Avec l’ouverture de son atelier de couture à Marrakech, Mina Binebine multiplie les collections. « Je pense que je suis encore en train de découvrir ce que je veux être et toutes mes collections sont différentes les unes des autres. Il y a une collection remplie de boutons, une tout en jean, une autre "cargo". Les formes restent un peu similaires. J'aime le confortable, l’over size, les corsets, c'est ma passion depuis toujours. J'adore les corsets ! C'est l'une des pièces les plus dures à faire, mais j'adore depuis Jean-Paul Gaultier. De toute façon, depuis que je suis gamine, j'adore », confie-t-elle.

« Nous allons retrouver à peu près les mêmes modèles, les mêmes silhouettes, mais pas forcément les mêmes tissus et les mêmes finitions. J'essaie toujours de garder la petite touche marocaine. J’aime les tissus de bonne qualité, donc je vais prendre des lins 100%, des cotons, des soies. Au Maroc, nous avons un tissu qui s'appelle Mlifa qui est typiquement marocain et c'est un coton laine mélangé qui est utilisé pour les djellabas. J’utilise les belles couleurs que nous avons au Maroc. Vous savez, Marrakech, c'est la ville ocre, Essaouira, la ville bleue, Fès, la ville jaune. De super couleurs ! Le tissu marocain et les broderies, je garde cela dans mes collections », explique-t-elle.

Son approche audacieuse, son désir de redéfinir les codes de la mode marocaine, la pousse à concevoir des collections confortables, adaptées au quotidien et qui valorisent la tradition textile marocaine. Un mélange de modernité et de tradition. Mina Binebine propose des vêtements qui transcendent les normes traditionnelles, mais valorise les savoir-faire ancestraux marocains. Elle privilégie également un environnement de travail majoritairement féminin, valorisant l’artisanat local. « J'essaie aussi de toujours garder la tradition parce que nous avons un patrimoine marocain extraordinaire. Nous avons des broderies, un travail très beau, très minutieux. Je n’ai pas envie que cela se perde. J'ai un groupe d'artisans, d'artisanes, il n’y a qu’un homme dans mon équipe, un seul. Elles ont appris de leurs mères qui ont appris, de leurs mères qui ont appris, de leurs mères qui ont appris de leurs mères. Et c'est vraiment un travail traditionnel que je veux absolument garder », confie-t-elle.

« Maintenant, les gens viennent plutôt vers moi. Mais au début, quand je commençais, j'allais leur demander de travailler avec moi pendant deux jours pour voir leur travail. Si j'aime leur travail, après, je les forme à ma façon parce que j'ai certaines coutures que je fais et que j'ai apprises à Los Angeles et qui ne se font pas forcément au Maroc. C'est une manière très précise que je leur apprends avec une formation de deux semaines et après cela, on travaille ensemble si elles le veulent. J'aime travailler avec les Marocains et j'aime travailler chez moi au Maroc. J'aime vivre au Maroc, aussi, donc c'est plus pratique même pour moi. Il n’y a personne d’autre qui pourrait faire les broderies des marocains comme les Marocains », selon elle.

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100% création clôt sa série spéciale autour des métiers qui ont contribué au chantier de Notre-Dame de Paris avec Élodie Schneider, vitrailliste. Emblème de l'architecture gothique, la cathédrale a subi un incendie dévastateur en 2019. Ce drame a suscité une mobilisation exceptionnelle pour sa restauration, rassemblant artisans et bénévoles autour d'un projet commun, à l’instar d’Élodie Schneider, vitrailliste, qui nous raconte son métier et sa participation au chantier de Notre-Dame de Paris.

Le métier de vitrailliste est très polyvalent donc même en étant spécialisé dans le vitrail, il y a énormément de choses différentes et de créations aussi à faire. C'est donner, ou redonner, de la lumière. L'idée de couleurs, de textures et parfois c'est de la restauration où les gens sont émerveillés de revoir leur vitrail autrement.

Élodie Schneider, vitrailliste et fondatrice de l’atelier : les aventures verrières.

« C'est vraiment un métier, où il faut se concentrer. En démontant un vitrail, il faut faire attention à ne pas casser de pièces, à bien jeter ses plombs, à porter un masque aussi pour se protéger, parce qu'il y a aussi tout l'aspect santé et hygiène, parce que nous travaillons avec du plomb, précise la vitrailliste. Aujourd'hui, il faut faire vraiment très attention avec ces contraintes importantes pour notre santé. Il faut aussi avoir un petit côté créatif si l'on souhaite faire de la création. En restauration, je pense qu'être passionnée, c'est un peu la base. »

Originaire d’Alsace, Élodie Schneider a vécu dans la région du parc naturel des Vosges du Nord, une région riche en histoire des métiers du verre. Elle a été fascinée très jeune par le travail du verre, après des études en arts plastiques, elle s’est tournée vers le vitrail, un art qui allie technique et créativité.

« J'ai appris à manier, à souffler, à cueillir le verre, c’est l’expression à l'état pur, à l'état liquide, en fusion, et d'appréhender ce verre. Ensuite, il y avait ce côté patrimoine qui m’attirait beaucoup et qui est important pour moi. Je me suis dit "bon allez, maintenant, je sais que c'est le vitrail et que c'est cela que j'ai envie de faire", se souvient-elle. Et j'ai été prise dans un atelier dans le sud de la France, entre Montélimar et Avignon. Pendant deux ans, j’ai participé à beaucoup de chantiers à droite à gauche, j’ai acquis de l’expérience et j'ai passé un CAP vitrail. Cela existe et c'est une manière très agréable d'apprendre ce métier ».

Après sa formation, Élodie Schneider entreprend un tour de France à vélo pour découvrir le travail du verre et ses multiples techniques.

« Il faut aller dans différents ateliers. Il y a eu un an entre Paris et Lille avec une formation en peinture sur verre pour vraiment compléter le métier et après un an en Normandie vers Étretat, explique Élodie Schneider. Après, j'ai décidé de prendre le vélo et de continuer cette expérience en faisant du ponctuel. Deux mois en Pays de la Loire, une semaine dans le Jura, quatre mois à Rouen. C'était une expérience très enrichissante de faire du vélo et d'aller à la rencontre des artisans ».

C’est cette soif de découverte des techniques qui a amené Élodie Schneider sur le chantier de Notre-Dame de Paris. « Lorsque l'incendie de Notre-Dame a eu lieu, j'étais en stage à la Dombauhütte Köln, les ateliers de la cathédrale de Cologne. Il y en a une petite vingtaine partout en Europe, il y en a une en France, elle est à Strasbourg. Elles ont toujours été là. Par exemple, à Cologne, elle a toujours été présente parce qu'il y a toujours quelque chose à restaurer. Nous ne pouvons pas laisser une cathédrale sans atelier. Cela permet des archives, un travail d'une très haute qualité, avec des gens qui sont pointus dans leur domaine et qui sont surtout passionnés par ce qu'ils font. C'est pour cela que je suis parti en stage pendant un mois. Et durant ce stage, Notre-Dame de Paris a brûlé. Il y a eu de l'émotion, se rappelle-t-elle. Je n'y ai pas tout de suite cru. Nous pensons aux Français et aux Parisiens, mais le monde entier a été très touché et les Allemands, ils avaient tous pleuré la veille. Ils m'ont dit "Élodie, qu'est-ce que nous pouvons faire pour aider concrètement, là, maintenant, tout de suite ? Nous sommes là". Deux ans plus tard, j'ai l'un des chefs de la cathédrale de Cologne qui m'appelle et me demande si je voulais être avec eux pour travailler sur le chantier de Notre-Dame de Paris ? Parce qu'entre-temps, il y a eu des cagnottes, mais au lieu donner les sous aux Français et à Notre-Dame, ils ont demandé à être présents, être acteur et donner leur savoir-faire. C’est comme cela que quatre baies, un lot, a été transporté en Allemagne et restauré outre-Rhin ».

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En participant à la restauration de la cathédrale, Élodie Schneider renforce son engagement envers la préservation du patrimoine culturel français et s’est appuyé sur des archives de l’INA, l’Institut national de l’audiovisuel, afin d’analyser les gestes de l’artiste et maître verrier Jacques Le Chevallier qui a créé, entre 1961 et 1965, les vitraux qui ont fait l’objet de la restauration. « Ce qui était très intéressant, c'est que nous avions des archives de l'INA concernant Jacques Le Chevallier, qui est l'artiste qui a créé ces vitraux. Nous avons pu retrouver visuellement les gestes qu'il utilisait pour peindre et les outils aussi. Il y avait des sortes de peignes en plastique où il crantait lui-même le plastique pour pouvoir réutiliser avec la grisaille qu'il enlevait au fur et à mesure. C'était génial avec ces collègues allemandes, qui sont dans la précision du geste et qui vont même parfois jusqu'à voir aux jumelles des vitraux pour pouvoir recomposer en faisant le geste de l'artiste et nous les voyions faire. C'était vraiment formidable de voir toute cette passion et cette envie de reproduction à l'identique. Cela a été tout un travail aussi, de trouver les recettes, de retrouver les teintes. Après, il n'y avait pas non plus énormément de casse, donc nous avions quelques lacunes à refaire ».

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Élodie Schneider a joué aussi un rôle d’organisation afin de résoudre les défis logistiques et techniques rencontrés lors de ce chantier. « Je suis vraiment une technicienne, si on peut dire cela, mais il a fallu se coordonner avec tous les corps de métiers sur place, avec la maîtrise d'œuvre et la maîtrise d'ouvrage. J'ai très vite compris que c'est moi qui allais prendre ce rôle-là, vu que je parlais français. Avec mes collègues en Allemagne, c'était un peu plus compliqué pour lire les comptes rendus, donc, je leur faisais les traductions. Et puis il fallait être très présent, surtout au démarrage du chantier à Paris. J’y allais parfois même toutes les semaines pour les réunions de chantier et être présente et comprendre comment tout allait se passer pour la suite, gérer cet aspect-là du côté allemand et puis partager aussi les informations que j'avais. J’avais bien sûr des chefs en Allemagne qui eux coordonnaient aussi parce que nous avions de nombreuses restaurations à faire, des délais à tenir, une multitude d'aspects. C'était vraiment intense, mais très intéressant. Pour moi, cela a été une très belle expérience ».

Pour Élodie Schneider, il est nécessaire de préserver non seulement les monuments emblématiques comme Notre-Dame de Paris, mais aussi d'autres édifices moins connus. « Nous parlons beaucoup de Notre-Dame de Paris, mais parlons de notre patrimoine ! J'ai été appelée pour une toute petite chapelle qui a brûlé en novembre de l'année dernière. Il y a aussi toutes ces petites églises, des bijoux, notre patrimoine qui parfois se font malheureusement détruire pour toutes les raisons du monde. Mais il ne faut pas oublier cette richesse aujourd'hui, souligne la vitrailliste. Il faut continuer à y penser et à le préserver pour la suite et nous aussi de notre côté, il faut continuer de transmettre au niveau de nos métiers qui sont passionnants et très prenants et que les jeunes aujourd'hui continuent à l'être. Ces idées sont aussi importantes. » 

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À écouter aussiÉdouard Cortès, un charpentier à la hache à Notre-Dame de Paris [8/9]

100 % création continue sa série spéciale autour des métiers qui ont contribué au chantier de Notre-Dame de Paris. Aujourd’hui, nous avons rendez-vous avec Édouard Cortès, apprenti charpentier à la hache ou équarrisseur. Au cœur de la restauration de Notre-Dame de Paris, les charpentiers à la hache ont réutilisé des techniques médiévales. Ce retour aux sources met en valeur un savoir-faire ancestral tout en répondant aux exigences contemporaines. 

Moi, c’est la taille à la hache d’un canoë qui m’a mené jusqu’à la grande nef, le vaisseau amiral de Notre-Dame sur l’île de la Cité.

Édouard Cortès, apprenti charpentier à la hache ou équarrisseur

L’équarrissage, c’est un labeur monacal assez épuisant et il faut parfois faire reposer les muscles. Nous faisions des périodes d’un mois ou deux, parfois quelques semaines et d’autres venaient prendre le relais. Pour les charpentiers équarrisseurs, ceux qui ont travaillé à la hache, nous étions une quarantaine à nous relayer. Nous n’étions pas en permanence sur le même site. Nous nous relayions tout simplement pour la santé, pour éviter de s’épuiser et puis aussi parce que cela a donné la place à plusieurs charpentiers à la hache. Nous sommes plusieurs à avoir eu ce petit privilège de pouvoir tailler les poutres de Notre-Dame.

Édouard Cortès est né à Paris. Sa vie est marquée par le voyage et la découverte. Son parcours, riche en expériences, lui a permis de développer une approche unique du travail du bois. Il a construit une cabane en bois dans le Périgord, puis un canoë en bois, à la hache. Le respect de la nature et de la créativité l’ont conduit sur le chantier de Notre-Dame de Paris. Mais Édouard Cortès a aussi une relation personnelle avec la cathédrale.

« Est-ce que c’est un hasard que je sois sur le chantier de Notre-Dame ? J’ai une petite histoire avec Notre-Dame : j’ai demandé ma femme en mariage au kilomètre zéro sur le parvis de Notre-Dame, et je suis parti à Jérusalem à pied, j’ai fait un grand voyage et je suis parti de Notre-Dame pour ce voyage. J’ai toujours eu une affection pour Notre-Dame, comme nous avons tous une affection pour Notre-Dame, et puis encore plus avec l’effroi de l’incendie qui nous a révélé ce qu’était cette cathédrale justement, pas seulement une cathédrale, mais aussi un cœur battant. Et là, c’était un cœur brûlé. Aujourd’hui, en voyant le bâtiment, la restauration, le grand vaisseau, le grand berceau parisien qui renaît de ses cendres, je me dis : "Le cœur brûlé est maintenant un cœur brûlant." Alors, je ne sais pas très bien où j’en suis dans ma foi, mais en tout cas, je suis heureux de voir qu’à Notre-Dame il y a un nouveau cœur qui bat. »

Édouard Cortès fait partie de la quarantaine de charpentiers équarrisseurs qui ont travaillé à la hache afin de refaire à l’identique la charpente de Notre-Dame de Paris.

« La technique d’équarrissage, c’est une technique médiévale, nous travaillons sur bois vert. À l’atelier, les grumes, ces troncs d’arbres qui sont dégagés de leurs branches, sont posées sur des tréteaux et alors là commence le travail de l’équarrisseur. Nous cherchons à garder la forme de l’arbre pour des questions mécaniques, donc à suivre le fil du bois. Nous faisons notre marquage et travaillons avec plusieurs types de haches. Une fois la forme repérée, nous faisons nos marquages au rouge, au noir, retirons l’écorce et ensuite, nous travaillons avec différents types de cognées, différents types de haches. D’abord des grosses cognées, là, nous montons sur le tronc d’arbre, nous sommes debout pour retirer des gros morceaux de bois, des grosses chutes, des gros éclats. Et là, il faut y aller. Ensuite, nous prenons la doloire, cette hache qui est un peu désaxée, qui n’a qu’un seul biseau, qu’un seul taillant, et avec la doloire, nous raclons légèrement, nous enlevons une fine couche, parfois des copeaux pour affiner et c’est ce qui donne cette finition. Quand vous voyez une poutre avec ses petites vaguelettes, appelées cupules, qui laissent la trace de l’outil et qui laissent un petit creux. »

La restauration de Notre-Dame de Paris a fait appel à la doloire, une hache ancienne de charpentier.

« La doloire a été notre outil, comme le guerrier à son arme, ou comme le peintre son pinceau, l’écrivain son stylo. Nous avons la doloire. Cela vient du latin dolor, c’est la souffrance, la douleur, donc oui, il y avait un effort constant. Quand vous équarrissez une longue poutre à la doloire, cette hache spécifique, eh bien, il faut être persévérant. Il y a une forme de musique intérieure. Vous avez une grande longueur. Si vous faites un chevron de douze mètres, vous savez que vous en avez pour la journée. Vous avancez petit à petit. C’est comme la marche, c’est lent, mais vous avez un objectif. Et le soir, quand vous regardez votre poutre, vous vous dites : "Ah ! J’ai fini ma poutre. Incroyable ! Dans une journée, j’ai réussi à dégager une poutre. Et je sais où elle ira dans la charpente de Notre-Dame." Alors, vous êtes le plus content des artisans et vous êtes proche de l’artiste parce que votre travail est accompli. Vous avez fait un petit chef-d’œuvre. Vous ne signez pas votre chef-d’œuvre. C’est ce qui distingue peut-être l’artisan de l’artiste. En tout cas, vous avez juste marqué parfois d’un peu de sang, quand vous vous êtes éclatés les mains, qui se mélangent au tanin, de sueur, c'est sûr. Mais vous avez juste laissé une petite trace de la hache, une petite trace de la doloire. C’est d’ailleurs ce que nous, les charpentiers, nous laisserons là-haut : les traces de nos doloires. »

La reconstruction de Notre-Dame de Paris a présenté de nombreux défis, allant des techniques de construction à la gestion du temps. Des conditions de travail difficiles, il fallait respecter l’héritage architectural de la cathédrale tout en maintenant un haut niveau de qualité.

« Le grand défi, c’était d’imaginer ces délais, de faire très bien avec très peu de temps. Impossible n’est pas français, c’est impressionnant. Quand il y a une volonté — il y a eu de l’argent, évidemment, il faut saluer les 340 000 donateurs, des petits aux grands donateurs, il faut saluer cette puissance financière qui a permis la résurrection de Notre-Dame -, une volonté, assez forte, et un objectif commun, et puis une camaraderie, une humanité dans chacun. Nous avons essayé d’être bons, pas seulement dans notre travail, mais aussi dans les rapports. Nous savions que le chantier serait exceptionnel, que la pression qui était mise sur chacun, du plus petit au plus grand dans la dimension hiérarchique du chantier, nous savions que cette pression serait difficile pour les délais. Je crois que nous avons été à la hauteur de cette pression parce que nous avons été bons. Évidemment, il y a eu des accrocs, des engueulades, des tas de contraintes. La pierre, le bois, le plomb, le verre nous contraignent. Mais je crois qu’au-delà du bel ouvrage, nous avons essayé de faire une belle œuvre humaine. Une sorte de cathédrale de compagnons. Malgré les différences d’où nous venions, qui nous étions, ce que nous voulions dans ce chantier, malgré tout cela, nous avons été aussi bons et nous avons fait de belles œuvres aussi entre nous. »

Ce chantier extraordinaire a changé la vie d’Édouard Cortès, charpentier à la hache.

« Ce grand malheur nous a fait retrouver la mémoire de notre pays. Nous aurions pu faire une flèche de verre. Non, nous avons refait un geste ancestral. Le plus beau geste contemporain qui a été fait, c’est de se souvenir de nos anciens et de se dire, il y a un tout petit geste à la doloire qui a été fait et qui a permis qu’une charpente en bois vert dure plus de 850 ans. Refaisons comme nos anciens, refaisons du bel ouvrage pour que cela dure encore 1 000 ans. Quand vous traversez la grande forêt, le grand comble, il y a une émotion. Cela vibre, c’est beau, c’est esthétique et en plus c’est solide et c’est là sans doute pour 1 000 ans encore. »          

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